Dedicare una o più lezioni alla storia della fotografia offre agli studenti l’opportunità di considerare le dimensioni estetiche, culturali e sociali dell’arte attraverso un mezzo con cui hanno avuto a che fare nel corso della loro vita. La lezione di fotografia è, quindi, un buon posto per discutere temi più ampi come il rapporto tra un originale e una copia, un’immagine e il suo supporto materiale, e la rappresentazione e la realtà.
Scopo: Dalla metà del diciannovesimo secolo, la fotografia è stata considerata una rappresentazione oggettiva della realtà, nonostante le sue limitazioni nel catturare il colore o il movimento e la sua capacità di manipolazione. Questa lezione sfida gli studenti a riflettere su questi aspetti contraddittori ma inseparabili della fotografia per considerare il ruolo della fotografia nella scienza e nell’arte del diciannovesimo secolo. Questa lezione si concentra su come i fotografi esplorarono le possibilità del nuovo mezzo in una varietà di generi tra cui il ritratto, la documentazione scientifica e la fotografia di viaggio, e infine come mezzo di massa e strumento di persuasione.
In un’ora e quindici minuti, questi temi possono essere esplorati attraverso molte fotografie, tra cui:
Immagini:
- Joseph Nicéphore Niépce, Vista dalla finestra a Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, 1839 circa
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth e Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Casa di un tiratore scelto ribelle, 1863
- Maxime Du Camp, Statua di Ramses il Grande ad Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Rovine antiche nel Canyon de Chelly, Nuovo Messico, in una nicchia di 50 piedi, 1873
- (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Giappone, 1870 circa
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Fotografo sconosciuto, Swimming Party, 1890 circa
La scoperta della fotografia fu annunciata pubblicamente nel gennaio 1839 all’Accademia delle Scienze di Parigi. L’artista e inventore del diorama Louis-Jacques-Mandé Daguerre fu accreditato con l’invenzione di quello che divenne noto come il dagherrotipo (un’immagine fotografica unica catturata su una superficie altamente lucidata di una lastra di rame). Le indagini canoniche sulla fotografia spesso celebrano Daguerre come l’inventore della fotografia, anche se c’erano stati numerosi esperimenti precedenti per fissare l’immagine della camera oscura (latino per “camera oscura”, un dispositivo ottico a forma di stanza o scatola attraverso il quale un’immagine della natura viene proiettata su uno schermo per mezzo della luce che passa attraverso un foro stenopeico).
Per esempio, Daguerre aveva collaborato con Nicéphore Niépce, che aveva sperimentato la fotografia dagli anni 1820. La fotografia di Niépce del 1822, che ritrae la vista dalla sua finestra, è stata realizzata con un’esposizione di otto ore. Quando Daguerre produsse la sua veduta di un boulevard parigino nel 1839, il tempo di esposizione era stato ridotto abbastanza da catturare una figura che si era fermata per farsi lucidare le scarpe. Perché la vista da una finestra era un soggetto così popolare delle prime fotografie? Soddisfaceva il bisogno pratico di luce solare combinato con le tradizioni della pittura di paesaggio per fissare momenti altrimenti transitori in immagini come quelle di Daguerre.
In Gran Bretagna, l’aristocratico e polimatico William Henry Fox Talbot sperimentò anche lui la fotografia, producendo fotogrammi di esemplari botanici su carta trattata chimicamente negli anni 1830. Talbot credeva che la fotografia potesse fornire un valido aiuto agli scienziati, registrando visivamente i dati per l’interpretazione e la sperimentazione. Sentendo che il processo di Daguerre era stato reso pubblico nel gennaio del 1839, Talbot si affrettò ad annunciare i dettagli del suo metodo. Anche se il dagherrotipo è stato immediatamente preso in considerazione per la nitidezza dei suoi dettagli (è effettivamente più chiaro al microscopio che visto a occhio nudo) e a causa della pubblicità del processo da parte del governo francese, è stato il processo di carta negativo-positivo di Talbot (il calotipo) che ha formato la base di tutta la fotografia successiva fino all’era digitale. Si potrebbe chiedere agli studenti, perché pensi che il processo negativo-positivo sia diventato così importante?
Lo sviluppo della fotografia in un mezzo di massa e in una potente forma di comunicazione visiva è presagito in una fotografia del Reading Establishment, una società di editoria fotografica fondata da Talbot. Vediamo un certo numero di usi potenziali della fotografia in mostra: ritrattistica, riproduzione di opere d’arte e illustrazioni per libri. Perché Talbot include queste attività? In che modo questa fotografia promuove il calotipo di Talbot? Gli assistenti dimostrano la realizzazione di una fotografia, così come il processo di stampa alla luce del sole.
Il progetto iniziale dello studio fu Pencil of Nature di Talbot, il primo libro pubblicato commercialmente illustrato con fotografie – una pietra miliare nell’arte del libro. Il titolo del libro indica che le fotografie sono immagini “disegnate” dalla natura stessa, senza l’intervento di un artista. Eppure, The Open Door, che è la sesta tavola del libro, colloca la fotografia nella tradizione della pittura di genere olandese. Cosa vede in questa fotografia che le ricorda i dipinti olandesi che abbiamo discusso in classe? Talbot enfatizza il dettaglio, il contrasto di luce e buio, l’uso della camera oscura, la relazione tra interno ed esterno, così come il simbolismo degli oggetti quotidiani. Qui, la lampada simboleggia la camera oscura e la scopa rappresenta l’illuminazione. Questa fotografia riguarda la tradizione artistica del realismo: la vita quotidiana e ciò che l’occhio vede. Anche se la fotografia è diventata uno strumento importante per gli artisti, inizialmente non era considerata una forma d’arte. Il movimento pittorico del realismo emerse più o meno nello stesso periodo della fotografia. Cosa hanno in comune i due modi? In cosa differiscono?
Il realismo della fotografia fu usato soprattutto per catturare le sembianze sotto forma di ritratti di persone care e figure degne di nota. Gli studi commerciali di dagherrotipi proliferarono nelle città di tutta Europa, degli Stati Uniti e infine di tutto il mondo. Nel 1841, i tempi di esposizione si aggiravano tra i 30 secondi e il minuto, a seconda della luce, rendendo molto più facile la produzione di immagini su scala commerciale, anche se gli studi di ritratti utilizzavano ancora dispositivi per tenere ferma la testa dei clienti. I ritratti al dagherrotipo erano prodotti in massa ed erano quindi alla portata di qualsiasi persona della classe media. Perché pensi che le fotografie di ritratto fossero così popolari?
Gli studi di ritratto, come quello gestito da Southworth e Hawes, facevano anche fotografie di celebrità e politici, e mettevano in scena queste immagini per farle sembrare dipinti. Perché? Cosa pensi che suggeriscano gli attributi di questo ritratto di Rufus Choate? In che modo è simile o diverso da altri ritratti che hai visto in classe? Agli studenti potrebbe essere chiesto di considerare come l’esperienza dello spettatore sia cambiata quando i ritratti si sono spostati nel formato da lussuosi dipinti a olio su una parete a piccoli dagherrotipi tenuti a mano e prodotti in massa.
Julia Margaret Cameron ha anche applicato i principi estetici della pittura alle fotografie di ritratto. Iniziando a fotografare all’età di 49 anni dopo aver ricevuto una macchina fotografica dai suoi figli, usò il collodio umido su negativi di vetro e stampe all’albumina per catturare l’élite intellettuale del suo circolo sociale di classe superiore. La scelta dei soggetti di Cameron tra i luminari britannici era sia conveniente (viveva accanto ad Alfred Lord Tennyson) che strategica: i ritratti delle celebrità erano una manna commerciale per i fotografi. I ritratti di Cameron, tra cui il celebre scienziato e fotografo precoce John Herschel, sfidavano le convenzioni utilizzando un’illuminazione drammatica e rinunciando alla messa a fuoco nitida in favore di effetti coscienziosamente artistici che facevano appello agli spettatori che avevano familiarità con il chiaroscuro di Rembrandt e le tradizioni del Romanticismo. La stampa fotografica criticò il disprezzo di Cameron per le “regole” della fotografia, che significava una stretta aderenza alla nitidezza dei dettagli e alla stampa senza soluzione di continuità. Che differenza c’è tra un ritratto come quello di Cameron e la donna anonima con in mano un dagherrotipo o anche quello di Rufus Choate?
Anche il pittore Oscar Rejlander, con cui Cameron aveva studiato per un breve periodo, creò fotografie con ambizioni artistiche. Il suo Two Ways of Life si ispira alla composizione della Scuola di Atene di Raffaello ed è composto da 30 negativi separati in una stampa combinata. Ritrae due giovani uomini che scelgono tra la virtù o il vizio. La fotografia di Rejlander dimostra che sebbene la fotografia fosse vista come un mezzo veritiero, poteva anche essere manipolata. Two Ways of Life è una rappresentazione allegorica della morale vittoriana e fu acquistata dal marito della regina Vittoria, il principe Alberto, un primo esempio di sostegno ufficiale del governo alla fotografia come forma d’arte.
Rejlander e Cameron sfidarono lo status della fotografia come copia fedele della realtà per perseguire l’arte. Durante la guerra civile americana, i lunghi tempi di esposizione non permettevano di catturare le battaglie. Le fotografie portavano comunque la realtà grafica della guerra in un modo in cui la pittura non poteva, perché gli spettatori capivano che ciò che vedevano nella fotografia esisteva una volta davanti alla macchina fotografica. La pubblicazione Photographic Sketchbook of the War di Alexander Gardner combina fotografie con storie di guerra. Ha stampato i negativi di una varietà di fotografi, incluso se stesso. In Home of the Rebel Sharpshooter del 6 luglio 1863, Gardner trascina il cadavere di un soldato e lo sistema con un fucile che non era di un tiratore scelto per creare una narrazione. In che modo questa fotografia differisce da altre rappresentazioni della battaglia che abbiamo visto in classe? Anche se composta, questa fotografia rappresenta la brutalità della guerra in un modo poco romantico. Per esempio, gli studenti potrebbero paragonare questa fotografia a The Death of General Wolfe (1770) di Benjamin West.
Le capacità documentarie della fotografia la resero un potente strumento di persuasione pubblica. Vedendo questo potenziale, i governi commissionarono ai fotografi di registrare eventi politici, patrimonio culturale e altre attività statali.
Per esempio, la fotografia fu usata in veste ufficiale per documentare luoghi lontani e monumenti importanti, rendendoli più accessibili a un pubblico più ampio e preservando il passato per i posteri. Maxime Du Camp usò il calotipo per documentare le rovine monumentali e i geroglifici dell’Egitto per il governo francese nel 1850. Creò circa duecento negativi su carta e pubblicò le stampe in album di 25 copie ciascuno nel 1851. Du Camp viaggiò con lo scrittore Gustave Flaubert; i due cercavano scene pittoresche, portando con sé le convenzioni estetiche stabilite. La visione europea dell’Egitto e dell’Oriente era che fosse esotico e incivile. Per gli europei, gli egiziani non erano in grado di gestire il proprio patrimonio culturale, e il progetto di Du Camp era quindi visto come la conservazione dei monumenti antichi contro la loro perdita nel tempo. Come possiamo vedere questo senso del tempo che passa registrato nella fotografia di Du Camp?
Negli Stati Uniti, fotografi come Timothy O’Sullivan hanno viaggiato nelle spedizioni occidentali per sorvegliare il paesaggio e le risorse naturali dell’America per un futuro insediamento e sfruttamento economico, compiendo la missione del destino manifesto. O’Sullivan aveva iniziato fotografando la guerra civile. Le sue fotografie del West, come quelle di Du Camp, portano con sé valori culturali predominanti. Il paesaggio era quindi inscritto con le idee correnti sul progresso – la ferrovia transcontinentale fu completata nel 1869 – e predestinato allo sviluppo e alla prosperità. Le fotografie di O’Sullivan circolavano in album di presentazione tra i funzionari governativi, ma al grande pubblico principalmente come stampe e stereografie.
Confrontando due fotografie documentarie di Du Camp e O’Sullivan, che tipo di informazioni trasmettono? In che modo sono simili/differenti visivamente? In che modo potrebbero essere stati documenti utili?
I viaggiatori in poltrona in Europa e negli Stati Uniti erano desiderosi di fotografie che rappresentassero ciò che percepivano come luoghi e persone esotiche. La stereografia, che sfrutta la visione binoculare per creare un’immagine apparentemente tridimensionale se vista attraverso uno stereoscopio, entusiasmava gli spettatori facendo apparire queste figure o paesaggi ancora più realistici. Le stereocard economiche e collezionabili divennero un divertimento da salotto tra la classe media. Lo stereoscopio è un primo esempio di come la fotografia faccia collassare il tempo e la distanza, rendendo il mondo apprezzabile semplicemente attraverso l’atto di guardare.
Eadweard Muybridge contribuì ai progressi tecnologici della fotografia mentre esplorava il suo uso come strumento di sperimentazione scientifica. Ha documentato l’andatura di un cavallo al galoppo. Installando una serie di macchine fotografiche stereoscopiche con otturatori attivati da fili di scatto, Muybridge fu in grado di catturare il galoppo in stop motion, dimostrando che tutte le gambe del cavallo lasciano il terreno nello stesso momento. Questo ebbe implicazioni per gli artisti, che avevano usato la posizione del “cavallo a dondolo” per rappresentare i cavalli al galoppo fin dalla preistoria. Muybridge viaggiò per gli Stati Uniti e la Gran Bretagna, mostrando le diapositive delle sue fotografie della sua serie Animal Locomotion, per la quale produsse una serie di fotografie di stop action di animali e uomini impegnati in vari movimenti. Sperimentò anche i primi mezzi per produrre immagini in movimento, aiutando a spianare la strada al cinema.
Per la fine del diciannovesimo secolo, la fotografia divenne ancora più accessibile all’uomo medio. George Eastman fondò la compagnia Kodak, che vendeva macchine fotografiche prodotte in serie, precaricate con una striscia di pellicola capace di 100 esposizioni. A pagamento, l’intera macchina fotografica veniva inviata alla Kodak per essere sviluppata, e le stampe venivano restituite, insieme alla macchina fotografica ricaricata. Mettere la macchina fotografica nelle mani di madri, bambini e amici significava che i dettagli della vita quotidiana potevano essere registrati spontaneamente ovunque. Come possiamo vedere oggi gli effetti dell’innovazione di Eastman?
L’immagine più grande: Dai ritratti in dagherrotipo prodotti a basso costo alle pubblicazioni fotografiche e alle macchine fotografiche Kodak, la fotografia del diciannovesimo secolo divenne veramente un mezzo di comunicazione di massa. La fotografia ebbe anche un impatto significativo sull’arte, dal momento che in essa fu intesa come il gold standard del realismo ottico. Le lezioni sul realismo e l’impressionismo affronteranno come i pittori cominciarono a reagire e ad usare la fotografia nel loro lavoro, e in una futura sessione sulla fotografia, discuteremo come un gruppo di fotografi conosciuti come pittorialisti abbracciarono la fotografia come un mezzo artistico a sé stante.