Le Concert de Cologne
Jarrett (p). Rec. 1975
Jarrett a fait irruption sur la scène internationale du jazz en faisant partie du révolutionnaire Charles Lloyd Quartet à la fin des années 1960, est passé à la direction de son propre trio, s’est brièvement associé aux soupes vaudou électroniques de Miles Davis au début des années 1970, puis s’est replié sur la musique acoustique et un réexamen de ce qu’il tentait d’atteindre dans sa musique. Cela a conduit à une sorte d’éclipse temporaire de son profil dans la première moitié des années 1970, bien que sa créativité ait continué à se diversifier et à s’approfondir. Adepte des récitals en solo (son Facing You pour ECM en 1970 était un signe avant-coureur), il a commencé une série de récitals en concert pour le label de Manfred Eicher qui a été acclamée et a suscité un intérêt croissant du public, mais personne n’était préparé à ce qui est arrivé au Concert de Cologne lorsqu’il est apparu. Une longue série d’improvisations intensément rythmées, devenues hypnotiques et répétables à l’infini sur les platines du monde entier, l’album est devenu un best-seller par le bouche à oreille, s’échappant rapidement de la communauté des auditeurs de jazz pour se répandre dans les salons de personnes qui n’avaient jamais écouté, et encore moins possédé, un autre album de jazz. Cela reste le cas pour Jarrett et pour ce disque, qui est non seulement un tournant du jazz à part entière, mais aussi l’un des disques les plus vendus du genre. (KS)
Mahavishnu Orchestra
John McLaughlin (g), Jerry Goodman (vln), Jan Hammer (clé), Rick Laird (b) et Billy Cobham (d). Rec. 1972
Formé en 1971, le Mahavishnu Orchestra original reste la plus grande réussite du guitariste John McLaughlin. Il a illuminé le ciel nocturne pendant près de deux ans, tout était joué à 500 mph avec les stacks Marshall tournés à onze. Il a laissé le public en admiration, puis a soudainement disparu. McLaughlin a redéfini le rôle de la guitare dans le jazz, Cobham la batterie et le groupe a établi de nouvelles normes en matière de cohésion d’ensemble. Ils l’ont fait sans paraître désinvoltes, une astuce que leur légion d’adeptes n’a jamais comprise. Ils ont également vendu des albums en masse et joué dans des stades de rock en arène. Même eux n’ont pas réalisé à quel point ils étaient grands jusqu’à ce que tout soit terminé. (SN)
Herbie Hancock
Herbie Hancock (ky), Bennie Maupin (saxes, fl, b cl), Paul Jackson (b), Harvey Mason (d) et Bill Summers (perc). Rec. 1973
C’était peut-être du jazz-rock après Bitches Brew, mais après Head Hunters le jazz-funk était la saveur du jour. Inspiré par ‘Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)’ de Sly and the Family Stone, il comporte même un titre hommage intitulé ‘Sly’. La sortie de l’album représente un virage spectaculaire par rapport à la direction plus ésotérique tracée sur Crossings et Sextant, vers un album visant carrément la piste de danse, et c’est là qu’il marque des points. ‘Chameleon’, le single extrait de l’album (également un biggie pour Maynard Ferguson), s’est hissé au numéro 13 du Billboard et a fait de cet album l’une des plus grosses ventes d’albums de jazz de tous les temps. (SN)
Weather Report
Joe Zawinul (ky), Wayne Shorter (ts, ss), Jaco Pastorius (b), Alex Acuña (d) et Manolo Badrena (perc). Rec. 1976
Parfois, lorsqu’on écoute Weather Report à son meilleur et ceci est l’un de leurs meilleurs, cela vaut la peine de se pincer pour se rappeler qu’au fond, ce groupe comprenait l’une des configurations jazz les plus basiques du jazz. C’est tout simplement, saxophone, piano, basse, batterie et percussion. Ensuite, écoutez « Birdland », repris plus tard par Manhattan Transfer et Maynard Ferguson, et étonnez-vous. Écoutez l’impulsion que Pastorius donne au groupe, notamment sur ses propres compositions « Havona » et « Teen Town ». Atteignant la 30e place du classement des albums du Billboard, Heavy Weather reste aujourd’hui encore aussi stupéfiant dans son effet global que le jour où il a été réalisé. (SN)
Bright Size Life
Pat Metheny (g), Jaco Pastorius (b) et Bob Moses (d). Rec. 1975
La première éclosion du grand talent de Metheny en tant qu’artiste discographique à part entière s’est produite avec cet étonnant trio qu’il dirigeait alors qu’il enseignait à la Berklee School of Music et qu’il était membre du groupe de Gary Burton de l’époque. À ce stade de sa carrière (il avait 21 ans), Metheny s’est laissé aller à faire à Pastorius des culbutes sur la scène et des back flips depuis son enceinte, et ce mélange d’exubérance de Pastorius et d’intensité de Metheny, modéré par le goût impeccable de Bob Moses confère à cet album une fraîcheur qui donne l’impression qu’il a été enregistré hier. (SN)
Afric Pepperbird
Jan Garbarek (ts, fl), Terje Rypdal (g), Arild Andersen (b) et Jon Christensen (d). Rec. 1970
Dès le morceau d’ouverture ‘Scarabee’, le monde du jazz en dehors de la Scandinavie a été introduit à une sensibilité nordique dans le jazz, le Nordic Tone. L’intensité, le sens et l’espace sont essentiels pour comprendre ce qui est probablement l’approche la plus incomprise de l’improvisation en jazz. Garbarek combine l’intensité d’Albert Ayler et l’économie de Dexter Gordon mais les réinscrit avec des allusions folkloriques nordiques, pour produire, selon les mots du producteur Manfred Eicher « une alternative à l’approche américaine du jazz », une approche qu’il défend encore aujourd’hui. (SN)
Return To Forever
Corea (el p), Joe Farrell (f, ss), Stanley Clarke (el b), Airto Moreira (d, perc) et Flora Purim (v). Rec. 1972
Au moment où il a fait cette date, Corea s’était frayé un chemin à travers une lourde phase d’avant-garde et sur les plaines ensoleillées de sa propre imagination musicale à base latine. Cela avait toujours été présent dans sa musique, mais maintenant, en mariant l’élan et l’esprit élevé de Flora Purim et d’Airto avec ses propres inclinations naturellement exubérantes et mélodiquement élévatrices, Corea a soudainement non seulement fait un pas en avant lui-même au-delà de la morosité stentorienne et du machisme des autres fusionneurs de l’époque, mais a redéfini exactement ce que le latin jazz devrait être. Une musique enivrante jouée par des maîtres fait de ce disque un jalon déterminant pour l’époque. (KS)
The Audience With Betty Carter
Betty Carter (v), John Hicks (p), Curtis Lundy (b) et Kenny Washington (d). Rec. 1979
L’écoute de cet album est une expérience cathartique. ‘Sounds’ est un tour de force de scat à travers des tempos et des mètres changeants qui dure 25 minutes où à un moment, Carter, Hicks, Lundy et Washington jouent chacun dans un mètre différent. Le point culminant de l’album est « My Favorite Things », pris à un tempo vif avec Hicks à son plus explosif alors que son accompagnement s’épanouit en une contre-ligne au chant de Carter et à la coda, qui peut dire si la voix ou le piano prédomine ? Dire que c’est l’un des meilleurs albums vocaux de jazz jamais réalisés est limitatif ; il compte parmi les grands albums de jazz contemporain. (SN)
Tales Of The Algonquin
John Surman (bs, ss), John Warren (bs, f), Mike Osborne (as, cl), Alan Skidmore (ts, fl), Kenny Wheeler, Harry Beckett (t, flhn), John Taylor (p), Barre Phillips, Harry Miller (b), Alan Jackson et Stu Martin (d). Rec. 1971
Aussi bien l’album du canadien John Warren que celui de son collègue baryton John Surman, ce disque disait que Surman était une star en pleine ascension. Il y a tellement d’albums de jazz britanniques qui pourraient remplir cette case mais celui-ci obtient le vote pour son jeu extatique et exubérant de Surman et compagnie et l’écriture étonnante et stimulante de Warren. C’est un témoignage glorieux de la confiance retrouvée du jazz britannique. Le succès de Warren réside dans la façon dont il reste dans la tradition du big band mais l’élargit en incorporant des éléments de jeu libre, des polyrythmes puissants et des superpositions complexes de ses ressources instrumentales. Un bonheur absolu et indiscutable. (DH)
Les couleurs de Chloë
Weber (b, violoncelle, ocarina), Rainer Bruninghaus (p, syn), Ack van Rooyen (flhn), Peter Giger, Ralf Hübner (d, perc), et les violoncelles de l’orchestre Südfunk de Stuttgart. Rec. 1973
Le premier album d’Eberhard Weber a été l’une des volées d’ouverture les plus significatives de l’arrivée d’ECM dans le monde du jazz en tant qu’arbitre du goût moderne. Complètement dépourvue de tous les américanismes à la mode de l’époque, sa musique était pleine de lumière et de couleurs dérivées des traditions classiques et cinématographiques modernistes européennes. En tant que telle, elle offrait un bassin de délices entièrement nouveau dans lequel pêcher. Utilisant sa technique de basse sinueuse pour articuler la mélodie comme personne ne l’avait fait auparavant, Weber a alterné un support de cordes somptueusement sévère avec de petits motifs de clavier et de percussion pour un effet atmosphérique énorme. Envoûtant. (KS)
Music Improvisation Company
Jamie Muir (perc), Hugh Davies (élec), Evan Parker (ss), Derek Bailey (el g) et Christine Jeffrey (v).
Rec. Aug 1970
MIC représente le point de séparation entre le free jazz et la free improvisation. De leur point de vue, toute une série de trajectoires sont visibles – dans le cas d’Evan Parker, l’utilisation de l’électronique en direct et le recours croissant au soprano conduisant finalement à l’Ensemble électro-acoustique. Il s’agit d’un abandon de la création d’édifices sonores puissants et gigantesques ou de formes et de textures imitant la nature pour un voyage, en exagérant à peine, dans l’ADN du son lui-même. Moins concerné par le global ou le cosmique, MIC a exploré le micro-univers à travers le concept d’improvisation non-idiomatique. Étrange, dérangeant et pourtant étrangement attrayant.(DH)
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