Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5, et Ariana Grande, toutes les superstars de la musique pop moderne qui ont toutes une chose en commun, un type nommé Max Martin. L’auteur-compositeur suédois est l’épine dorsale de la scène musicale pop moderne d’aujourd’hui. Avec plus de 200 chansons à son actif, il est responsable de la majorité de la musique produite. Étant un auditeur avide de toute musique autre que la country, la pop et le rap, ma conviction personnelle que la musique pop est le pire type de musique est non seulement étayée par le bon sens mais aussi par des statistiques et des recherches prouvées effectuées à l’Institut de recherche sur l’intelligence artificielle du Conseil national de la recherche espagnol à Barcelone. Le simple fait des albums vendus, des résultats de tests récemment observés, et de la complexité de l’utilisation des instruments et du concept lyrique ne fait que prouver davantage le point de la musique pop étant le pire genre de musique.
Cent soixante-dix-sept millions, la quantité d’albums vendus par le groupe de rock anglais The Beatles. Si vous regardez le top 10 des artistes qui ont vendu le plus d’albums selon Business Insider, une seule pop star apparaît, Michael Jackson, avec 81 millions d’albums vendus. Selon la liste et la source que vous utilisez pour obtenir cette information, vous pourriez voir des artistes pop comme Madonna et Prince dans le top 10 ; cependant, de nombreux sites web déterminent les albums vendus différemment, par exemple les albums téléchargés et les vinyles achetés. Néanmoins, quelle que soit la source de votre liste, il est évident que le top 10 est rempli d’artistes du même genre ou sous-genre, le rock. Les Beatles ont mené l’invasion britannique au début des années 60, Elvis Presley est incontestablement surnommé le roi du rock and roll, et d’autres groupes de rock comme les Eagles, Led Zeppelin et Pink Floyd se disputent tous les 10 premiers albums vendus. De plus, les artistes solos Elton John et Billy Joel sont bien présents dans le top 10. Bien qu’un argument valable pour cela soit que les artistes modernes d’aujourd’hui ne vendent pas d’albums, mais des singles. Ceci étant dit, il est pertinent de souligner qu’il est toujours possible d’acheter leurs albums ou de les télécharger. Il s’agit d’une tendance de la société qui affecte également l’industrie musicale : les gens préfèrent acheter des singles et des chansons à succès plutôt que l’album entier. Des artistes comme Led Zeppelin et les Beatles ont fait des albums pour plaire aux gens dans leur intégralité, les chansons coïncidant souvent les unes avec les autres. Aujourd’hui encore, les gens achètent et collectionnent les disques des groupes qui ont fait des vinyles. Le simple fait que les artistes modernes, bien qu’inspirés par les premiers musiciens, ne vendent pas de disques pour rivaliser avec les groupes de 40 à 50 ans plus tôt est un excellent exemple de la raison pour laquelle la musique pop est une insulte à de nombreux genres.
Au cours des années 1955-2010, des chercheurs et des scientifiques ont analysé 500 000 chansons et ont confirmé les opinions de beaucoup de nos parents, tout simplement la musique se dégrade. Le groupe de recherche a pris ces chansons et les a soumises à des algorithmes qui ont mesuré les éléments suivants : complexité harmonique, diversité timbrale et intensité sonore. Tout d’abord, les tests ont confirmé qu’au cours des dernières décennies, le timbre a diminué. Le timbre est défini comme la richesse, la texture, la couleur et la qualité du son dans le son de la musique. En gros, on peut le simplifier en disant que c’est la richesse ou la profondeur du son des instruments et des voix. Grâce à la recherche, la science a prouvé deux choses : au cours des dernières décennies, le timbre a diminué de façon constante, et le timbre a atteint son apogée dans les années 1960. Cela signifie que les chansons présentent moins de diversité au niveau des instruments et des techniques d’enregistrement. Tout cela se résume à dire que la musique est devenue plus simple. Étant donné que la musique pop moderne d’aujourd’hui est basée sur l’utilisation répétitive d’un rythme simple, la complexité harmonique a également diminué au fil des décennies. Par exemple, le morceau « A Day in the Life » des Beatles, « Kashmir » de Led Zeppelin et l’utilisation par Metallica du San Francisco Symphony dans l’album S&M de 1999 font une large place à la formation principale du groupe et à des orchestres complets dirigés par un chef d’orchestre. Même si l’on considère les différents changements de rythme, les changements instrumentaux globaux tout au long des chansons et l’interprétation des paroles, les genres tels que le rock (plus les variations et les sous-genres), le classique, le blues et le jazz sont favorisés. La musique pop utilise un seul instrument la plupart du temps, une boîte à rythmes. Cet instrument est capable de produire de nombreux sons et variations, mais il est responsable de la pulsation et du rythme produit électroniquement que l’on entend souvent dans la musique pop. Certains diront qu’il s’agit là d’une exagération et, d’une certaine manière, c’est vrai, car certains artistes utilisent des groupes pour se produire en direct. L’utilisation de la boîte à rythmes est également présente dans les genres dub-step, rap et rock progressif. Cependant, chacun de ces genres présente un rythme si diversifié et complexe accompagné de paroles complexes qu’il est difficile de dire que l’utilisation de la boîte à rythmes est un problème dans la pop. L’artiste de dub-step Skrillex est connu pour l’utilisation d’une boîte à rythmes et d’autres bruits générés par ordinateur pour accompagner le rythme principal de la chanson. Le simple fait qu’il n’y a pas deux chansons qui ont le même rythme ou tempo, même le bruit généré par ordinateur est la preuve que la musique pop est un genre simple qui ne se concentre pas sur la qualité de la musique.
Comme rapporté par Scientific American, la recherche effectuée à l’Institut de recherche en intelligence artificielle du Conseil national de recherche espagnol à Barcelone a confirmé que la musique au cours des dernières décennies a également déclaré que les paroles deviennent plus simples à comprendre. S’il a été dit précédemment qu’une grande partie de la musique d’aujourd’hui est répétitive, il a également été prouvé que presque toutes les chansons pop d’aujourd’hui contiennent la même chose, le cri du millénaire. Le blogueur musical Patrick Metzger a constaté que de nombreux artistes utilisent la même séquence de notes, qui consiste à passer de la cinquième note de la gamme à la troisième note, puis à revenir à la cinquième note, de manière répétitive. Il a également créé le terme « millennial whoop ». Par exemple, « California Girls » de Katy Perry, « International Love » de Pitbull et « Good Time » d’Owl City, pour n’en citer que quelques-uns, utilisent tous le « millennial whoop ». La plupart du temps, ce cri est utilisé dans le refrain de la chanson pour combler les trous entre les strophes, ce qui fait que la chanson reste dans la tête car notre cerveau aime la familiarité. Plus nous entendons le même son, plus nous l’apprécions, et c’est plus qu’un simple hasard.
Si vous étiez un artiste pop qui venait de sortir une nouvelle chanson, ne voudriez-vous pas qu’elle contienne quelque chose que les autres chansons pop ont ? Si d’autres chansons ont du succès grâce au whoop millénaire, alors de plus en plus d’artistes l’utiliseront pour s’assurer que la chanson devienne populaire. Il a été prouvé que les paroles d’aujourd’hui sont facilement compréhensibles à un niveau de septième année, ce qui signifie que non seulement un enfant de 13 ans peut comprendre le sens unique de la chanson, mais qu’il pourrait aussi probablement écrire la chanson. Le chanteur de Tool, groupe de rock basé à Los Angeles, Maynard James Keenan, est considéré comme l’un des meilleurs paroliers de tous les temps en raison de la complexité et des pensées sous-jacentes que l’on trouve dans ses œuvres, associées au tempo inhabituel des rythmes non conventionnels de Tool. Dans la chanson « Lateralus », les paroles suivent la séquence mathématique de Fibonacci et se concentrent sur la façon dont l’esprit est la plus grande faiblesse de l’être humain en disant « Trop penser, trop analyser sépare le corps de l’esprit. Je flétris mon intuition, je rate des opportunités et je dois nourrir ma volonté de sentir mon moment en sortant des sentiers battus. » Bob Dylan, autre auteur-compositeur respecté, a remporté un prix Nobel de littérature et est entré au Rock and Roll Hall of Fame pour son travail dans le domaine de la musique folk. Qu’il s’agisse de John Lennon, Paul McCartney, Robert Plant, Bob Marley ou Jimi Hendrix, il est facile de dire que ces artistes sont connus pour leurs paroles complexes. Pourquoi les paroles complexes sont-elles bonnes en musique ? Parce qu’elles laissent les chansons ouvertes à l’interprétation personnelle. Si chaque personne voit la chanson différemment, elle lui parle à un niveau personnel, ce qui est ce que les groupes des années 1950 au début des années 2000 cherchaient à réaliser. Lorsque les groupes veulent parler à leurs fans et les frapper à un niveau personnel au lieu de faire une chanson pour être populaire, alors le véritable artisanat musical a été accompli.
L’accroche, ou la partie de la chanson qui vous attrape et vous tire dans la chanson est également une partie importante de la musique. Regardez « In The Air Tonight » de Phil Collins. Vous êtes-vous déjà retrouvé à attendre le solo de batterie au milieu de la chanson ? Pour une majorité de personnes, la réponse est oui et c’est parce que c’est l’accroche de la chanson. Des études récentes ont montré que l’accroche d’une chanson se rapproche de plus en plus du début de la chanson, ce qui signifie que les auditeurs doivent attendre moins longtemps avant d’être satisfaits de l’accroche. Si la chanson ne vous accroche pas dès le début ou si elle n’a pas d’accroche, notre cerveau va s’éteindre et ne pas entendre ou comprendre le reste de la chanson, ce qui revient à sauter la chanson. Une raison présumée de ce phénomène est l’accès instantané à des millions de chansons, pour ainsi dire gratuitement. Nous obtenons beaucoup de musique pour pas grand-chose et cela signifie que la musique n’a pas de valeur personnelle pour l’acheteur. Lorsque les disques et les vinyles étaient encore populaires, les gens économisaient et achetaient un disque contenant une poignée de chansons qu’ils écoutaient un nombre incalculable de fois en raison de son coût et du fait que, plus on l’écoutait, plus on apprenait à apprécier l’album et à découvrir de nouvelles choses dans chaque chanson. Avec l’invention de l’iPod et d’autres appareils d’écoute de musique, les auditeurs ont perdu la valeur des chansons car elles sont si facilement accessibles. De plus, les applications et les sites Web de diffusion de musique en continu comme Spotify, Pandora, AOL Radio et IHeart Radio permettent aux gens de télécharger des albums entiers et de sauter des chansons ou d’en supprimer à leur guise. Cela a également amené les auditeurs à considérer la valeur de la musique comme acquise. Comme indiqué précédemment, nous n’avons plus besoin d’écouter chaque chanson d’un disque et de les apprécier, mais si nous n’aimons pas la chanson, nous la supprimons tout simplement de la liste de lecture et nous ne reconnaissons pas le talent et le travail qui y ont été consacrés. Mélangez cela avec le fait qu’au cours des vingt dernières années, les producteurs et les maisons de disques ont modifié la compression dynamique des chansons pour que les auditeurs soient accrochés dès le début, et vous avez la musique pop à son meilleur.
La compression de la plage dynamique est le fait de renforcer certaines zones de la chanson afin que les parties calmes correspondent aux parties plus fortes de la chanson. Tout cela se fait électroniquement dans le studio. La raison en est que, récemment, les producteurs se sont livrés à une bataille entre eux pour savoir qui pouvait créer de la musique plus forte. La diminution de la compression de la gamme dynamique signifie également que, malgré le niveau de volume auquel l’auditeur est réglé, la musique sera toujours forte. Dans la compétition entre producteurs, il est logique que chaque producteur essaie de rendre ses chansons plus fortes. Par exemple, seules quelques personnes choisies reconnaîtraient une personne au coin de la rue qui crie puis chuchote des mots, mais si cette personne criait continuellement, tout le monde le remarquerait. Lorsqu’un genre entier est basé sur l’adaptation et l’amélioration d’une autre chanson pop, les artistes et les producteurs recherchent tous les moyens de dépasser la concurrence. Cette technique permet de s’assurer que lorsque la chanson est diffusée, les auditeurs pourront l’entendre et l’associer à d’autres chansons pop. Il n’y a rien de mal à essayer d’utiliser la compression dynamique dans la création de musique, sauf lorsqu’on en abuse et que cela enfreint les lois de la physique. La physique stipule que l’on ne peut pas rendre un son plus fort que le volume auquel il a été enregistré. Cela entraîne une distorsion et une perte de qualité de la chanson. Lorsque vous comprimez la gamme dynamique d’une chanson, la variété timbrale de la chanson est perdue et les sons graves produits par les guitares basses et la batterie ne sont plus appréciés car ils contrôlent la musique au lieu de l’accompagner. Dans l’industrie musicale actuelle, le risque joue un rôle important dans la production d’albums. Dans les années 50, 60 et 70, les maisons de disques recevaient chaque semaine des centaines de démos d’artistes en herbe. Si la société voyait un potentiel ou si l’artiste avait du talent, il était accepté par la société et recevait un contrat. C’était alors à l’oreille du public d’être le juge et le jury de la musique de l’artiste, s’il aimait les albums, l’artiste continuait à enregistrer, si le public ne l’aimait pas, l’artiste perdait le contrat. C’était essentiel car cela signifiait que seuls les artistes ayant un réel talent pouvaient faire carrière dans la création musicale. Il n’y avait pas de place pour les artistes sans talent et négligents. Cela avait ses inconvénients, car la plupart du temps, les entreprises signaient un musicien et investissaient des milliers de dollars dans sa production et ses spectacles, mais l’artiste était un échec. Il était rare qu’un artiste jouant le rôle de diamant brut rapporte de l’argent et gagne en popularité grâce à son travail, ce qui permettait aux entreprises de rentabiliser leur investissement. Aujourd’hui, le coût de la production et de la promotion d’un artiste est plus élevé que jamais.
L’IFPI a constaté que le processus de signature d’un artiste, la génération de son travail, son rodage et sa popularité auprès du grand public coûtent entre 500 000 et 3 000 000 de dollars. Il serait logique que les maisons de disques ne veuillent pas prendre le risque qu’un artiste soit un échec, puisqu’elles ont investi tant d’argent en lui, et qu’elles le fassent sonner de la même manière que les autres artistes qui ont connu le succès. Le résultat est que l’industrie de la musique signe plus ou moins un joli visage qu’un artiste talentueux, et oblige le public à l’aimer parce qu’il a un son identique à celui des autres artistes du même genre. Avec l’élimination du risque financier dans l’industrie, le public subit un lavage de cerveau qui l’amène à aimer toutes les chansons produites au lieu de choisir celles qui lui plaisent. Comment le lavage de cerveau entre-t-il en jeu ? Regardez la chanson « See you Again » de Wiz Khalifa ft. Charlie Puth, cette chanson a été promue sur toutes les stations de radio d’Amérique, jouée dans les centres commerciaux et les magasins, et a même été utilisée comme chanson thème de Fast 7. Lorsque la chanson est diffusée par tous les haut-parleurs autour de vous, vous êtes soit ennuyé par elle, soit attiré par elle. Une majorité de la population d’aujourd’hui laisse les chansons se développer sur elle, et ce parce que la musique est tellement contrôlante que beaucoup de gens n’ont pas d’autre choix que de l’écouter. Cette surpromotion des chansons est le moyen pour la maison de disques de s’assurer que les 3 millions de dollars qu’elle a investis lui soient rendus et ne soient pas gaspillés, que vous aimiez ou non la chanson, vous ne pourrez pas ne pas l’entendre et elle sera incontournable. L’effet de simple exposition est un phénomène psychologique selon lequel les gens développent des préférences pour les stimuli auxquels ils sont exposés fréquemment. Dans de nombreux cas, la première exposition des auditeurs à une chanson a un effet négatif, puis la troisième ou la quatrième fois, ils commencent à accepter ou à s’abandonner à la chanson parce qu’elle est jouée fréquemment et le cerveau apprend à l’accepter. Si une chanson a une vraie signification pour l’auditeur et que vous l’aimez en tant qu’individu, alors vous n’auriez pas besoin d’être forcé à l’aimer par le biais d’une promotion de masse, d’un jeu excessif et de vos amis qui l’écoutent en raison du même effet de Mere-Exposition.
Chacun a ses propres préférences musicales pour ses propres raisons. Personnellement, j’apprécie le heavy metal, le hard rock, et une majorité des sous-genres créés par ces deux groupes. Les chansons créées, pour moi, sont uniques en leur genre, inimitables, facilement identifiables, exprimables et me parlent à un niveau personnel. Le groupe ou la musique préférée d’une personne devrait pouvoir être écoutée sans se soucier de ce que les autres pensent ou disent, car cette musique représente une expérience personnelle pour l’individu. La créativité et l’originalité de chaque genre est ce qui rend la musique importante car c’est la façon dont l’artiste dépeint ses émotions et ses sentiments. Dans une société où la pression des pairs et l’acceptation sociale jouent un rôle majeur, il est important de rester différent de la norme ou des idées dominantes. La musique est une expression de la personnalité de l’individu car l’auditeur peut comprendre les paroles et apprécier l’accompagnement instrumental de son genre préféré. Elle complète leurs sentiments ou reflète une certaine période de leur vie où la musique était la seule chose qu’ils pouvaient comprendre ou à laquelle ils pouvaient se raccrocher. Combien d’artistes disent qu’ils ont été inspirés par les Beatles, Led Zeppelin, Elvis Presley, Bob Dylan ou les Eagles, et regardez combien d’artistes disent avoir été inspirés par Lady Gaga, Justin Bieber ou Taylor Swift. La musique devrait être une source d’inspiration pour l’auditeur et ne devrait pas lui être imposée par les grandes maisons de disques qui tentent d’attirer les auditeurs par des paroles répétées et des sons répétitifs. Rien ne parle plus à un auditeur qu’une chanson qu’il peut entendre pour la première fois et se souvenir des années plus tard de la première fois qu’il l’a entendue. L’expérience que l’individu retire de la chanson est plus importante que l’argent que la maison de disques reçoit de l’achat de la chanson. Il n’est pas étonnant que de nombreux parents et aînés des jeunes d’aujourd’hui fassent toujours référence aux chansons d’aujourd’hui en disant « La musique n’est plus bonne », « Ce n’est même pas de la musique, ce n’est qu’un tas de bruits » ou, ce que je préfère, « Qu’est-il arrivé à la bonne musique », et c’est parce que c’est vrai. Qu’est-il arrivé à la bonne musique, pourquoi n’est-elle plus bonne et pourquoi n’est-elle plus qu’un tas de bruits ? C’est simple, la musique pop ne se soucie pas de l’auditeur, ou de l’effet qu’elle a sur quelqu’un, tout ce qui l’intéresse c’est de rapporter de l’argent et de la gloire aux maisons de disques. Il est évident que la musique, en tant que forme d’art, est en train de mourir. En tant qu’auditeurs, c’est à nous de ne pas être complaisants et de ne pas laisser la musique systématique envahir nos vies. Nous ne pouvons pas laisser la seule chose qui a été là pour beaucoup de nos moments les plus heureux et les plus tristes être dominée par un objet jetable conçu pour vendre et faire des millions de dollars sans l’inspiration de l’auditeur ou alors la belle, l’âme, la musique personnelle que nous apprécions tous va s’éteindre par la poubelle qui est la musique pop.
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