El Concierto de Colonia
Jarrett (p). Rec. 1975
Jarrett irrumpió en la escena internacional del jazz como parte del innovador Charles Lloyd Quartet de finales de los 60, pasó a dirigir su propio trío, se unió brevemente a las sopas de vudú electrónicas de Miles Davis de principios de los 70, y luego se retiró a la música acústica y a un reexamen de lo que intentaba conseguir en su música. Esto provocó una especie de eclipse temporal en su perfil en la primera mitad de la década de 1970, aunque su creatividad siguió diversificándose y profundizándose. Adepto a los recitales en solitario (su Facing You para ECM en 1970 fue un fuerte presagio), comenzó una serie de recitales en concierto para el sello de Manfred Eicher que atrajo la aclamación y el creciente interés del público, pero nadie estaba preparado para lo que ocurrió con The Köln Concert cuando apareció. Una larga serie de improvisaciones intensamente rítmicas que se volvieron hipnóticas e infinitamente repetibles en los tocadiscos de todo el mundo, el álbum se convirtió en un éxito de ventas arrollador gracias al boca a boca, escapando rápidamente de los confines de la comunidad de oyentes de jazz y extendiéndose a las salas de estar de personas que nunca habían escuchado, y mucho menos poseído, otro álbum de jazz. Este sigue siendo el caso de Jarrett y del disco, que no sólo es un punto de inflexión en el jazz por derecho propio, sino uno de los discos más vendidos del género. (KS)
Mahavishnu Orchestra
John McLaughlin (g), Jerry Goodman (vln), Jan Hammer (clave), Rick Laird (b) y Billy Cobham (d). Rec. 1972
Formada en 1971, la Mahavishnu Orchestra original sigue siendo el mayor logro del guitarrista John McLaughlin. Iluminó el cielo nocturno durante casi dos años, todo se tocaba a 500 mph con los Marshall a tope. Dejó al público boquiabierto y de repente desapareció. McLaughlin redefinió el papel de la guitarra en el jazz, Cobham el de la batería y la banda estableció nuevos estándares en la cohesión del conjunto. Lo hicieron sin sonar simplistas, un truco que su legión de seguidores nunca entendió. También vendieron álbumes en cifras pop y tocaron en estadios de rock. Incluso ellos no se dieron cuenta de lo grandes que eran hasta que todo terminó. (SN)
Herbie Hancock
Herbie Hancock (ky), Bennie Maupin (saxos, fl, b cl), Paul Jackson (b), Harvey Mason (d) y Bill Summers (perc). Rec. 1973
Puede que después de Bitches Brew fuera jazz-rock, pero después de Head Hunters el jazz-funk era el sabor de moda. Inspirado en ‘Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)’ de Sly and the Family Stone, hay incluso un tema de homenaje llamado ‘Sly’. El lanzamiento representó un giro de proporciones espectaculares desde la dirección más esotérica trazada en Crossings y Sextant a un álbum dirigido directamente a la pista de baile, que es donde se anotó. Chameleon», el single extraído del álbum (también un éxito para Maynard Ferguson), subió a toda velocidad en la lista Billboard hasta el número 13 y lo convirtió en uno de los álbumes de jazz más vendidos de todos los tiempos. (SN)
Weather Report
Joe Zawinul (ky), Wayne Shorter (ts, ss), Jaco Pastorius (b), Alex Acuña (d) y Manolo Badrena (perc). Rec. 1976
A veces, cuando se escucha a Weather Report en sus mejores momentos, y éste es uno de los mejores, vale la pena pellizcarse para recordar que, en el fondo, esta banda estaba formada por una de las configuraciones de jazz más básicas. Simplemente, saxofón, piano, bajo, batería y percusión. Entonces, escucha «Birdland», que más tarde fue versionada por Manhattan Transfer y Maynard Ferguson, y maravíllate. Escucha el impulso que Pastorius da a la banda, especialmente en sus propias composiciones ‘Havona’ y ‘Teen Town’. Alcanzando el número 30 en la lista de álbumes de Billboard, aún hoy Heavy Weather sigue siendo tan impresionante en su efecto general como el día en que se hizo. (SN)
Bright Size Life
Pat Metheny (g), Jaco Pastorius (b) y Bob Moses (d). Rec. 1975
El primer florecimiento del gran talento de Metheny como artista discográfico por derecho propio llegó con este impresionante trío que lideró mientras daba clases en la Berklee School of Music y era miembro del grupo de Gary Burton de la época. En esta etapa de su carrera (tenía 21 años) Metheny consentía a Pastorius dando volteretas en el escenario y haciendo volteretas hacia atrás desde su caja acústica, y esta mezcla de la exuberancia de Pastorius y la intensidad de Metheny, moderada por el impecable gusto de Bob Moses otorga una frescura a este álbum que hace que parezca que fue grabado ayer. (SN)
Afric Pepperbird
Jan Garbarek (ts, fl), Terje Rypdal (g), Arild Andersen (b) y Jon Christensen (d). Rec. 1970
Desde el tema inicial ‘Scarabee’, el mundo del jazz fuera de Escandinavia conoció una sensibilidad nórdica en el jazz, el Nordic Tone. La intensidad, el sentido y el espacio son esenciales para entender lo que probablemente sea el enfoque más incomprendido de la improvisación del jazz. Garbarek combina la intensidad de Albert Ayler y la economía de Dexter Gordon, pero las reinscribe con alusiones folclóricas nórdicas, para producir, en palabras del productor Manfred Eicher «una alternativa al enfoque americano del jazz», un enfoque que defiende hasta hoy. (SN)
Return To Forever
Corea (el p), Joe Farrell (f, ss), Stanley Clarke (el b), Airto Moreira (d, perc) y Flora Purim (v). Rec. 1972
En el momento en que hizo esta cita, Corea se había abierto camino a través de una pesada fase vanguardista y hacia las soleadas llanuras de su propia imaginación musical de base latina. Siempre había estado presente en su música, pero ahora, al unir el ímpetu y el espíritu elevado de Flora Purim y Airto con sus propias inclinaciones naturalmente exuberantes y melódicas, Corea no sólo dio un paso adelante más allá de la tristeza estentórea y el machismo de los otros fusionistas de la época, sino que redefinió exactamente lo que debería ser el jazz latino. La música embriagadora interpretada por los maestros hace que esto sea un hito que define la era. (KS)
The Audience With Betty Carter
Betty Carter (v), John Hicks (p), Curtis Lundy (b) y Kenny Washington (d). Rec. 1979
Escuchar este álbum es una experiencia catártica. ‘Sounds’ es un tour de force de scat a través de tempos y metros cambiantes que dura 25 minutos donde en un punto, Carter, Hicks, Lundy y Washington tocan cada uno en un metro diferente. El punto álgido del álbum es «My Favorite Things», que se interpreta a un ritmo rápido y en el que Hicks se muestra más explosivo, ya que su acompañamiento se convierte en una línea opuesta al canto de Carter y, en la coda, ¿quién puede decir si predomina la voz o el piano? Decir que este es uno de los mejores álbumes vocales de jazz que se han hecho es limitante; se encuentra entre los grandes álbumes de jazz contemporáneo. (SN)
Tales Of The Algonquin
John Surman (bs, ss), John Warren (bs, f), Mike Osborne (as, cl), Alan Skidmore (ts, fl), Kenny Wheeler, Harry Beckett (t, flhn), John Taylor (p), Barre Phillips, Harry Miller (b), Alan Jackson y Stu Martin (d). Rec. 1971
Tanto el álbum del canadiense John Warren como el de su compañero barítono John Surman, este disco decía que Surman era una estrella en ascenso. Muchos álbumes de jazz del Reino Unido podrían ocupar este lugar, pero éste se lleva el voto por la exuberante interpretación de Surman y compañía y la increíble y desafiante composición de Warren. Se trata de un glorioso testimonio de la nueva confianza del jazz británico. El éxito de Warren radica en la forma en que se mantiene dentro de la tradición de la big band, pero la amplía incorporando elementos de interpretación libre, impulsando poderosos polirritmos y una compleja estratificación de sus recursos instrumentales. Una alegría absoluta e indiscutible. (DH)
Los colores de Chloë
Weber (b, violonchelo, ocarina), Rainer Bruninghaus (p, syn), Ack van Rooyen (flhn), Peter Giger, Ralf Hübner (d, perc), y los violonchelos de la Südfunk Orchestra Stuttgart. Rec. 1973
El álbum de debut de Eberhard Weber fue una de las andanadas más significativas de la llegada de ECM al mundo del jazz como árbitro del gusto moderno. Completamente desprovisto de cualquiera de los americanismos de moda de la época, su música estaba llena de luz y color derivados de las tradiciones clásicas y cinematográficas modernistas europeas. Como tal, ofrecía una piscina de delicias completamente fresca en la que pescar. Utilizando su sinuosa técnica de bajo para articular la melodía como nadie lo había hecho antes, Weber alternaba un respaldo de cuerda suntuosamente severo con pequeños patrones de teclado y percusión con un enorme efecto atmosférico. Emocionante. (KS)
Compañía de Improvisación Musical
Jamie Muir (perc), Hugh Davies (elec), Evan Parker (ss), Derek Bailey (el g) y Christine Jeffrey (v).
Rec. Ago 1970
MIC representa el punto de separación entre el free jazz y la improvisación libre. Desde su perspectiva, son visibles toda una serie de trayectorias: en el caso de Evan Parker, el uso de la electrónica en vivo y la creciente dependencia de la soprano, lo que condujo finalmente al Electro-Acoustic Ensemble. Se trata de un cambio que se aleja de la creación de poderosos y enormes edificios sonoros o de formas y texturas que imitan a la naturaleza para viajar, con un poco de exageración, al ADN del propio sonido. Menos preocupado por lo global o lo cósmico, MIC exploró el microuniverso a través del concepto de improvisación no idiomática. Extraño, inquietante pero extrañamente atractivo.(DH)
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