Les années 1960 Arts et spectacles : Sujets d’actualité

LES FILMS S’HIPENT
ROCK AND ROLL REGARDE SON BORDEAU DANGEREUX
LA SONORITE MOTOWN
POP ART
NOUVELLES VOIX AU THÉÂTRE ET DANS LA LITTÉRATURE
LA TÉLÉVISION STICKS TO THE TRIED AND TRUE

LES FILMS S’HIPENT

Les années 1960 ont vu des changements radicaux dans la production et le contenu des films. Au début de la décennie, le système des studios (dans lequel les grands studios contrôlaient l’ensemble de la production des films) était sur son déclin final. Moins de films étaient tournés sur les terrains des studios d’Hollywood ; davantage étaient tournés en extérieur. Moins de

projets étaient initiés par les studios eux-mêmes ; à la place, les stars et les réalisateurs choisissaient leurs propres projets. Les productions brillantes à gros budget étaient toujours populaires. Par exemple, des films d’action et d’aventure tels que Dr. No (1962), De Russie avec l’amour (1963) et Goldfinger (1964), mettant tous en vedette Sean Connery (1930-) dans le rôle du super espion James Bond, sont les favoris du public. La Mélodie du bonheur (1965), une comédie musicale hollywoodienne traditionnellement structurée qui offrait un divertissement familial sain, a connu un grand succès. Mais à la fin de la décennie, les films de genre à gros budget se transforment systématiquement en échec au box-office, comme en témoignent les échecs de comédies musicales produites à grands frais telles que Star ! (1968) et Darling Lili (1970).

Les classements MPAA

Durant les années 1960, un déclin du pouvoir du Code de production, qui avait auparavant déterminé le contenu des films américains, a entraîné des changements majeurs dans ce qui pouvait être vu sur les écrans de cinéma. De plus en plus de nudité, de langage cru et de violence apparaissaient dans les grands films. Pour éviter la censure gouvernementale, la Motion Picture Association of America (MPAA) a mis en place un système de classification volontaire afin de guider les spectateurs quant au contenu des films. Les classifications originales de la MPAA étaient G (public général) ; M (public adulte) ; R (restreint ; personne de moins de dix-sept ans n’est admise sans parent ou tuteur) ; et X (admission réservée aux plus de dix-huit ans).

L’hypothèse était que seuls les produits de l’industrie du film sexuel obtiendraient la classification X, mais ce n’était pas le cas. Midnight Cowboy (1969), réalisé par John Schlesinger (1926-), chronique brûlante de l’amitié entre deux losers sans le sou dans la ville miteuse de New York, est devenu le premier film classé X à remporter l’Oscar du meilleur film. Il avait obtenu son classement X non pas pour la nudité, mais pour sa représentation graphique du sexe et de la violence.

Deux films en particulier ont capté l’imagination des jeunes au cours de la décennie, et ont modifié le visage du cinéma : The Graduate (1967), réalisé par Mike Nichols (1931-), sur un diplômé aliéné qui lutte pour trouver sa place dans le monde ; et Easy Rider (1969), réalisé par Dennis Hopper (1936-), retraçant les exploits de deux motards trafiquants de drogue alors qu’ils traversent une Amérique souvent hostile. Ces deux films sont dotés de petits budgets, de jeunes acteurs (Hopper, Peter Fonda, Jack Nicholson, Dustin Hoffman et Katharine Ross) et de bandes sonores riches en musique contemporaine (chansons de Simon et Garfunkel pour The Graduate, musique des Byrds, de Steppenwolf, du Band, de Jimi Hendrix et d’autres pour Easy Rider). Deux autres films qui résonnent chez les jeunes sont Bonnie and Clyde (1967), réalisé par Arthur Penn (1922-), qui présente les vrais criminels des années 1930 Bonnie Parker (1910-1934) et Clyde Barrow (1909-1934) comme des héros populaires américains ; et 2001 : L’Odyssée de l’espace (1968), une fantaisie de science-fiction marquante réalisée par Stanley Kubrick (1928-1999).

En raison de ces succès, Hollywood est devenu plus axé sur la jeunesse, avec une nouvelle génération de jeunes cinéastes remplaçant les cinéastes de la vieille garde au centre du pouvoir hollywoodien. Pendant ce temps, des premiers rôles non traditionnels tels que Walter Matthau (1920-2000), George C. Scott (1926-1999) et Gene Hackman (1931-), tous essentiellement des acteurs de caractère, sont devenus des stars majeures d’Hollywood.

Le rock and roll regagne son bord dangereux

Dans les années 1960 comme à la fin des années 1950, le rock and roll – un nouveau type de musique bruyante et émotionnelle, enracinée dans le country rockabilly, le gospel, le blues rural et le rhythm and blues urbain – était la musique la plus populaire parmi les jeunes. Au début de la décennie, cependant, le rock and roll avait perdu de sa popularité depuis son essor initial à la fin des années 1950 et était en déclin pour plusieurs raisons. Elvis Presley (1935-1977), le rock and roll le plus acclamé des années 1950, était entré dans l’armée américaine et les étoiles montantes Buddy Holly (1936-1959), Ritchie Valens (1941-1959), et J. P Richardson, plus connu sous le nom de « The Big Bopper » (1930-1959), étaient décédés dans un accident d’avion.

L’Elvis qui émergea de l’armée en 1960 s’était adouci par rapport à l’icône sexuelle aux déhanchements et aux narines dilatées qui avait semblé si stimulante en 1956 et 1957. Au début de la décennie, les hit-parades pop sont dominés par des chanteurs adolescents mignons mais sexuellement sûrs comme Frankie Avalon, Bobby Rydell, Ricky Nelson, Bobby Vee et Fabian. Les hits du Top Ten comprenaient des chansons d’amour sentimentales et des variations de doo-wop et de musique de danse des années 1950.

Le rock and roll a peut-être perdu de son côté dangereux, mais ce manque d’énergie était temporaire. La musique a été relancée comme une force culturelle majeure avec ce qui est venu à être connu comme la British Invasion. Au milieu des années 1960, des groupes d’artistes britanniques ont pris d’assaut les hit-parades de la musique pop, après l’énorme succès des Beatles en 1964. Parmi eux, les Rolling Stones, les Yardbirds, Gerry and The Pacemakers, The Dave Clark Five, Peter and Gordon et The Animals. À l’apogée de la British Invasion, l’hypothèse commune était que les sons musicaux émanant de l’autre côté de la mer étaient originaires de là. Ce n’était pas le cas. À divers moments, les rockeurs britanniques individuels reconnaissaient librement l’influence de légendes afro-américaines du rock and roll des années 1950 telles que Chuck Berry (1926-) et Little Richard (1935-).

Évolution et révolution dans la musique

Une gamme de styles musicaux orientés vers le rock a connu une brève popularité au cours des années 1960. Au début de la décennie, les styles musicaux préférés étaient principalement orientés pop et étaient gentiment innocents. Dans des chansons comme « Johnny Angel », « Angel Baby » et « My Guy », l’amour était dépeint comme doux, pur et simple. Des  » groupes de filles  » entièrement féminins comme The Chiffons, The Shirelles, The Marvelettes, The Shangri-Las, The Ronettes et The Crystals posent des questions musicales comme  » Will you still love me tomorrow ?  » et font des déclarations musicales comme  » He’s so fine !  » et  » My boyfriend’s back, and you’re gonna be in trouble « . Pendant ce temps, les groupes de la côte ouest, comme les Beach Boys, célébraient le soleil, le surf et les « California Girls ».

Alors que les années 1960 touchaient à leur fin, une révolution culturelle avait englouti la jeunesse américaine. Cette révolution se reflétait dans la musique. De nombreux sons musicaux étaient durs et ouvertement liés à la drogue. Les Doors chantaient qu’ils étaient incapables de monter beaucoup plus haut, tandis que The Jefferson Airplane faisait sciemment référence à la consommation de drogues lorsqu’ils observaient que certaines pilules vous font grossir, tandis que d’autres vous font rapetisser – « et celles que Mère vous donne ne font rien du tout. »

Les deux groupes britanniques les plus durables étaient les Rolling Stones, dirigés par leur chanteur charismatique et controversé, Mick Jagger (1943-), et les Beatles, un quatuor à tignasse dont les membres étaient John Lennon (1940-1980), Paul McCartney (1942-), George Harrison (1943-2001) et Ringo Starr (1940-). Dès le début, les Rolling Stones ont été les mauvais garçons. Alors qu’ils suggéraient musicalement à leurs fans féminines « Let’s Spend the Night Together », les Beatles (autrement appelés les Fab Four) harmonisaient plus innocemment « I Wanna Hold Your Hand ». Cependant, les Beatles, tant sur le plan personnel que musical, allaient subir de profonds changements au cours de la décennie, des transformations qui reflétaient directement l’évolution du rock and roll. Leurs sons sont passés d’une inspiration rock and roll (« She Loves You », « I Wanna Hold Your Hand », « Love Me Do », « Twist and Shout ») à une inspiration artistique, introspective et d’une beauté obsédante (« A Day in the Life », « Yesterday », « Eleanor Rigby »), à une inspiration liée à la drogue (« Strawberry Fields », « Lucy in the Sky with Diamonds ») et à une inspiration spirituelle (« Love You To », « Let It Be »). Les Beatles ont repoussé les limites du rock en expérimentant l’instrumentation, par exemple George maîtrisait le sitar, qu’il a joué sur plusieurs morceaux des Beatles, ainsi que l’orchestration et la composition.

La musique rock en général a suivi la tendance des Beatles. De la douce sincérité du début de la décennie, le rock and roll est devenu plus dur, plus sombre et plus fort. Reflétant l’esprit de l’époque, les musiciens de rock chantent leur colère contre « l’Establishment » et leur expérimentation de la drogue et du sexe occasionnel. À la fin de la décennie, le rock and roll avait non seulement regagné mais en fait augmenté sa réputation de musique de la colère et de la rébellion des jeunes.

Festivals de rock

Dans les années 1960, le festival de rock est devenu un lieu privilégié pour les amateurs de musique pour se réunir dans un cadre extérieur et savourer les sons de leurs interprètes préférés. L’un des premiers festivals légendaires a été le Monterey International Pop Festival de 1967, qui a rassemblé une brochette de stars du rock, dont Jimi Hendrix, Otis Redding, Janis Joplin, The Who, The Jefferson Airplane et The Mamas and the Papas. L’événement a fait l’objet d’une chronique dans Monterey Pop (1969), le premier documentaire important sur les concerts de rock.

Le festival de rock de loin le plus célèbre a été le Woodstock Music and Art Fair, qui s’est tenu en août 1969. Pendant un week-end de trois jours détrempé par la pluie, une foule fougueuse, comptant entre 400 000 et 500 000 personnes, a convergé vers une ferme porcine de 600 acres près de Bethel, dans l’État de New York. Malgré la mauvaise planification et le chaos général, la foule est restée détendue. Les artistes sont des vedettes : Country Joe and The Fish, Joe Cocker, Canned Heat, Crosby, Stills, Nash and Young, Janis Joplin, Jimi Hendrix et The Who. L’événement a été relaté dans Woodstock (1970), un documentaire récompensé par un Academy Award.

Contrairement à Woodstock, cependant, tous les festivals de rock n’étaient pas remplis de paix et d’amour. Le festival d’Altamont, qui s’est tenu en Californie quatre mois après Woodstock, a été une affaire laide et violente au cours de laquelle un festivalier a été assassiné.

Comme les années 1950 s’étaient terminées avec les décès de Holly, Valens et Richardson, les années 1960 se sont également terminées avec la mort de trois des légendes du rock de la décennie : Janis Joplin (1943-1970), Jimi Hendrix (1942-1970) et Jim Morrison (1943-1971), chanteur du groupe The Doors. Cependant, la différence entre les époques est indiquée par la manière dont ces trois-là ont expiré. Joplin et Hendrix sont morts d’une overdose de drogue. Morrison aurait été terrassé par une crise cardiaque, mais ses habitudes bien connues d’abus de drogues ont conduit à des rumeurs selon lesquelles sa mort était également liée à la drogue.

LE MOTOWN SOUND

Lorsqu’on pense aux meilleurs chanteurs et musiciens afro-américains des années 1960, un mot vient à l’esprit : Motown. En fait, Motown – un raccourci de « motortown », un nom argotique pour Detroit, le foyer de l’industrie automobile américaine – était d’abord le nom d’une maison de disques. Elle a été fondée en 1959 par Berry Gordy Jr. (1929-), un auteur-compositeur, producteur de disques et éditeur de chansons originaire de Détroit. Money de Barrett Strong, Please Mr. Postman des Marvelettes, Shop Around des Miracles, You Beat Me to the Punch de Mary Wells et Do You Love Me des Contours figurent parmi les premiers succès de la compagnie. Au cours des années 1960, la Motown a connu un succès phénoménal ; au milieu de la décennie, elle était devenue la société appartenant à des Noirs la plus rentable des États-Unis. Sur les 535 singles publiés par Motown au cours de la décennie, 357 ont été des succès. En 1988, Gordy a vendu Motown à MCA pour 61 millions de dollars.

Le son Motown était distinctif. L’équipe d’auteurs-compositeurs-producteurs Eddie Holland (1939-), Lamont Dozier (1941-) et Brian Holland (1941-), plus connue sous le nom de Holland/Dozier/Holland, mérite une grande partie du crédit pour son évolution. Le meilleur de la Motown combinait des éléments de rhythm and blues et de gospel ; pour de bonnes raisons, on l’appelait aussi « soul music ». Pourtant, les sons de la Motown étaient également entraînants et dansants, et ils plaisaient aussi bien aux adolescents blancs qu’aux adolescents noirs. Gordy a même concocté une expression à utiliser pour commercialiser sa musique : « The Sound of Young America ».

Parmi les artistes de la Motown qui sont devenus des superstars et des légendes de la musique des années 1960, on trouve The Miracles, qui ont enregistré une série de tubes après « Shop Around », le chanteur Smokey Robinson (1940-) devenant un praticien modèle du son Motown. Les Temptations étaient l’un des groupes Motown les plus appréciés ; leur enregistrement de « My Girl », l’un des préférés de l’époque, combinait des harmonies mélodieuses mémorables. Marvin Gaye (1939-1984) était un soliste influencé par la musique gospel dont le meilleur single des années 1960 était « I Heard It Through the Grapevine », également enregistré par Gladys Knight (1944-) and The Pips, un autre groupe Motown d’époque. L’album visionnaire de Gaye en 1971, What’s Going On, combinait des doses massives de soul, de cœur et d’humanisme.

Le petit Stevie Wonder (1950-) n’avait que douze ans lorsqu’il a connu un succès retentissant avec « Fingertips (Part 2) ». Cependant, Stevie n’était pas

un one-shot wonder. Il a mûri artistiquement, a laissé tomber le « Little » de son nom et a enregistré des succès tels que « For Once in My Life », « I Was Made to Love Her » et « My Cherie Amour ». Les Four Tops étaient dirigés par le charismatique chanteur Levi Stubbs (1936-) ; parmi leurs enregistrements les plus exubérants figuraient « Baby I Need Your Loving », « I Can’t Help Myself » et « Reach Out I’ll Be There ». Les Supremes ont été les premières vedettes de la Motown, avec « Where Did Our Love Go » qui est devenu le premier de leurs douze numéros un. La chanteuse principale des Supremes, Diana Ross (1944-), a poursuivi une carrière réussie en tant que soliste. Mais c’est Martha and The Vandellas, avec sa chanteuse Martha Reeves (1941-), qui a enregistré ce qui est sans doute le single le plus représentatif de la Motown : « Dancing in the Street », une chanson de danse des années 1960 de tous les temps.

POP ART

Le pop art était le mouvement artistique régnant des années 1960. Les artistes pop commentaient le caractère banal de la culture populaire en incorporant dans leurs peintures, leurs sculptures et leurs gravures des images produites en masse et axées sur la consommation : des logos de produits commerciaux, par exemple, ou des objets du quotidien et des portraits de célébrités. L’idée est que ces images sont tellement ancrées dans notre culture et notre conscience qu’elles deviennent une forme d’art. Pour faire valoir leur point de vue, les artistes de la décennie ont reproduit ces images comme des œuvres d’art, à accrocher sur les murs des musées ou des galeries.

Aretha et Otis

Les meilleurs chanteurs noirs des années 1960 n’étaient pas tous affiliés à Motown. Aretha Franklin (1942-), dont la formation était dans le gospel, était peut-être la soliste féminine la plus électrisante de la décennie. Ses enregistrements pleins d’âme de « Baby I Love You », « Chain of Fools » et, en particulier, « Respect » sont les favoris de la fin des années 1960. L’album de Franklin, intitulé à juste titre « Lady Soul », est un classique de la musique soul de tous les temps.

Otis Redding (1941-1967), un chanteur soul dynamique, est une autre victime de l’époque. Il était une étoile montante lorsqu’il est mort dans un accident d’avion en 1967. L’année suivante, « Dock of the Bay », un autre chef-d’œuvre de la fin des années 1960, est devenu son plus grand single. S’il avait vécu, Redding serait peut-être devenu une superstar.

Andy Warhol (1930-1987), le gourou du Pop Art, a acquis une célébrité internationale en dupliquant des images de boîtes de soupe Campbell’s, de bouteilles de Coca-Cola, de boîtes de tampons à savon Brillo et des portraits stylisés d’icônes de la culture pop comme Marilyn Monroe (1926-1962). Il finit par devenir un cinéaste d’avant-garde. Ses premiers films évitent toute responsabilité de raconter une histoire. Parmi les plus célèbres, citons Sleep (1963), qui représente un homme endormi pendant huit heures, et Empire (1965), une image nocturne continue de l’Empire State Building de New York. Warhol a fini par intégrer des intrigues, mais ses scénarios étaient peu consistants, voire totalement improvisés, et ses interprètes n’étaient pas tant des acteurs qu’un étrange assortiment d’artistes, de groupies et de personnalités colorées. Un certain nombre d’entre eux sont devenus des « superstars » de Warhol, et beaucoup étaient connus sous des pseudonymes délibérément de mauvais goût : Viva! ; Candy Darling ; Holly Woodlawn ; Ultra Violet ; Ondine ; Mario Montez ; et Ingrid Superstar. Warhol était également un expert en autopromotion, et sa déclaration selon laquelle, dans notre culture obsédée par les médias et la célébrité, tout le monde sera célèbre pendant quinze minutes a transcendé sa propre célébrité et a vécu bien après sa mort.

Autres artistes pop importants : Jasper Johns (1930-), qui a peint des cibles et des versions du drapeau américain ; James Rosenquist (1933-), qui a reproduit des images de panneaux publicitaires ; Jim Dine (1935-), qui a fixé sur ses toiles des objets tels que des outils, des sommiers et des vêtements éliminés ; Roy Lichtenstein (1923-1997), qui a peint des panneaux de bande dessinée colorés et surdimensionnés ; Robert Rauschenberg (1925-), dont les collages combinaient des photographies de magazines, des journaux et de la peinture ; Claes Oldenburg (1929-), qui a réalisé des sculptures plus grandes que nature de produits de consommation ; et Wayne Thiebaud (1920-), qui a choisi des objets alimentaires comme sujet. Quelques-uns des titres de Thiebaud :  » Salades, sandwichs et desserts  » ;  » Pommes d’amour  » ; et  » Cupcake « , reflètent l’essence du Pop Art.

Deux autres mouvements artistiques issus des années 1960 sont l’Op Art, dans lequel les artistes emploient des illusions optiques de profondeur ou de mouvement, et le Minimalisme, dans lequel les artistes mettent en avant des couleurs pures et plates et des dessins géométriques aux contours durs. Au cours de la dernière partie de la décennie, le terme « minimalisme » a également décrit un nouveau mouvement dans le domaine de la musique. Alors que les œuvres de certains compositeurs devenaient de plus en plus complexes, d’autres fondaient leurs créations sur la musique africaine et asiatique, en utilisant une instrumentation plus simple qui répétait souvent des phrases et des rythmes. Philip Glass (1937-) est peut-être le compositeur minimaliste le plus connu.

Chacun de ces mouvements a provoqué des remous dans le monde de l’art. Beaucoup de gens se sont plaints que le Pop Art, l’Op Art et le Minimalisme ne nécessitaient aucune originalité ou talent. Les arguments sur cet art ont attiré presque autant d’attention que les œuvres elles-mêmes, contribuant à faire de Warhol et d’autres des célébrités.

American Theatre Wing Antoinette Perry Awards (Tony Awards)

NOUVELLES VOIX AU THÉÂTRE ET DANS LA LITTÉRATURE

Le début des années 1960 a vu une avalanche de comédies musicales à succès arriver à Broadway, dont L’insubmersible Molly Brown ; Bye Bye Birdie ; How to Succeed in Business Without Really Trying ; A Funny Thing Happened on the Way to the Forum ; Hello, Dolly !Funny Girl ; et Fiddler on the Roof. Cependant, l’événement scénique qui a défini la dernière partie de la décennie a été Hair, une comédie musicale d’un nouveau genre. Hair, qui a fait son apparition à Broadway en 1968, célébrait la culture des jeunes de l’époque en mettant en scène des personnages hors du commun, tels que des hippies libérés sexuellement et consommateurs de drogues et des manifestants contre la guerre du Vietnam. Hair était également expérimental en ce sens qu’il se concentrait sur le contenu thématique et la description d’un style de vie, plutôt que sur l’intrigue et le développement des personnages. Sa musique est inspirée de la musique rock, et Hair peut être considéré comme la comédie musicale rock originale. Elle est également devenue célèbre pour une brève mais controversée scène de nu à la fin de l’acte I.

Parallèlement à l’invasion britannique en musique, une nouvelle génération de dramaturges du Royaume-Uni, dont Harold Pinter (1930-) et Tom Stoppard (1937-), a connu le succès sur la scène américaine. De nouveaux écrivains américains font également leur apparition. Edward Albee (1928-) est peut-être le plus connu. Le plus grand succès d’Albee est Who’s Afraid of Virginia Woolf ? (1962), un drame brutal qui met en lumière la conversation amère entre deux couples au cours d’une soirée agitée. Neil Simon (1927-), peut-être le dramaturge le plus commercial de tous les temps, a inauguré une longue série de comédies légères au cours de la décennie.

Prix Pulitzer de fiction

.

Pendant ce temps, les nouveaux livres en vogue mettent en avant l’humour noir et l’aliénation des jeunes. Kurt Vonnegut Jr. (1922-) a publié une série de romans de science-fiction acerbes et cyniques, dont Cat’s Cradle (1963), God Bless You, Mr. Rosewater (1965) et Slaughterhouse Five (1969), qui étaient les préférés des campus universitaires. Le héros de Vol au-dessus d’un nid de coucou (1962), de Ken Kesey (1935-2001), est Randle J. McMurphy, un malade mental fougueux qui tente de renverser une bureaucratie autoritaire. Un autre classique de l’époque est Catch-22 (1961), de Joseph Heller (1923-1999). Le titre du roman est rapidement passé dans la langue américaine. Le personnage principal de Heller est Yossarian, un bombardier de la Seconde Guerre mondiale qui souhaite cesser le combat et rentrer chez lui. Le seul problème est que, pour y parvenir, il doit effectuer des missions de combat supplémentaires. « Catch-22 » désigne désormais tout ce qui est déraisonnable ou illogique. Par exemple, vous êtes rejeté pour un emploi parce que vous manquez d’expérience – mais comment pouvez-vous acquérir de l’expérience si personne ne veut vous embaucher ? Le ton anti-guerre/antimilitarisme bureaucratique du livre a également trouvé un écho auprès des jeunes.

Les STICKS DE LA TÉLÉVISION AUX TRADITIONS

Les années 1960 ont surtout été une décennie de business as usual pour l’industrie de la télévision. Un éventail de séries dramatiques, comiques, d’aventures, de science-fiction et de variétés a diverti des millions de téléspectateurs, dont quelques-unes – notamment The Dick Van Dyke Show (1961-66), The Andy Griffith Show (1960-68), The Twilight Zone (1959-65), Mission : Impossible (1966-73) et Star Trek (1966-69) – sont devenues de véritables classiques du petit écran.

Les séries mettant en scène des personnages variés, des médecins (Dr. Kildare , Ben Casey ) aux ploucs (The Beverly Hillbillies , Petticoat Junction , Green Acres ), étaient populaires. Cependant, si une série télévisée reflète les changements intervenus dans la culture américaine au cours de la décennie, c’est bien Laugh-In de Rowan &Martin (1968-73), une émission de variétés historique qui présentait des comédies loufoques et innovantes. Les jeunes, en particulier, adoraient l’émission pour son humour loufoque et son sens de l’espièglerie. Une foule de phrases d’accroche introduites dans l’émission sont entrées dans l’usage courant, notamment « sock it to me », « here come da judge » et « you bet your sweet bippy ».

Dans le domaine de l’information, l’influence des journalistes de la télévision sur leurs collègues de la presse écrite a continué de croître selon une tendance qui avait débuté au cours de la décennie précédente. Deux événements singuliers ont préfiguré l’avenir en ce qui concerne le pouvoir absolu de la télévision et l’impact du média sur la couverture de l’actualité et les campagnes politiques. Le premier : les débats télévisés entre les candidats à la présidence John F. Kennedy (1917-1963) et Richard M. Nixon (1913-1994) lors de l’élection de 1960, d’où est née l’idée que les électeurs considéreront favorablement un candidat en fonction de son apparence plutôt que de ses propos. La seconde : la couverture en direct des événements qui ont suivi l’assassinat du président John F. Kennedy, le 22 novembre 1963, qui a permis d’unir la nation en période de deuil.