Die 1940er Jahre Kunst und Unterhaltung: Themen in den Nachrichten

AMERIKA ENTDECKT SEINE EIGENE KUNSTFORM
EIN GOLDENES ZEITALTER FÜR COMIC-BÜCHER
AMERIKANISCHE LITERATUR REAKTIONIERT AUF DIE REALE WELT
HOLLYWOOD ZIEHT IN DEN KRIEG
MUSIK NIMMT EIN SCHWINGEN UND SCHWEIGEN
AMERIKANISCHES THEATER SENKT SICH

AMERIKA ENTDECKT SEINE EIGENE KUNSTFORM

Eine kleine Gruppe amerikanischer Künstler experimentierte in den 1930er Jahren in New York mit abstrakter Kunst. Sie wurden durch das Federal Arts Project (FAP) finanziert, eines der vielen Regierungsprogramme des New Deal. Die staatliche Finanzierung nahm den Künstlern den finanziellen Druck und erlaubte ihnen, neue Dinge auszuprobieren. Ein noch wichtigerer Einfluss auf die amerikanische Kunst kam jedoch aus Europa. Als 1939 der Krieg begann, flohen viele Künstler aus Deutschland, Frankreich und anderen Ländern in die Vereinigten Staaten. Der niederländische Maler Piet Mondrian (1872-1944), der 1940 eintraf, war einer der einflussreichsten. Zu den anderen europäischen Auswanderern gehörte der französische Maler Marc Chagall (1887-1985), der Wandgemälde für das Metropolitan Opera House in New York entwarf. Auch der Deutsche Max Ernst (1891-1976) und der Spanier Salvador Dali (1904-1989) verbrachten einige Zeit in New York. Mondrian, der bereits berühmt war, als er nach Amerika kam, hatte im Januar 1942 seine erste (und einzige) Einzelausstellung in New York. Die Europäer ermutigten die amerikanischen Künstler, sich von der realistischen Malerei abzuwenden und stattdessen Bilder zu schaffen, die auf Träumen und Gefühlen basieren.

1939 wurde in New York City das Museum of Non-Objective Painting eröffnet. Zu dieser Zeit gab es in New York einundzwanzig hundert Künstler, die alle von der FAP der Works Progress Administration (WPA) bezahlt wurden. Weitere tausend Bewerber standen auf der Warteliste. Zu den FAP-Künstlern gehörten so bekannte Namen wie Willem de Kooning (1904-1997), Lee Krasner (1908-1984) und Mark Rothko (1903-1970). Jahre später sagte Jackson Pollock (1912-1956), er sei der WPA dankbar dafür, dass sie „mich während der dreißiger Jahre am Leben gehalten hat“

Das Schlüsseljahr für die Entwicklung der amerikanischen Kunst in diesem Jahrzehnt war 1942. Künstler wie Mondrian und Rothko hatten Anfang des Jahres Einzelausstellungen. In einer Galerie namens McMillen Inc. in New York stellten amerikanische und europäische Künstler gemeinsam aus. Und im Herbst 1942 eröffnete Peggy Guggenheim (1898-1979) die Art of This Century Gallery, in der zeitgenössische amerikanische Kunst neben Meisterwerken des frühen zwanzigsten Jahrhunderts gezeigt wurde. Die Galerie wurde zum Zentrum der so genannten New York School. William Baziotes (1912-1963), Pollock und andere stellten dort aus. Vor allem aber machte sie die Welt mit dem abstrakten Expressionismus bekannt, dem Malstil, der die amerikanische Kunst des 20. Jahrhunderts prägte.

Der Begriff „abstrakter Expressionismus“ wurde erstmals von dem Kunstkritiker Robert Coates (1897-1973) in einem Artikel im New Yorker vom März 1946 verwendet. Er bezieht sich auf eine einzige Gruppe von Künstlern, die in den 1940er Jahren in New York arbeiteten. Tatsächlich lassen sich die abstrakten Expressionisten jedoch in drei Hauptgruppen unterteilen: die „Aktionsmaler“, die „Farbfeldmaler“ und andere Maler, die sich nicht so leicht definieren lassen, wie Philip Guston (1913-1980) und Adolph Gottlieb (1903-1974).

Die bekanntesten Aktionsmaler sind Jackson Pollock und Willem de Kooning. Sie arbeiteten auf riesigen Leinwänden, die meist auf dem Boden ausgelegt waren. Sie trugen die Farbe auf, indem sie sie schütteten und tropften, oder indem sie ihren eigenen Körper oder Gegenstände wie Fahrräder benutzten, um sie zu verteilen. Ziel war es, so nah wie möglich am Bild zu sein. Aktionsbilder halten vor allem das Geschehen selbst fest. Die Farbfeldmaler wurden von Mark Rothko (1903-1970), Adolph „Ad“ Reinhardt (1913-1967) und Barnett Newman (1905-1970) angeführt. Ihre Gemälde bestanden aus riesigen flachen Flächen oder „Feldern“ aus einer einzigen Farbe. Dort, wo diese Farbfelder zusammentreffen, verlaufen sie oft ineinander. Rothko war der Meinung, dass die realistische Malerei nach dem Zweiten Weltkrieg keine menschlichen Gefühle mehr ausdrücken konnte. Seine intensiven Farbfelder überwältigen den Betrachter mit ihrer Präsenz und Schönheit.

Die abstrakte expressionistische Malerei ist im Allgemeinen nicht realistisch; sie versucht vielmehr, Gedanken, Gefühle, Mythen und Träume auszudrücken. Im Laufe des Jahrzehnts begannen sich die abstrakten Expressionisten in noch kleinere Gruppen aufzuspalten. Aber alle beteiligten Maler behielten ihr Interesse am Ausdruck von Gefühlen durch die Malerei bei. Mit dem abstrakten Expressionismus hatte Amerika endlich eine Kunstform, die es sein eigen nennen konnte.

EIN GOLDENES ZEITALTER FÜR COMIC-BÜCHER

Das Comicbuch wurde in den Vereinigten Staaten um 1933 erfunden. Bis 1940 hatte es sich zu einer anspruchsvollen und sehr populären Form der Literatur entwickelt. In diesem Jahr wurden mehr als 150 Titel gedruckt, die Kategorien wie Krimi, Fantasy, Romantik, Horror, Western und Krieg abdeckten. Doch zwei Figuren dominierten in den 1940er Jahren den Verkauf von Comics. Superman, erschaffen von Jerry Siegel (1914-1996) und Joe Shuster (1914-1992), war 1938 erschienen. Batman, der von Bob Kane (1915-1998) erschaffen wurde, tauchte 1939 zum ersten Mal aus der Bat-Höhle auf. Bis 1940 waren sowohl Superman- als auch Batman-Comics Verkaufsschlager. In der Hoffnung, an ihren Erfolg anknüpfen zu können, stellte National Periodical Publications viele weitere Helden mit Umhängen und Kostümen vor, darunter Flash, Hawkman und Green Lantern. Captain Marvel erschien erstmals 1940 in Whizz Comics, Captain America 1941. Wie Captain Marvel fügte Plastic Man einer ansonsten meist ernsten, patriotischen Gruppe von Figuren eine humorvolle Note hinzu.

Kunst und Afroamerikaner

Bis in die 1940er Jahre hatten Afroamerikaner nur wenig Einfluss auf die weiße Kunstwelt. Jacob Lawrence (1917-2000) war einer der ersten schwarzen Künstler, der die Aufmerksamkeit der breiten Öffentlichkeit auf sich zog. Seine Serie The Migration of the Negro (1940-41) umfasst sechzig Gemälde, die die Geschichte der schwarzen Amerikaner erzählen. Lawrence lehrte am Black Mountain College in North Carolina. Am Ende des Jahrzehnts wurde er als einer der wichtigsten amerikanischen Künstler dieser Zeit gefeiert. Einen weiteren Auftrieb erhielten schwarze Künstler durch das Buch Modern Negro Art (1943). In diesem Werk katalogisierte James A. Porter (1905-1970) die bis dahin entstandenen Werke schwarzer Künstler. Porter rettete viele vernachlässigte afroamerikanische Künstler vor der Vergessenheit.

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs begann die patriotische Begeisterung abzuflauen. Western und Liebesgeschichten wurden nun beliebter als Superhelden-Comics. Auch Kriminalgeschichten wurden populär. Die Serie Crime Does Not Pay begann 1942. Aber Verbrechercomics haben sich durchaus gelohnt. Bis 1945 war der Kriminalcomic zu einem der meistverkauften Comics in Amerika geworden. Bilder von spärlich bekleideten Frauen führten dazu, dass Kriminalcomics als ungeeignet für Kinder angesehen wurden. Als die Besorgnis über den Inhalt von Kriminalcomics wuchs, wurden sie abgeschwächt. In den 1950er Jahren achteten die Verleger von Kriminalcomics sehr genau darauf, was in ihren Magazinen erschien.

Die 1940er Jahre gelten aufgrund der großen Zahl der verkauften Titel als das goldene Zeitalter der Comics. Doch Originalexemplare sind schwer zu finden. Sie galten als Wegwerfartikel und wurden oft weggeworfen, nachdem sie gelesen worden waren. Einige wurden aufgrund von Protesten über ihren Inhalt vernichtet. Viele andere wurden während der Papierknappheit in Kriegszeiten pulped (recycelt). Im zwanzigsten Jahrhundert ist ein florierender Sammlermarkt für Comics aus den 1940er Jahren entstanden.

Taschenbücher

Nach dem großen Erfolg in den 1930er Jahren begannen Pulp-Magazine wie Black Mask in den 1940er Jahren ihre Leserschaft zu verlieren. Ein Grund dafür war das Aufkommen des Taschenbuchs. Allen Lane (1902-1970) führte 1936 die Penguin-Taschenbücher in Großbritannien ein. Penguin inspirierte Robert Fair de Graff (1895-1981) zur Gründung von Pocket Books in den Vereinigten Staaten im Jahr 1939. Andere Verlage drängten auf den Markt. Taschenbücher wurden bald die beliebteste Form der Buchveröffentlichung. 1947 veröffentlichte der Krimiautor Mickey Spillane (1918-) seinen ersten Roman, I, The Jury, als Hardcover. Er verkaufte sich für ein gebundenes Buch recht gut. Im folgenden Jahr brachte Signet eine Taschenbuchausgabe heraus. Bis zum Ende des Jahrzehnts wurden erstaunliche zwei Millionen Exemplare verkauft.

AMERIKANISCHE LITERATUR REAGIERT AUF DIE REALE WELT

Die 1940er Jahre waren ein Jahrzehnt des Wandels in der amerikanischen Literatur. In den 1930er Jahren beschrieben viele amerikanische Schriftsteller das furchtbare Leid, das die Große Depression verursacht hatte. Schriftsteller wie Theodore Dreiser (1871-1945) und Sinclair Lewis (1885-1951) hatten Karriere gemacht, indem sie Romane schrieben, die die amerikanischen Erfahrungen dokumentierten. Das Jahr 1939 markierte jedoch das Ende einer Periode des Realismus in der amerikanischen Belletristik. Auch die Gruppe von Schriftstellern, die als „verlorene Generation“ bekannt ist, geriet in Ungnade. F. Scott Fitzgerald (1896-1940) starb, als die 1940er Jahre begannen. Ernest Hemingway (1899-1961) veröffentlichte 1940 For Whom the Bell Tolls (Wem die Stunde schlägt), dann wurde es für einige Jahre still. Selbst William Faulkner (1897-1962), der 1949 den (1950 verliehenen) Nobelpreis für Literatur erhielt, schrieb in den 1940er Jahren hauptsächlich Drehbücher. Eine Ära der amerikanischen Belletristik ging zu Ende, und eine neue begann gerade.

Die Alternative zum Realismus war der Modernismus. Die Schriftsteller der Moderne sahen keine Notwendigkeit, das Leben der arbeitenden Menschen zu beschreiben. Sie verzichteten darauf, die Gesellschaft direkt zu kommentieren. Bei den Europäern der 1920er Jahre und früher hatte der Roman begonnen, sich auf die einzigartige Sichtweise eines einzelnen Individuums zu konzentrieren. Einfache Handlungsstränge und Erzählungen wurden aufgegeben, und es wurden einfallsreiche neue Wege zur Beschreibung von Figuren gefunden. Von den amerikanischen Schriftstellern hatten jedoch nur Faulkner und John Dos Passos (1896-1970) vor den 1940er Jahren mit modernistischen Techniken experimentiert. Amerikanische Schriftsteller reagierten nur langsam auf den Trend der neuen Belletristik.

Dann, im Jahr 1944, veröffentlichte Saul Bellow (1915-) Dangling Man, einen Roman über die Reaktion eines Individuums auf die moderne Welt. Andere modernistische Schriftsteller, darunter Truman Capote (1924-1984) und Chester Himes (1909-1984), folgten Bellow. Doch was sich zu einer bedeutenden Bewegung in der amerikanischen Belletristik entwickeln sollte, stand erst am Anfang. Noch in den 1940er Jahren schrieben realistische Autoren wichtige Werke. Robert Penn Warren (1905-1989) gewann 1946 den Pulitzer-Preis für All the King’s Men. Die Schriftstellerinnen Carson McCullers (1917-1967) und Eudora Welty (1909-2001) waren beide einflussreiche Vertreterinnen der regionalistischen Belletristik (Belletristik, die an einem bestimmten Ort angesiedelt ist), die das Leben im Süden beschreibt.

Neben der Moderne gab es in den 1940er Jahren noch andere Einflüsse auf die amerikanische Belletristik. Viele junge Schriftsteller erlebten den Zweiten Weltkrieg (1939-45), und es war unvermeidlich, dass Romane über den Krieg erscheinen würden. Die beiden einflussreichsten Kriegsromanautoren waren John Hawkes (1925-1998) und Norman Mailer (1923-). Hawkes‘ Roman The Cannibal (1949) untersuchte die Kultur des Krieges und seine Folgen. Mailers The Naked and the Dead (1948) etablierte ihn als einen der wichtigsten Schriftsteller der amerikanischen Nachkriegszeit.

Während der Roman im Allgemeinen eine Phase des Wandels durchlief, begannen auch schwarze Schriftsteller, von der allgemeinen Leserschaft wahrgenommen zu werden. Die Veröffentlichung von Native Son im Jahr 1940 war ein Wendepunkt für die schwarze Belletristik. Der Roman machte seinen Autor, Richard Wright (1908-1960), zu einer prominenten literarischen Figur. Viele Kommentatoren waren mit Wrights Sicht der Schwarzen in Amerika nicht einverstanden, doch dank Native Son nahm das weiße Amerika plötzlich Notiz von schwarzen Schriftstellern. Zora Neale Hurston (1891-1960) und Chester Himes (1909-1984) wurden in den 1940er Jahren ebenfalls bekannt, während James Baldwin (1924-1987) am Ende des Jahrzehnts gerade seine Karriere begann.

HOLLYWOOD GOES TO WAR

Nach einem Jahrzehnt der üppigen Musicals, Screwball-Komödien und fröhlichen Dramen begann sich Hollywood um 1940 zu verändern. In diesem Jahr veröffentlichte Charlie Chaplin (1889-1977) The Great Dictator, seine Satire auf den Aufstieg des deutschen Diktators Adolf Hitler (1889-1945). Im Juli 1941 wurde Sergeant York eröffnet. Die Geschichte eines widerwilligen amerikanischen Kriegshelden, Sergeant York, war ein offensichtlicher Aufruf an die Vereinigten Staaten, in den Krieg einzutreten. Später wurde sie vom Militär in einer Rekrutierungskampagne verwendet. Isolationisten, d. h. Menschen, die wollten, dass sich die Vereinigten Staaten aus dem Krieg heraushalten, griffen Hollywoods Begeisterung für den Kriegseintritt an. Die Anhörungen im Kongress zu diesem Thema halfen den Isolationisten jedoch nicht. Wie der republikanische Präsidentschaftskandidat Wendell Willkie (1892-1944) betonte, waren 95 Prozent der Hollywood-Produktion unpolitisch. Zu dieser anderen, unpolitischen Hollywood-Kost gehörte Disneys klassischer Zeichentrickfilm Fantasia, der 1940 in die Kinos kam. Auch nach dem Kriegseintritt der USA produzierten die Filmstudios weiterhin leichte Komödien und Liebesfilme.

Im Dezember 1941, nur zehn Tage nach der Bombardierung von Pearl Harbor, ergriff Präsident Roosevelt (1882-1945) Maßnahmen, um Hollywood zu ermutigen, Filme zur Unterstützung der Kriegsanstrengungen zu produzieren. Die Studios kooperierten und produzierten pro-amerikanische Filme wie Casablanca (1942). Bis Mitte 1942 wurden etwa siebzig kriegsbezogene Filme gedreht. Drehbuchautoren gaben bestehenden Drehbüchern und sogar teilweise fertigen Filmen eine kriegsbedingte Umgestaltung. Gangster wurden zu Nazi-Spionen, während Tarzan es mit deutschen Invasoren aufnahm. Die Japaner wurden als grausame und bösartige Bestien dargestellt.

Das Office of War Information (OWI) wurde eingerichtet, um die Propagandabemühungen zu koordinieren (Propaganda ist eine Information, die dazu dient, die Menschen von der Position der Regierung zu überzeugen). Sein Leiter, Nelson Poynter (1903-1978), war besorgt über die vereinfachende Art und Weise, in der Hollywood den Krieg darstellte. Er wünschte sich mehr positive Filme, die „gute“ Deutsche im Widerstand gegen die Nazis zeigten. Das OWI-Handbuch forderte die Filmemacher auf, sich zu fragen: „Wird dieser Film dazu beitragen, den Krieg zu gewinnen?“ Das OWI übte Druck auf Hollywood aus, indem es Filmen, die nicht den Richtlinien des Handbuchs entsprachen, den Vertrieb im Ausland verweigerte. Da Hollywood von den Auslandsverkäufen abhängig war, um Gewinne zu erzielen, war die Befolgung des OWI-Handbuchs wirtschaftlich sinnvoll.

Während sich Hollywood als Ganzes mit seinen pro-amerikanischen Filmen an den Kriegsanstrengungen beteiligte, taten auch viele einzelne Filmemacher, was sie konnten, um zu helfen. Der Regisseur Frank Capra (1897-1991) meldete sich zur Armee und begann mit der Produktion von Dokumentarfilmen. Capras erster Film einer Serie, Prelude to War, gewann 1942 den Oscar für den besten Dokumentarfilm. Andere Regisseure, wie John Ford (1895-1973), machten ähnliche Arbeiten. Doch John Huston (1906-1987) verstieß mit Let There Be Light (1946), einem Film über Kriegsveteranen mit Kriegsneurose, gegen die Vorschriften der Armee. Auch viele Schauspieler meldeten sich bei den Streitkräften. James Stewart (1908-1997) und Douglas Fairbanks Jr. (1909-2000) meldeten sich innerhalb weniger Wochen nach Pearl Harbor. Frank Sinatra (1915-1998), der wegen eines geplatzten Trommelfells für militärdienstuntauglich erklärt wurde, musste hart arbeiten, um seine Filmfans nach Kriegsende zurückzugewinnen.

Neben der Beteiligung an den Kriegsanstrengungen begannen Filmemacher in den 1940er Jahren, eine neue Art von Film zu drehen. Ein Überraschungshit des Jahres 1941 war Der Malteser Falke, eine Verfilmung eines Romans von Dashiell Hammett (1894-1961). Innerhalb weniger Jahre hatten diese düsteren, zynischen Detektivfilme einen Namen: Film Noir. Noir-Filme sind schattig, dunkel und düster, sowohl was die Optik als auch was die Thematik betrifft. Das Amerika der Nachkriegszeit schien ein blühender, optimistischer Ort zu sein. Dennoch spiegelte der Film Noir die Sorge wider, dass die Dinge nicht so gut waren, wie sie schienen. Der Kalte Krieg (ein ideologischer Krieg zwischen den Vereinigten Staaten und der ehemaligen Sowjetunion) begann kurz nach Ende des Zweiten Weltkriegs und brachte die Angst vor einem Atomkrieg mit sich. Die Amerikaner hatten Angst vor einer kommunistischen Machtübernahme. Aber sie waren auch besorgt, dass man ihrer eigenen Regierung nicht trauen konnte. Filme wie The Big Sleep (1946), The Killers (1946) und Out of the Past (1947) beschreiben diese Ängste.

Hollywood hatte in den 1940er Jahren guten Grund, sich bedroht zu fühlen. Trotz der Popularität des Film Noir gingen die Besucherzahlen in den Kinos stetig zurück. Zu allem Überfluss beendete das US-Justizministerium die vollständige Kontrolle der Studios über den Filmvertrieb. Im Mai 1947 beschuldigte das House Un-American Activities Committee (HUAC) Hollywood, Subversive zu beherbergen. Viele Personen wurden aufgefordert, bei Anhörungen des Kongresses über ihre politischen Ansichten Auskunft zu geben. Dalton Trumbo (1905-1976) und John Howard Lawson (1894-1977) gehörten zu den zehn Schriftstellern und Regisseuren, die sich weigerten, bei der „Hexenjagd“ mitzumachen, und die als die Hollywood Ten bezeichnet wurden. Sie und viele andere wurden auf die schwarze Liste gesetzt, was bedeutete, dass sie nicht mehr in der Filmindustrie arbeiten durften. Das Image Hollywoods wurde durch die Kontroverse beschädigt, aber viele der so genannten Hollywood Ten arbeiteten schließlich wieder dort. Autoren, die auf der schwarzen Liste standen, darunter auch Trumbo, reichten Drehbücher unter anderen Namen ein, und die Studiobosse drückten ein Auge zu.

MUSIK WIRD SCHWINGEND UND STILL

Die 1940er Jahre waren dynamische Jahre für die amerikanische Musik. Elektrische Instrumente revolutionierten den Blues, der Bebop mischte den Jazz auf, und sogar die klassische Musik experimentierte mit neuen Klängen. Musiker stellten bestehende Stile in Frage oder verschmolzen sie zu neuer Musik. Die Ankunft europäischer Komponisten, die vor den Nazis in Deutschland flohen, hatte einen großen Einfluss auf die klassische Musik und die Filmmusik. Verbesserte Aufnahmetechniken und neue, erschwingliche Technologien führten dazu, dass Musik den Alltag zu begleiten begann.

Der Malteser Falke

Als Der Malteser Falke 1941 erschien, war es das dritte Mal, dass Dashiell Hammetts Roman verfilmt wurde. Die beiden vorangegangenen Versuche waren katastrophale Misserfolge. Auch dieser Versuch sah zunächst nicht nach einem Erfolg aus. Der Film wurde von John Huston (1906-1987) gedreht, der zum ersten Mal Regie führte, und zwar mit einer Low-Budget-Besetzung. Humphrey Bogart (1899-1957), der bald ein großer Star werden sollte, war damals nur ein gewöhnlicher Gangsterfilm. Sidney Greenstreet (1879-1954) war über sechzig Jahre alt und spielte in seinem ersten Film mit. Mary Astor (1906-1987) versuchte, ihre durch einen Skandal in den 1930er Jahren ruinierte Karriere wieder aufzubauen. Peter Lorre (1904-1964) hatte jahrelang in Nebenrollen gearbeitet. Doch dieser „B“-Film von Warner Brothers (eine Bezeichnung für Low-Budget-Filme) sollte zu einem der größten Filme aller Zeiten werden. Der Malteser Falke wird oft als der erste echte Film Noir bezeichnet und ist auch einer der besten Filme dieses Genres. Er machte nicht nur Bogart, Greenstreet, Astor und Lorre zu Stars, sondern trug auch dazu bei, das Gesicht des amerikanischen Filmschaffens in den 1940er Jahren zu verändern.

Swing war der Soundtrack zum Zweiten Weltkrieg. In den 1930er Jahren entwickelt, war der Swing ab 1940 überall zu hören, von Schallplatten mit 78 Umdrehungen pro Minute, die in Privathaushalten gespielt wurden, bis hin zu Tanzlokalen, Filmen und im Radio.

Einige Big Bands wurden von Solomusikern wie dem Trompeter Louis Armstrong (1901-1971) und dem Klarinettisten Benny Goodman (1909-1986) geleitet. Andere Bands tourten durch das Land, angeführt von Sängern wie Billie Holiday (1915-1959) und Frank Sinatra (1915-1998). In der zweiten Hälfte des Jahrzehnts nahm die Popularität des Swing ab. Perry Como (1912-2001), Vaughn Monroe (1911-1973) und andere vertraten einen abgemilderten Swing-Sound, der stark von Streichinstrumenten geprägt war.

Aber selbst als der Swing an Attraktivität verlor, begannen einige Musiker, ihn zu einer ernsthafteren Musik zu machen. Duke Ellington (1899-1974) war wahrscheinlich der einflussreichste. Ellington wurde ein angesehener Komponist, aber auch andere, wie Gil Evans (1912-1988) und Count Basie (1904-1984), erforschten neue Klänge und Instrumente. Auch klassische Komponisten wandten sich dem Jazz zu. Igor Strawinsky (1882-1971) schrieb das Ebony Concerto für die Woody Herman Big Band. Der amerikanische Komponist Aaron Copland (1900-1990) schrieb Musik für den Klarinettisten und Bandleader Benny Goodman (1909-1986).

In den Nachtclubs entwickelte sich eine reduzierte, rasante Art des Jazz, der Bebop. Kleine Combos mit vier oder fünf Musikern schlugen untanzbare Rhythmen und mäandernde Riffs. Lester Young (1909-1959) und Theodore „Fats“ Navarro (1923-1950) waren die führenden Bebop-Spieler. Der wichtigste Vertreter des neuen Stils war jedoch Charlie Parker (1920-1955), auch bekannt als „Bird“. Parkers wilde Saxophon-Improvisationen machten Stücke wie „Scrapple from the Apple“ und „Ornithology“ zu Meisterwerken des Jazz. 1947 gehörte zu Parkers Quintett ein herausragender junger Trompeter namens Miles Davis (1926-1991), der den „Cool Jazz“ schuf, den bestimmenden Jazz-Sound der 1950er Jahre.

Wie der Jazz war auch der Blues ein Musikstil, der in den 1940er Jahren Veränderungen unterlag. Schwarze Bluesmusiker zogen nach Norden in Städte wie Chicago, Illinois. Dort verwandelten sie den nachdenklichen, akustischen Blues des ländlichen Südens in einen druckvollen, lauten, elektrifizierten Stadtklang. Bluesmusiker wie Muddy Waters (1915-1983) und Sam „Lightnin'“ Hopkins (1912-1982) beeinflussten den Rock ’n‘ Roll der 1950er Jahre unmittelbar. Die Verwendung von elektrischen Tonbändern ermöglichte es, dass alle Arten von Musik an allen möglichen Orten zu hören waren. Blues vermischte sich mit Jazz, Jazz mit Country und Western. Aus dieser eklektischen Mischung entstanden neue Musikstile wie Rhythm and Blues, Boogie-Woogie und Honky-Tonk.

Dancing Down Broadway

Jazztanz und Stepptanz waren ein wichtiger Bestandteil von Broadway-Musicals und Musicalfilmen. In den 1940er Jahren besuchten jedes Jahr rund elf Millionen Menschen Broadway-Shows wie Oklahoma! (1943), Anchors Aweigh (1945) und Annie Get Your Gun (1946). Choreographen wie Helen Tamiris (1905-1966) arbeiteten mit dem Komponisten Richard Rodgers (1902-1979) zusammen, während Jerome Robbins (1918-1998) On the Town (1944), das einflussreiche Musical von Leonard Bernstein (1918-1990), choreographierte. In den Filmen wurden die Tänzer Fred Astaire (1899-1987) und Gene Kelly (1912-1996) zu Stars. Einige der spektakulärsten Tanzeinlagen des Jahrhunderts wurden in Filmen wie Holiday Inn (1942) und der Verfilmung von On the Town (1949) gezeigt.

Die Erfahrung der Landbevölkerung in der Stadt war ein Merkmal der Country-Musik der 1940er Jahre. Country-Swing-Bands wie Bob Wills and the Texas Playboys waren in städtischen Zentren im ganzen Land beliebt, darunter Chicago, Los Angeles, Kalifornien, und Mobile, Alabama. Allmählich lösten sich die Grenzen zwischen Country-, Folk- und Popmusik auf. Der Popsänger Bing Crosby (1904-1977) nahm „Sioux City Sue“ auf, ein beliebtes Country-Lied. Bluegrass verlieh der Country-Musik einen ähnlichen Schwung wie der Bebop dem Jazz, während Country- und Folk-Musik jeweils zynischer, melancholischer und bedauernder wurden. Gospel war in den 1940er Jahren eine beliebte Alternative zum Country und ein großer Geldbringer für die Plattenfirmen. Gospel-Stars wie Mahalia Jackson (1911-1972) verkauften Millionen von Platten.

Wie im Jazz, Blues und Country begannen amerikanische klassische Komponisten in den 1940er Jahren, mit neuen Klängen zu experimentieren. In den ersten drei Jahrzehnten des Jahrhunderts hatten europäische Komponisten Musik geschaffen, die schwierig und beunruhigend war. In den späten 1930er und frühen 1940er Jahren zogen dann viele dieser Europäer in die Vereinigten Staaten. Komponisten wie Arnold Schoenberg (1874-1951), Kurt Weill (1900-1950) und Igor Stravinsky (1882-1971) hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf die amerikanische Musik. Der amerikanische Komponist John Cage (1912-1992) war ein Schüler Schönbergs. Er interessierte sich für die Musik der Perkussion, der gewöhnlichen Klänge und der Stille. Seine Experimente in den 1940er Jahren führten direkt zu seinem berühmtesten Stück, „4’33“ (vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden Stille), das 1952 veröffentlicht wurde.

Amerikanisches Fernsehen unterhält

In den 1940er Jahren kostete es etwa zehnmal mehr, ein Programm für das Fernsehen zu produzieren als für das Radio. Aber die Beschränkungen für neue Sendeanstalten während des Krieges gaben den Herstellern die Möglichkeit, die Fernsehtechnik zu verbessern. Als immer mehr Amerikaner Fernsehgeräte kauften, wurde klar, dass das Fernsehen ein lukrativer Zukunftsmarkt sein würde. Im Jahr 1941 gab es in den Vereinigten Staaten nur etwa fünfzehntausend Fernsehempfänger. Im Jahr 1950 waren es bereits elf Millionen. Die Radiosender übertrugen viele ihrer beliebten Programme ins Fernsehen. Komödien wie Our Miss Brooks und Amos und Andy waren frühe Beispiele. Auch Sportübertragungen waren beliebt, ebenso wie Kindersendungen wie Superman. Die beliebteste Fernsehsendung der 1940er Jahre war jedoch das Texaco Star Theater, eine Varietéshow mit Milton Berle (1908-2001) in der Hauptrolle. Im Jahr 1948 schalteten 94,7 Prozent der Fernsehzuschauer ein, um „Uncle Miltie“ zu sehen.

AMERIKANISCHE THEATER SINKEN

Die Zuschauerzahlen der Broadway-Theater stiegen in den 1940er Jahren. Aber insgesamt wandte sich das Theaterpublikum in diesem Jahrzehnt vom Drama ab. Die politischen Wahlkampfdramen der 1930er Jahre schienen angesichts des Weltkriegs irrelevant zu sein. Nach 1945 wurden Theaterstücke in kleinerem Rahmen aufgeführt. Sie konzentrierten sich auf das Familienleben und auf Personen, die mit inneren Konflikten zu kämpfen hatten. Das persönliche Leben, nicht der politische Kampf, war das Thema der meisten Dramen der 1940er Jahre.

Der bekannte Dramatiker Tennessee Williams (1914-1983) schrieb zwei der wichtigsten Stücke des Jahrzehnts. Die Glasmenagerie (1945) war sein erstes. Die Charaktere in diesem Stück haben romantische Hoffnungen und Träume für die Zukunft, aber ihre Realität ist brutal und düster. In vielerlei Hinsicht entsprach die Stimmung von Williams‘ Stücken dem Trend zum Film Noir in den Filmen. A Streetcar Named Desire (1947), das als sein Meisterwerk gilt, schildert die Interaktion zwischen Charakteren, die alle intensiv, frustriert und verbittert über ihr Leben sind. Williams‘ Stücke sind immer voller Illusionen und Enttäuschungen.

Arthur Miller (1915-) schuf in den 1940er Jahren ebenfalls zwei Klassiker der amerikanischen Literatur. Miller führte Williams‘ Sichtweise des persönlichen Scheiterns und der Desillusionierung einen Schritt weiter. Er griff den Kapitalismus (das Wirtschaftssystem der Vereinigten Staaten) an und vertrat die Ansicht, dass das amerikanische Leben nur in persönlichem Verlust und Scheitern enden kann. Sowohl All My Sons (1947) als auch der mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Death of a Salesman (1949) zeigen, dass der amerikanische Traum eine Illusion ist. Wegen dieser Stücke wurde Miller als Anti-Amerikaner gebrandmarkt. Er war eine der prominentesten Persönlichkeiten, die in den 1950er Jahren vom House Un-American Activities Committee befragt wurden.

Neben diesen beiden aufstrebenden Stars produzierten auch etablierte Dramatiker wie Lillian Hellman (1906-1984) und Eugene O’Neill (1888-1953) weiterhin wichtige Werke. Vor allem O’Neills The Iceman Cometh (1946) wurde hoch gelobt. Doch im Großen und Ganzen war das Drama am und um den Broadway in den 1940er Jahren fade und unaufregend. Abseits des Broadway sah die Geschichte jedoch anders aus. In kleinen Theatern, High-School-Sälen und anderen kleinen Räumen florierten die Theaterworkshops. So begann beispielsweise der spätere Filmstar Marlon Brando (1924-) seine Karriere beim Drama Workshop von Erwin Piscator. Obwohl große Produktionen ihren Reiz verloren hatten, blieb das Interesse des Publikums am kleinen Theater erhalten.