Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5 und Ariana Grande, alles moderne Popmusik-Superstars, die alle eines gemeinsam haben: einen Mann namens Max Martin. Der schwedische Songwriter ist das Rückgrat der modernen Popmusikszene von heute. Mit über 200 Songs ist er für einen Großteil der produzierten Musik verantwortlich. Als begeisterter Hörer jeglicher Musik außer Country, Pop und Rap wird meine persönliche Überzeugung, dass Popmusik die schlechteste Art von Musik ist, nicht nur durch den gesunden Menschenverstand bestätigt, sondern auch durch bewiesene Statistiken und Untersuchungen des Forschungsinstituts für künstliche Intelligenz des spanischen Nationalen Forschungsrats in Barcelona. Die einfache Tatsache der verkauften Alben, der kürzlich beobachteten Testergebnisse und der Komplexität des Instrumentengebrauchs und des lyrischen Konzepts beweist nur noch mehr, dass Popmusik die schlechteste Musikrichtung ist.
Einhundertsiebenundsiebzig Millionen, die Anzahl der verkauften Alben der englischen Rockband The Beatles. Wenn man sich die Top 10 der meistverkauften Künstler laut Business Insider ansieht, taucht nur ein echter Popstar auf: Michael Jackson mit 81 Millionen verkauften Alben. Abhängig von der Liste und der Quelle, die Sie für diese Informationen verwenden, könnten Sie Popkünstler wie Madonna und Prince in den Top 10 sehen; viele Websites ermitteln die verkauften Alben jedoch anders, nämlich nach heruntergeladenen Alben und gekauften Schallplatten. Unabhängig davon, aus welcher Quelle die Liste stammt, ist es offensichtlich, dass die Top 10 mit Künstlern desselben Genres oder Subgenres gefüllt sind: Rock. Die Beatles führten die britische Invasion in den frühen 60er Jahren an, Elvis Presley ist unbestritten der King of Rock and Roll, und andere Rockgrößen wie die Eagles, Led Zeppelin und Pink Floyd sind alle in den Top 10 der verkauften Alben vertreten. Auch die Solokünstler Elton John und Billy Joel sind unter den Top 10 zu finden. Ein stichhaltiges Argument dafür ist allerdings, dass die modernen Künstler von heute keine Alben, sondern Singles verkaufen. Dennoch ist es wichtig, darauf hinzuweisen, dass es immer noch möglich ist, ihre Alben zu kaufen oder sie herunterzuladen. Dies ist ein gesellschaftlicher Trend, der sich auch auf die Musikindustrie auswirkt: Die Leute kaufen lieber Singles und Hits als ein ganzes Album. Künstler wie Led Zeppelin und die Beatles haben Alben gemacht, um die Leute in ihrer Gesamtheit zu erfreuen, oft stimmten die Songs miteinander überein. Auch heute noch kaufen und sammeln die Leute Platten von Bands, die Vinyls hergestellt haben. Die einfache Tatsache, dass moderne Künstler, obwohl sie von früheren Musikern inspiriert wurden, keine Platten verkaufen, die mit denen von Bands aus den 40-50 Jahren zuvor konkurrieren können, ist ein Paradebeispiel dafür, warum Popmusik eine Beleidigung für viele Genres ist.
In den Jahren 1955-2010 analysierten Forscher und Wissenschaftler 500.000 Songs und bestätigten die Meinung vieler unserer Eltern, einfach ausgedrückt: Die Musik wird schlechter. Die Forschungsgruppe nahm diese Lieder und ließ sie durch Algorithmen laufen, die Folgendes maßen: harmonische Komplexität, klangliche Vielfalt und Lautstärke. Zunächst einmal bestätigten die Tests, dass die Klangfarbe in den letzten Jahrzehnten abgenommen hat. Die Klangfarbe ist definiert als der Reichtum, die Textur, die Farbe und die Qualität des Klangs innerhalb des Klangs der Musik. Im Grunde genommen kann man es vereinfacht als Fülle oder Tiefe des Klangs der Instrumente und des Gesangs bezeichnen. Die Wissenschaft hat zwei Dinge bewiesen: In den letzten Jahrzehnten hat die Klangfarbe stetig abgenommen, und die Klangfarbe erreichte ihren Höhepunkt in den 1960er Jahren. Das bedeutet, dass die Songs weniger Vielfalt bei den Instrumenten und Aufnahmetechniken aufweisen. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Musik einfacher geworden ist. Da die moderne Popmusik von heute auf der wiederholten Verwendung eines einfachen Beats beruht, hat auch die harmonische Komplexität im Laufe der Jahrzehnte abgenommen. Bei „A Day in the Life“ von den Beatles, „Kashmir“ von Led Zeppelin und „S&M“ von Metallica aus dem Jahr 1999, bei dem das San Francisco Symphony Orchestra zum Einsatz kam, wurden sowohl die Hauptbesetzung der Band als auch ganze Orchester unter der Leitung des Dirigenten verwendet. Selbst wenn man die unterschiedliche Anzahl von Rhythmuswechseln, den allgemeinen Instrumentenwechsel während der Songs und die Textinterpretation betrachtet, werden Genres wie Rock (plus Variationen und Subgenres), Klassik, Blues und Jazz bevorzugt. In der Popmusik wird meist ein einziges Instrument verwendet, nämlich eine Drum-Machine. Dieses Instrument kann viele Klänge und Variationen erzeugen, ist aber für den Beat und den elektronisch erzeugten Rhythmus verantwortlich, der in der Popmusik häufig zu hören ist. Manche mögen behaupten, dass dies übertrieben ist, und in gewisser Weise ist es das auch, denn viele Künstler arbeiten bei Live-Auftritten mit Bands zusammen. Auch in den Genres Dub-Step, Rap und Progressive Rock wird die Drum Machine eingesetzt. Jedes dieser Genres zeichnet sich jedoch durch einen so vielfältigen und komplexen Rhythmus aus, der von komplexen Texten begleitet wird, dass es schwierig ist zu sagen, dass der Einsatz von Drumcomputern im Pop ein Problem darstellt. Der Dub-Step-Künstler Skrillex ist dafür bekannt, dass er eine Drum-Machine und andere computergenerierte Geräusche verwendet, um den Hauptbeat des Songs zu begleiten. Die einfache Tatsache, dass keine zwei Songs den gleichen Rhythmus oder das gleiche Tempo haben, sogar computergenerierte Geräusche, ist ein Beweis dafür, dass Popmusik ein einfaches Genre ist, das sich nicht auf die Qualität der Musik konzentriert.
Wie Scientific American berichtet, bestätigten Untersuchungen des Forschungsinstituts für künstliche Intelligenz des Spanischen Nationalen Forschungsrats in Barcelona, dass Musik in den letzten Jahrzehnten auch immer einfacher zu verstehen ist. Während schon früher festgestellt wurde, dass ein Großteil der heutigen Musik repetitiv klingt, wurde auch bewiesen, dass fast alle Popsongs von heute das Gleiche enthalten, nämlich den Millennial Whop. Der Musikblogger Patrick Metzger fand heraus, dass viele Künstler die gleiche Notenfolge verwenden, nämlich eine Verschiebung von der fünften Note auf der Tonleiter zur dritten Note und dann zurück zur fünften Note, die sich immer wieder wiederholt. Er schuf auch den Begriff Millennial Whoop. Zum Beispiel verwenden Katy Perrys „California Girls“, Pitbulls „International Love“ und Owl Citys „Good Time“, um nur einige zu nennen, alle den Millennial Whoop. Meistens wird er im Refrain des Songs verwendet, um Lücken zwischen den Strophen zu füllen, was dazu führt, dass sich der Song im Kopf festsetzt, weil unser Gehirn Vertrautheit mag. Je öfter wir den gleichen Sound hören, desto mehr gefällt er uns, und das ist mehr als nur ein Zufall.
Wenn du ein Popkünstler wärst, der gerade einen neuen Song herausgebracht hat, würdest du nicht wollen, dass er etwas enthält, was andere Popsongs auch haben? Wenn andere Songs wegen des Millennial-Whoops Erfolg haben, dann werden immer mehr Künstler ihn nutzen, um sicherzustellen, dass der Song populär wird. Es ist erwiesen, dass die heutigen Songtexte auf dem Niveau der siebten Klasse leicht verständlich sind, was bedeutet, dass ein 13-Jähriger nicht nur die Bedeutung des Songs verstehen kann, sondern wahrscheinlich auch den Song schreiben könnte. Der Leadsänger der in Los Angeles ansässigen Rockband Tool, Maynard James Keenan, gilt als einer der besten Lyriker aller Zeiten, da er die Komplexität und die zugrundeliegenden Gedanken in seinen Werken mit dem ungewöhnlichen Tempo der unkonventionellen Rhythmen von Tool verbindet. In dem Song „Lateralus“ folgt der Text der Fibonacci-Folge der Mathematik und konzentriert sich darauf, dass der Verstand die größte Schwäche des Menschen ist, indem er sagt: „Überdenken, überanalysieren trennt den Körper vom Verstand. Meine Intuition verdorrt, ich verpasse Gelegenheiten, und ich muss meinen Willen nähren, um den Moment zu spüren, wenn ich mich außerhalb der Linien bewege.“ Bob Dylan, ein weiterer angesehener Songwriter, gewann den Nobelpreis für Literatur und wurde für seine Arbeit in der Folkmusik in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Ob John Lennon, Paul McCartney, Robert Plant, Bob Marley oder Jimi Hendrix – es ist leicht zu sagen, dass diese Künstler für ihre komplexen Texte bekannt sind. Warum sind komplexe Texte in der Musik gut? Weil sie die Lieder für persönliche Interpretationen offen lassen. Wenn jede Person den Song anders sieht, dann spricht er sie auf einer persönlichen Ebene an, und das ist es, was Bands in den 1950er bis frühen 2000er Jahren erreichen wollten. Wenn Bands zu ihren Fans sprechen und sie auf einer persönlichen Ebene ansprechen wollen, anstatt einen Song zu machen, um populär zu sein, dann ist wahres musikalisches Handwerk vollbracht.
Die Hook, oder der Teil des Songs, der dich packt und in den Song hineinzieht, ist auch ein wichtiger Teil der Musik. Schau dir „In The Air Tonight“ von Phil Collins an. Haben Sie jemals auf das Schlagzeugsolo in der Mitte des Liedes gewartet? Für die meisten Menschen lautet die Antwort ja, und das liegt daran, dass es der Hook des Songs ist. Jüngste Studien haben ergeben, dass die Hook eines Songs immer näher an den Anfang des Liedes rückt, was bedeutet, dass wir als Hörer weniger lange warten müssen, um zufrieden zu sein, wenn die Hook kommt. Das bedeutet, dass wir als Hörer weniger lange auf den Hook warten müssen. Wenn der Song uns nicht von Anfang an fesselt oder keinen Hook hat, schaltet unser Gehirn ab und kann den Rest des Songs nicht mehr hören oder verstehen, so dass wir ihn im Grunde überspringen. Ein vermuteter Grund dafür ist der sofortige Zugang zu Millionen von Songs, die im Grunde kostenlos sind. Wir bekommen viel Musik für wenig Geld, und das bedeutet, dass die Musik keinen persönlichen Wert für den Käufer hat. Als Schallplatten und Vinyls noch populär waren, sparten die Leute und kauften sich eine Platte mit einer Handvoll Songs und hörten sie unzählige Male an, weil sie so billig war und weil man das Album zu schätzen lernte und in jedem Song neue Dinge entdeckte, je öfter man es hörte. Mit der Erfindung des iPods und anderer Musikgeräte haben die Hörer den Wert der Lieder verloren, weil sie so leicht zugänglich sind. Auch Musikstreaming-Apps und Websites wie Spotify, Pandora, AOL Radio und IHeart Radio ermöglichen es den Menschen, ganze Alben herunterzuladen und nach Belieben Lieder zu überspringen oder zu entfernen. Dies hat auch dazu geführt, dass die Hörer den Wert von Musik als selbstverständlich ansehen. Wie bereits erwähnt, müssen wir uns nicht mehr jeden einzelnen Song auf einer Platte anhören, um ihn zu würdigen. Wenn uns ein Song nicht gefällt, entfernen wir ihn einfach aus der Wiedergabeliste und würdigen nicht das Talent und die Arbeit, die darin steckt. Kombiniert man das mit der Tatsache, dass Produzenten und Plattenfirmen in den letzten zwanzig Jahren die dynamische Kompression von Songs verändert haben, um die Hörer von Anfang an zu fesseln, dann hat man Popmusik vom Feinsten.
Die Kompression des dynamischen Bereichs ist der Vorgang, bei dem bestimmte Bereiche des Songs verstärkt werden, damit die leisen Teile mit den lauteren Teilen des Songs übereinstimmen. Das geschieht alles elektronisch im Studio. Der Grund dafür ist, dass in letzter Zeit Produzenten untereinander darum kämpfen, wer lautere Musik machen kann. Die Verringerung des Dynamikumfangs bedeutet auch, dass die Musik trotz der vom Hörer eingestellten Lautstärke immer noch laut sein wird. Im Wettbewerb zwischen den Produzenten macht es Sinn, dass jeder Produzent versucht, seine Songs lauter zu machen. Zum Beispiel würden nur einige wenige Leute eine Person an der Straßenecke wahrnehmen, die erst schreit und dann flüstert, aber wenn diese Person ununterbrochen schreit, würde es jeder bemerken. Wenn ein ganzes Genre darauf beruht, einen anderen Popsong zu übertreffen, suchen die Künstler und Produzenten nach jeder Möglichkeit, sich von der Konkurrenz abzuheben. Mit dieser Technik wird sichergestellt, dass die Zuhörer den Song hören und ihn mit anderen Popsongs in Verbindung bringen können, wenn er gespielt wird. Es ist nichts Schlechtes daran, wenn man versucht, die Dynamikkompression bei der Erstellung von Musik zu nutzen, es sei denn, man missbraucht sie, um die Gesetze der Physik zu brechen. Die Physik besagt, dass man einen Ton nicht lauter machen kann als die Lautstärke, mit der er aufgenommen wurde. Dies führt zu Verzerrungen und Qualitätsverlusten im Lied. Wenn man den Dynamikbereich eines Songs komprimiert, geht die klangliche Vielfalt des Songs verloren, und die tieferen Töne, die von Bassgitarren und Schlagzeug erzeugt werden, werden nicht mehr gewürdigt, weil sie die Musik kontrollieren, anstatt sie zu begleiten. In der heutigen Musikindustrie spielt das Risiko bei der Produktion von Alben eine große Rolle. In den 50er, 60er und 70er Jahren erhielten die Plattenfirmen jede Woche Hunderte von Demotracks von aufstrebenden Künstlern. Wenn die Firma das Potenzial oder das Talent des Künstlers erkannte, wurde er von der Firma akzeptiert und erhielt einen Vertrag. Dann lag es am Ohr des Publikums, über die Musik des Künstlers zu urteilen. Wenn das Publikum die Alben mochte, nahm der Künstler sie weiter auf, wenn nicht, verlor er den Vertrag. Dies war von entscheidender Bedeutung, denn es bedeutete, dass nur Künstler mit echtem Talent eine Karriere als Musikschaffende machen konnten. Es gab keinen Platz für Künstler, die untalentiert und schlampig waren, um Karriere zu machen. Das hatte seine Nachteile, denn in den meisten Fällen nahmen die Firmen einen Musiker unter Vertrag und steckten dann Tausende von Dollar in seine Produktion und seine Auftritte, nur damit der Künstler ein Flop wurde. Nur selten gab es einen Künstler, der die Rolle des Rohdiamanten spielte, der Geld einbrachte und durch seine Arbeit Popularität erlangte, so dass die Unternehmen mit ihrer Investition die Gewinnzone erreichten. Heute sind die Kosten für die Produktion und Promotion eines Künstlers höher als je zuvor.
Die IFPI fand heraus, dass der Prozess, einen Künstler unter Vertrag zu nehmen, seine Arbeit zu produzieren, ihn bekannt zu machen und ihn in den Mainstream zu bringen, zwischen 500.000 und 3.000.000 Dollar kostet. Es wäre nur logisch, dass die Plattenfirmen nicht riskieren wollen, dass ein Künstler ein Flop wird, da sie so viel in ihn investiert haben, also lassen sie ihn genauso klingen wie andere Künstler, die Erfolg haben. Das hat dazu geführt, dass die Musikindustrie mehr oder weniger ein hübsches Gesicht als einen Künstler mit Talent unter Vertrag nimmt und die Öffentlichkeit zwingt, ihn zu mögen, weil er genauso klingt wie der Rest des Genres. Durch den Wegfall des finanziellen Risikos in der Branche wird die Öffentlichkeit im Wesentlichen durch eine Gehirnwäsche dazu gebracht, jeden produzierten Song zu mögen, anstatt sich die Stücke auszusuchen, die ihnen gefallen. Wie kommt die Gehirnwäsche ins Spiel? Sehen Sie sich den Song „See you Again“ von Wiz Khalifa ft. Charlie Puth, der Song wurde von jedem Radiosender in ganz Amerika beworben, in Einkaufszentren und Geschäften gespielt und war sogar der Titelsong von Fast 7. Wenn der Song aus allen Lautsprechern um einen herum ertönt, ist man entweder genervt davon oder man findet Gefallen daran. Ein Großteil der heutigen Bevölkerung lässt die Songs an sich heran, und das liegt daran, dass die Musik so kontrollierend ist, dass viele Menschen keine andere Wahl haben, als sie zu hören. Mit dieser übermäßigen Förderung von Songs will die Plattenfirma sicherstellen, dass die 3 Millionen Dollar, die sie investiert hat, zurückkommen und nicht verschwendet werden, denn ob man den Song nun mag oder nicht, man kann ihn nicht ignorieren und er ist unausweichlich. Der Mere-Exposure-Effekt ist ein psychologisches Phänomen, bei dem Menschen Vorlieben für Reize entwickeln, denen sie häufig ausgesetzt sind. In vielen Fällen wirkt sich die erste Berührung mit einem Lied negativ aus. Beim dritten oder vierten Mal fangen sie dann an, das Lied zu akzeptieren oder ihm nachzugeben, weil es häufig gespielt wird und das Gehirn lernt, es zu akzeptieren. Wenn ein Lied eine echte Bedeutung für den Hörer hat und man es als Individuum mag, dann muss man nicht gezwungen werden, es zu mögen, indem man es massenhaft bewirbt, übermäßig abspielt und seine Freunde es aufgrund des gleichen „Mere-Exposure“-Effekts hören lässt.
Jeder hat seine eigenen musikalischen Vorlieben aus seinen eigenen Gründen. Ich persönlich mag Heavy Metal, Hard Rock und einen Großteil der Subgenres, die aus diesen beiden Genres hervorgegangen sind. Die Songs sind für mich einzigartig, unnachahmlich, leicht nachvollziehbar, ausdrucksstark und sprechen mich auf einer persönlichen Ebene an. Die Lieblingsband oder -musik einer Person sollte von dieser Person gehört werden können, ohne sich darum zu kümmern, was andere denken oder sagen, da diese Musik eine persönliche Erfahrung mit dem Individuum darstellt. Die Kreativität und Originalität eines jeden Genres macht die Musik so wichtig, denn sie ist die Art und Weise, wie der Künstler seine Emotionen und Gefühle ausdrückt. In einer Gesellschaft, in der Gruppenzwang und soziale Akzeptanz eine große Rolle spielen, ist es wichtig, sich von der Norm oder den Vorstellungen des Mainstreams abzuheben. Musik ist ein Ausdruck der Persönlichkeit des Einzelnen, denn der Hörer kann die Texte verstehen und die instrumentale Begleitung seines Lieblingsgenres schätzen. Sie unterstreicht ihre Gefühle oder spiegelt eine bestimmte Zeit in ihrem Leben wider, in der Musik das Einzige war, was sie verstehen konnten oder worauf sie zurückgreifen konnten. Wie viele Künstler sagen, dass sie inspiriert wurden, ein Instrument in die Hand zu nehmen, weil sie die Beatles, Led Zeppelin, Elvis Presley, Bob Dylan oder die Eagles gehört haben, und wie viele Künstler sagen, dass sie von Lady Gaga, Justin Bieber oder Taylor Swift inspiriert wurden. Musik sollte den Hörer inspirieren und ihm nicht von großen Plattenfirmen aufgezwungen werden, die versuchen, den Hörer durch doppelte Texte und sich wiederholende Klänge zu ködern. Nichts spricht einen Hörer mehr an als ein Lied, das er zum ersten Mal hört und an das er sich noch Jahre später erinnert, als er es zum ersten Mal hörte. Die Erfahrung, die der Einzelne mit den Liedern macht, ist wichtiger als das Geld, das die Plattenfirma durch den Kauf des Liedes erhält. Es ist kein Wunder, dass viele Eltern und ältere Menschen der heutigen Jugend immer wieder sagen: „Die Musik ist einfach nicht mehr gut“, „Das ist nicht einmal Musik, das ist nur ein Haufen Lärm“ oder mein Favorit: „Was ist aus der guten Musik geworden“, wenn sie die heutigen Songs hören, und das ist so, weil es stimmt. Was ist aus der guten Musik geworden, warum ist sie nicht mehr gut, und warum ist sie nur noch ein Haufen Krach? Ganz einfach: Popmusik kümmert sich nicht um den Hörer oder um die Wirkung, die sie auf jemanden hat, sondern nur darum, den Plattenfirmen Geld und Ruhm zu bringen. Es ist ganz offensichtlich, dass die Musik als Kunstform im Sterben liegt. Als Hörer ist es unsere Aufgabe, nicht selbstgefällig zu sein und zuzulassen, dass systematische Musik unser Leben übernimmt. Wir können nicht zulassen, dass die eine Sache, die für viele unserer glücklichsten und traurigsten Momente da war, von einem Wegwerfobjekt dominiert wird, das entwickelt wurde, um Millionen von Dollar zu verkaufen und zu verdienen, ohne dass der Hörer inspiriert wird, sonst wird die schöne, gefühlvolle, persönliche Musik, die wir alle genießen, durch den Müll, der Popmusik ist, ausgelöscht werden.
Zitierte Werke
„100 Greatest Songwriters of All Time.“ Rolling Stone, www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-songwriters#bob-dylan.
Havers, Richard. „25 Classic Orchestral Rock Tracks | UDiscover.“ UDiscoverMusic, 25 Aug. 2017, www.udiscovermusic.com/playlists/25-classic-orchestral-rock-tracks/.
II, Theodoros. „25 Top Selling Music Artists Of All Time.“ List25, List25, 16 Nov. 2014, list25.com/25-top-selling-music-artists-of-all-time/.
Lynch, John. „The 50 Best-Selling Music Artists of All Time“. Business Insider, Business Insider, 13. Sept. 2017, www.businessinsider.com/best-selling-music-artists-of-all-time-2016-9/#5-eagles-101-million-units-46.
„Max Martin.“ Wikipedia, Wikimedia Foundation, 12 Feb. 2018, de.wikipedia.org/wiki/Max_Martin.
Gedanken2. „Warum ist moderne Popmusik so schrecklich?“ YouTube, YouTube, 5 Aug. 2017, www.youtube.com/watch?v=oVME_l4IwII.