Por qué la música pop es mala

Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5 y Ariana Grande, todas las superestrellas de la música pop moderna que comparten una cosa en común, un tipo llamado Max Martin. El compositor sueco es la columna vertebral de la escena de la música pop moderna actual. Con más de 200 canciones a su nombre, es responsable de la mayor parte de la música producida. Siendo un ávido oyente de cualquier música que no sea el country, el pop y el rap, mi creencia personal de que la música pop es el peor tipo de música no sólo está respaldada por el sentido común, sino también por estadísticas probadas e investigaciones realizadas en el Instituto de Investigación en Inteligencia Artificial del Consejo Superior de Investigaciones Científicas en Barcelona. El simple hecho de los álbumes vendidos, los resultados de las pruebas observadas recientemente y la complejidad del uso de los instrumentos y el concepto lírico sólo demuestran el punto de que la música pop es el peor género musical.

Ciento setenta y siete millones, la cantidad de álbumes vendidos por la banda de rock inglesa The Beatles. Si miramos a los 10 artistas que más venden, según Business Insider, sólo aparece una estrella del pop, Michael Jackson, con 81 millones de álbumes vendidos. Ahora bien, dependiendo de la lista y del recurso que utilices para obtener esta información, podrías ver a artistas del pop como Madonna y Prince entre los 10 primeros; sin embargo, muchos sitios web determinan los álbumes vendidos de forma diferente según los álbumes descargados y los vinilos comprados. No obstante, sea cual sea la fuente de la que proceda la lista, es obvio que el top 10 está repleto de artistas del mismo género o subgénero, el rock. Los Beatles lideraron la Invasión Británica a principios de los 60, Elvis Presley es indiscutiblemente apodado el Rey del Rock and Roll, y otros basados en el rock como los Eagles, Led Zeppelin y Pink Floyd compiten entre los 10 primeros álbumes vendidos. Además, los solistas Elton John y Billy Joel se encuentran entre los 10 primeros. Aunque un argumento válido para esto es que los artistas modernos de hoy no venden álbumes, sino singles. Dicho esto, es pertinente señalar que todavía es posible comprar sus álbumes o descargarlos. Esta es una tendencia de la sociedad que también afecta a la industria musical: la gente prefiere comprar singles y canciones de éxito que el álbum completo. Artistas como Led Zeppelin y The Beatles hacían álbumes para complacer a la gente en su totalidad, a menudo las canciones coincidían entre sí. Incluso hoy en día la gente sigue comprando y coleccionando discos de grupos que hicieron vinilos. El simple hecho de que los artistas modernos, aunque se inspiren en los primeros músicos, no vendan discos de forma competitiva para competir con las bandas de 40-50 años antes es un ejemplo de por qué la música pop es un insulto para muchos géneros.

A lo largo de los años 1955-2010 investigadores y científicos analizaron 500.000 canciones y confirmaron las opiniones de muchos de nuestros padres, simplemente la música está empeorando. El grupo de investigación tomó estas canciones y las pasó por algoritmos que medían lo siguiente: complejidad armónica, diversidad tímbrica y volumen. En primer lugar, las pruebas confirmaron que en las últimas décadas el timbre ha disminuido. El timbre se define como la riqueza, la textura, el color y la calidad del sonido dentro de la música. Básicamente se puede simplificar como la riqueza o profundidad del sonido de los instrumentos y las voces. A través de la investigación, la ciencia ha demostrado dos cosas: a lo largo de las últimas décadas el timbre ha disminuido de forma constante, y el timbre alcanzó su punto máximo en la década de 1960. Esto significa que las canciones tienen menos diversidad dentro de sus instrumentos y técnicas de grabación. Todo ello para señalar que la música se ha simplificado. Dado que la música pop moderna actual se basa en el uso repetitivo de un ritmo simple, la complejidad armónica también ha disminuido a lo largo de las décadas. Por ejemplo, «A Day in the Life» de los Beatles, «Kashmir» de Led Zeppelin y el uso de la Sinfónica de San Francisco por parte de Metallica en el álbum de 1999 S&M presentan un uso intensivo de la formación principal de las bandas, así como de orquestas completas bajo la dirección del director. Incluso observando la diferente cantidad de cambios de ritmo, los cambios instrumentales generales a lo largo de las canciones y la interpretación lírica, se favorecen géneros como el rock (más variaciones y subgéneros), la música clásica, el blues y el jazz. La música pop utiliza un único instrumento la mayor parte del tiempo, una caja de ritmos. Este instrumento es capaz de producir muchos sonidos y variaciones, pero es el responsable del ritmo producido electrónicamente que suele escucharse en la música pop. Algunos pueden argumentar que esto es una exageración y, en cierto modo, lo es, porque muchos algunos artistas utilizan bandas para las actuaciones en directo. Además, el uso de la caja de ritmos también aparece en los géneros del dub-step, el rap y el rock progresivo. Sin embargo, cada uno de esos géneros presenta un ritmo tan diverso y complejo acompañado de letras complejas que es difícil decir que el uso de la caja de ritmos es un problema en el pop. Sin embargo, sigue siendo un problema, el artista de dub-step Skrillex es conocido por el uso de una caja de ritmos y otros ruidos generados por ordenador para acompañar el ritmo principal de la canción. El simple hecho de que no haya dos canciones con el mismo ritmo o tempo, incluso con ruidos generados por ordenador, es una prueba de que la música pop es un género simple que no se centra en la calidad de la música.

Según informa Scientific American, una investigación realizada en el Instituto de Investigación en Inteligencia Artificial del Consejo Superior de Investigaciones Científicas en Barcelona confirmó que la música de las últimas décadas también afirmó que las letras son cada vez más sencillas de entender. Si antes se afirmaba que gran parte de la música actual suena repetitiva, también se comprobó que casi todas las canciones pop de hoy en día contienen lo mismo, el «millennial whoop». El bloguero musical Patrick Metzger descubrió que muchos artistas utilizan la misma secuencia de notas de un cambio en la quinta nota de la escala a la tercera nota y luego de vuelta a la quinta nota hecho repetitivamente. También creó el término millennial whoop. Por ejemplo, «California Girls» de Katy Perry, «International Love» de Pitbull y «Good Time» de Owl City, por nombrar algunos, utilizan el millennial whoop. La mayoría de las veces se utiliza en el estribillo de la canción para rellenar los huecos entre las estrofas, lo que hace que la canción se quede grabada en la cabeza porque a nuestro cerebro le gusta la familiaridad. Cuanto más oímos el mismo sonido, más lo disfrutamos, y esto es algo más que una casualidad.

Si fueras un artista pop que acaba de lanzar una nueva canción, ¿no querrías que contuviera algo que otras canciones pop tienen? Si otras canciones tienen éxito por el whoop milenario entonces más y más artistas lo usarán para asegurar que la canción sea popular. Está demostrado que las letras de las canciones de hoy en día son fácilmente comprensibles a un nivel de séptimo grado, lo que significa que no sólo un niño de 13 años puede entender el significado único de la canción, sino que probablemente también podría escribirla. El cantante de la banda de rock de Los Ángeles Tool, Maynard James Keenan, está considerado como uno de los mejores letristas de todos los tiempos debido a la complejidad y los pensamientos subyacentes que se encuentran en su obra, unidos al inusual ritmo de Tool. En la canción «Lateralus», la letra sigue la secuencia de Fibonacci de las matemáticas y se centra en cómo la mente es la mayor debilidad del ser humano: «Pensar demasiado, analizar demasiado separa el cuerpo de la mente. Marchita mi intuición, pierdo oportunidades y debo alimentar mi voluntad para sentir mi momento dibujando fuera de las líneas». Bob Dylan, otro respetado compositor, ganó un Premio Nobel de Literatura y está incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll por su trabajo en la música folk. Ya sea John Lennon, Paul McCartney, Robert Plant, Bob Marley o Jimi Hendrix, es fácil decir que estos artistas son conocidos por sus complejas letras. ¿Por qué son buenas las letras complejas en la música? Porque deja las canciones abiertas a la interpretación personal. Si cada persona ve la canción de forma diferente, entonces le habla a nivel personal, que es lo que las bandas de los años 50 a principios de los 2000 buscaban conseguir. Cuando las bandas quieren hablar con sus fans y golpearlos a nivel personal en lugar de hacer una canción para ser popular, entonces la verdadera artesanía musical se ha logrado.

El gancho, o parte de la canción que te atrapa y te lleva a la canción también es una parte importante de la música. Mira «In The Air Tonight» de Phil Collins. ¿Te has encontrado alguna vez esperando el solo de batería en mitad de la canción? Para la mayoría de la gente la respuesta es sí y eso es porque es el gancho de la canción. En estudios recientes, se ha comprobado que el gancho de una canción está cada vez más cerca del principio de la misma, lo que significa que, como oyentes, tenemos que esperar menos tiempo para quedar satisfechos cuando se produce el gancho. Esperar menos tiempo al gancho significa reducir la capacidad de atención, y si la canción no te atrapa desde el principio o no tiene gancho, nuestro cerebro se apagará y no escuchará ni comprenderá el resto de la canción, saltándosela esencialmente. Una de las razones de esto es el acceso instantáneo a millones de canciones básicamente gratis. Obtenemos mucha música por poco dinero y eso significa que la música no tiene un valor personal para el comprador. Cuando los discos y los vinilos eran todavía populares, la gente ahorraba y compraba un disco con un puñado de canciones y lo escuchaba innumerables veces por su coste y por el hecho de que aprendías a apreciar el álbum y a captar cosas nuevas en cada canción cuanto más lo escuchabas. Con la invención del Ipod y otros dispositivos para escuchar música, los oyentes han perdido el valor de las canciones porque es muy fácil acceder a ellas. Además, las aplicaciones y sitios web de transmisión de música como Spotify, Pandora, AOL Radio e IHeart Radio permiten descargar álbumes enteros y saltarse las canciones o eliminarlas a su antojo. Esto también ha provocado que los oyentes den por sentado el valor de la música. Como ya se ha dicho, ya no tenemos que escuchar cada canción de un disco y apreciarla, sino que si no nos gusta la canción simplemente la eliminamos de la lista de reproducción y no reconocemos el talento y el trabajo invertido en ella. Mezcla eso con el hecho de que en los últimos veinte años los productores y las compañías discográficas han alterado la compresión dinámica de las canciones para que los oyentes se enganchen desde el principio, y tienes la música pop en su máxima expresión.

La compresión del rango dinámico es el acto de potenciar ciertas áreas de la canción para que las partes silenciosas coincidan con las partes más fuertes de la canción. Todo esto se hace electrónicamente en el estudio. El motivo es que, últimamente, los productores se han enzarzado en una batalla entre ellos para ver quién puede crear música más alta. La disminución de la compresión del rango dinámico también significa que, a pesar del nivel de volumen del oyente, la música seguirá siendo alta. En la competición entre productores tiene sentido que cada uno de ellos intente hacer sus canciones más fuertes. Por ejemplo, sólo unos pocos reconocerían a una persona en la esquina de la calle gritando y luego susurrando palabras, pero si esa persona gritara continuamente, todo el mundo lo notaría. Cuando todo un género se basa en igualar y superar a otra canción pop, los artistas y productores buscan cualquier forma de superar a la competencia. Esta técnica garantiza que, cuando la canción salga al mercado, los oyentes podrán escucharla y asociarla con otras canciones pop. No hay nada malo en tratar de utilizar la compresión dinámica en la creación de música, excepto cuando se abusa de ella y se rompen las leyes de la física. La física establece que no se puede hacer un sonido más fuerte que el volumen al que fue grabado. De este modo, se produce una distorsión y una pérdida de calidad en la canción. Cuando se comprime el rango dinámico de una canción, se pierde la variedad tímbrica de la misma y los tonos más bajos producidos por los bajos y la batería dejan de apreciarse porque controlan la música en lugar de acompañarla. En la industria musical actual, el riesgo juega un papel importante en la producción de los álbumes. En los años 50, 60 y 70, las discográficas recibían cientos de maquetas a la semana de aspirantes a artistas. Si la compañía veía potencial o el artista tenía talento, era aceptado por la compañía y recibía un contrato. A partir de ahí, el público era el juez y el jurado de la música del artista: si le gustaban los discos, el artista seguía grabando; si no le gustaban, el artista perdía el contrato. Esto era esencial porque significaba que sólo los artistas con verdadero talento podían hacer carrera creando música. No había lugar para que los artistas sin talento y chapuceros hicieran carrera. Esto tenía sus desventajas porque la mayoría de las veces las compañías contrataban a un músico y luego invertían miles de dólares en su producción y espectáculos, sólo para que el artista se convirtiera en un fracaso. Rara vez había un artista que desempeñara el papel de diamante en bruto y que aportara dinero y ganara popularidad por su trabajo, lo que hacía que las empresas se resarcieran de su inversión. Hoy en día, el coste de producir y promocionar a un artista es más alto que nunca.

La IFPI descubrió que el proceso de fichar a un artista, generar su trabajo, introducirlo y llevarlo a la popularidad cuesta entre 500.000 y 3.000.000 de dólares. Es lógico que las discográficas no quieran arriesgarse a que un artista sea un fracaso, ya que han invertido tanto en él, así que lo hacen sonar igual que otros artistas que han tenido éxito. Esto ha dado lugar a que la industria musical fiche a una cara bonita más o menos, que a un artista con talento, y obligue al público a quererlos porque suenan idénticos al resto del género. Con la eliminación del riesgo financiero en la industria, al público se le está lavando el cerebro para que le gusten todas las canciones producidas en lugar de elegir las que le gustan. ¿Cómo entra en juego el lavado de cerebro? Mira la canción «See you Again» de Wiz Khalifa ft. Charlie Puth, esa canción se promocionó en todas las emisoras de radio de Estados Unidos, se tocó en centros comerciales y tiendas, incluso fue la canción principal de Fast 7. Cuando la canción suena en todos los altavoces a tu alrededor, te molesta o le coges cariño. La mayoría de la población actual se deja llevar por las canciones y esto se debe a que la música es tan controladora que mucha gente no tiene más remedio que escucharla. Esta sobrepromoción de las canciones es la compañía discográfica asegurándose de que los 3 millones de dólares que invirtieron sean devueltos y no se desperdicien, te guste o no la canción serás incapaz de no escucharla y será ineludible. El efecto de mera exposición es un fenómeno psicológico por el que las personas desarrollan preferencias ante estímulos a los que se exponen con frecuencia. En muchos casos, la primera exposición que tienen los oyentes a una canción tiene un efecto negativo, pero a la tercera o cuarta vez empiezan a aceptar o a entregarse a la canción porque se reproduce con frecuencia y el cerebro aprende a aceptarla. Si una canción tiene un verdadero significado para el oyente y te gusta como individuo, entonces no tendrías que ser forzado a que te guste por medio de la promoción masiva, la reproducción excesiva y que tus amigos la escuchen debido al mismo efecto de mera exposición.

Cada uno tiene sus propias preferencias musicales por sus propias razones. A mí personalmente me gusta el heavy metal, el hard rock y la mayoría de los subgéneros creados por ambos. Las canciones creadas, para mí, son únicas, inimitables, fáciles de relacionar, expresables, y me hablan a nivel personal. El grupo o la música favorita de una persona debería poder ser escuchada por ella sin importarle lo que piensen o digan los demás, ya que esa música encierra una experiencia personal con el individuo. La creatividad y la originalidad de cada género es lo que hace que la música sea importante porque es la forma que tiene el artista de representar sus emociones y sentimientos. En una sociedad en la que la presión del grupo y la aceptación social tienen un papel importante, es importante seguir siendo diferente en contra de la norma o de las ideas dominantes. La música es una expresión de la personalidad del individuo porque el oyente puede entender la letra y apreciar el acompañamiento instrumental de su género favorito. Complementa sus sentimientos o refleja una época de su vida en la que la música era lo único que podía entender o era lo único a lo que podía recurrir. Cuántos artistas dicen que se inspiraron para coger un instrumento porque escucharon a los Beatles, Led Zeppelin, Elvis Presley, Bob Dylan o los Eagles, y mira cuántos artistas dicen que se inspiraron en Lady Gaga, Justin Bieber o Taylor Swift. La música debería inspirar al oyente y no debería ser forzada por las grandes compañías discográficas que intentan atraer a los oyentes con letras duplicadas y sonidos repetitivos. Nada habla más a un oyente que una canción que puede escuchar por primera vez y recordar años después la primera vez que la escuchó. La experiencia que el individuo obtiene de las canciones es más importante que el dinero que la compañía discográfica recibe por su compra. No es de extrañar que muchos de los padres y mayores de los jóvenes de hoy en día siempre hagan las referencias de «La música ya no es buena», «Esto ni siquiera es música, es sólo un montón de ruidos» o mi favorita «¿Qué ha pasado con la buena música?» cuando escuchan las canciones de hoy en día y es porque son ciertas. ¿Qué ha pasado con la buena música, por qué ya no es buena, y por qué’ es sólo un montón de ruidos? Es simple, a la música pop no le importa el oyente, ni el efecto que tiene en alguien, todo lo que le importa es traer a las compañías discográficas dinero y fama. Es evidente que la música, como forma de arte, está muriendo. Como oyentes, es nuestro trabajo no ser complacientes y permitir que la música sistemática se apodere de nuestras vidas. No podemos dejar que lo que ha estado ahí para muchos de nuestros momentos más felices y tristes sea dominado por un objeto desechable diseñado para vender y ganar millones de dólares sin la inspiración de los oyentes o de lo contrario la música hermosa, conmovedora y personal que todos disfrutamos se extinguirá por la basura que es la música pop.

Trabajos citados

«100 Greatest Songwriters of All Time». Rolling Stone, www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-songwriters#bob-dylan.

Havers, Richard. «25 temas clásicos del rock orquestal | UDiscover». UDiscoverMusic, 25 ago. 2017, www.udiscovermusic.com/playlists/25-classic-orchestral-rock-tracks/.

II, Theodoros. «Los 25 artistas musicales más vendidos de todos los tiempos». List25, List25, 16 nov. 2014, list25.com/25-top-selling-music-artists-of-all-time/.

Lynch, John. «Los 50 artistas musicales más vendidos de todos los tiempos». Business Insider, Business Insider, 13 de septiembre de 2017, www.businessinsider.com/best-selling-music-artists-of-all-time-2016-9/#5-eagles-101-million-units-46.

«Max Martin». Wikipedia, Wikimedia Foundation, 12 feb. 2018, es.wikipedia.org/wiki/Max_Martin.

Thoughty2. «¿Por qué la música pop moderna es tan terrible?». YouTube, YouTube, 5 ago. 2017, www.youtube.com/watch?v=oVME_l4IwII.

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