Leer el capítulo anterior hará que este texto sea mucho más comprensible, pero si realmente debes saltártelo, aquí tienes algo de contexto: He decidido que la mejor manera de explicar qué es el arte es entender algo de historia, algo de filosofía y algo de técnica.
No porque te vaya a dar una respuesta clara, sino porque te proporcionará algo de pensamiento crítico legítimo. Y entonces, quién sabe, puede que incluso tengas opiniones fundamentadas.
Entonces, ¿qué es el Arte?
Después de muchos siglos en los que los periodos artísticos se definían por contextos políticos, sociales y económicos y no tanto por el gusto individual, se produjo un cambio gradual en la forma de adquirir y compartir la información.
El método científico solidificó la adquisición de conocimientos y la Revolución Industrial cambió el panorama de cómo vivían y trabajaban los humanos. La consecuente génesis de una clase media dio paso a la educación de mucha más gente -acabando con parte del elitismo que definía la educación hasta entonces.
Se vive más, se vive mejor, se sabe más y nace la creatividad. Eso es lo que le ocurrió a mucha más gente que en siglos anteriores que se definían por la escasez, la guerra y/o el extremismo religioso.
Así fue como el arte se hizo más democrático y, en consecuencia, más disponible para la expresión individual, personal y emocional.
Zeitgeist
El Zeitgeist es el conjunto dominante de ideales y creencias que motivan las acciones de los miembros de una sociedad en un periodo de tiempo determinado y se traduce literalmente del alemán como «mente del tiempo» o «espíritu del tiempo».
Georg Hegel nunca llegó a utilizar esta palabra pero, en sus obras, como Conferencias sobre la Filosofía de la Historia, dice lo siguiente:
«Ningún hombre puede superar su propio tiempo, pues el espíritu de su tiempo es también su propio espíritu.» – Georg Hegel
Esta idea está estrechamente relacionada con la forma en que Hegel veía el arte. En este paradigma, todo lo que el artista cree reflejará la cultura de esa época. El artista es un producto inevitable de esa época y, por lo tanto, llevará esa cultura a su arte.
La teoría del Zeitgeist se posiciona crudamente en contra de una teoría del siglo XIX de Thomas Carlyle llamada Teoría del Gran Hombre, donde los individuos poseen las características que los convierten en grandes líderes.
Estas características, combinadas con la inspiración divina, les permitirán obtener posiciones de poder y, en consecuencia, modelar la historia.
«La historia del mundo no es más que la biografía de los grandes hombres». – Thomas Carlyle
Tolstoi no tenía nada de eso y, en su libro Guerra y Paz, considera imaginaria la importancia de los grandes individuos: son meros esclavos de la historia. Herbert Spencer llegó a decir que consideraba las ideas de Carlyle irremediablemente primitivas, infantiles y anticientíficas.
Y en verdad, la Teoría del Gran Hombre descansa en la suposición de habilidades intrascendentes e innatas, despreciando el gran rompecabezas que constituye nuestro Universo. Ignora cómo todo es consecuencia, de una consecuencia, de una consecuencia.
Y ni siquiera entremos en el concepto de «libre albedrío» en este post -hay que tener cuidado con esta madriguera.
Esto significa, básicamente, que, lógicamente, el arte no puede ser esa cosa esotérica que brota de la asombrosa capacidad de ciertos individuos, o que nace de la pura dicha, del «talento» asombroso o de la habilidad innata de algunos realmente afortunados.
Incluso se podría decir que la «habilidad» es un concepto muy relativo en lo que se refiere al arte. Implica dominio técnico, pero los diferentes niveles de conocimiento tecnológico han dado forma al arte desde sus inicios, y por eso la «habilidad» o la «técnica» son estándares de calidad muy poco fiables.
Arte vs. Artesanía
Tomemos un concepto muy básico como la perspectiva lineal o, dicho de forma sencilla: la forma en que los objetos parecen ser más pequeños cuando están más distantes.
Su estudio y exploración geométrica dentro de la representación visual no comenzó hasta el siglo XIV, durante el Renacimiento italiano, y aún tardó en perfeccionarse y comprenderse adecuadamente.
Esta comprensión técnica se hizo patente en toda la obra artística a partir de entonces, mientras que todas las obras gráficas que se producían antes de esa época conservaban ese aura casi extraña de intento fallido de ser tridimensionales.
¿Pero fue fallido? O es que, en ese momento, el realismo en la representación simplemente no era un canon? Qué fue primero: la necesidad de una representación gráfica realista, o las técnicas que permitían producirla? ¿Importa si uno crea por capacidad o por elección? ¿Es la técnica un estándar de calidad en el Arte?
Tomemos como ejemplo los jarrones griegos. Son negros con figuras y adornos de color naranja intenso. Es considerada por muchos una hermosa pieza de arte con una gran combinación de colores que tiene un efecto minimalista pero místico y envolvente, logrado a través de las historias que cuentan sus imágenes.
Y luego está la porcelana china. Es ** colorida, delicada, sus dibujos son ricos en detalles y sus figuras nos transportan a una cultura que está llena de interesante mitología.**
Desgraciadamente, no las he estudiado tan profundamente como la civilización helenística, por lo que no hay mucho que pueda contar sobre el cuándo y el porqué de estos jarrones.
Pero sí puedo decirte esto: los jarrones griegos son de color negro y rojo intenso no gracias a la tinta, sino a un material que al aplicarse a su superficie convierte la arcilla en negra después de cocida. No hay selección de colores de por medio.
¿La técnica dictó la estética o fue al revés? ¿Fue una limitación autoimpuesta o la limitación técnica generó el estilo? ¿Es la porcelana china superior porque sus características definitorias son el resultado de una técnica más versátil y técnicamente avanzada? ¿Es una más arte que la otra?
Por último: ¿pintó Pablo Picasso a una mujer así porque no sabía hacerlo de forma realista, o por elección? Puedo decirte que sabía muy bien cómo hacer una pintura realista (ver imagen de abajo), pero ¿es la presencia o ausencia de elección algún tipo de validación para la expresión artística?
Ese es un principio peligroso de seguir, porque puede invalidar cualquier trabajo hecho bajo cualquier restricción que pueda limitar la libre elección, como el conocimiento técnico, el dinero, el tiempo, y más. Si revisas todo lo que has aprendido sobre la historia del arte hasta ahora, verás que todo tiene limitaciones, y que el arte ha sido moldeado por los materiales, las técnicas, la religión, la sociedad, y muchos más. Todo ha sido moldeado por el Zeitgeist.
Usar la ausencia o presencia de elección como estándar de calidad significa invalidar muchas piezas a lo largo de la historia moderna y antigua. Piezas de arte que no tenías ni idea de lo desordenado de su proceso – desde limitaciones técnicas, limitaciones materiales, presupuesto, desajustes de personalidad, hasta incluso problemas de salud mental si quieres ir allí.
Así que pasado este Siglo de las Luces (cuyo final comenzó a principios de 1800), entramos en el pensamiento relativista y se acabó la manía de una representación gráfica «realista» del mundo. Y es entonces cuando el arte se vuelve más complicado.
Historia Brevísima del Arte Moderno y Contemporáneo
¿Recuerdas el periodo romántico en el que todo era nostalgia, romanticismo, épica y conexión con la naturaleza y la historia?
Pasaron un par de años y algunos pintores decidieron centrarse en la realidad relatable de la vida cotidiana durante un movimiento llamado Impresionismo. La banalidad podía ser bella y digna de ser contemplada a través de la poética de la luz y el movimiento, que se expresaban a través de pinceladas visibles y emotivas.
No se trataba de una representación realista -que ya no era interesante debido a la fotografía-, sino que era rica y aportaba una nueva vida a lo ordinario.
Algunos otros artistas tomaron estos mismos principios de expresión a través del color y la textura y los exploraron aún más, sin tener miedo de distorsionar realmente el tema con el fin de transmitir verdaderamente su experiencia subjetiva de la realidad. Lo llamaron Expresionismo.
Entonces, más artistas, y algunos de los mismos, decidieron ir a explorar también la subjetividad de la vida y la existencia, pero distorsionando el continuo temporal, fusionando el pasado con el presente y el futuro de forma visual. Algo extraño, ¿verdad? Eso es el cubismo para ti.
También, ¿recuerdas la Revolución Industrial? El crecimiento tecnológico era exponencial, y también la fascinación de la gente por él. Este grupo de chicos recogió el concepto del cubismo de doblar el tiempo y valoró la estética del futuro como lo único que importaba.
La velocidad, la tecnología, la juventud, la violencia, el industrialismo, el nacionalismo, lo que sea, los futuristas estaban metidos en ello.
Ya el surrealismo estaba metido en esas nuevas y brillantes teorías freudianas que resultaron en algunas exploraciones bastante interesantes del subconsciente.
Algunos lo hacían a través de su técnica, similar a la de los expresionistas, otros lo hacían grabando sus primeros pensamientos después de despertar de un sueño, otros simplemente iban a dibujar lo primero que se les pasara por la cabeza, en un intento de actuar lo más inconscientemente posible mientras estaban despiertos.
Básicamente, la idea era llevar la autoexpresión al siguiente nivel de sacar todas las cosas potencialmente embarazosas y verdaderamente profundas.
Estas exploraciones siguieron y siguieron hasta que algunos llegaron a la abstracción absoluta. Algunos artistas, como Kandinsky, que también era músico, se inspiraron en la posibilidad de que las formas y el color asociativo resonaran en uno mismo.
En medio de este grupo de movimientos artísticos, llegaron los dadaístas para la necesaria comprobación de la realidad, para mantener a todos en alerta. Cuestionaron prácticamente todo lo relacionado con el arte, a la manera más dura.
Imagínate lo siguiente: es 1917 y hay una escultura en medio de una exposición que se llama «Fuente» y es básicamente un orinal colocado. Los visitantes no se lo tomaron a la ligera y se enfadaron mucho. Probablemente, ese era exactamente el objetivo.
Los dadaístas obligaron a todo el mundo a cuestionar la estética y la belleza, rompieron las restricciones, se rebelaron contra el elitismo y separaron las palabras de su significado. En última instancia, hicieron que todo el mundo reflexionara sobre la definición de arte, y sobre cómo tal vez la «belleza» y la «armonía» no eran necesariamente requisitos.
Este mismo cuestionamiento de la idea de armonía y belleza clásica se extendió a todos los campos del arte, por cierto. He centrado la mayor parte de los ejemplos y la historia en la pintura, pero sólo porque es lo más fácil de ejemplificar y comparar en un artículo.
Pero en la música ocurrieron muchas cosas interesantes, como que de repente se podían romper las escalas y hacer coincidir notas que antes se consideraban una combinación horrible. La danza ya no se centraba tanto en la elegancia, y se permitía ser cruda y desagradable cuando estaba justificado.
Aquí tienes un buen ejemplo de ruptura de moldes con la interpretación dancística de Pina Bausch de la Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky.
Romper los moldes de la estética clásica y romántica llegó a ser una gran manera de tener acceso a una gama más amplia de emociones, ideas y formas de expresión.
Así que con el paso del tiempo, hubo un crecimiento exponencial en la producción de arte y, en consecuencia, en el número de movimientos artísticos y corrientes de pensamiento. Tantos que la gente empezó a llamarlo Arte Contemporáneo, ya que el término se refiere al arte que se produce en la época actual.
Hubo docenas, si no cientos, de movimientos artísticos que se sucedieron, pero uno que surgió en esa época y que vale la pena mencionar fue el «Arte Conceptual»: la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra.
Después de muchos siglos centrados en la ejecución, aquí ésta se volvió descuidada y superflua, y el enfoque se centró en la planificación y la toma de decisiones hechas de antemano.
Un buen ejemplo de Arte Conceptual es la instalación artística «Máquinas Programadas» de Maurizio Bolognini de 1988, en la que se programaron ordenadores personales para generar flujos de imágenes aleatorias en continua expansión y se les dejó funcionar ad infinitum (la mayoría de ellos siguen funcionando ahora).
Conclusión
Cuando nos enfrentamos a este tipo de obras de arte, sería el momento en el que típicamente todo el mundo pone los ojos en blanco y odia el Arte Contemporáneo.
Con suerte, he conseguido pasar suficiente información para que al menos te lo pienses dos veces en lugar de descartar inmediatamente estas obras. Y, sinceramente, espero haber conseguido abrir vuestras mentes y ayudaros a entender que el arte no tiene por qué ser bonito o agradable de experimentar.
El arte no tiene por qué ser una experiencia profundamente emocional o intelectual que te arrolle inmediatamente. En todo caso, la experiencia que tengas con el arte depende más de cómo elijas interactuar con él, que de sus propias características.
Traes todo tu conocimiento y bagaje vital y, al final, disfrutar del arte será tu propia experiencia subjetiva, y tú eliges hasta dónde quieres llegar.
«El arte comienza cuando un hombre, con el propósito de comunicar a otras personas un sentimiento que una vez experimentó, lo convoca de nuevo dentro de sí mismo y lo expresa mediante ciertos signos externos.» – 1897 / Qué es el arte de Tolstoi, p.38
«Todos sabemos que el arte no es la verdad. El arte es una mentira que nos hace darnos cuenta de la verdad.»
-1972 / Pablo Picasso citado en Picasso on Art de Dore Ashton
«Sólo las ideas pueden ser obras de arte… No es necesario que todas las ideas se hagan físicas… Una obra de arte puede entenderse como un conductor de la mente del artista a la del espectador. Pero puede que nunca llegue al espectador, o que nunca salga de la mente del artista». – 1994 / Sol LeWitt citado en Art and Its Significance por Stephen David Ross
«Que el señor Mutt haya hecho o no la fuente con sus propias manos no tiene importancia. Él la eligió. Tomó un artículo ordinario de la vida, lo colocó de manera que su significado útil desapareciera bajo un nuevo título y punto de vista (y) creó un nuevo pensamiento para el objeto.» – 1917 / El ciego, 2ª edición, de Marcel Duchamp, Beatrice Wood y Henri-Pierre Roché
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