Lire le chapitre précédent rendra ce texte beaucoup plus compréhensible, mais si vous devez vraiment le sauter, voici un peu de contexte : J’ai décidé que la meilleure façon d’expliquer ce qu’est l’art est de comprendre un peu d’histoire, un peu de philosophie et un peu de technique.
Non pas parce que cela vous donnera une réponse claire, mais parce que cela vous fournira une réflexion critique légitime. Et puis, qui sait, vous aurez peut-être même des opinions éclairées.
Alors, qu’est-ce que l’Art ?
Après plusieurs siècles où les périodes artistiques étaient définies par des contextes politiques, sociaux et économiques et pas tellement par le goût individuel, il y a eu un changement progressif dans la façon dont l’information était acquise et partagée.
La méthode scientifique a solidifié l’acquisition des connaissances et la révolution industrielle a changé le paysage de la façon dont les humains vivaient et travaillaient. La genèse conséquente d’une classe moyenne a fait place à l’éducation de beaucoup plus de gens – mettant fin à une partie de l’élitisme qui définissait l’éducation jusqu’à présent.
On vit plus longtemps, on vit mieux, on en sait plus et la créativité naît. C’est ce qui est arrivé à beaucoup plus de gens que dans les siècles précédents qui étaient soit définis par la pénurie, la guerre, et/ou l’extrémisme religieux.
C’est ainsi que l’art est devenu plus démocratique et, par conséquent, plus disponible pour l’expression individuelle, personnelle et émotionnelle.
Zeitgeist
Le zeitgeist est l’ensemble dominant d’idéaux et de croyances qui motivent les actions des membres d’une société dans une période de temps particulière et il se traduit littéralement de l’allemand par « esprit du temps » ou « esprit du temps ».
Georg Hegel n’a jamais réellement utilisé ce mot mais, dans ses ouvrages, comme les Lectures sur la philosophie de l’histoire, il dit ce qui suit :
« Aucun homme ne peut dépasser son propre temps, car l’esprit de son temps est aussi son propre esprit. » – Georg Hegel
Cette idée est étroitement liée à la façon dont Hegel voyait l’art. Dans ce paradigme, tout ce que l’artiste crée va refléter la culture de cette époque donnée. L’artiste est un produit inévitable de cette époque et, par conséquent, apportera cette culture à son art.
La théorie du Zeitgeist se positionne de façon tranchante contre une théorie du 19ème siècle de Thomas Carlyle appelée la théorie du grand homme, selon laquelle les individus possèdent les caractéristiques qui les transforment en grands leaders.
Ces caractéristiques, combinées à une inspiration divine, leur permettront d’obtenir des positions de pouvoir et, par conséquent, de façonner l’histoire.
« L’histoire du monde n’est que la biographie des grands hommes. » – Thomas Carlyle
Tolstoï n’en démordait pas et, dans son livre Guerre et Paix, il considère que la signification des grands individus est imaginaire : ils sont de simples esclaves de l’histoire. Herbert Spencer est allé jusqu’à dire qu’il considérait les idées de Carlyle comme désespérément primitives, puériles et non scientifiques.
Et à vrai dire, la théorie du grand homme repose bien sur l’hypothèse de compétences inconséquentes et innées, faisant fi du grand puzzle que constitue notre Univers. Elle ignore comment tout est une conséquence, d’une conséquence, d’une conséquence.
Et n’abordons même pas le concept de « libre arbitre » dans ce post – nous devons faire attention à ce trou de lapin.
Cela signifie essentiellement que, logiquement parlant, l’art ne peut pas être cette chose ésotérique qui surgit de l’étonnement de certains individus, ou qui naît d’une pure félicité, d’un « talent » étonnant ou d’une compétence innée de certaines personnes vraiment chanceuses.
On pourrait même dire que la « compétence » est un concept très relatif en ce qui concerne l’art. Il implique une maîtrise technique, mais différents niveaux de connaissances technologiques ont façonné l’art depuis son tout début, et c’est pourquoi la « compétence » ou la « technique » sont des normes très floues pour la qualité.
Art vs Craft
Prenons un concept très basique comme la perspective linéaire ou, plus simplement : la façon dont les objets semblent être plus petits lorsqu’ils sont plus éloignés.
Son étude et son exploration géométrique au sein de la représentation visuelle n’ont commencé qu’au quatorzième siècle, pendant la Renaissance italienne, et il a encore fallu du temps avant qu’elle ne soit perfectionnée et correctement comprise.
Cette compréhension technique est devenue apparente dans toutes les œuvres artistiques à partir de ce moment-là, tandis que toutes les œuvres graphiques qui étaient produites avant cette époque ont conservé cette aura presque bizarre de tentative ratée d’être tridimensionnelle.
Mais était-ce un échec ? Ou était-ce que, à ce moment-là, le réalisme dans la représentation n’était tout simplement pas un canon ? Qu’est-ce qui est venu en premier : le besoin d’une représentation graphique réaliste, ou les techniques qui ont permis de la produire ? Est-il important de savoir si l’on crée par capacité ou par choix ? La technique est-elle un standard de qualité dans l’art ?
Prenons les vases grecs. Ils sont noirs avec des figures et des ornements d’un orange profond. C’est considéré par beaucoup comme une belle pièce d’art avec une grande combinaison de couleurs qui a un effet minimaliste mais mystique et immersif, obtenu grâce aux histoires que leurs images racontent.
Et puis il y a la porcelaine chinoise. Elle est ** colorée, délicate, ses dessins sont riches en détails et leurs figures nous transportent dans une culture qui est remplie d’une mythologie intéressante.**
Malheureusement, je ne les ai pas étudiés aussi profondément que la civilisation hellénistique, donc il n’y a pas beaucoup de choses que je peux vous dire sur le quand et le pourquoi de ces vases.
Mais je peux vous dire ceci : les vases grecs sont noirs et rouges profonds non pas grâce à l’encre, mais grâce à un matériau qui, appliqué à leur surface, transforme l’argile en noir après cuisson. Il n’y a pas de sélection de couleur impliquée.
La technique a-t-elle dicté l’esthétique ou était-ce l’inverse ? Était-ce une limitation auto-imposée, ou la limitation technique a-t-elle généré le style ? La porcelaine chinoise est-elle supérieure parce que ses caractéristiques déterminantes sont le résultat d’une technique plus polyvalente et techniquement avancée ? L’une est-elle plus artistique que l’autre ?
Enfin : Pablo Picasso a-t-il peint une femme de cette façon parce qu’il ne savait pas comment le faire de manière réaliste, ou par choix ? Je peux vous dire qu’il savait très bien comment faire de la peinture réaliste (voir l’image ci-dessous), mais est-ce que la présence ou l’absence de choix est une sorte de validation de l’expression artistique?
C’est un principe dangereux à suivre, car il peut invalider tout travail fait sous n’importe quelles contraintes qui pourraient limiter le libre choix, comme les connaissances techniques, l’argent, le temps, et plus encore. Si vous regardez tout ce que vous avez appris sur l’histoire de l’art jusqu’à présent, vous constaterez que tout a des contraintes, et que l’art a été façonné par les matériaux, les techniques, la religion, la société, et bien d’autres choses encore. Tous ont été façonnés par le Zeitgeist.
Utiliser l’absence ou la présence de choix comme norme de qualité signifie invalider de nombreuses pièces à travers l’histoire moderne et ancienne. Des pièces d’art dont vous n’aviez aucune idée à quel point leur processus était foiré – des limitations techniques, des limitations matérielles, du budget, des désalignements de personnalité, et même des problèmes de santé mentale si vous voulez y aller.
Donc passé ce siècle des Lumières (dont la fin a commencé au début des années 1800), nous sommes entrés dans la pensée relativiste et il n’y avait plus d’engouement pour une représentation graphique « réaliste » du monde. Et c’est là que l’art devient plus délicat.
Histoire extrêmement brève de l’art moderne et contemporain
Souvenez-vous de la période romantique où il n’était question que de nostalgie, de romantisme, d’épopée et de connexion avec la nature et l’histoire ?
Quelques années ont passé et certains peintres ont décidé de se concentrer sur la réalité relatable de la vie quotidienne au cours d’un mouvement appelé impressionnisme. La banalité pouvait être belle et digne d’être contemplée à travers la poétique de la lumière et du mouvement, qui étaient exprimés par des coups de pinceau visibles et émotionnels.
Ce n’était pas une représentation réaliste – ce n’était plus intéressant à cause de la photographie – mais c’était riche et apportait une nouvelle vie à l’ordinaire.
Certains autres artistes ont pris ces mêmes principes d’expression à travers la couleur et la texture et les ont explorés encore plus loin, n’ayant pas peur de vraiment déformer le sujet afin de vraiment transmettre leur expérience subjective de la réalité. Ils l’ont appelé Expressionnisme.
Puis, d’autres artistes, et certains des mêmes, ont décidé d’aller explorer également la subjectivité de la vie et de l’existence, mais en déformant le continuum temporel, en fusionnant le passé avec le présent et le futur de manière visuelle. Des trucs bizarres, non ? C’est le cubisme pour vous.
Aussi, vous vous souvenez de la révolution industrielle ? La croissance technologique était exponentielle, tout comme la fascination des gens pour elle. Ce groupe de gars a repris le concept de flexion du temps du cubisme et a prisé l’esthétique du futur comme la seule chose qui comptait.
Vitesse, technologie, jeunesse, violence, industrialisme, nationalisme, vous le nommez, les Futuristes étaient dedans.
Déjà, le Surréalisme était tout à propos d’entrer dans ces toutes nouvelles théories freudiennes brillantes qui ont abouti à des explorations assez intéressantes du subconscient.
Certains le faisaient à travers leur technique, de manière similaire aux expressionnistes, d’autres le faisaient en enregistrant leurs premières pensées après s’être réveillés d’un rêve, d’autres encore se contentaient de dessiner la première chose qui leur traversait l’esprit, dans une tentative d’agir de manière aussi inconsciente que possible lorsqu’ils étaient éveillés.
Basiquement, l’idée était de porter l’expression de soi au niveau supérieur en faisant sortir toutes les choses potentiellement embarrassantes et vraiment profondes.
Ces explorations se sont poursuivies jusqu’à ce que certains atteignent l’abstraction absolue. Certains artistes, comme Kandinsky qui était lui-même un musicien, ont été inspirés par la possibilité de formes et de couleurs associatives qui résonnent en soi.
Au milieu de cette grappe de mouvements artistiques, sont arrivés les dadaïstes pour le contrôle nécessaire de la réalité, pour garder tout le monde sur leurs orteils. Ils ont à peu près remis en question tout ce qui était lié à l’art, de manière hardcore.
Imaginez la chose suivante : nous sommes en 1917 et il y a une sculpture au milieu d’une exposition qui s’appelle « Fountain » et qui est essentiellement un urinoir couché. Les visiteurs ne l’ont pas pris à la légère et se sont mis très en colère. Probablement, c’était exactement le but recherché.
Les dadaïstes ont forcé tout le monde à remettre en question l’esthétique et la beauté, ont brisé les contraintes, se sont révoltés contre l’élitisme et ont séparé les mots de leur sens. En fin de compte, ils ont fait réfléchir tout le monde sur la définition de l’art, et sur le fait que peut-être la « beauté » et l' »harmonie » n’étaient pas nécessairement des conditions requises.
Cette même remise en question de l’idée d’harmonie et de beauté classique s’est étendue à tous les domaines de l’art, d’ailleurs. J’ai concentré la plupart des exemples et de l’histoire dans la peinture, mais seulement parce que c’est le plus facile à exemplifier et à comparer dans un article.
Mais beaucoup de choses intéressantes se sont produites dans la musique, comme comment tout d’un coup vous pouviez briser les gammes et assortir des notes qui auparavant auraient été considérées comme une combinaison horrible. La danse n’était plus aussi axée sur l’élégance, et se permettait d’être brute et désagréable quand c’était justifié.
Voici un bon exemple de rupture de moule avec l’interprétation dansée de Pina Bausch du Sacre du printemps d’Igor Stravinsky.
Casser les moules de l’esthétique classique et romantique est devenu un excellent moyen d’avoir accès à un plus large éventail d’émotions, d’idées et de modes d’expression.
Au fil du temps, on a donc assisté à une croissance exponentielle de la production artistique et, par conséquent, du nombre de mouvements artistiques et de courants de pensée. Il y en avait tellement que les gens ont tout simplement commencé à l’appeler l’art contemporain, puisque le terme se réfère à l’art qui est produit à la période actuelle.
Il y avait des dizaines, voire des centaines, de mouvements artistiques qui se produisaient, mais l’un d’entre eux qui est apparu à cette époque et qui mérite d’être mentionné est « l’art conceptuel » : l’idée ou le concept est l’aspect le plus important de l’œuvre.
Après de nombreux siècles axés sur l’exécution, ici, elle est devenue négligente et superflue, et l’accent a été mis sur la planification et la prise de décision faites en amont.
Un bon exemple d’art conceptuel est l’installation artistique de 1988 de Maurizio Bolognini « Machines programmées », où des ordinateurs personnels étaient programmés pour générer des flux d’images aléatoires en expansion continue et laissés fonctionner à l’infini (la plupart d’entre eux fonctionnent encore aujourd’hui).
Conclusion
Lorsqu’on est confronté à ce genre de pièces d’art, ce serait le moment où typiquement tout le monde roule des yeux et déteste l’Art Contemporain.
Espérons que j’ai réussi à passer assez d’informations pour au moins vous faire réfléchir à deux fois au lieu de rejeter immédiatement de telles œuvres. Et sincèrement, j’espère que j’ai réussi à ouvrir vos esprits et à vous aider à comprendre que l’art n’a pas besoin d’être joli ou agréable à expérimenter.
L’art n’a pas besoin d’être une expérience profondément émotionnelle ou intellectuelle qui vous emporte immédiatement. Si quoi que ce soit, l’expérience que vous avez avec l’art dépend plus de la façon dont vous choisissez d’interagir avec lui, que de ses caractéristiques propres.
Vous apportez toutes vos connaissances et votre bagage de vie et, en fin de compte, apprécier l’art sera votre propre expérience subjective, et vous choisissez jusqu’où vous voulez aller.
« L’art commence quand un homme, dans le but de communiquer à d’autres personnes un sentiment qu’il a une fois éprouvé, le rappelle en lui-même et l’exprime par certains signes extérieurs. » – 1897 / Qu’est-ce que l’art par Tolstoï, p.38
« Nous savons tous que l’art n’est pas la vérité. L’art est un mensonge qui nous fait réaliser la vérité. »
-1972 / Pablo Picasso cité dans Picasso on Art de Dore Ashton
« Les idées seules peuvent être des œuvres d’art… Toutes les idées n’ont pas besoin d’être rendues physiques… Une œuvre d’art peut être comprise comme un conducteur de l’esprit de l’artiste à celui du spectateur. Mais il se peut qu’elle n’atteigne jamais le spectateur, ou qu’elle ne quitte jamais l’esprit de l’artiste. » – 1994 / Sol LeWitt cité dans Art and Its Significance de Stephen David Ross
« Que M. Mutt de ses propres mains ait fait la fontaine ou non n’a aucune importance. Il l’a choisie. Il a pris un article ordinaire de la vie, l’a placé de telle sorte que sa signification utile disparaisse sous un nouveau titre et point de vue (et) a créé une nouvelle pensée pour l’objet. » – 1917 / L’aveugle, 2e édition, par Marcel Duchamp, Béatrice Wood et Henri-Pierre Roché
Vous avez trouvé cet article utile ? Vous pourriez aussi aimer ceux-ci !
- Minimalisme ou brutalisme : lequel choisir ?
- Nous devons calmer notre technologie
- Présenter le design de service et pourquoi vous devriez vous y intéresser
.