Les années 1940 Arts et spectacles : Sujets d’actualité

L’AMÉRIQUE DÉCOUVRE SA PROPRE FORME D’ART
Un âge d’or pour les bandes dessinées
La fiction américaine réagit au monde réel
HOLLYWOOD PART EN GUERRE
La musique entre en jeu. SWING AND SILENCE
AMERICAN THEATER DOWNSIZES

AMERICA DISCOVERSERS ITS own ART FORM

Un petit groupe d’artistes américains a expérimenté l’art abstrait à New York dans les années 30. Ils étaient financés par le Federal Arts Project (FAP), l’un des nombreux programmes gouvernementaux qui composaient le New Deal. Le financement fédéral éliminait les pressions financières sur les artistes et leur permettait d’essayer de nouvelles choses. Mais une influence plus importante sur l’art américain est venue d’Europe. Lorsque la guerre a commencé en 1939, de nombreux artistes ont fui l’Allemagne, la France et d’autres pays pour se rendre aux États-Unis. Le peintre néerlandais Piet Mondrian (1872-1944), qui est arrivé en 1940, a été parmi les plus influents. Parmi les autres expatriés européens figure le peintre français Marc Chagall (1887-1985), qui a conçu des peintures murales pour le Metropolitan Opera House de New York. L’Allemand Max Ernst (1891-1976) et l’Espagnol Salvador Dali (1904-1989) ont également séjourné à New York. Mondrian, qui était déjà célèbre lorsqu’il est arrivé en Amérique, a donné sa première (et unique) exposition personnelle à New York en janvier 1942. Les Européens encouragent les artistes américains à s’éloigner des peintures réalistes et à créer plutôt des images basées sur les rêves et les sentiments.

En 1939, le musée de la peinture non objective ouvre ses portes à New York. À cette époque, il y avait vingt et un cents artistes à New York, tous recevant une rémunération du FAP géré par la Works Progress Administration (WPA). Un millier d’autres espoirs sont sur la liste d’attente. Parmi ceux qui travaillaient dans le cadre du FAP figuraient des notables tels que Willem de Kooning (1904-1997), Lee Krasner (1908-1984) et Mark Rothko (1903-1970). Des années plus tard, Jackson Pollock (1912-1956) a déclaré qu’il était reconnaissant à la WPA de  » m’avoir gardé en vie pendant les années trente « .

L’année clé dans le développement de l’art américain de la décennie est 1942. Des artistes tels que Mondrian et Rothko ont organisé des expositions personnelles au début de l’année. Dans une galerie appelée McMillen Inc, à New York, des artistes américains et européens ont exposé ensemble. Et à l’automne 1942, Peggy Guggenheim (1898-1979) ouvre la galerie Art of This Century, qui présente l’art américain contemporain aux côtés de chefs-d’œuvre du début du XXe siècle. La galerie devient le centre de ce que l’on appelle l’école de New York. William Baziotes (1912-1963), Pollock et d’autres y ont exposé. Surtout, elle a fait découvrir au monde l’expressionnisme abstrait, le style de peinture qui a défini l’art américain au XXe siècle.

Le terme « expressionnisme abstrait » a été utilisé pour la première fois par le critique d’art Robert Coates (1897-1973) dans un article du New Yorker en mars 1946. Il en est venu à désigner un seul groupe d’artistes travaillant à New York dans les années 1940. Mais en fait, les expressionnistes abstraits peuvent être divisés en trois groupes principaux : les peintres « d’action », les peintres « color field », et d’autres peintres pas si facilement définis, comme Philip Guston (1913-1980) et Adolph Gottlieb (1903-1974).

Les peintres d’action les plus connus sont Jackson Pollock et Willem de Kooning. Ils travaillaient sur d’immenses toiles qui étaient généralement disposées sur le sol. Ils appliquaient la peinture en la versant et en la faisant couler, ou en utilisant leur propre corps ou des objets tels que des bicyclettes pour la répandre. L’objectif était d’être aussi proche que possible de la peinture. Avant tout, les peintures d’action enregistrent l’action telle qu’elle se déroule. Les peintres du champ coloré étaient dirigés par Mark Rothko (1903-1970), Adolph « Ad » Reinhardt (1913-1967) et Barnett Newman (1905-1970). Leurs peintures présentent d’immenses aplats ou « champs » d’une seule couleur. Lorsque ces champs de couleur se rencontrent, ils se mélangent souvent. Rothko pensait que la peinture réaliste ne pouvait pas exprimer les émotions humaines après la Seconde Guerre mondiale. Ses champs de couleurs intenses submergent le spectateur par leur présence et leur beauté.

La peinture expressionniste abstraite n’est généralement pas réaliste ; elle tente plutôt d’exprimer des pensées, des sentiments, des mythes et des rêves. Les expressionnistes abstraits ont commencé à se diviser en groupes encore plus petits au fil de la décennie. Mais tous les peintres impliqués ont conservé leur intérêt pour l’expression des émotions par la peinture. Dans l’expressionnisme abstrait, l’Amérique avait enfin une forme d’art qu’elle pouvait appeler la sienne.

Un âge d’or pour les bandes dessinées

La bande dessinée a été inventée aux États-Unis vers 1933. En 1940, elle était devenue une forme sophistiquée et très populaire de littérature. Cette année-là, plus de 150 titres étaient imprimés, couvrant des catégories allant du crime, du fantastique, de la romance et de l’horreur aux westerns et à la guerre. Mais deux personnages dominent les ventes de bandes dessinées dans les années 1940. Superman, créé par Jerry Siegel (1914-1996) et Joe Shuster (1914-1992), est apparu en 1938. Batman, créé par Bob Kane (1915-1998), est sorti de la Batcave en 1939. En 1940, les BD Superman et Batman sont des best-sellers. Dans l’espoir de profiter de leur succès, National Periodical Publications introduit de nombreux autres héros capés et costumés, dont Flash, Hawkman et Green Lantern. Captain Marvel apparaît pour la première fois dans Whizz Comics en 1940, et Captain America en 1941. Comme Captain Marvel, Plastic Man a ajouté un côté humoristique à un groupe de personnages autrement majoritairement sérieux et patriotiques.

L’art et les Afro-Américains

Jusqu’aux années 1940, les Afro-Américains ont eu très peu d’impact sur le monde de l’art blanc. Jacob Lawrence (1917-2000) a été l’un des premiers artistes noirs à attirer l’attention du grand public. Sa série, The Migration of the Negro (1940-41), contient soixante peintures racontant l’histoire des Noirs américains. Lawrence a enseigné au Black Mountain College en Caroline du Nord. À la fin de la décennie, il est considéré comme l’un des plus importants artistes américains de l’époque. Les artistes noirs ont reçu un nouvel élan grâce au livre Modern Negro Art (1943). Dans cet ouvrage, James A. Porter (1905-1970) a catalogué le travail des artistes noirs jusqu’à cette date. Porter a sauvé de l’obscurité de nombreux artistes afro-américains négligés.

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, la ferveur patriotique a commencé à s’éteindre. Les histoires de western et de romance sont alors devenues plus populaires que les BD de super-héros. Les histoires de crime sont également devenues populaires. La série Crime Does Not Pay a commencé en 1942. Mais les bandes dessinées criminelles ont certainement payé. En 1945, la BD policière est devenue l’une des BD les plus vendues en Amérique. Les images de femmes peu vêtues font que les BD policières sont jugées inadaptées aux enfants. Les inquiétudes concernant le contenu des BD criminelles s’intensifiant, elles sont édulcorées. Dans les années 1950, les éditeurs de bandes dessinées policières étaient devenus très prudents quant au contenu de leurs magazines.

En raison du grand nombre de titres en vente, les années 1940 sont connues comme l’âge d’or de la bande dessinée. Pourtant, les exemplaires originaux sont difficiles à trouver. Ils étaient considérés comme des articles à jeter, et étaient souvent jetés après avoir été lus. Certaines ont été détruites à la suite de protestations contre leur contenu. De nombreux autres ont été réduits en pâte (recyclés) pendant les pénuries de papier en temps de guerre. Au XXe siècle, un marché florissant de collectionneurs de bandes dessinées des années 1940 est apparu.

Livres de poche

Après un succès fulgurant dans les années 1930, les magazines de pulp tels que Black Mask ont commencé à perdre leur lectorat dans les années 1940. L’une des raisons de ce phénomène est l’essor du livre de poche. Allen Lane (1902-1970) a introduit les livres de poche Penguin en Grande-Bretagne en 1936. Penguin a inspiré Robert Fair de Graff (1895-1981) à fonder Pocket Books aux États-Unis en 1939. D’autres éditeurs se sont lancés sur le marché. Le livre de poche devient rapidement la forme la plus populaire de l’édition de livres. En 1947, l’auteur de romans policiers Mickey Spillane (1918-) a publié son premier roman, I, The Jury, en livre relié. Il s’est vendu assez bien pour un livre relié. L’année suivante, Signet a publié une édition de poche. Il s’était vendu à un nombre étonnant de deux millions d’exemplaires à la fin de la décennie.

LA FICTION AMÉRICAINE RÉAGIT AU MONDE RÉEL

Les années 1940 ont été une décennie de changement dans la littérature américaine. Au cours des années 1930, de nombreux écrivains américains ont décrit les terribles souffrances causées par la Grande Dépression. Des écrivains tels que Theodore Dreiser (1871-1945) et Sinclair Lewis (1885-1951) avaient construit des carrières en écrivant des fictions qui documentaient l’expérience américaine. Mais 1939 marque la fin d’une période de réalisme dans la fiction américaine. Le groupe d’écrivains connu sous le nom de « génération perdue » est également en perte de vitesse. F. Scott Fitzgerald (1896-1940) meurt au début des années 1940. Ernest Hemingway (1899-1961) a publié Pour qui sonne le glas en 1940, puis s’est tu pendant plusieurs années. Même William Faulkner (1897-1962), qui a remporté le prix Nobel de littérature 1949 (décerné en 1950), a surtout écrit des scénarios dans les années 40. Une ère de la fiction américaine se terminait, et une nouvelle commençait à peine.

L’alternative au réalisme était le modernisme. Les écrivains modernistes ne voyaient pas la nécessité de décrire la vie des travailleurs. Ils se sont éloignés des commentaires directs sur la société. Dans les mains des Européens des années 1920 et plus tôt, le roman avait commencé à se concentrer sur le point de vue unique d’un seul individu. Les intrigues et les récits simples ont été abandonnés, et de nouvelles façons inventives ont été trouvées pour décrire les personnages. Pourtant, parmi les écrivains américains, seuls Faulkner et John Dos Passos (1896-1970) avaient expérimenté les techniques modernistes avant les années 1940. Les écrivains américains ont mis du temps à répondre à la tendance de la nouvelle fiction.

Puis, en 1944, Saul Bellow (1915-) a publié Dangling Man, un roman sur la réponse d’un individu au monde moderne. D’autres écrivains modernistes, dont Truman Capote (1924-1984) et Chester Himes (1909-1984), ont suivi Bellow. Mais ce qui allait devenir un mouvement majeur de la fiction américaine ne faisait que commencer. Dans les années 1940, les écrivains réalistes continuaient à produire des œuvres importantes. Robert Penn Warren (1905-1989) a remporté le prix Pulitzer pour All the King’s Men en 1946. Les écrivaines Carson McCullers (1917-1967) et Eudora Welty (1909-2001) étaient toutes deux des figures influentes de la fiction régionaliste (fiction basée sur un lieu particulier), décrivant la vie dans le Sud.

Il y avait d’autres influences sur la fiction américaine que le modernisme dans les années 1940. De nombreux jeunes écrivains ont connu le combat pendant la Seconde Guerre mondiale (1939-45), et il était inévitable que des romans sur la guerre commencent à apparaître. Les deux romanciers de combat les plus influents sont John Hawkes (1925-1998) et Norman Mailer (1923-). Le roman de Hawkes, The Cannibal (1949), examine la culture de la guerre et ses conséquences. The Naked and the Dead (1948) de Mailer l’a établi comme l’un des écrivains majeurs de l’Amérique d’après-guerre.

Alors que le roman en général traversait une période de changement, les écrivains noirs commençaient également à être remarqués par le grand public de lecteurs. La publication de Native Son en 1940 a marqué un tournant pour le roman noir. Ce roman a fait de son auteur, Richard Wright (1908-1960), une figure littéraire de premier plan. De nombreux commentateurs n’étaient pas d’accord avec la vision qu’avait Wright des Noirs en Amérique, mais grâce à Native Son, l’Amérique blanche s’est soudainement intéressée aux écrivains noirs. Zora Neale Hurston (1891-1960) et Chester Himes (1909-1984) se sont également fait connaître au cours des années 1940, tandis que James Baldwin (1924-1987) ne faisait que commencer sa carrière à la fin de la décennie.

HOLLYWOOD S’ENVOIE EN GUERRE

Après une décennie de comédies musicales somptueuses, de comédies screwball et de drames joyeux, Hollywood a commencé à changer vers 1940. Cette année-là, Charlie Chaplin (1889-1977) sort Le Grand Dictateur, sa satire de l’ascension du dictateur allemand Adolf Hitler (1889-1945). En juillet 1941, c’est la sortie de Sergent York. L’histoire d’un héros de guerre américain réticent, Sergent York, était un appel évident à l’entrée en guerre des États-Unis. Elle a été utilisée plus tard par l’armée dans une campagne de recrutement. Les isolationnistes, ou les personnes qui voulaient que les États-Unis restent en dehors de la guerre, ont attaqué l’enthousiasme d’Hollywood pour l’entrée dans le conflit. Mais les audiences du Congrès sur la question n’ont pas aidé les isolationnistes. Comme le soulignait le candidat républicain à la présidence Wendell Willkie (1892-1944), 95 % de la production d’Hollywood était apolitique. Parmi les autres productions hollywoodiennes apolitiques, citons le classique film d’animation Fantasia de Disney, sorti en 1940. Les studios de cinéma ont continué à produire des comédies légères et des romances même après l’entrée en guerre de l’Amérique.

En décembre 1941, dix jours seulement après le bombardement de Pearl Harbor, le président Roosevelt (1882-1945) a pris des mesures pour encourager Hollywood à faire des films pour aider l’effort de guerre. Les studios coopèrent en produisant des films pro-américains tels que Casablanca (1942). Au milieu de l’année 1942, environ soixante-dix films liés à la guerre avaient été réalisés. Les scénaristes donnaient à des scénarios existants, et même à des films partiellement terminés, un nouveau visage en temps de guerre. Des gangsters deviennent des espions nazis, tandis que Tarzan affronte des envahisseurs allemands. Les Japonais étaient montrés comme des brutes cruelles et vicieuses.

Le Bureau d’information de guerre (OWI) a été créé pour coordonner l’effort de propagande (la propagande est une information utilisée pour persuader les gens de la position du gouvernement). Son chef, Nelson Poynter (1903-1978), s’inquiétait de la manière simpliste dont Hollywood traitait la guerre. Il voulait des films plus positifs montrant de « bons » Allemands résistant aux nazis. Le manuel de l’OWI exhortait les cinéastes à se demander : « Ce film va-t-il aider à gagner la guerre ? » L’OWI exerçait une pression sur Hollywood en refusant la distribution à l’étranger des films qui ne respectaient pas les directives du manuel. Comme Hollywood dépendait des ventes à l’étranger pour faire des bénéfices, suivre le manuel de l’OWI était un bon sens commercial.

Alors que Hollywood dans son ensemble participait à l’effort de guerre avec ses films pro-américains, de nombreux cinéastes individuels ont également fait ce qu’ils pouvaient pour aider. Le réalisateur Frank Capra (1897-1991) s’est engagé dans l’armée et a travaillé à la réalisation de documentaires. Le premier film d’une série de Capra, Prelude to War, a remporté l’Oscar du meilleur documentaire en 1942. D’autres réalisateurs, comme John Ford (1895-1973), font un travail similaire. Mais John Huston (1906-1987) a enfreint les règles de l’armée en réalisant Let There Be Light (1946), un film sur les vétérans choqués par les obus. De nombreux acteurs se sont également engagés dans les forces armées. James Stewart (1908-1997) et Douglas Fairbanks Jr. (1909-2000) se sont engagés dans les semaines qui ont suivi Pearl Harbor. Frank Sinatra (1915-1998), qui a été déclaré inapte au service militaire en raison d’un tympan perforé, a dû travailler dur pour regagner ses fans de cinéma après la fin de la guerre.

En plus de participer à l’effort de guerre, les cinéastes ont commencé à faire un nouveau type de film dans les années 1940. Un succès surprise de 1941 fut Le Faucon maltais, une adaptation d’un roman de Dashiell Hammett (1894-1961). En quelques années, ces films policiers sombres et cyniques ont eu un nom : le film noir. Les films noirs sont obscurs, sombres et mornes, tant par leur aspect visuel que par leur sujet. Après la guerre, l’Amérique semblait être un endroit prospère et optimiste. Pourtant, le film noir reflète l’inquiétude que les choses ne sont pas aussi bonnes qu’elles le semblent. La guerre froide (une guerre idéologique entre les États-Unis et l’ancienne Union soviétique) a commencé juste après la fin de la Seconde Guerre mondiale, entraînant la crainte d’une guerre nucléaire. Les Américains avaient peur d’une prise de pouvoir par les communistes. Mais ils s’inquiètent également de ne pas pouvoir faire confiance à leur propre gouvernement. Des films tels que Le grand sommeil (1946), Les tueurs (1946) et Hors du passé (1947) décrivent ces craintes.

Hollywood dans les années 1940 avait de bonnes raisons de se sentir menacé. Malgré la popularité du film noir, la fréquentation des salles de cinéma ne cessait de chuter. Pour aggraver les choses pour les grands studios, le ministère de la Justice américain a mis fin au contrôle total de la distribution des films par les studios. Puis, en mai 1947, le House Un-American Activities Committee (HUAC) accuse Hollywood d’abriter des subversifs. De nombreuses personnes ont reçu l’ordre de se présenter à des audiences du Congrès pour faire des déclarations sur leurs opinions politiques. Dalton Trumbo (1905-1976) et John Howard Lawson (1894-1977) font partie des dix écrivains et réalisateurs, appelés les « Dix d’Hollywood », qui ont refusé de coopérer à la « chasse aux sorcières ». Comme beaucoup d’autres, ils ont été mis sur une liste noire, ce qui signifie qu’ils n’étaient pas autorisés à travailler dans l’industrie cinématographique. L’image d’Hollywood a été ternie par la controverse, mais bon nombre des « Dix d’Hollywood » ont fini par y retravailler. Les écrivains mis sur liste noire, dont Trumbo, soumettaient des scénarios sous différents noms, et les patrons des studios fermaient les yeux.

LA MUSIQUE PREND DU SWING ET DU SILENCE

Les années 1940 furent des années dynamiques pour la musique américaine. Les instruments électriques ont révolutionné le blues, le bebop a secoué le jazz, et même la musique classique a expérimenté de nouveaux sons. Les musiciens remettent en question les styles existants ou les fusionnent pour créer une nouvelle musique. L’arrivée de compositeurs européens, qui fuyaient les nazis en Allemagne, a eu une énorme influence sur la musique classique et sur les bandes originales de films. L’amélioration des techniques d’enregistrement et les nouvelles technologies abordables signifiaient que la musique commençait à accompagner la vie quotidienne.

Le Faucon maltais

Lorsque Le Faucon maltais est apparu en 1941, c’était la troisième fois que le roman de Dashiell Hammett était transformé en film. Les deux tentatives précédentes avaient été des échecs désastreux. Au début, cet essai ne semblait pas non plus être un succès. Il a été réalisé par John Huston (1906-1987), qui en était à sa première réalisation, avec un casting à petit budget. Humphrey Bogart (1899-1957), qui allait bientôt devenir une grande star, n’était alors qu’un habitué des films de gangsters. Sidney Greenstreet (1879-1954) avait plus de soixante ans et jouait dans son premier film. Mary Astor (1906-1987) essayait de reconstruire une carrière qui avait été ruinée par un scandale dans les années 30. Peter Lorre (1904-1964) avait travaillé pendant des années dans des rôles mineurs. Mais ce film de série B de la Warner Brothers (nom donné aux films à petit budget) allait devenir l’un des plus grands films de tous les temps. Souvent considéré comme le premier véritable film noir, Le Faucon maltais est également l’un des meilleurs films du genre. En plus de faire des stars de Bogart, Greenstreet, Astor et Lorre, il a contribué à changer le visage du cinéma américain dans les années 1940.

Le swing était la bande-son de la Seconde Guerre mondiale. Développé dans les années 1930, en 1940 le swing était partout, des disques 78 tours (révolutions par minute) joués dans les foyers, aux salles de danse, au cinéma et à la radio.

Certains big bands étaient dirigés par des musiciens solistes comme le trompettiste Louis Armstrong (1901-1971) et le clarinettiste Benny Goodman (1909-1986). D’autres groupes ont parcouru le pays sous la direction de chanteurs tels que Billie Holiday (1915-1959) et Frank Sinatra (1915-1998). Dans la seconde moitié de la décennie, le swing a perdu de sa popularité. Perry Como (1912-2001), Vaughn Monroe (1911-1973) et d’autres ont créé un son swing atténué, avec beaucoup d’instruments à cordes.

Mais alors même que le swing perdait de son attrait, certains musiciens ont commencé à le transformer en une musique plus sérieuse. Duke Ellington (1899-1974) a probablement été le plus influent. Ellington est devenu un compositeur respecté, mais d’autres, comme Gil Evans (1912-1988) et Count Basie (1904-1984), ont également exploré de nouveaux sons et instruments. Les compositeurs classiques, quant à eux, se sont tournés vers le jazz. Igor Stravinsky (1882-1971) a écrit le Concerto d’ébène pour le big band de Woody Herman. Le compositeur américain Aaron Copland (1900-1990) a écrit de la musique pour le clarinettiste et chef d’orchestre Benny Goodman (1909-1986).

Dans les boîtes de nuit, un type de jazz dépouillé et à grande vitesse appelé bebop faisait son apparition. De petits combos de quatre ou cinq musiciens battaient des rythmes indansables et des riffs sinueux. Lester Young (1909-1959) et Theodore « Fats » Navarro (1923-1950) sont les principaux acteurs du bebop. Mais le meilleur interprète de ce nouveau style est Charlie Parker (1920-1955), parfois surnommé « Bird ». Les improvisations sauvages de Parker au saxophone ont fait de morceaux tels que « Scrapple from the Apple » et « Ornithology » des chefs-d’œuvre du jazz. En 1947, le quintette de Parker comptait dans ses rangs un jeune trompettiste exceptionnel nommé Miles Davis (1926-1991) qui allait créer le « Cool Jazz », le son de jazz déterminant des années 1950.

Comme le jazz, le blues était un style musical en pleine mutation dans les années 1940. Les musiciens noirs de blues se sont déplacés vers le nord dans des villes comme Chicago, dans l’Illinois. Là, ils ont transformé le blues acoustique et réfléchi du Sud rural en un son urbain percutant, fort et électrifié. Des interprètes de blues tels que Muddy Waters (1915-1983) et Sam « Lightnin' » Hopkins (1912-1982) ont directement influencé le rock and roll dans les années 1950. L’utilisation de l’enregistrement sur bande électrique permet d’écouter toutes sortes de musiques dans toutes sortes d’endroits. Le blues a fusionné avec le jazz, le jazz avec le country et le western. De ce mélange éclectique sont nés de nouveaux styles musicaux tels que le rhythm and blues, le boogie-woogie et le honky-tonk.

Dancing Down Broadway

La danse jazz et les claquettes étaient une partie importante des comédies musicales de Broadway et des films musicaux. Dans les années 1940, environ onze millions de personnes assistaient chaque année à des spectacles de Broadway tels que Oklahoma ! (1943), Anchors Aweigh (1945) et Annie Get Your Gun (1946). Des chorégraphes comme Helen Tamiris (1905-1966) ont travaillé avec le compositeur Richard Rodgers (1902-1979), tandis que Jerome Robbins (1918-1998) a chorégraphié On the Town (1944), la comédie musicale influente de Leonard Bernstein (1918-1990). Au cinéma, les danseurs Fred Astaire (1899-1987) et Gene Kelly (1912-1996) sont devenus des stars. Certains des numéros de danse les plus spectaculaires du siècle ont été capturés dans des films tels que Holiday Inn (1942) et la version cinématographique de On the Town (1949).

L’expérience des ruraux vivant en ville était une caractéristique de la musique country dans les années 1940. Les groupes de country-swing, comme Bob Wills et les Texas Playboys, étaient populaires dans les centres urbains du pays, notamment à Chicago, Los Angeles, en Californie, et Mobile, en Alabama. Peu à peu, les frontières entre la country, le folk et la musique pop s’estompent. Le chanteur pop Bing Crosby (1904-1977) a enregistré  » Sioux City Sue « , une chanson country populaire. Le bluegrass a apporté à la musique country une pointe similaire à l’effet du bebop sur le jazz, tandis que la musique country et la musique folklorique sont devenues plus cyniques, mélancoliques et pleines de regrets. Le gospel était une alternative populaire à la country et une source de revenus importante pour les maisons de disques dans les années 1940. Des stars du gospel comme Mahalia Jackson (1911-1972) ont vendu des millions de disques.

Comme pour le jazz, le blues et la country, les compositeurs classiques américains ont commencé à expérimenter de nouveaux sons dans les années 1940. Au cours des trois premières décennies du siècle, les compositeurs européens avaient créé une musique difficile et déstabilisante. Puis, à la fin des années 1930 et au début des années 1940, nombre de ces Européens se sont installés aux États-Unis. Des compositeurs tels qu’Arnold Schoenberg (1874-1951), Kurt Weill (1900-1950) et Igor Stravinsky (1882-1971) ont tous eu une profonde influence sur la musique américaine. Le compositeur américain John Cage (1912-1992) était un élève de Schoenberg. Il s’est intéressé à la musique de percussion, aux sons ordinaires et au silence. Ses expériences dans les années 1940 ont directement conduit à sa pièce la plus célèbre, « 4’33 » (quatre minutes et trente-trois secondes de silence), publiée en 1952.

La télévision américaine divertit

Dans les années 1940, il coûtait environ dix fois plus cher de produire une émission pour la télévision que pour la radio. Mais les limites imposées par la guerre aux nouvelles stations de radiodiffusion ont donné aux fabricants la possibilité d’améliorer la technologie de la télévision. Comme de plus en plus d’Américains achètent des téléviseurs, il devient évident que la télévision sera un marché lucratif à l’avenir. En 1941, il n’y avait qu’environ quinze mille récepteurs de télévision aux États-Unis. En 1950, il y en avait onze millions. Les réseaux de radio ont transféré un grand nombre de leurs programmes populaires à la télévision. Des comédies comme Our Miss Brooks et Amos and Andy en sont les premiers exemples. Les émissions sportives télévisées étaient populaires, tout comme les émissions pour enfants telles que Superman. Mais l’émission de télévision la plus populaire des années 1940 est le Texaco Star Theater, une émission de variétés avec Milton Berle (1908-2001). En 1948, 94,7 % des téléspectateurs se sont branchés sur la télévision pour regarder « Uncle Miltie ».

Théâtre américain en baisse

Le public des théâtres de Broadway a augmenté dans les années 1940. Mais dans l’ensemble, le public des pièces de théâtre s’est détourné des drames au cours de la décennie. Les drames de campagne politique des années 1930 semblaient sans intérêt face à la guerre mondiale. Après 1945, les pièces sont jouées à plus petite échelle. Elles se concentrent sur la vie familiale et sur les individus aux prises avec des conflits intérieurs. La vie personnelle, plutôt que la lutte politique, était le sujet de la plupart des drames des années 1940.

Le célèbre dramaturge Tennessee Williams (1914-1983) a écrit deux des pièces les plus importantes de la décennie. La Ménagerie de verre (1945) est sa première. Les personnages de cette pièce ont des espoirs et des rêves romantiques pour l’avenir, mais leur réalité est brutale et sombre. À bien des égards, l’ambiance des pièces de Williams correspond à la tendance du film noir au cinéma. A Streetcar Named Desire (1947), considéré comme son chef-d’œuvre, décrit l’interaction entre des personnages qui sont tous intenses, frustrés et amers à propos de leur vie. Les pièces de Williams sont toujours pleines d’illusion et de déception.

Arthur Miller (1915-) a également produit deux classiques de la littérature américaine dans les années 1940. Miller a poussé un peu plus loin la vision de Williams sur l’échec personnel et la désillusion. Il a attaqué le capitalisme (le système économique des États-Unis), suggérant que la vie américaine ne peut se terminer que par une perte et un échec personnels. All My Sons (1947) et Death of a Salesman (1949), lauréat du prix Pulitzer, montrent que le rêve américain est une illusion. À cause de ces pièces, Miller a été qualifié d’anti-américain. Il fut l’une des personnalités les plus en vue à être interrogées par le House Un-American Activities Committee au cours des années 1950.

À côté de ces deux étoiles montantes, des dramaturges établis tels que Lillian Hellman (1906-1984) et Eugene O’Neill (1888-1953) ont continué à produire des œuvres importantes. The Iceman Cometh (1946) d’O’Neill, en particulier, a été très bien accueilli. Mais dans l’ensemble, le théâtre sur et autour de Broadway était fade et peu excitant dans les années 1940. En dehors de Broadway, cependant, l’histoire était différente. Dans les petits théâtres, les salles de lycée et autres petits espaces, les ateliers de théâtre prospéraient. Par exemple, la future star du cinéma Marlon Brando (1924-) a commencé sa carrière au Drama Workshop d’Erwin Piscator. Bien que les grandes productions aient perdu leur avantage, les pièces de théâtre à petite échelle ont continué à intéresser le public.