La década de 1940 Arte y entretenimiento: Temas de actualidad

AMÉRICA DESCUBRE SU PROPIA FORMA DE ARTE
UNA EDAD DE ORO PARA LOS LIBROS DE CÓMIC
LA FICCIÓN AMERICANA REACCIONA AL MUNDO REAL
HOLLYWOOD VA A LA GUERRA
LA MÚSICA ADOPTA EL BAILE Y EL SILENCIO
EL TEATRO AMERICANO SE DESPLAZA

AMÉRICA DESCUBRE SU PROPIA FORMA DE ARTE

Un pequeño grupo de artistas estadounidenses había estado experimentando con el arte abstracto en Nueva York en la década de 1930. Fueron financiados por el Proyecto Federal de Artes (FAP), uno de los muchos programas gubernamentales que conformaban el New Deal. La financiación federal eliminaba las presiones financieras de los artistas y les permitía probar cosas nuevas. Pero una influencia más importante en el arte estadounidense vino de Europa. Al comenzar la guerra en 1939, muchos artistas huyeron a Estados Unidos desde Alemania, Francia y otros países. El pintor holandés Piet Mondrian (1872-1944), que llegó en 1940, fue uno de los más influyentes. Otros expatriados europeos fueron el pintor francés Marc Chagall (1887-1985), que diseñó murales para el Metropolitan Opera House de Nueva York. El alemán Max Ernst (1891-1976) y el español Salvador Dalí (1904-1989) también pasaron por Nueva York. Mondrian, que ya era famoso cuando llegó a Estados Unidos, realizó su primera (y única) exposición individual en Nueva York en enero de 1942. Los europeos animaron a los artistas estadounidenses a alejarse de la pintura realista y a crear, en cambio, imágenes basadas en sueños y sentimientos.

En 1939 se inauguró en Nueva York el Museo de Pintura No Objetiva. Por aquel entonces, había en Nueva York veintiún artistas, todos ellos remunerados por la FAP, gestionada por la Works Progress Administration (WPA). Otros mil aspirantes estaban en lista de espera. Entre los que trabajaban en la FAP se encontraban artistas tan notables como Willem de Kooning (1904-1997), Lee Krasner (1908-1984) y Mark Rothko (1903-1970). Años más tarde, Jackson Pollock (1912-1956) dijo estar agradecido a la WPA por «mantenerme vivo durante los años treinta».

El año clave en el desarrollo del arte estadounidense de la década fue 1942. Artistas como Mondrian y Rothko realizaron exposiciones individuales a principios de año. En una galería llamada McMillen Inc., en Nueva York, artistas americanos y europeos expusieron juntos. Y en el otoño de 1942, Peggy Guggenheim (1898-1979) abrió la galería Art of This Century, en la que se mostraba arte americano contemporáneo junto a obras maestras de principios del siglo XX. La galería se convirtió en el centro de lo que se conoce como la Escuela de Nueva York. William Baziotes (1912-1963), Pollock y otros expusieron allí. Lo más importante es que dio a conocer al mundo el expresionismo abstracto, el estilo pictórico que definió el arte estadounidense del siglo XX.

El término «expresionismo abstracto» fue utilizado por primera vez por el crítico de arte Robert Coates (1897-1973) en un artículo del New Yorker en marzo de 1946. Ha llegado a referirse a un único grupo de artistas que trabajaban en Nueva York en la década de 1940. Pero en realidad, los expresionistas abstractos pueden dividirse en tres grupos principales: los pintores de «acción», los pintores del «campo de color» y otros pintores no tan fáciles de definir, como Philip Guston (1913-1980) y Adolph Gottlieb (1903-1974).

Los pintores de acción más conocidos son Jackson Pollock y Willem de Kooning. Trabajaban en enormes lienzos que solían colocarse en el suelo. Aplicaban la pintura vertiendo y goteando, o utilizando sus propios cuerpos u objetos como bicicletas para esparcirla. El objetivo era estar lo más cerca posible de la pintura. Por encima de todo, las pinturas de acción registran la acción en el momento en que se produce. Los pintores del campo de color fueron liderados por Mark Rothko (1903-1970), Adolph «Ad» Reinhardt (1913-1967) y Barnett Newman (1905-1970). Sus pinturas consistían en enormes áreas planas o «campos» de un solo color. Cuando estos campos de color se encuentran, a menudo se mezclan. Rothko pensaba que la pintura realista no podía expresar las emociones humanas después de la Segunda Guerra Mundial. Sus campos de color intenso abruman al espectador con su presencia y belleza.

La pintura expresionista abstracta no suele ser realista, sino que trata de expresar pensamientos, sentimientos, mitos y sueños. Los expresionistas abstractos comenzaron a dividirse en grupos aún más pequeños a medida que avanzaba la década. Pero todos los pintores implicados mantuvieron su interés por expresar emociones a través de la pintura. Con el expresionismo abstracto, Estados Unidos tenía por fin una forma de arte que podía considerar propia.

UNA EDAD DE ORO PARA LOS CÓMICS

El cómic se inventó en Estados Unidos hacia 1933. En 1940, se había convertido en una forma de literatura sofisticada y muy popular. Ese año se imprimieron más de 150 títulos que abarcaban categorías que iban desde el crimen, la fantasía, el romance y el terror hasta el western y la guerra. Pero dos personajes dominaron las ventas de cómics en la década de 1940. Superman, creado por Jerry Siegel (1914-1996) y Joe Shuster (1914-1992), había aparecido en 1938. Batman, creado por Bob Kane (1915-1998), había salido por primera vez de la Batcueva en 1939. En 1940, tanto Superman como Batman eran éxitos de ventas. Con la esperanza de aprovechar su éxito, National Periodical Publications introdujo muchos otros héroes con capa y disfraz, como Flash, Hawkman y Green Lantern. El Capitán Marvel apareció por primera vez en Whizz Comics en 1940, y el Capitán América en 1941. Al igual que el Capitán Marvel, el Hombre de Plástico añadía un toque de humor a un grupo de personajes que, por lo demás, era mayoritariamente serio y patriótico.

El arte y los afroamericanos

Hasta la década de 1940, los afroamericanos tuvieron muy poco impacto en el mundo del arte blanco. Jacob Lawrence (1917-2000) fue uno de los primeros artistas negros en llamar la atención del público. Su serie, The Migration of the Negro (1940-41), contiene sesenta cuadros que cuentan la historia de los negros americanos. Lawrence dio clases en el Black Mountain College de Carolina del Norte. A finales de la década, era aclamado como uno de los artistas estadounidenses más importantes de la época. Los artistas negros recibieron otro impulso con el libro Modern Negro Art (1943). En esta obra, James A. Porter (1905-1970) catalogó la obra de los artistas negros hasta ese momento. Porter rescató del olvido a muchos artistas afroamericanos olvidados.

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, el fervor patriótico comenzó a apagarse. Las historias del oeste y románticas se hicieron entonces más populares que los cómics de superhéroes. Las historias de crímenes también se hicieron populares. La serie Crime Does Not Pay comenzó en 1942. Pero los cómics policíacos sí que eran rentables. En 1945, el cómic policíaco se había convertido en uno de los más vendidos en Estados Unidos. Las imágenes de mujeres con poca ropa hacían que los cómics policíacos se consideraran inadecuados para los niños. A medida que crecía la preocupación por el contenido de las historietas policíacas, éstas se redujeron. En la década de 1950, los editores de cómics policíacos se volvieron muy cuidadosos con lo que aparecía en sus revistas.

Debido a la gran cantidad de títulos a la venta, la década de 1940 se conoce como la edad de oro de los cómics. Sin embargo, los ejemplares originales son difíciles de encontrar. Se consideraban artículos de usar y tirar, y a menudo se desechaban después de haberlos leído. Algunos se destruyeron en protestas por su contenido. Muchos otros fueron despulpados (reciclados) durante la escasez de papel en tiempos de guerra. En el siglo XX ha surgido un próspero mercado de coleccionistas de cómics de la década de 1940.

Libros de bolsillo

Tras el éxito arrollador de la década de 1930, las revistas pulp como Black Mask empezaron a perder lectores en la década de 1940. Una de las razones fue el auge del libro de bolsillo. Allen Lane (1902-1970) introdujo los libros de bolsillo de Penguin en Gran Bretaña en 1936. Penguin inspiró a Robert Fair de Graff (1895-1981) para fundar Pocket Books en Estados Unidos en 1939. Otras editoriales se introdujeron en el mercado. Los libros de bolsillo pronto se convirtieron en la forma más popular de publicación de libros. En 1947, el escritor de novelas policíacas Mickey Spillane (1918-) publicó su primera novela, I, The Jury, en tapa dura. Se vendió razonablemente bien para ser un libro de tapa dura. Al año siguiente, Signet publicó una edición en rústica. A finales de la década había vendido la sorprendente cifra de dos millones de ejemplares.

LA FICCIÓN AMERICANA REACCIONA AL MUNDO REAL

Los años cuarenta fueron una década de cambios en la literatura estadounidense. Durante los años 30, muchos escritores estadounidenses describieron el terrible sufrimiento causado por la Gran Depresión. Escritores como Theodore Dreiser (1871-1945) y Sinclair Lewis (1885-1951) habían hecho carrera escribiendo obras de ficción que documentaban la experiencia americana. Pero 1939 marcó el final de un período de realismo en la ficción estadounidense. El grupo de escritores conocido como la «generación perdida» también estaba cayendo en desgracia. F. Scott Fitzgerald (1896-1940) murió al comenzar la década de 1940. Ernest Hemingway (1899-1961) publicó Por quién doblan las campanas en 1940 y luego guardó silencio durante varios años. Incluso William Faulkner (1897-1962), que ganó el Premio Nobel de Literatura en 1949 (concedido en 1950), escribió principalmente guiones en la década de 1940. Una era en la ficción estadounidense estaba terminando, y una nueva estaba empezando.

La alternativa al realismo era el modernismo. Los escritores modernistas no veían la necesidad de describir la vida de los trabajadores. Se alejaron de los comentarios directos sobre la sociedad. En manos de los europeos de los años 20 y anteriores, la novela había empezado a centrarse en el punto de vista único de un solo individuo. Se abandonaron las líneas argumentales y los relatos sencillos, y se encontraron nuevas formas inventivas de describir a los personajes. Sin embargo, entre los escritores estadounidenses, sólo Faulkner y John Dos Passos (1896-1970) habían experimentado con las técnicas modernistas antes de la década de 1940. Los escritores estadounidenses tardaron en responder a la tendencia de la nueva ficción.

En 1944, Saul Bellow (1915-) publicó Dangling Man, una novela sobre la respuesta de un individuo al mundo moderno. Otros escritores modernistas, como Truman Capote (1924-1984) y Chester Himes (1909-1984), siguieron a Bellow. Pero lo que se convertiría en un movimiento importante en la ficción estadounidense no había hecho más que empezar. En la década de 1940, los escritores realistas seguían produciendo obras importantes. Robert Penn Warren (1905-1989) ganó el Premio Pulitzer por Todos los hombres del rey en 1946. Las escritoras Carson McCullers (1917-1967) y Eudora Welty (1909-2001) fueron figuras influyentes en la ficción regionalista (ficción basada en un lugar concreto), que describía la vida en el Sur.

Hubo otras influencias en la ficción estadounidense además del modernismo en la década de 1940. Muchos escritores jóvenes experimentaron el combate en la Segunda Guerra Mundial (1939-45), y era inevitable que empezaran a aparecer novelas sobre la guerra. Los dos novelistas de combate más influyentes fueron John Hawkes (1925-1998) y Norman Mailer (1923-). La novela de Hawkes El caníbal (1949) examinaba la cultura de la guerra y sus consecuencias. Mailer, con su obra The Naked and the Dead (1948), se convirtió en uno de los principales escritores de la América de posguerra.

Mientras la novela en general atravesaba un periodo de cambio, los escritores negros también empezaban a llamar la atención del público lector. La publicación de Native Son en 1940 fue un punto de inflexión para la ficción negra. La novela convirtió a su autor, Richard Wright (1908-1960), en una figura literaria destacada. Muchos comentaristas no estaban de acuerdo con la visión que Wright tenía de los negros en Estados Unidos, pero gracias a Native Son, la América blanca se fijó de repente en los escritores negros. Zora Neale Hurston (1891-1960) y Chester Himes (1909-1984) también se dieron a conocer durante la década de 1940, mientras que James Baldwin (1924-1987) acababa de iniciar su carrera al finalizar la década.

HOLLYWOOD VA A LA GUERRA

Después de una década de fastuosos musicales, comedias screwball y alegres dramas, Hollywood empezó a cambiar hacia 1940. Ese año Charlie Chaplin (1889-1977) estrenó El gran dictador, su sátira sobre el ascenso del dictador alemán Adolf Hitler (1889-1945). En julio de 1941 se estrenó El sargento York. La historia de un héroe de guerra norteamericano reticente, el Sargento York, fue un llamamiento obvio para que Estados Unidos entrara en la guerra. Más tarde fue utilizada por los militares en una campaña de reclutamiento. Los aislacionistas, o personas que querían que Estados Unidos se mantuviera al margen de la guerra, atacaron el entusiasmo de Hollywood por entrar en el conflicto. Pero las audiencias del Congreso sobre el asunto no ayudaron a los aislacionistas. Como señaló el aspirante presidencial republicano Wendell Willkie (1892-1944), el 95 por ciento de la producción de Hollywood era apolítica. Esta otra producción no política de Hollywood incluía la clásica película de animación de Disney, Fantasía, estrenada en 1940. Los estudios de cine continuaron produciendo comedias ligeras y romances incluso después de que Estados Unidos entrara en la guerra.

En diciembre de 1941, sólo diez días después del bombardeo de Pearl Harbor, el presidente Roosevelt (1882-1945) tomó medidas para animar a Hollywood a hacer películas para ayudar al esfuerzo de guerra. Los estudios cooperaron produciendo películas proamericanas como Casablanca (1942). A mediados de 1942, se habían realizado unas setenta películas relacionadas con la guerra. Los guionistas dieron a los guiones existentes, e incluso a las películas parcialmente terminadas, un cambio de imagen en tiempos de guerra. Los gángsters se convirtieron en espías nazis, mientras que Tarzán se enfrentaba a los invasores alemanes. Los japoneses fueron mostrados como brutos crueles y despiadados.

La Oficina de Información de Guerra (OWI) fue creada para coordinar el esfuerzo propagandístico (la propaganda es la información utilizada para persuadir a la gente de la posición del gobierno). Su director, Nelson Poynter (1903-1978), estaba preocupado por la forma simplista en que Hollywood trataba la guerra. Quería películas más positivas que mostraran a los «buenos» alemanes resistiendo a los nazis. El manual de la OWI instaba a los cineastas a preguntarse: «¿Ayudará esta película a ganar la guerra?» La OWI ejercía presión sobre Hollywood rechazando la distribución en el extranjero de las películas que no cumplían las directrices del manual. Dado que Hollywood dependía de las ventas en el extranjero para obtener beneficios, seguir el manual de la OWI tenía mucho sentido desde el punto de vista comercial.

Mientras que Hollywood en su conjunto se unía al esfuerzo bélico con sus películas pro-estadounidenses, muchos cineastas individuales también hacían lo que podían para ayudar. El director Frank Capra (1897-1991) se alistó en el ejército y se dedicó a hacer documentales. La primera película de la serie de Capra, Prelude to War, ganó el Oscar al mejor documental en 1942. Otros directores, como John Ford (1895-1973), realizaron trabajos similares. Sin embargo, John Huston (1906-1987) infringió las normas del ejército cuando realizó Let There Be Light (1946), una película sobre veteranos de guerra conmocionados. Muchos actores también se alistaron en las fuerzas armadas. James Stewart (1908-1997) y Douglas Fairbanks Jr. (1909-2000) se alistaron pocas semanas después de Pearl Harbor. Frank Sinatra (1915-1998), que fue declarado no apto para el servicio militar a causa de un tímpano perforado, tuvo que trabajar duro para recuperar a sus fans del cine una vez terminada la guerra.

Además de unirse al esfuerzo bélico, los cineastas comenzaron a hacer un nuevo tipo de películas en la década de 1940. Un éxito sorpresa de 1941 fue El halcón maltés, una adaptación de una novela de Dashiell Hammett (1894-1961). En pocos años, estas oscuras y cínicas películas de detectives tenían un nombre: cine negro. Las películas de cine negro son sombrías, oscuras y sombrías, tanto en su aspecto visual como en su temática. Los Estados Unidos después de la guerra parecían ser un lugar próspero y optimista. Sin embargo, el cine negro reflejaba la preocupación de que las cosas no eran tan buenas como parecían. La guerra fría (una guerra ideológica entre Estados Unidos y la antigua Unión Soviética) comenzó justo después de terminar la Segunda Guerra Mundial, trayendo consigo el temor a una guerra nuclear. Los estadounidenses temían que los comunistas tomaran el poder. Pero también les preocupaba que no se pudiera confiar en su propio gobierno. Películas como The Big Sleep (1946), The Killers (1946) y Out of the Past (1947) describen estos temores.

Hollywood en la década de 1940 tenía buenas razones para sentirse amenazado. A pesar de la popularidad del cine negro, la asistencia a las salas de cine disminuía constantemente. Para empeorar las cosas para los grandes estudios, el Departamento de Justicia de Estados Unidos puso fin al control total de los estudios sobre la distribución de películas. Luego, en mayo de 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (HUAC) acusó a Hollywood de albergar subversivos. Muchas personas recibieron la orden de comparecer en las audiencias del Congreso para hacer declaraciones sobre sus opiniones políticas. Dalton Trumbo (1905-1976) y John Howard Lawson (1894-1977) estaban entre los diez escritores y directores, denominados los Diez de Hollywood, que se negaron a cooperar con la «caza de brujas». Ellos, y muchos otros, fueron incluidos en la lista negra, lo que significaba que no se les permitía trabajar en la industria cinematográfica. La imagen de Hollywood quedó dañada por la controversia, pero muchos de los llamados Diez de Hollywood volvieron a trabajar allí. Los escritores incluidos en la lista negra, entre ellos Trumbo, presentaron guiones con otros nombres, y los jefes de los estudios hicieron la vista gorda.

LA MÚSICA SE ENCUENTRA EN EL SWING Y EL SILENCIO

Los años cuarenta fueron dinámicos para la música estadounidense. Los instrumentos eléctricos revolucionaron el blues, el bebop sacudió el jazz e incluso la música clásica experimentó con nuevos sonidos. Los músicos desafiaron los estilos existentes o los fusionaron para crear nueva música. La llegada de compositores europeos, que huían de los nazis en Alemania, tuvo una enorme influencia en la música clásica y en las bandas sonoras de las películas. La mejora de las técnicas de grabación y la nueva tecnología asequible hicieron que la música empezara a acompañar la vida cotidiana.

El halcón maltés

Cuando apareció El halcón maltés en 1941, era la tercera vez que la novela de Dashiell Hammett se convertía en película. Los dos intentos anteriores fueron un fracaso. Al principio, este intento tampoco parecía un éxito. Fue realizada por el director novel John Huston (1906-1987) con un reparto de bajo presupuesto. Humphrey Bogart (1899-1957), que pronto se convertiría en una gran estrella, era entonces un habitual del cine de gángsters. Sidney Greenstreet (1879-1954) tenía más de sesenta años y actuaba en su primera película. Mary Astor (1906-1987) intentaba reconstruir una carrera arruinada por los escándalos de los años treinta. Peter Lorre (1904-1964) había trabajado durante años en papeles secundarios. Pero esta película «B» de la Warner Brothers (nombre dado a las películas de bajo presupuesto) se convertiría en una de las grandes películas de todos los tiempos. El Halcón Maltés, a menudo considerada la primera película de cine negro real, es también una de las mejores películas de ese género. Además de convertir en estrellas a Bogart, Greenstreet, Astor y Lorre, contribuyó a cambiar la fisonomía del cine estadounidense en la década de 1940.

El swing fue la banda sonora de la Segunda Guerra Mundial. Desarrollado en la década de 1930, en 1940 el swing estaba en todas partes, desde los discos de 78 rpm (revoluciones por minuto) que se escuchaban en los hogares, hasta los salones de baile, el cine y la radio.

Algunas big bands estaban dirigidas por músicos solistas como el trompetista Louis Armstrong (1901-1971) y el clarinetista Benny Goodman (1909-1986). Otras bandas recorrieron el país encabezadas por cantantes como Billie Holiday (1915-1959) y Frank Sinatra (1915-1998). En la segunda mitad de la década, el swing perdió popularidad. Perry Como (1912-2001), Vaughn Monroe (1911-1973) y otros lideraron un sonido de swing más moderado, con muchos instrumentos de cuerda.

Pero incluso mientras el swing perdía su atractivo, algunos músicos comenzaron a convertirlo en un tipo de música más seria. Duke Ellington (1899-1974) fue probablemente el más influyente. Ellington se convirtió en un compositor respetado, pero otros, como Gil Evans (1912-1988) y Count Basie (1904-1984), también exploraron nuevos sonidos e instrumentos. Los compositores clásicos, por su parte, se volcaron en el jazz. Igor Stravinsky (1882-1971) escribió el Concierto de Ébano para la big band de Woody Herman. El compositor estadounidense Aaron Copland (1900-1990) escribió música para el clarinetista y líder de la banda Benny Goodman (1909-1986).

En los clubes nocturnos, estaba surgiendo un tipo de jazz despojado y de alta velocidad llamado bebop. Pequeños combos de cuatro o cinco músicos tocaban ritmos poco bailables y riffs serpenteantes. Lester Young (1909-1959) y Theodore «Fats» Navarro (1923-1950) eran los principales intérpretes de bebop. Pero el mejor intérprete del nuevo estilo fue Charlie Parker (1920-1955), a veces conocido como «Bird». Las salvajes improvisaciones de Parker al saxofón convirtieron temas como «Scrapple from the Apple» y «Ornithology» en obras maestras del jazz. En 1947, el quinteto de Parker contaba con un joven trompetista excepcional llamado Miles Davis (1926-1991) que pasó a crear el «Cool Jazz», el sonido de jazz que definió la década de 1950.

Al igual que el jazz, el blues fue un estilo musical que experimentó cambios en la década de 1940. Los músicos negros de blues se trasladaron al norte, a ciudades como Chicago (Illinois). Allí convirtieron el blues reflexivo y acústico del sur rural en un sonido urbano contundente y electrificado. Intérpretes de blues como Muddy Waters (1915-1983) y Sam «Lightnin'» Hopkins (1912-1982) influirían directamente en el rock and roll durante la década de 1950. El uso de la grabación eléctrica en cinta permitió escuchar todo tipo de música en todo tipo de lugares. El blues se fusionó con el jazz, el jazz con el country y el western. De esta mezcla ecléctica surgieron nuevos estilos musicales como el rhythm and blues, el boogie-woogie y el honky-tonk.

Dancing Down Broadway

El baile de jazz y el claqué fueron una parte importante de los musicales de Broadway y de las películas musicales. ¡En la década de 1940, unos once millones de personas asistían cada año a espectáculos de Broadway como Oklahoma! (1943), Anchors Aweigh (1945) y Annie Get Your Gun (1946). Coreógrafos como Helen Tamiris (1905-1966) trabajaron con el compositor Richard Rodgers (1902-1979), mientras que Jerome Robbins (1918-1998) coreografió On the Town (1944), el influyente musical de Leonard Bernstein (1918-1990). En el cine, los bailarines Fred Astaire (1899-1987) y Gene Kelly (1912-1996) se convirtieron en estrellas. Algunas de las rutinas de baile más espectaculares del siglo se plasmaron en películas como Holiday Inn (1942) y la versión cinematográfica de On the Town (1949).

La experiencia de la gente del campo viviendo en la ciudad fue una característica de la música country en la década de 1940. Las bandas de country-swing, como Bob Wills y los Texas Playboys, eran populares en los centros urbanos de todo el país, como Chicago, Los Ángeles, California, y Mobile, Alabama. Poco a poco, las fronteras entre el country, el folk y la música pop se fueron disolviendo. El cantante pop Bing Crosby (1904-1977) grabó «Sioux City Sue», una popular canción country. El bluegrass aportó a la música country un toque similar al efecto que tuvo el bebop en el jazz, mientras que el country y el folk se volvieron más cínicos, melancólicos y lamentables. El gospel fue una alternativa popular al country y una gran fuente de ingresos para las compañías discográficas en la década de 1940. Estrellas del gospel como Mahalia Jackson (1911-1972) vendieron millones de discos.

Al igual que en el jazz, el blues y el country, los compositores clásicos estadounidenses comenzaron a experimentar con nuevos sonidos en los años cuarenta. En las tres primeras décadas del siglo, los compositores europeos habían creado música difícil e inquietante. A finales de los años 30 y principios de los 40, muchos de estos europeos se trasladaron a Estados Unidos. Compositores como Arnold Schoenberg (1874-1951), Kurt Weill (1900-1950) e Igor Stravinsky (1882-1971) ejercieron una profunda influencia en la música estadounidense. El compositor estadounidense John Cage (1912-1992) fue alumno de Schoenberg. Se interesó por la música de percusión, los sonidos ordinarios y el silencio. Sus experimentos en la década de 1940 condujeron directamente a su pieza más famosa, «4’33» (cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio), estrenada en 1952.

La televisión estadounidense entretiene

En la década de 1940, costaba unas diez veces más producir un programa para la televisión que para la radio. Sin embargo, las limitaciones impuestas por la guerra a las nuevas emisoras dieron a los fabricantes la oportunidad de mejorar la tecnología televisiva. A medida que más y más estadounidenses compraban televisores, se hizo evidente que la televisión sería un mercado lucrativo en el futuro. En 1941, sólo había unos quince mil receptores de televisión en Estados Unidos. En 1950, había once millones. Las cadenas de radio trasladaron muchos de sus programas populares a la televisión. Comedias como Our Miss Brooks y Amos and Andy fueron los primeros ejemplos. Las transmisiones deportivas por televisión eran populares, al igual que los programas infantiles como Superman. Pero el programa de televisión más popular de la década de 1940 fue el Texaco Star Theater, un programa de variedades protagonizado por Milton Berle (1908-2001). En 1948, el 94,7 por ciento de los telespectadores sintonizaban el programa «Uncle Miltie».

Disminuye el número de espectadores del teatro de Broadway

La audiencia del teatro de Broadway aumentó en la década de 1940. Pero, en general, el público que asistía a las obras de teatro se alejó de ellas durante la década. Los dramas de campaña política de los años 30 parecían irrelevantes ante la guerra mundial. Después de 1945, las obras se hicieron a menor escala. Se centraron en la vida familiar y en los individuos que luchaban con sus conflictos internos. La vida personal, más que la lucha política, fue el tema de la mayoría de los dramas de la década de 1940.

El célebre dramaturgo Tennessee Williams (1914-1983) escribió dos de las obras más importantes de la década. The Glass Menagerie (1945) fue la primera. Los personajes de esta obra tienen esperanzas y sueños románticos para el futuro, pero su realidad es brutal y sombría. En muchos sentidos, el ambiente de las obras de Williams coincidía con la tendencia del cine negro en las películas. Un tranvía llamado deseo (1947), considerada su obra maestra, muestra la interacción entre personajes intensos, frustrados y amargados por sus vidas. Las obras de Williams están siempre llenas de ilusión y decepción.

Arthur Miller (1915-) también produjo dos clásicos de la literatura estadounidense en la década de 1940. Miller llevó la visión de Williams sobre el fracaso y la desilusión personal un paso más allá. Atacó el capitalismo (el sistema económico de Estados Unidos), sugiriendo que la vida americana sólo puede acabar en la pérdida y el fracaso personal. Tanto Todos mis hijos (1947) como Muerte de un viajante (1949), ganadora del premio Pulitzer, muestran que el sueño americano es una ilusión. Debido a estas obras, Miller fue tachado de antiamericano. Fue una de las figuras más destacadas que fueron interrogadas por el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes durante la década de 1950.

Además de estas dos estrellas emergentes, dramaturgos consagrados como Lillian Hellman (1906-1984) y Eugene O’Neill (1888-1953) siguieron produciendo obras importantes. En particular, The Iceman Cometh (1946) de O’Neill fue muy aclamada. Pero, en general, el teatro en Broadway y sus alrededores era anodino y poco emocionante en la década de 1940. Sin embargo, fuera de Broadway la historia era diferente. En pequeños teatros, salones de institutos y otros espacios reducidos, los talleres de teatro prosperaban. Por ejemplo, la futura estrella de cine Marlon Brando (1924-) comenzó su carrera en el Drama Workshop de Erwin Piscator. Aunque las grandes producciones habían perdido su ventaja, el teatro a pequeña escala seguía manteniendo el interés del público.