Une conversation typique avec un ami relativement peu familier avec l’opéra pourrait se dérouler comme suit…
Moi : « Tu veux aller voir Les Pirates de Penzance avec moi ? »
Ami : « C’est un opéra ? Je n’aime pas trop les opéras. »
Moi : « Pas vraiment – enfin, en quelque sorte. C’est une opérette. »
Ami : « Quelle est la différence ? »
Les Pirates de Penzance, dans une production des New York Gilbert and Sullivan Players
Ce n’est pas une question facile à répondre. J’ai l’habitude de dire que c’est moins densément orchestré et moins difficile vocalement qu’un opéra complet, et que les opérettes sont presque toujours comiques alors que la plupart des opéras (mais certainement pas tous) sont tragiques. Mais ce n’est pas tout à fait le cœur du problème. Il est très difficile de définir les limites entre la comédie musicale, l’opérette et l’opéra, surtout lorsque les compagnies d’opéra montent occasionnellement des productions de comédie musicale ou d’opérette. Les gens ont proposé un certain nombre de critères possibles : Peut-être que dans les comédies musicales et les opérettes, les paroles comptent plus que la musique et vice versa dans les opéras. (C’est un peu vrai, mais on peut penser à des contre-exemples – par exemple, la primauté de la musique – dont une partie a été volée à des opéras – dans plusieurs comédies musicales de Weber). Peut-être est-ce la présence ou l’absence de dialogue. (Mais cela fait-il de La Flûte enchantée, Ariadne auf Naxos, Carmen et d’autres exemples de Singspiel et d’opéra comique des comédies musicales ? Et cela fait-il des Les Misérables et du Fantôme de l’Opéra des opéras) ? Il ne semble pas y avoir de critère clair et réalisable, mais je vais tenter de définir vaguement chaque genre ci-dessous. J’aborderai également certains « cas problématiques » où la catégorisation est difficile.
Le théâtre musical est probablement la plus facile des catégories à définir de manière semi-cohérente en raison de son évolution. Les voix de belter pop-rock requises par la plupart des nouvelles comédies musicales de nos jours ne sont évidemment pas de l’opéra et l’instrumentation d’accompagnement est loin d’être « classique » dans son son ou sa composition. (Des termes comme « opéra » et « classique » sont un peu gênants, mais je pense que nous pouvons convenir que peu de gens les appliqueraient à une musique qui ressemble à de la pop contemporaine). Ce sont les comédies musicales plus anciennes qui s’inspirent de la tradition de l’opéra et emploient des voix « légitimes » qui sont parfois un peu déroutantes. Les chanteurs d’opéra peuvent interpréter avec succès des rôles dans des comédies musicales comme West Side Story, South Pacific (en fait, le rôle principal masculin a été écrit pour un baryton d’opéra), Showboat, Camelot, My Fair Lady et une foule d’autres comédies musicales écrites par des compositeurs comme Bernstein, Hammerstein et Loewe. Cependant, elles sont toujours considérées comme des comédies musicales. Ils exigent des orchestres beaucoup plus petits que la plupart des opéras ; les rôles font appel à des gammes et des capacités vocales largement disponibles ; et, peut-être plus pertinent encore, ils se sont développés dans le cadre d’une tradition de théâtre musical et ont été qualifiés de comédies musicales pendant des décennies.
L’opéra implique des orchestres énormes et des partitions difficiles à chanter. En partie à cause des exigences et de la primauté de la musique, il est généralement chanté dans sa langue originale avec des surtitres dans les langues locales (alors que le théâtre musical et l’opérette sont généralement chantés dans la langue locale). Bien qu’il existe des opéras écrits en anglais, la plupart des œuvres les plus célèbres et les plus fréquemment jouées sont italiennes, allemandes ou françaises. Une bonne heuristique : si une maison comme La Scala ou le Met l’a joué, vous pouvez probablement appeler une œuvre un opéra sans offenser personne. Bien sûr, il existe aussi des opéras qui n’entrent pas dans cette catégorie (comme les opéras de Monteverdi, qui ne sont pas joués dans de si grandes maisons). La plupart des opéras plus anciens sont définis autant par la tradition que par autre chose, donc, par consensus historique, il est assez sûr de se référer à n’importe quel drame chanté par Monteverdi, Handel, Mozart, Bellini, Donizetti, Rossini, Puccini, Verdi, Wagner, Richard Strauss, et tous les autres qui entrent dans ce canon de compositeurs classiques masculins, blancs et morts, comme un opéra. Quand il s’agit de compositions plus récentes, ce qui mérite d’être appelé en opéra est beaucoup moins clair, surtout parce que certains compositeurs de théâtre musical célèbres (par exemple, Bernstein et Schwartz) ont également écrit des opéras.
L’opérette est une étiquette intermédiaire pratique pour les choses qui ne sont pas tout à fait du théâtre musical ou de l’opéra. Les œuvres de Gilbert et Sullivan sont probablement les exemples les plus célèbres au Royaume-Uni et aux États-Unis. Elles ont tendance à se concentrer sur l’humour plutôt que sur l’émotion et, par conséquent, à utiliser des outils tels que les apartés comiques et les chansons de circonstance qui sont moins courants dans l’opéra. Elles nécessitent également des orchestres plus petits – la plupart des opérettes sonnent bien avec des orchestres de 20 à 30 musiciens, ce qui représenterait une réduction importante de la partition écrite pour un opéra. Les opérettes sont moins exigeantes sur le plan vocal que les opéras et sont souvent interprétées par des troupes d’amateurs, mais elles nécessitent tout de même des notes aiguës et une colorature à un degré inhabituel pour la comédie musicale. Comme les comédies musicales, elles sont généralement jouées sans surtitres, de sorte qu’elles nécessitent une diction plus claire que les opéras et que le texte est mis en musique d’une manière qui le permet théoriquement. Les compagnies d’opéra mettent parfois en scène des opérettes avec des distributions de chanteurs d’opéra – par exemple, la saison 2013-2014 de l’Opéra de Portland comprend Les Pirates de Penzance.
Bien sûr, il y a pas mal de pièces qui ne correspondent pas bien à l’une de ces trois catégories. Qu’est-ce que Candide de Bernstein ? Les compagnies de théâtre qui ne se considéreraient jamais comme des groupes d’opéra le montent parfois, mais les compagnies d’opéra aussi. Il est en anglais et une grande partie de l’humour dépend des paroles, et il contient également des dialogues. Mais l’orchestration est dense et le rôle de Cunegonde exige sans aucun doute une soprano colorature de formation classique. Contrairement à beaucoup d’opérettes, l’opéra a un pedigree littéraire et philosophique respectable, puisqu’il est basé sur la satire incisive et stimulante de Voltaire du même nom. Par accord tacite des amateurs d’opéra et de théâtre confus, on l’appelle généralement une opérette, mais il ne semble pas qu’elle doive vraiment appartenir à la même catégorie que les opérettes de Gilbert et Sullivan.
Die Fledermaus marche sur la ligne entre l’opéra et l’opérette. Elle est jouée dans les plus grands opéras du monde (elle fait partie de la saison 2013-2014 du Met), qui boudent habituellement les opérettes. Mais c’est aussi une pièce de choix pour les sociétés Gilbert et Sullivan qui cherchent à mélanger leur répertoire. Elle est fréquemment jouée en anglais dans les pays anglophones, mais également dans la version originale allemande dans les pays anglophones. Il a obtenu le traitement Regie – que les opérettes sont généralement épargnées – à plusieurs reprises, mais lorsque les réalisateurs ne super-imposent pas de sombres messages politiques ou psychologiques sur lui, il est à peu près aussi stupide et sans contenu qu’un opéra/etta pourrait l’être.
Audra McDonald et Norm Lewis dans « Porgy and Bess » sur Boradway
Je terminerai par l’exemple américain le plus controversé de la question opéra ou comédie musicale, Porgy and Bess de Gershwin. Gershwin l’a conçu comme un « opéra populaire américain » et l’a mis en scène à Broadway avec des chanteurs de formation classique, mais les compagnies d’opéra n’ont voulu le reconnaître comme un opéra et le jouer que plus de 40 ans après sa première en 1935. Cette réticence peut avoir été partiellement alimentée par le racisme – l’opéra exige une distribution entièrement noire – ou l’antiracisme – de nombreuses personnes ont critiqué l’opéra pour sa représentation stéréotypée de la vie des Noirs de la classe inférieure – mais c’était aussi à cause de l’utilisation par Gershwin des conventions du jazz et de la musique folklorique en plus des conventions de la musique classique européenne. Le spectacle a fini par être présenté au Met en 1985… mais la récente reprise de 2011 (qui comprenait une lourde adaptation) a eu lieu à Broadway plutôt que dans un opéra. Il a même remporté deux Tony Awards (« Meilleure reprise d’une comédie musicale » et « Meilleure performance d’une actrice principale dans une comédie musicale »)!
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