Gli anni 40 Arti e Spettacolo: Argomenti nelle notizie

L’AMERICA SCOPRIRE LA PROPRIA FORMA D’ARTE
UN’ETÀ D’ORO PER I LIBRI A FUMETTO
La FICTIONA AMERICANA RACCONTA IL MONDO REALE
L’HOLLYWOOD VA ALLA GUERRA
LA MUSICA PRENDE IN SWING AND SILENCE
IL TEATRO AMERICANO SI ABBASSA

L’AMERICA SCOPRIRE LA PROPRIA FORMA D’ARTE

Un piccolo gruppo di artisti americani aveva sperimentato l’arte astratta a New York negli anni trenta. Erano finanziati dal Federal Arts Project (FAP), uno dei tanti programmi governativi che componevano il New Deal. Il finanziamento federale rimuoveva le pressioni finanziarie dagli artisti e permetteva loro di provare cose nuove. Ma un’influenza più importante sull’arte americana venne dall’Europa. Con l’inizio della guerra nel 1939, molti artisti fuggirono negli Stati Uniti dalla Germania, dalla Francia e da altri paesi. Il pittore olandese Piet Mondrian (1872-1944), arrivato nel 1940, fu tra i più influenti. Altri espatriati europei furono il pittore francese Marc Chagall (1887-1985), che disegnò murales per il Metropolitan Opera House di New York. Anche il tedesco Max Ernst (1891-1976) e lo spagnolo Salvador Dali (1904-1989) passarono del tempo a New York. Mondrian, che era già famoso quando arrivò in America, fece la sua prima (e unica) mostra personale a New York nel gennaio 1942. Gli europei incoraggiarono gli artisti americani ad allontanarsi dai dipinti realistici e a creare invece immagini basate su sogni e sentimenti.

Nel 1939, il Museo di pittura non oggettiva aprì a New York City. A quel tempo, c’erano 2100 artisti a New York, tutti pagati dal FAP gestito dalla Works Progress Administration (WPA). Un altro migliaio di aspiranti era in lista d’attesa. Tra quelli che lavoravano al FAP c’erano personaggi come Willem de Kooning (1904-1997), Lee Krasner (1908-1984) e Mark Rothko (1903-1970). Anni dopo, Jackson Pollock (1912-1956) disse di essere grato al WPA per “avermi tenuto in vita durante gli anni Trenta.”

L’anno chiave nello sviluppo dell’arte americana del decennio fu il 1942. Artisti come Mondrian e Rothko tennero mostre personali all’inizio dell’anno. In una galleria chiamata McMillen Inc. a New York, artisti americani ed europei esposero insieme. E nell’autunno del 1942, Peggy Guggenheim (1898-1979) aprì la Art of This Century Gallery, esponendo l’arte americana contemporanea accanto ai capolavori del primo Novecento. La galleria divenne il centro di quella che è conosciuta come la New York School. William Baziotes (1912-1963), Pollock e altri vi esposero. Soprattutto, ha introdotto il mondo all’espressionismo astratto, lo stile di pittura che ha definito l’arte americana nel ventesimo secolo.

Il termine “espressionismo astratto” fu usato per la prima volta dal critico d’arte Robert Coates (1897-1973) in un articolo del New Yorker nel marzo 1946. È arrivato a riferirsi a un singolo gruppo di artisti che lavoravano a New York negli anni ’40. Ma in realtà, gli espressionisti astratti possono essere divisi in tre gruppi principali: i pittori “d’azione”, i pittori “color field”, e altri pittori non così facilmente definibili, come Philip Guston (1913-1980) e Adolph Gottlieb (1903-1974).

I pittori d’azione più noti sono Jackson Pollock e Willem de Kooning. Lavoravano su enormi tele che di solito venivano stese sul pavimento. Applicavano la pittura versando e gocciolando, o usando il proprio corpo o oggetti come le biciclette per spargerla in giro. L’obiettivo era quello di essere il più vicino possibile al dipinto. Soprattutto, gli action paintings registrano l’azione mentre avviene. I color field painters erano guidati da Mark Rothko (1903-1970), Adolph “Ad” Reinhardt (1913-1967), e Barnett Newman (1905-1970). I loro dipinti coinvolgono enormi aree piatte o “campi” di un singolo colore. Dove questi campi di colore si incontrano, spesso sanguinano insieme. Rothko pensava che la pittura realistica non potesse esprimere le emozioni umane dopo la seconda guerra mondiale. I suoi campi di colore intenso travolgono lo spettatore con la loro presenza e bellezza.

La pittura espressionista astratta generalmente non è realistica; piuttosto, cerca di esprimere pensieri, sentimenti, miti e sogni. Gli espressionisti astratti cominciarono a dividersi in gruppi ancora più piccoli con il passare del decennio. Ma tutti i pittori coinvolti mantennero il loro interesse nell’esprimere emozioni attraverso la pittura. Nell’espressionismo astratto, l’America aveva finalmente una forma d’arte che poteva chiamare propria.

Un’epoca d’oro per i fumetti

Il fumetto fu inventato negli Stati Uniti intorno al 1933. Nel 1940, si è sviluppato in una forma sofisticata e molto popolare di letteratura. Quell’anno, più di 150 titoli erano in stampa e coprivano categorie che andavano dal crimine, al fantasy, al romanticismo, all’horror, al western e alla guerra. Ma due personaggi dominarono le vendite dei fumetti negli anni ’40. Superman, creato da Jerry Siegel (1914-1996) e Joe Shuster (1914-1992), era apparso nel 1938. Batman, creato da Bob Kane (1915-1998), era uscito per la prima volta dalla Batcaverna nel 1939. Nel 1940, entrambi i fumetti di Superman e Batman erano dei bestseller. Sperando di cavalcare il loro successo, la National Periodical Publications introdusse molti altri eroi incappucciati e in costume, tra cui Flash, Hawkman e Lanterna Verde. Capitan Marvel apparve per la prima volta su Whizz Comics nel 1940, e Capitan America nel 1941. Come Capitan Marvel, Plastic Man aggiunse un tocco di umorismo ad un gruppo di personaggi per lo più seri e patriottici.

L’arte e gli afroamericani

Fino agli anni ’40, gli afroamericani avevano un impatto molto limitato sul mondo dell’arte bianca. Jacob Lawrence (1917-2000) è stato uno dei primi artisti neri a guadagnare l’attenzione del mainstream. La sua serie, The Migration of the Negro (1940-41), contiene sessanta dipinti che raccontano la storia dei neri americani. Lawrence insegnò al Black Mountain College in North Carolina. Alla fine del decennio, fu acclamato come uno dei più importanti artisti americani del periodo. Gli artisti neri ricevettero un’altra spinta dal libro Modern Negro Art (1943). In quest’opera, James A. Porter (1905-1970) catalogò il lavoro degli artisti neri fino a quel momento. Porter salvò molti artisti afroamericani trascurati dall’oscurità.

Dopo la fine della seconda guerra mondiale, il fervore patriottico cominciò a spegnersi. Le storie western e d’amore divennero allora più popolari dei fumetti di supereroi. Anche le storie di crimine divennero popolari. La serie Crime Does Not Pay iniziò nel 1942. Ma i fumetti di crimine certamente pagavano. Nel 1945, il fumetto criminale era diventato uno dei fumetti più venduti in America. Immagini di donne scarsamente vestite significavano che i fumetti polizieschi erano considerati inadatti ai bambini. Man mano che cresceva la preoccupazione per il contenuto dei fumetti polizieschi, questi venivano attenuati. Negli anni ’50, gli editori di fumetti polizieschi erano diventati molto attenti a ciò che appariva nelle loro riviste.

A causa del gran numero di titoli in vendita, gli anni ’40 sono conosciuti come l’età d’oro dei fumetti. Eppure gli esemplari originali sono difficili da trovare. Erano considerati oggetti usa e getta, e spesso venivano scartati dopo essere stati letti. Alcuni furono distrutti durante le proteste per il loro contenuto. Molti altri furono polverizzati (riciclati) durante la penuria di carta in tempo di guerra. Nel ventesimo secolo, è sorto un fiorente mercato di collezionisti per i fumetti degli anni ’40.

Libri in brossura

Dopo il successo travolgente degli anni ’30, le riviste pulp come Black Mask iniziarono a perdere i loro lettori negli anni ’40. Una delle ragioni fu l’ascesa del libro tascabile. Allen Lane (1902-1970) introdusse i tascabili Penguin in Gran Bretagna nel 1936. Penguin ispirò Robert Fair de Graff (1895-1981) a fondare Pocket Books negli Stati Uniti nel 1939. Altri editori entrarono nel mercato. I tascabili divennero presto la forma più popolare di pubblicazione di libri. Nel 1947, lo scrittore di crimini Mickey Spillane (1918-) pubblicò il suo primo romanzo, I, The Jury, in copertina rigida. Vendette ragionevolmente bene per essere un cartonato. L’anno seguente, Signet pubblicò un’edizione in brossura. Alla fine del decennio aveva venduto ben due milioni di copie.

LA FICTION AMERICANA RACCONTA IL MONDO REALE

Gli anni ’40 furono un decennio di cambiamenti nella letteratura americana. Durante gli anni ’30, molti scrittori americani hanno descritto la terribile sofferenza causata dalla Grande Depressione. Scrittori come Theodore Dreiser (1871-1945) e Sinclair Lewis (1885-1951) avevano costruito carriere scrivendo fiction che documentavano l’esperienza americana. Ma il 1939 segnò la fine di un periodo di realismo nella narrativa americana. Anche il gruppo di scrittori conosciuti come la “generazione perduta” stava scivolando fuori dal favore. F. Scott Fitzgerald (1896-1940) morì all’inizio degli anni 40. Ernest Hemingway (1899-1961) pubblicò For Whom the Bell Tolls nel 1940, poi tacque per diversi anni. Anche William Faulkner (1897-1962), che vinse il premio Nobel per la letteratura nel 1949 (assegnato nel 1950), scrisse soprattutto sceneggiature negli anni Quaranta. Un’era della narrativa americana stava finendo, e una nuova era appena iniziata.

L’alternativa al realismo era il modernismo. Gli scrittori modernisti non vedevano la necessità di descrivere la vita dei lavoratori. Si allontanarono dal commentare direttamente la società. Nelle mani degli europei degli anni ’20 e precedenti, il romanzo aveva iniziato a concentrarsi sul punto di vista unico di un singolo individuo. Vennero abbandonate le linee narrative semplici e le narrazioni, e si trovarono nuovi modi inventivi per descrivere i personaggi. Eppure, tra gli scrittori americani, solo Faulkner e John Dos Passos (1896-1970) avevano sperimentato le tecniche moderniste prima degli anni Quaranta. Gli scrittori americani furono lenti a rispondere alla tendenza della nuova narrativa.

Poi, nel 1944, Saul Bellow (1915-) pubblicò Dangling Man, un romanzo sulla risposta di un individuo al mondo moderno. Altri scrittori modernisti, tra cui Truman Capote (1924-1984) e Chester Himes (1909-1984), seguirono Bellow. Ma quello che sarebbe diventato un grande movimento della narrativa americana era solo all’inizio. Negli anni ’40 gli scrittori realisti stavano ancora producendo opere importanti. Robert Penn Warren (1905-1989) vinse il premio Pulitzer per Tutti gli uomini del re nel 1946. Le scrittrici Carson McCullers (1917-1967) e Eudora Welty (1909-2001) furono entrambe figure influenti nella narrativa regionalista (narrativa basata su una particolare località), che descriveva la vita nel Sud.

Ci furono altre influenze sulla narrativa americana oltre al modernismo negli anni Quaranta. Molti giovani scrittori sperimentarono il combattimento nella seconda guerra mondiale (1939-45), ed era inevitabile che cominciassero ad apparire romanzi sulla guerra. I due romanzieri di combattimento più influenti furono John Hawkes (1925-1998) e Norman Mailer (1923-). Il romanzo di Hawkes The Cannibal (1949) ha esaminato la cultura della guerra e le sue conseguenze. The Naked and the Dead (1948) di Mailer lo affermò come uno dei maggiori scrittori dell’America del dopoguerra.

Mentre il romanzo in generale stava attraversando un periodo di cambiamento, anche gli scrittori neri cominciavano ad essere notati dal grande pubblico dei lettori. La pubblicazione di Native Son nel 1940 fu un punto di svolta per la narrativa nera. Il romanzo rese il suo autore, Richard Wright (1908-1960), una figura letteraria di primo piano. Molti commentatori non erano d’accordo con la visione che Wright aveva dei neri in America, ma a causa di Native Son, l’America bianca improvvisamente prese nota degli scrittori neri. Anche Zora Neale Hurston (1891-1960) e Chester Himes (1909-1984) divennero noti durante gli anni Quaranta, mentre James Baldwin (1924-1987) stava appena iniziando la sua carriera alla fine del decennio.

HOLLYWOOD VA ALLA GUERRA

Dopo un decennio di musical sfarzosi, commedie screwball e drammi allegri, Hollywood iniziò a cambiare intorno al 1940. Quell’anno Charlie Chaplin (1889-1977) fece uscire Il grande dittatore, la sua satira sull’ascesa del dittatore tedesco Adolf Hitler (1889-1945). Nel luglio 1941 esce Il sergente York. La storia di un riluttante eroe di guerra americano, il Sergente York era un ovvio appello per gli Stati Uniti ad entrare in guerra. Fu poi usato dai militari in una campagna di reclutamento. Gli isolazionisti, o persone che volevano che gli Stati Uniti rimanessero fuori dalla guerra, attaccarono l’entusiasmo di Hollywood per l’entrata nel conflitto. Ma le udienze del Congresso sulla questione non aiutarono gli isolazionisti. Come il candidato repubblicano alla presidenza Wendell Willkie (1892-1944) fece notare, il 95% della produzione di Hollywood era apolitica. Quest’altra tariffa non politica di Hollywood includeva il classico film d’animazione Fantasia della Disney, uscito nel 1940. Gli studi cinematografici continuarono a produrre commedie leggere e storie d’amore anche dopo che l’America era entrata in guerra.

Nel dicembre 1941, appena dieci giorni dopo il bombardamento di Pearl Harbor, il presidente Roosevelt (1882-1945) prese provvedimenti per incoraggiare Hollywood a produrre film per aiutare lo sforzo bellico. Gli studios cooperarono producendo film pro-americani come Casablanca (1942). A metà del 1942, circa settanta film legati alla guerra erano stati realizzati. Gli sceneggiatori diedero alle sceneggiature esistenti, e anche ai film parzialmente finiti, un rifacimento bellico. I gangster divennero spie naziste, mentre Tarzan affrontò gli invasori tedeschi. I giapponesi furono mostrati come bruti crudeli e viziosi.

L’Ufficio delle Informazioni di Guerra (OWI) fu istituito per coordinare lo sforzo di propaganda (la propaganda è l’informazione usata per persuadere la gente della posizione del governo). Il suo capo, Nelson Poynter (1903-1978), era preoccupato per il modo semplicistico in cui Hollywood stava trattando la guerra. Voleva più film positivi che mostrassero i tedeschi “buoni” che resistevano ai nazisti. Il manuale OWI esortava i registi a chiedersi: “Questo film aiuterà a vincere la guerra?” L’OWI esercitò pressione su Hollywood rifiutando la distribuzione all’estero ai film che non soddisfacevano le linee guida del manuale. Dal momento che Hollywood dipendeva dalle vendite all’estero per ottenere un profitto, seguire il manuale dell’OWI aveva un buon senso commerciale.

Mentre Hollywood nel suo complesso si univa allo sforzo bellico con i suoi film pro-americani, anche molti singoli registi facevano quello che potevano per aiutare. Il regista Frank Capra (1897-1991) si arruolò nell’esercito e si mise al lavoro realizzando documentari. Il primo film di una serie di Capra, Prelude to War, vinse l’Oscar per il miglior documentario nel 1942. Altri registi, come John Ford (1895-1973), fecero un lavoro simile. Ma John Huston (1906-1987) si scontrò con le regole dell’esercito quando fece Let There Be Light (1946), un film sui veterani scioccati dai bombardamenti. Anche molti attori si arruolarono nelle forze armate. James Stewart (1908-1997) e Douglas Fairbanks Jr. (1909-2000) si arruolarono poche settimane dopo Pearl Harbor. Frank Sinatra (1915-1998), che fu dichiarato inabile al servizio militare a causa di un timpano perforato, dovette lavorare duramente per riconquistare i suoi fan cinematografici dopo la fine della guerra.

Oltre a partecipare allo sforzo bellico, i registi iniziarono a fare un nuovo tipo di film negli anni ’40. Un successo a sorpresa del 1941 fu The Maltese Falcon, un adattamento di un romanzo di Dashiell Hammett (1894-1961). Nel giro di pochi anni, questi film polizieschi oscuri e cinici ebbero un nome: film noir. I film noir sono ombrosi, oscuri e tetri, sia nell’aspetto visivo che nel soggetto. L’America dopo la guerra sembrava essere un luogo prospero e ottimista. Eppure il film noir rifletteva la preoccupazione che le cose non fossero così buone come sembravano. La guerra fredda (una guerra ideologica tra gli Stati Uniti e l’ex Unione Sovietica) iniziò subito dopo la fine della seconda guerra mondiale, portando con sé la paura della guerra nucleare. Gli americani avevano paura di una presa di potere da parte dei comunisti. Ma temevano anche che non ci si potesse fidare del loro stesso governo. Film come Il grande sonno (1946), Gli assassini (1946) e Fuori dal passato (1947) descrivono queste paure.

Hollywood negli anni ’40 aveva buoni motivi per sentirsi minacciata. Nonostante la popolarità del film noir, l’affluenza nelle sale cinematografiche era in costante calo. A peggiorare le cose per i maggiori studios, il Dipartimento di Giustizia degli Stati Uniti mise fine al controllo totale degli studios sulla distribuzione dei film. Poi, nel maggio 1947, la House Un-American Activities Committee (HUAC) accusò Hollywood di ospitare dei sovversivi. A molte persone fu ordinato di apparire alle udienze del Congresso per fare dichiarazioni sulle loro opinioni politiche. Dalton Trumbo (1905-1976) e John Howard Lawson (1894-1977) erano tra i dieci scrittori e registi, chiamati gli Hollywood Ten, che rifiutarono di collaborare alla “caccia alle streghe”. Loro, e molti altri, furono inseriti nella lista nera, il che significa che non fu loro permesso di lavorare nell’industria cinematografica. L’immagine di Hollywood fu danneggiata dalla controversia, ma molti dei cosiddetti Dieci di Hollywood alla fine lavorarono di nuovo lì. Gli scrittori della lista nera, tra cui Trumbo, presentarono sceneggiature con nomi diversi, e i capi degli studios chiusero un occhio.

LA MUSICA PRENDE IL SWING E IL SILENZIO

Gli anni ’40 furono anni dinamici per la musica americana. Gli strumenti elettrici rivoluzionarono il blues, il bebop scosse il jazz e persino la musica classica sperimentò nuovi suoni. I musicisti sfidarono gli stili esistenti o li fusero per fare nuova musica. L’arrivo di compositori europei, che fuggivano dai nazisti in Germania, ebbe un’enorme influenza sulla musica classica e sulle colonne sonore dei film. Il miglioramento delle tecniche di registrazione e la nuova tecnologia a basso costo fecero sì che la musica iniziasse ad accompagnare la vita quotidiana.

Il falco maltese

Quando Il falco maltese apparve nel 1941, era la terza volta che il romanzo di Dashiell Hammett veniva trasformato in un film. I due tentativi precedenti erano stati dei fallimenti disastrosi. All’inizio, anche questo tentativo non sembrava un successo. Fu realizzato dal regista esordiente John Huston (1906-1987) con un cast a basso costo. Humphrey Bogart (1899-1957), che presto sarebbe diventato una grande star, era allora solo un altro habitué dei film di gangster. Sidney Greenstreet (1879-1954) aveva più di sessant’anni e recitava nel suo primo film. Mary Astor (1906-1987) stava cercando di ricostruire una carriera che era stata rovinata da uno scandalo negli anni 30. Peter Lorre (1904-1964) aveva lavorato per anni in parti di personaggi minori. Ma questo film di serie B della Warner Brothers (un nome dato ai film a basso costo) sarebbe diventato uno dei grandi film di tutti i tempi. Spesso indicato come il primo vero film noir, The Maltese Falcon è anche uno dei migliori film di quel genere. Oltre a rendere famosi Bogart, Greenstreet, Astor e Lorre, contribuì a cambiare il volto del cinema americano negli anni ’40.

Lo swing fu la colonna sonora della seconda guerra mondiale. Sviluppato negli anni ’30, nel 1940 lo swing era ovunque, dai dischi a 78 giri (giri al minuto) suonati nelle case, alle sale da ballo, al cinema e alla radio.

Alcune big band erano guidate da musicisti solisti come il trombettista Louis Armstrong (1901-1971) e il clarinettista Benny Goodman (1909-1986). Altre band girarono il paese con cantanti come Billie Holiday (1915-1959) e Frank Sinatra (1915-1998). Nella seconda metà del decennio, lo swing declinò in popolarità. Perry Como (1912-2001), Vaughn Monroe (1911-1973) e altri presentarono un suono swing attenuato, pesante con strumenti a corda.

Ma anche se lo swing stava perdendo il suo fascino, alcuni musicisti iniziarono a trasformarlo in un tipo di musica più seria. Duke Ellington (1899-1974) fu probabilmente il più influente. Ellington divenne un compositore rispettato, ma anche altri, come Gil Evans (1912-1988) e Count Basie (1904-1984), esplorarono nuovi suoni e strumenti. I compositori classici, nel frattempo, si rivolsero al jazz. Igor Stravinsky (1882-1971) scrisse l’Ebony Concerto per la Woody Herman big band. Il compositore americano Aaron Copland (1900-1990) scrisse musica per il clarinettista e band leader Benny Goodman (1909-1986).

Nei nightclub, stava emergendo un tipo di jazz spogliato e ad alta velocità chiamato bebop. Piccoli combo di quattro o cinque musicisti battevano ritmi indecorosi e riff tortuosi. Lester Young (1909-1959) e Theodore “Fats” Navarro (1923-1950) erano i principali musicisti bebop. Ma l’interprete principale del nuovo stile fu Charlie Parker (1920-1955), talvolta conosciuto come “Bird”. Le selvagge improvvisazioni al sassofono di Parker trasformarono brani come “Scrapple from the Apple” e “Ornithology” in capolavori del jazz. Nel 1947, il quintetto di Parker includeva un giovane trombettista di nome Miles Davis (1926-1991) che creò il “Cool Jazz”, il suono jazz che definì gli anni ’50.

Come il jazz, il blues era uno stile musicale in fase di cambiamento negli anni ’40. I musicisti blues neri si trasferirono a nord in città come Chicago, Illinois. Lì trasformarono il blues acustico e riflessivo del sud rurale in un suono urbano pungente, forte ed elettrizzato. Interpreti del blues come Muddy Waters (1915-1983) e Sam “Lightnin'” Hopkins (1912-1982) avrebbero influenzato direttamente il rock and roll durante gli anni ’50. L’uso della registrazione su nastro elettrico significò che tutti i tipi di musica potevano essere ascoltati in tutti i tipi di luoghi. Il blues si fondeva con il jazz, il jazz con il country e il western. Da questo mix eclettico nacquero nuovi stili musicali come il rhythm and blues, il boogie-woogie e l’honky-tonk.

Dancing Down Broadway

La danza jazz e il tip tap erano una parte importante dei musical di Broadway e dei film musicali. Negli anni 40, circa undici milioni di persone ogni anno assistevano a spettacoli di Broadway come Oklahoma! (1943), Anchors Aweigh (1945) e Annie Get Your Gun (1946). Coreografi come Helen Tamiris (1905-1966) lavorarono con il compositore Richard Rodgers (1902-1979), mentre Jerome Robbins (1918-1998) coreografò On the Town (1944), l’influente musical di Leonard Bernstein (1918-1990). Nei film, i ballerini Fred Astaire (1899-1987) e Gene Kelly (1912-1996) diventarono delle star. Alcune delle più spettacolari routine di danza del secolo furono catturate in film come Holiday Inn (1942) e la versione cinematografica di On the Town (1949).

L’esperienza della gente rurale che vive in città fu una caratteristica della musica country negli anni ’40. I gruppi country-swing, come Bob Wills e i Texas Playboys, erano popolari nei centri urbani di tutto il paese, inclusi Chicago, Los Angeles, California e Mobile, Alabama. Gradualmente le linee di demarcazione tra country, folk e musica pop si dissolsero. Il cantante pop Bing Crosby (1904-1977) registrò “Sioux City Sue”, una popolare canzone country. Il bluegrass portò alla musica country un tocco simile all’effetto che il bebop ebbe sul jazz, mentre il country e il folk divennero più cinici, malinconici e rimpianti. Il gospel fu un’alternativa popolare al country e una grande macchina da soldi per le case discografiche negli anni ’40. Star del gospel come Mahalia Jackson (1911-1972) vendettero milioni di dischi.

Come nel jazz, nel blues e nel country, i compositori classici americani iniziarono a sperimentare nuovi suoni negli anni ’40. Nei primi tre decenni del secolo, i compositori europei avevano creato musica difficile e sconvolgente. Poi, alla fine degli anni ’30 e all’inizio degli anni ’40, molti di questi europei si trasferirono negli Stati Uniti. Compositori come Arnold Schoenberg (1874-1951), Kurt Weill (1900-1950) e Igor Stravinsky (1882-1971) ebbero una profonda influenza sulla musica americana. Il compositore americano John Cage (1912-1992) fu un allievo di Schoenberg. Era interessato alla musica delle percussioni, ai suoni ordinari e al silenzio. I suoi esperimenti negli anni ’40 portarono direttamente al suo pezzo più famoso, “4’33” (quattro minuti e trentatre secondi di silenzio), pubblicato nel 1952.

American Television Entertains

Negli anni ’40, costava circa dieci volte di più produrre un programma per la televisione che per la radio. Ma i limiti del tempo di guerra sulle nuove stazioni di trasmissione diedero ai produttori la possibilità di migliorare la tecnologia televisiva. Man mano che sempre più americani acquistavano apparecchi televisivi, divenne chiaro che la televisione sarebbe stata un mercato futuro redditizio. Nel 1941, c’erano solo circa quindicimila ricevitori televisivi negli Stati Uniti. Nel 1950, ce n’erano undici milioni. Le reti radiofoniche trasferirono molti dei loro programmi popolari alla TV. Commedie come Our Miss Brooks e Amos and Andy furono i primi esempi. Le trasmissioni televisive sportive erano popolari, così come gli spettacoli per bambini come Superman. Ma il programma televisivo più popolare degli anni ’40 fu il Texaco Star Theater, uno spettacolo di varietà con Milton Berle (1908-2001). Nel 1948, il 94,7% dei telespettatori si sintonizzò per guardare “Uncle Miltie”.

IL TEATRO AMERICANO SI ABBASSA

Il pubblico del teatro di Broadway aumentò negli anni 40. Ma nel complesso, il pubblico teatrale si allontanò dal dramma durante il decennio. I drammi da campagna politica degli anni ’30 sembravano irrilevanti di fronte alla guerra mondiale. Dopo il 1945, i drammi furono realizzati su una scala più piccola. Si concentrarono sulla vita familiare e su individui che lottavano con conflitti interiori. La vita personale, piuttosto che la lotta politica, fu il soggetto della maggior parte dei drammi del 1940.

Il noto drammaturgo Tennessee Williams (1914-1983) scrisse due dei più importanti drammi del decennio. The Glass Menagerie (1945) fu la sua prima. I personaggi in questa opera hanno speranze romantiche e sogni per il futuro, ma la loro realtà è brutale e tetra. In molti modi, l’umore delle opere di Williams corrispondeva alla tendenza del film noir nei film. Un tram chiamato desiderio (1947), considerato il suo capolavoro, descrive l’interazione tra personaggi che sono tutti intensi, frustrati e amareggiati dalle loro vite. Le opere di Williams sono sempre piene di illusioni e delusioni.

Anche Arthur Miller (1915-) ha prodotto due classici della letteratura americana negli anni 40. Miller portò la visione di Williams del fallimento personale e della disillusione un passo avanti. Attaccò il capitalismo (il sistema economico degli Stati Uniti), suggerendo che la vita americana può finire solo nella perdita e nel fallimento personale. Sia All My Sons (1947) che Death of a Salesman (1949), vincitore del premio Pulitzer, mostrano che il sogno americano è un’illusione. A causa di queste opere, Miller fu bollato come anti-americano. Fu una delle figure più importanti ad essere interrogato dalla House Un-American Activities Committee durante gli anni ’50.

Oltre a queste due stelle nascenti, drammaturghi affermati come Lillian Hellman (1906-1984) e Eugene O’Neill (1888-1953) continuarono a produrre opere importanti. The Iceman Cometh (1946) di O’Neill, in particolare, fu molto acclamato. Ma nel complesso, il dramma a Broadway e dintorni era insipido e poco eccitante negli anni Quaranta. Fuori Broadway, comunque, la storia era diversa. Nei piccoli teatri, nelle sale delle scuole superiori e in altri piccoli spazi, i laboratori teatrali prosperavano. Per esempio, la futura star del cinema Marlon Brando (1924-) iniziò la sua carriera con il Drama Workshop di Erwin Piscator. Anche se le grandi produzioni avevano perso il loro vantaggio, il dramma su piccola scala continuava a mantenere l’interesse del pubblico.