Jahrhunderts

Die Geschichte der Fotografie in einer oder mehreren Vorlesungen zu behandeln, bietet den Studierenden die Möglichkeit, die ästhetischen, kulturellen und sozialen Dimensionen der Kunst anhand eines Mediums zu erörtern, mit dem sie sich ihr Leben lang beschäftigt haben. Die Fotografievorlesung ist daher ein guter Ort, um größere Themen wie das Verhältnis von Original und Kopie, Bild und materiellem Träger und Darstellung und Realität zu diskutieren.

Umfang: Seit der Mitte des 19. Jahrhunderts galt die Fotografie als objektive Darstellung der Wirklichkeit, trotz ihrer Einschränkungen bei der Erfassung von Farbe oder Bewegung und ihrer Fähigkeit zur Manipulation. Diese Lektion fordert die Schülerinnen und Schüler auf, über diese widersprüchlichen, aber untrennbaren Aspekte der Fotografie nachzudenken, um die Rolle der Fotografie in Wissenschaft und Kunst des neunzehnten Jahrhunderts zu untersuchen. Diese Lektion konzentriert sich darauf, wie Fotografen die Möglichkeiten des neuen Mediums in einer Vielzahl von Genres wie Porträt, wissenschaftliche Dokumentation und Reisefotografie und schließlich als Massenmedium und Überzeugungsinstrument erkundeten.

In einer Stunde und fünfzehn Minuten können diese Themen anhand zahlreicher Fotografien erkundet werden, darunter:

Bilder:

• Joseph Nicéphore Niépce, Blick aus dem Fenster in Le Gras, 1826
• Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, um 1839
• (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
• Southworth und Hawes, Rufus Choate, 1850
• Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
• Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
• Alexander Gardner, Home of a Rebel Sharpshooter, 1863
• Maxime Du Camp, Statue von Ramses dem Großen in Abu Simbel, 1850
• Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in the Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
• (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Japan, ca. 1870
• Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
• Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
• Unbekannter Fotograf, Swimming Party, ca. 1890

Die Entdeckung der Fotografie wurde im Januar 1839 in der Akademie der Wissenschaften in Paris öffentlich bekannt gegeben. Dem Künstler und Erfinder des Dioramas Louis-Jacques-Mandé Daguerre wird die Erfindung der so genannten Daguerreotypie zugeschrieben (ein einzigartiges fotografisches Bild, das auf einer hochpolierten Kupferplatte festgehalten wird). In kanonischen Übersichten über die Fotografie wird Daguerre oft als Erfinder der Fotografie gefeiert, obwohl es bereits zahlreiche frühere Versuche gab, das Bild der Camera obscura (lateinisch für „dunkle Kammer“, ein optisches Gerät in Form eines Raums oder Kastens, durch den ein Bild der Natur mit Hilfe von Licht, das durch eine Lochblende fällt, auf einen Bildschirm projiziert wird) zu fixieren.

Daguerre hatte sich beispielsweise mit Nicéphore Niépce zusammengetan, der seit den 1820er Jahren mit der Fotografie experimentiert hatte. Niépces 1822 entstandene Fotografie, die den Blick aus seinem Fenster zeigt, wurde mit einer achtstündigen Belichtung erstellt. Als Daguerre 1839 seinen Blick auf einen Pariser Boulevard aufnahm, war die Belichtungszeit so weit verkürzt worden, dass er eine Person einfangen konnte, die stehen geblieben war, um sich die Schuhe putzen zu lassen. Warum war der Blick aus dem Fenster ein so beliebtes Motiv für frühe Fotografien? Es entsprach dem praktischen Bedürfnis nach Sonnenlicht in Verbindung mit den Traditionen der Landschaftsmalerei, ansonsten vergängliche Momente in Bildern wie dem von Daguerre festzuhalten.

In Großbritannien experimentierte der Aristokrat und Universalgelehrte William Henry Fox Talbot ebenfalls mit der Fotografie und fertigte in den 1830er Jahren Fotogramme von botanischen Exemplaren auf chemisch behandeltem Papier an. Talbot war davon überzeugt, dass die Fotografie eine wertvolle Hilfe für Wissenschaftler sein könnte, da sie Daten visuell aufzeichnete, um sie zu interpretieren und zu experimentieren. Als er hörte, dass Daguerres Verfahren im Januar 1839 veröffentlicht worden war, beeilte sich Talbot, die Einzelheiten seiner eigenen Methode bekannt zu geben. Obwohl die Daguerreotypie wegen ihrer Detailschärfe (unter dem Mikroskop ist sie tatsächlich klarer als mit bloßem Auge) und wegen der Werbung der französischen Regierung für das Verfahren sofort aufgegriffen wurde, war es Talbots Negativ-Positiv-Papier-Verfahren (die Kalotypie), das bis zum digitalen Zeitalter die Grundlage für alle nachfolgenden Fotografien bildete. Man könnte die Schüler fragen, warum das Negativ-Positiv-Verfahren Ihrer Meinung nach so wichtig wurde?

Die Entwicklung der Fotografie zu einem Massenmedium und einer wirkungsvollen Form der visuellen Kommunikation wird in einer Fotografie des Reading Establishment, eines von Talbot gegründeten Fotoverlags, angedeutet. Wir sehen eine Reihe möglicher Verwendungszwecke der Fotografie: Porträtieren, Reproduzieren von Kunstwerken und Illustrieren von Büchern – warum erwähnt Talbot diese Aktivitäten? Wie wirbt diese Fotografie für Talbots Kalotypie? Assistenten demonstrieren die Herstellung einer Fotografie sowie den Prozess des Druckens mit Sonnenlicht.

Das erste Projekt der Firma war Talbots Pencil of Nature, das erste kommerziell veröffentlichte Buch, das mit Fotografien illustriert war – ein Meilenstein in der Buchkunst. Der Titel des Buches weist darauf hin, dass es sich bei den Fotografien um Bilder handelt, die von der Natur selbst „gezeichnet“ wurden, ohne dass ein Künstler eingriff. Die Offene Tür, das sechste Blatt des Buches, stellt die Fotografie jedoch in die Tradition der niederländischen Genremalerei. Was sehen Sie in dieser Fotografie, das Sie an die niederländischen Gemälde erinnert, die wir im Unterricht besprochen haben? Talbot betont Details, Hell-Dunkel-Kontraste, die Verwendung der Camera obscura, die Beziehung zwischen Innen und Außen sowie die Symbolik von Alltagsgegenständen. Hier symbolisiert die Lampe die Camera obscura und der Besen die Erleuchtung. Diese Fotografie steht in der künstlerischen Tradition des Realismus: das alltägliche Leben und das, was das Auge sieht. Obwohl die Fotografie zu einem wichtigen Werkzeug für Künstler wurde, wurde sie zunächst nicht als Kunstform betrachtet. Die Malereibewegung des Realismus entstand etwa zur gleichen Zeit wie die Fotografie. Was haben die beiden Formen gemeinsam? Wie unterscheiden sie sich?

Der Realismus der Fotografie diente vor allem dazu, das Abbild von geliebten Menschen und bedeutenden Persönlichkeiten in Form von Porträts festzuhalten. Kommerzielle Daguerreotypie-Studios verbreiteten sich in Städten in ganz Europa, den Vereinigten Staaten und schließlich in der ganzen Welt. Bis 1841 betrugen die Belichtungszeiten je nach Lichteinfall etwa 30 Sekunden bis eine Minute, was die Herstellung von Bildern in kommerziellem Maßstab erheblich erleichterte – obwohl die Porträtstudios immer noch Vorrichtungen verwendeten, um die Köpfe der Porträtierten ruhig zu halten. Daguerreotypie-Porträts wurden in Massenproduktion hergestellt und waren daher für jede Person der Mittelschicht erschwinglich. Warum, glauben Sie, waren Porträtfotografien so beliebt?

Porträtstudios, wie das von Southworth und Hawes betriebene, fotografierten auch Prominente und Politiker und inszenierten diese Bilder so, dass sie wie Gemälde aussahen. Und warum? Worauf deuten Ihrer Meinung nach die Merkmale dieses Porträts von Rufus Choate hin? Inwiefern ähnelt es anderen Porträts, die Sie im Unterricht gesehen haben, oder unterscheidet es sich von ihnen? Die Schüler könnten sich überlegen, wie sich die Erfahrung des Betrachters veränderte, als sich das Format der Porträts von luxuriösen Ölgemälden an der Wand zu kleinen, in der Hand gehaltenen und massenhaft produzierten Daguerreotypien verlagerte.

Julia Margaret Cameron wandte die ästhetischen Prinzipien der Malerei auch auf Porträtfotografien an. Als sie im Alter von 49 Jahren mit der Fotografie begann, nachdem sie von ihren Kindern eine Kamera erhalten hatte, verwendete sie Nasskollodium auf Glasnegativen und Albuminabzügen, um die intellektuelle Elite aus ihrem gesellschaftlichen Umfeld festzuhalten. Camerons Wahl der Motive unter den britischen Berühmtheiten war sowohl praktisch (sie wohnte neben Alfred Lord Tennyson) als auch strategisch: Porträts von Berühmtheiten waren ein kommerzieller Segen für Fotografen. Camerons Porträts, zu denen auch der berühmte Wissenschaftler und frühe Fotograf John Herschel gehörte, widersetzten sich den Konventionen, indem sie eine dramatische Beleuchtung einsetzten und auf eine scharfe Fokussierung zugunsten von gewissenhaft künstlerischen Effekten verzichteten, die Betrachter ansprachen, die mit Rembrandts Helldunkel und den Traditionen der Romantik vertraut waren. Die Fotopresse kritisierte Camerons Missachtung der „Regeln“ der Fotografie, d. h. die strikte Einhaltung von Detailschärfe und nahtlosem Druck. Wie unterscheidet sich ein Porträt wie das von Cameron von dem einer anonymen Frau, die eine Daguerreotypie in der Hand hält, oder gar dem von Rufus Choate?

Der Maler Oscar Rejlander, bei dem Cameron kurz studiert hatte, schuf ebenfalls Fotografien mit künstlerischen Ambitionen. Seine „Zwei Lebenswege“ lehnten sich an die Komposition von Raffaels „Schule von Athen“ an und wurden aus 30 einzelnen Negativen zu einem Kombinationsdruck zusammengesetzt. Es zeigt zwei junge Männer, die sich zwischen Tugend und Laster entscheiden. Rejlanders Foto zeigt, dass die Fotografie zwar als wahrheitsgetreues Medium angesehen wurde, aber auch manipuliert werden konnte. Two Ways of Life ist eine allegorische Darstellung der viktorianischen Moral und wurde von Königin Victorias Ehemann Prinz Albert erworben, ein frühes Beispiel für die offizielle Unterstützung der Fotografie als Kunstform durch die Regierung.

Rejlander und Cameron stellten den Status der Fotografie als getreues Abbild der Realität in Frage, um die Kunst zu fördern. Während des amerikanischen Bürgerkriegs war es aufgrund der langen Belichtungszeiten nicht möglich, Schlachten zu fotografieren. Dennoch vermittelten Fotografien die anschauliche Realität des Krieges auf eine Weise, wie es die Malerei nicht vermochte, denn die Betrachter verstanden, dass das, was sie auf dem Foto sahen, bereits vor der Kamera existierte. Alexander Gardners Publikation Photographic Sketchbook of the War kombiniert Fotografien mit Kriegsgeschichten. Er druckte Negative von verschiedenen Fotografen ab, darunter auch von ihm selbst. In Home of the Rebel Sharpshooter vom 6. Juli 1863 schleppte Gardner die Leiche eines Soldaten und stellte sie mit einem Gewehr auf, das nicht das eines Scharfschützen war, um eine Geschichte zu erzählen. Inwiefern unterscheidet sich dieses Foto von anderen Darstellungen der Schlacht, die wir im Unterricht gesehen haben? Obwohl dieses Foto komponiert ist, stellt es die Brutalität des Krieges auf unromantische Weise dar. Die Schüler könnten diese Fotografie beispielsweise mit Benjamin Wests The Death of General Wolfe (1770) vergleichen.

Die dokumentarischen Fähigkeiten der Fotografie machten sie zu einem mächtigen Instrument der öffentlichen Überzeugung. Die Regierungen erkannten dieses Potenzial und beauftragten Fotografen mit der Aufzeichnung von politischen Ereignissen, Kulturgütern und anderen staatlichen Aktivitäten.

So wurde die Fotografie in offizieller Funktion eingesetzt, um weit entfernte Orte und wichtige Denkmäler zu dokumentieren, um sie einem größeren Publikum zugänglich zu machen und die Vergangenheit für die Nachwelt zu bewahren. Maxime Du Camp nutzte die Kalotypie, um im Auftrag der französischen Regierung 1850 die monumentalen Ruinen und Hieroglyphen Ägyptens zu dokumentieren. Er fertigte etwa zweihundert Papiernegative an und gab 1851 Abzüge in Alben zu je 25 Stück heraus. Du Camp reiste zusammen mit dem Schriftsteller Gustave Flaubert; die beiden suchten nach pittoresken Motiven und brachten die etablierten ästhetischen Konventionen mit: Ägypten und der Orient galten in Europa als exotisch und unzivilisiert. In den Augen der Europäer waren die Ägypter nicht in der Lage, ihr eigenes kulturelles Erbe zu verwalten, weshalb Du Camps Projekt darin bestand, die antiken Monumente vor dem Verlust durch die Zeit zu bewahren. Wie lässt sich dieses Gefühl des Vergehens der Zeit in Du Camps Fotografie festhalten?

In den Vereinigten Staaten reisten Fotografen wie Timothy O’Sullivan auf Expeditionen in den Westen, um die Landschaft und die natürlichen Ressourcen Amerikas im Hinblick auf eine künftige Besiedlung und wirtschaftliche Ausbeutung zu vermessen und so die Mission des Manifest Destiny zu erfüllen. O’Sullivan hatte seine Anfänge in der Fotografie des Bürgerkriegs gefunden. Seine Fotografien des Westens sind, wie die von Du Camp, von den vorherrschenden kulturellen Werten geprägt. Die Landschaft war somit von aktuellen Vorstellungen über den Fortschritt geprägt – die transkontinentale Eisenbahn wurde 1869 fertiggestellt – und für Entwicklung und Wohlstand prädestiniert. O’Sullivans Fotografien zirkulierten in Präsentationsalben unter Regierungsbeamten, aber für die breite Öffentlichkeit vor allem als Abzüge und Stereografien.

Vergleicht man zwei Dokumentarfotografien von Du Camp und O’Sullivan, welche Art von Informationen vermitteln sie? Wie gleichen/unterscheiden sie sich visuell? Inwiefern könnten sie nützliche Dokumente gewesen sein?

Reisende in Europa und den Vereinigten Staaten waren begierig auf Fotografien, die das zeigten, was sie als exotische Orte und Menschen wahrnahmen. Der Stereograph, der sich das binokulare Sehen zunutze macht, um bei der Betrachtung durch ein Stereoskop ein scheinbar dreidimensionales Bild zu erzeugen, begeisterte die Betrachter, indem er diese Figuren oder Landschaften noch realistischer erscheinen ließ. Die billigen und sammelbaren Stereokarten wurden in der Mittelschicht zu einem beliebten Zeitvertreib. Das Stereoskop ist ein Paradebeispiel dafür, wie die Fotografie Zeit und Distanz aufhebt und die Welt allein durch den Akt des Betrachtens begreifbar macht.

Eadweard Muybridge trug zu den technologischen Fortschritten der Fotografie bei und erforschte gleichzeitig ihre Verwendung als Werkzeug für wissenschaftliche Experimente. Er dokumentierte die Gangart eines Pferdes im vollen Galopp. Mit einer Reihe von Stereokameras, deren Auslöser durch Stolperdrähte aktiviert wurden, konnte Muybridge den Galopp in Zeitlupe festhalten und beweisen, dass alle Beine des Pferdes den Boden gleichzeitig verlassen. Dies hatte Auswirkungen auf Künstler, die seit prähistorischen Zeiten die „Schaukelpferd“-Position zur Darstellung galoppierender Pferde verwendet hatten. Muybridge reiste durch die USA und Großbritannien und zeigte in Diavorträgen mit Laterna Magica seine Fotografien aus der Serie Animal Locomotion, für die er eine Reihe von Stop-Action-Fotografien von Tieren und Menschen bei verschiedenen Bewegungen anfertigte. Er experimentierte auch mit frühen Methoden zur Herstellung bewegter Bilder und trug so dazu bei, den Weg für das Kino zu ebnen.

Am Ende des 19. Jahrhunderts wurde die Fotografie für den Durchschnittsbürger noch leichter zugänglich. George Eastman gründete die Firma Kodak, die Massenkameras verkaufte, die mit einem Filmstreifen für 100 Aufnahmen ausgestattet waren. Gegen eine Gebühr konnte die gesamte Kamera zur Entwicklung an Kodak geschickt werden, und die Abzüge wurden zusammen mit der neu geladenen Kamera zurückgeschickt. Indem die Kamera in die Hände von Müttern, Kindern und Freunden gelegt wurde, konnten Details des täglichen Lebens überall spontan aufgenommen werden. Wie können wir die Auswirkungen von Eastmans Innovation heute sehen?

The Bigger Picture: Von billig hergestellten Daguerreotypie-Porträts bis hin zu fotografischen Publikationen und Kodak-Kameras wurde die Fotografie im neunzehnten Jahrhundert zu einem echten Massenmedium. Jahrhunderts wurde die Fotografie zu einem echten Massenmedium. Auch auf die Kunst hatte die Fotografie einen bedeutenden Einfluss, da sie als Goldstandard des optischen Realismus galt. In den Kursen über Realismus und Impressionismus werden wir uns damit befassen, wie die Maler auf die Fotografie reagierten und sie in ihren Werken einsetzten, und in einer zukünftigen Sitzung über Fotografie werden wir erörtern, wie eine Gruppe von Fotografen, die als Pictorialisten bekannt sind, die Fotografie als eigenständiges künstlerisches Medium betrachteten.