Edellisen luvun lukeminen tekee tästä tekstistä paljon ymmärrettävämpää, mutta jos sinun on todella pakko ohittaa se, tässä on hieman kontekstia: Päätin, että paras tapa selittää, mikä on taidetta, on ymmärtää hieman historiaa, filosofiaa ja tekniikkaa.
Ei siksi, että se antaisi sinulle selkeän vastauksen, vaan siksi, että se antaisi sinulle oikeutettua kriittistä ajattelua. Ja sitten, kuka tietää, sinulla saattaa jopa olla perusteltuja mielipiteitä.
Mitä siis on taide?
Monien vuosisatojen jälkeen, jolloin taiteen aikakausia määrittivät poliittiset, sosiaaliset ja taloudelliset kontekstit eikä niinkään yksilöllinen maku, tapahtui asteittainen muutos tavassa, jolla tietoa hankittiin ja jaettiin.
Tieteellinen menetelmä vakiinnutti tietämyksen hankkimisen, ja teollinen vallankumous muutti maisemaa siinä, miten ihmiset elävät ja tekevät työtä. Tästä seurannut keskiluokan synty teki tilaa yhä useampien ihmisten kouluttautumiselle – ja lopetti osan koulutusta tähän asti määrittäneestä elitistisyydestä.
Eletään pidempään, eletään paremmin, tiedetään enemmän ja syntyy luovuutta. Näin kävi paljon useammalle ihmiselle kuin aiempina vuosisatoina, joita määrittivät joko niukkuus, sodat ja/tai uskonnolliset ääriliikkeet.
Siten taiteesta tuli demokraattisempaa ja näin ollen yksilöllisemmän, henkilökohtaisemman ja emotionaalisemman ilmaisun ulottuvilla.
Zeitgeist
Zeitgeist on hallitseva joukko ihanteita ja uskomuksia, jotka motivoivat yhteiskunnan jäsenten toimintaa tiettynä ajanjaksona, ja se käännetään kirjaimellisesti saksan kielestä sanoilla ”ajan mieli” tai ”ajan henki”.
Georg Hegel ei koskaan varsinaisesti käyttänyt tätä sanaa, mutta teoksissaan, kuten Luentoja historian filosofiasta, hän sanoo seuraavaa:
”Kukaan ei voi ylittää omaa aikaansa, sillä hänen aikansa henki on myös hänen oma henkensä.” – Georg Hegel
Tämä ajatus liittyy läheisesti siihen, miten Hegel näki taiteen. Tässä paradigmassa kaikki, mitä taiteilija luo, heijastaa kyseisen ajan kulttuuria. Taiteilija on väistämättä tuon ajan tuote, ja siksi hän tuo tuon kulttuurin taiteeseensa.
Zeitgeist-teoria asettuu jyrkästi vastakkain Thomas Carlylen 1800-luvulla laatiman The Great Man Theory -nimisen teorian kanssa, jonka mukaan yksilöillä on ominaisuuksia, jotka tekevät heistä suuria johtajia.
Nämä ominaisuudet yhdistettynä jumalalliseen inspiraatioon mahdollistavat sen, että he pääsevät valta-asemiin ja näin ollen muokkaavat historiaa.
”Maailman historia ei ole muuta kuin suurten miesten elämäkerta.” – Thomas Carlyle
Tolstoi ei pitänyt tästä, ja kirjassaan Sota ja rauha hän pitää suurten yksilöiden merkitystä kuvitteellisena: he ovat vain historian orjia. Herbert Spencer meni jopa niin pitkälle, että sanoi pitävänsä Carlylen ajatuksia toivottoman alkukantaisina, lapsellisina ja epätieteellisinä.
Ja totta puhuen suurmies-teoria nojaa tosiaan oletukseen merkityksettömistä ja synnynnäisistä kyvyistä ja jättää huomiotta sen suuren palapelin, joka muodostaa maailmankaikkeutemme. Se jättää huomiotta sen, miten kaikki on seurausta, seurauksen seurauksesta, seurauksen seurauksesta.
Eikä tässä postauksessa edes puhuta ”vapaan tahdon” käsitteestä – meidän on varottava tätä kaninkoloa.
Tämä tarkoittaa pohjimmiltaan sitä, että loogisesti puhuen taide ei voi mitenkään olla tämä esoteerinen asia, joka syntyy tiettyjen yksilöiden ihmeellisyydestä tai syntyy puhtaasta autuudesta, hämmästyttävästä ”lahjakkuudesta” tai joidenkin todella onnekkaiden ihmisten synnynnäisestä taidosta.
Voidaan jopa sanoa, että ”taito” on hyvin suhteellinen käsite mitä taiteeseen tulee. Se merkitsee teknistä mestaruutta, mutta erilaiset teknisen osaamisen tasot ovat muovanneet taidetta sen alusta asti, ja siksi ”taito” tai ”tekniikka” ovat hyvin häilyviä laatustandardeja.
Taide vs. käsityö
Vastaanotetaanpa vaikka sellainen peruskäsite kuin lineaarinen perspektiivi, tai yksinkertaisesti sanottuna: tapa, jolla esineet näyttävät pienemmiltä, kun ne ovat kauempana.
Sen tutkiminen ja geometrinen tutkiminen visuaalisessa esittämisessä alkoi vasta 1300-luvulla italialaisen renessanssin aikana, ja kesti vielä jonkin aikaa, ennen kuin se täydellistettiin ja ymmärrettiin kunnolla.
Tämä tekninen ymmärrys alkoi näkyä kaikessa taiteellisessa työskentelyssä siitä lähtien, kun taas kaikki graafiset teokset, joita tuotettiin ennen tuota aikaa, säilyttivät tämän melkeinpä oudon auran epäonnistuneesta yrityksestä kolmiulotteisuudeksi.
Mutta epäonnistuiko se? Vai oliko kyse siitä, että realismi representaatiossa ei tuossa vaiheessa yksinkertaisesti ollut kaanon? Kumpi oli ensin: realistisen graafisen esityksen tarve vai tekniikat, jotka mahdollistivat sen tuottamisen? Onko sillä väliä, luodaanko kyvystä vai halusta? Onko tekniikka taiteen laatustandardi?
Otetaan esimerkiksi kreikkalaiset maljakot. Ne ovat mustia ja niissä on syvän oransseja hahmoja ja koristeita. Monet pitävät niitä kauniina taideteoksena, jossa on hieno väriyhdistelmä, jolla on minimalistinen mutta mystinen ja mukaansatempaava vaikutus, joka saavutetaan niiden kuvien kertomien tarinoiden kautta.
Ja sitten on kiinalaista posliinia. Se on ** värikästä, herkkää, sen piirrokset ovat yksityiskohtaisia ja niiden hahmot vievät meidät kulttuuriin, joka on täynnä mielenkiintoista mytologiaa.**
En ole valitettavasti tutkinut niitä yhtä syvällisesti kuin hellenististä sivilisaatiota, joten en osaa kertoa paljonkaan näiden maljakoiden milloin ja miksi.
Mutta tämän verran voin kertoa: kreikkalaiset maljakot eivät ole mustia ja syvänpunaisia musteen ansiosta, vaan sellaisen aineen ansiosta, joka niiden pintaan levitettynä muuttaa saven mustaksi keitettyään. Siihen ei liity mitään värien valintaa.
Saneliko tekniikka estetiikan vai oliko se päinvastoin? Oliko se itse asetettu rajoitus vai tuottiko tekninen rajoitus tyylin? Onko kiinalainen posliini ylivertaista, koska sen määrittävät piirteet ovat seurausta monipuolisemmasta ja teknisesti kehittyneemmästä tekniikasta? Onko toinen enemmän taidetta kuin toinen?
Viimeiseksi: maalasiko Pablo Picasso naisen näin, koska hän ei osannut tehdä sitä realistisesti, vai vapaaehtoisesti? Voin kertoa, että hän osasi erittäin hyvin tehdä realistista maalausta (ks. kuva alla), mutta onko valinnan mahdollisuus tai sen puuttuminen jonkinlainen vahvistus taiteelliselle ilmaisulle?
Tätä periaatetta on vaarallista noudattaa, koska se voi mitätöidä minkä tahansa teoksen, joka on tehty minkä tahansa vapaata valintaa rajoittavien rajoitteiden, kuten teknisen tietämyksen, rahan, ajan ja muiden rajoitusten alla. Jos muistelet kaikkea, mitä olet tähän mennessä oppinut taidehistoriasta, huomaat, että kaikella on rajoitteita, ja että taidetta ovat muokanneet materiaalit, tekniikat, uskonto, yhteiskunta ja monet muut. Kaikkia on muokannut Zeitgeist.
Valinnan puuttumisen tai läsnäolon käyttäminen laadun standardina merkitsee monien teosten mitätöimistä kautta modernin ja antiikin historian. Taideteoksia, joista sinulla ei ollut aavistustakaan, kuinka sekaisin niiden prosessi oli – teknisistä rajoituksista, materiaalisista rajoituksista, budjetista, persoonallisuusvirheistä, jopa mielenterveysongelmiin, jos haluat mennä sinne asti.
Niin ohitettiin tämä valistuksen aikakausi (jonka loppu alkoi 1800-luvun alussa), siirryimme relativistiseen ajatteluun, eikä enää ollut villitystä ”realistiseen” graafiseen esitykseen maailmasta. Ja silloin taide muuttuu hankalammaksi.
Modernin ja nykytaiteen äärimmäisen lyhyt historia
Muistatteko romanttisen kauden, jolloin kyse oli nostalgiasta, romantiikasta, eeppisyydestä ja yhteydestä luontoon ja historiaan?
Pari vuotta kului, ja eräät taidemaalarit päättivät keskittyä jokapäiväisen arjen suhteutettavaan todellisuuteen impressionismiksi kutsutun liikkeen aikana. Arkipäiväisyys saattoi olla kaunista ja pohtimisen arvoista valon ja liikkeen poetiikan kautta, jota ilmaistiin näkyvillä ja tunteikkailla siveltimenvedoilla.
Ei kyseessä ollut realistinen esitys – se ei ollut enää kiinnostavaa valokuvauksen takia – mutta se oli rikas ja toi uutta elämää tavalliseen.
Jotkut muut taiteilijat ottivat nämä samat periaatteet ilmaisusta värien ja tekstuurien kautta ja tutkivat niitä vielä pidemmälle, eivätkä pelänneet todella vääristää aihetta, jotta he voisivat aidosti välittää subjektiivisen kokemuksensa todellisuudesta. He kutsuivat sitä ekspressionismiksi.
Sitten useammat taiteilijat, ja jotkut samoista, päättivät lähteä tutkimaan myös elämän ja olemassaolon subjektiivisuutta, mutta vääristelemällä aikajatkumoa, sulauttamalla menneisyyden nykyisyyteen ja tulevaisuuteen visuaalisesti. Trippiä tavaraa, eikö niin? Se on kubismia sinulle.
Muistatko myös teollisen vallankumouksen? Teknologinen kasvu oli räjähdysmäistä, ja niin oli myös ihmisten kiehtovuus sitä kohtaan. Tämä kaveriporukka omaksui kubismin käsitteen ajan taivuttamisesta ja arvosti tulevaisuuden estetiikkaa ainoana merkityksellisenä asiana.
Nopeus, teknologia, nuoruus, väkivalta, teollistuminen, kansallismielisyys, mitä tahansa, futuristit olivat kiinnostuneita siitä.
Surrealismissa oli jo kyse siitä, että päästiin käsiksi noihin kiiltäviin, upouusiin freudilaisiin teorioihin, mikä johti melko mielenkiintoisiin alitajunnan tutkimuksiin.
Jotkut tekivät sen tekniikallaan, samalla tavalla kuin ekspressionistit, jotkut tekivät sen tallentamalla ensimmäisiä ajatuksiaan unesta herättyään, jotkut menivät vain piirtämään ensimmäisenä mieleen tulevan asian, yrittäen toimia mahdollisimman tiedostamattomasti hereillä ollessaan.
Periaatteessa ajatuksena oli viedä itseilmaisu seuraavalle tasolle, jolloin kaikki mahdollisesti kiusalliset ja todella syvälliset asiat saataisiin esiin.
Tämä tutkimusmatkailu jatkui ja jatkui, kunnes jotkut pääsivät absoluuttiseen abstraktioon. Jotkut taiteilijat, kuten Kandinsky, joka oli itsekin muusikko, innostuivat muotojen ja assosiatiivisten värien mahdollisuudesta kaikua itsessä.
Tämän taidesuuntausten rykelmän keskellä tulivat dadaistit tarpeelliseen todellisuuden tarkistukseen, pitämään kaikki varpaillaan. He kyseenalaistivat aika lailla kaiken taiteeseen liittyvän, kovan luokan tapaan.
Kuvittele seuraavaa: On vuosi 1917 ja keskellä näyttelyä on veistos, jonka nimi on ”Fountain” ja se on periaatteessa makaava pisuaari. Kävijät eivät ottaneet sitä kevyesti ja suuttuivat kovasti. Luultavasti juuri siitä oli kyse.
Dadaistit pakottivat kaikki kyseenalaistamaan estetiikan ja kauneuden, rikkoivat rajoitteita, kapinoivat elitismiä vastaan ja erottivat sanat niiden merkityksestä. Lopulta he saivat kaikki miettimään taiteen määritelmää ja sitä, että ehkä ”kauneus” ja ”harmonia” eivät välttämättä olleetkaan välttämättömiä edellytyksiä.
Tämä sama harmonian ja klassisen kauneuden idean kyseenalaistaminen ulottui muuten kaikille taiteen aloille. Olen keskittänyt suurimman osan esimerkeistä ja historiasta maalaustaiteeseen, mutta vain siksi, että sitä on helpointa havainnollistaa ja vertailla artikkelissa.
Musiikissa tapahtui kuitenkin monia mielenkiintoisia asioita, kuten se, miten yhtäkkiä voitiin rikkoa asteikkoja ja sovittaa yhteen sävyjä, joita ennen olisi pidetty kamalana yhdistelmänä. Tanssi ei enää keskittynyt niin paljon eleganssiin, vaan salli itsensä olla raaka ja epämiellyttävä silloin, kun se oli perusteltua.
Tässä on hyvä esimerkki muotin rikkomisesta Pina Bauschin tanssitulkinta Igor Stravinskyn Kevätriitistä.
Klassisen ja romanttisen estetiikan muottien rikkomisesta tuli loistava tapa päästä käsiksi laajempaan valikoimaan tunteita, ajatuksia ja ilmaisutapoja.
Ajan myötä taidetuotanto kasvoi eksponentiaalisesti, ja näin ollen myös taidesuuntausten ja ajatuksenvirtojen määrä. Niin paljon, että ihmiset alkoivat vain kutsua sitä nykytaiteeksi, koska termi viittaa nykyaikana tuotettuun taiteeseen.
Taiteellisia suuntauksia oli tapahtumassa kymmeniä, ellei satoja, mutta yksi tuohon aikaan syntynyt ja mainitsemisen arvoinen oli ”käsitetaide”: ajatus tai konsepti on teoksen tärkein osa-alue.
Monien vuosisatojen keskityttyä toteutukseen, tässä vaiheessa siitä tuli huolimatonta ja tarpeetonta, ja pääpaino kiinnittyi suunnitteluun ja päätöksentekoon, joka tehtiin ennakkoon.
Yksi hyvä esimerkki käsitetaiteesta on vuonna 1988 Maurizio Bologninin installaatiotaide ”Programmed Machines”, jossa henkilökohtaiset tietokoneet ohjelmoitiin tuottamaan jatkuvasti laajenevien satunnaisten kuvien virtoja ja jätettiin pyörimään loputtomiin (suurin osa näistä toimii edelleen).
Johtopäätös
Kun joutuu kohtaamaan tällaisia taideteoksia, se olisi se hetki, jolloin tyypillisesti kaikki pyörittelevät silmiään ja vihaavat nykytaidetta.
Toivottavasti olen onnistunut välittämään tarpeeksi tietoa, jotta saisin teidät ainakin miettimään kahdesti sen sijaan, että hylkäisitte heti tällaiset teokset. Ja totta puhuen toivon, että onnistuin avaamaan mielenne ja auttamaan teitä ymmärtämään, että taiteen ei tarvitse olla kaunista tai miellyttävää kokea.
Taiteen ei tarvitse olla syvästi emotionaalinen tai älyllinen elämys, joka pyyhkäisee teidät välittömästi pois jaloistanne. Jos jotain, kokemuksesi taiteesta riippuu enemmänkin siitä, miten päätät olla vuorovaikutuksessa sen kanssa, kuin sen omista ominaisuuksista.
Voit tuoda mukanasi kaiken tietämyksesi ja elämän matkatavarasi, ja lopulta taiteesta nauttiminen on oma subjektiivinen kokemuksesi, ja sinä päätät, kuinka syvälle haluat mennä.
”Taide alkaa siitä, kun ihminen, tarkoituksenaan välittää toisille ihmisille kerran kokemansa tunnetilan, kutsuu sen uudelleen esiin sisällään ja ilmaisee sen tiettyinä ulkoisina merkkeinä.” – 1897 / Mitä on taide Tolstoi, s.38
”Me kaikki tiedämme, että taide ei ole totuus. Taide on valhe, joka saa meidät tajuamaan totuuden.”
-1972 / Pablo Picasso siteerattuna Dore Ashtonin teoksessa Picasso taiteesta
”Pelkät ideat voivat olla taideteoksia… Kaikkia ideoita ei tarvitse tehdä fyysisiksi… Taideteos voidaan ymmärtää johtimeksi taiteilijan mielestä katsojan mieleen. Mutta se ei ehkä koskaan saavuta katsojaa, tai se ei ehkä koskaan poistu taiteilijan mielestä.”” – 1994 / Sol LeWitt siteerattu teoksessa Art and Its Significance by Stephen David Ross
”Sillä, tekikö herra Mutt omin käsin suihkulähteen vai ei, ei ole merkitystä. Hän valitsi sen. Hän otti tavallisen elämänesineen, sijoitti sen niin, että sen hyödyllinen merkitys katosi uuden otsikon ja näkökulman alle (ja) loi esineelle uuden ajatuksen.” – 1917 / The Blind Man, 2. painos, kirjoittaneet Marcel Duchamp, Beatrice Wood ja Henri-Pierre Roché
Löysitkö tämän artikkelin hyödylliseksi? Saatat pitää näistäkin!
- Minimalismi vai brutaalius: kumman valita?
- Meidän on rauhoitettava teknologiaamme
- Palvelumuotoilun esittely ja miksi sinun pitäisi välittää siitä