Gli anni ’60 Arte e Spettacolo: Topics in the News

THE MOVIES GET HIP
ROCK AND ROLL REGAINS ITS DANGEROUS EDGE
THE MOTOWN SOUND
POP ART
NEW VOICES IN THEATER AND LITERATURE
TELEVISION STICKS TO THE TRIED AND TRUE

THE MOVIES GET HIP

Gli anni 60 videro cambiamenti radicali nella produzione e nel contenuto dei film. All’inizio del decennio, lo studio system (in cui i grandi studios controllavano l’intera produzione dei film) era nel suo declino finale. Meno film venivano girati nei lotti degli studios di Hollywood; più film venivano girati sul posto. Meno

progetti venivano iniziati dagli studios stessi; invece, star e registi sceglievano i loro progetti. Le produzioni patinate e a grande budget erano ancora popolari. Per esempio, film d’azione e d’avventura come Dr. No (1962), From Russia With Love (1963) e Goldfinger (1964), tutti con Sean Connery (1930-) nel ruolo della superspia James Bond, erano i preferiti del pubblico. The Sound of Music (1965), un musical hollywoodiano tradizionalmente strutturato che offriva un sano intrattenimento per famiglie, fu un successo da blockbuster. Ma alla fine del decennio, i film di genere a grande budget sarebbero diventati costantemente dei fallimenti al botteghino, come evidenziato dai fallimenti di musical sontuosamente prodotti come Star! (1968) e Darling Lili (1970).

Le classificazioni MPAA

Negli anni ’60, il declino del potere del Production Code, che in precedenza aveva determinato il contenuto dei film americani, portò a grandi cambiamenti in ciò che poteva essere visto sugli schermi. Quantità crescenti di nudità, linguaggio grafico e violenza apparivano nei principali film. Per evitare la censura del governo, la Motion Picture Association of America (MPAA) ha inaugurato un sistema di classificazione volontario per aiutare a guidare gli spettatori riguardo al contenuto dei film. Le classificazioni originali della MPAA erano G (pubblico generale); M (pubblico maturo); R (limitato; nessuno sotto i diciassette anni ammesso senza un genitore o un tutore); e X (ammissione limitata a coloro che hanno più di diciotto anni).

Il presupposto era che solo i prodotti dell’industria cinematografica del sesso avrebbero guadagnato la classificazione X, ma questo non era il caso. Midnight Cowboy (1969), diretto da John Schlesinger (1926-), una cronaca bruciante dell’amicizia tra due perdenti senza soldi nella squallida New York City, divenne il primo film vietato ai minori a vincere il premio Oscar come miglior film. Si era guadagnato il rating X non per la nudità, ma per la sua rappresentazione grafica del sesso e della violenza.

Due film in particolare hanno catturato l’immaginazione dei giovani durante il decennio, e hanno cambiato il volto del cinema: Il laureato (1967), diretto da Mike Nichols (1931-), su un laureato alienato che lotta per trovare il suo posto nel mondo; e Easy Rider (1969), diretto da Dennis Hopper (1936-), che descrive le imprese di due motociclisti spacciatori di droga mentre attraversano un’America spesso ostile. Entrambi i film avevano budget ridotti, attori giovani (Hopper, Peter Fonda, Jack Nicholson, Dustin Hoffman e Katharine Ross) e colonne sonore cariche di musica contemporanea (canzoni di Simon e Garfunkel ne Il laureato, musica dei Byrds, Steppenwolf, The Band, Jimi Hendrix e altri in Easy Rider). Altri due film che ebbero risonanza tra i giovani furono Bonnie e Clyde (1967), diretto da Arthur Penn (1922-), che ritraeva i veri criminali degli anni trenta Bonnie Parker (1910-1934) e Clyde Barrow (1909-1934) come eroi popolari americani; e 2001: Odissea nello spazio (1968), un fantasy fantascientifico di riferimento diretto da Stanley Kubrick (1928-1999).

Come risultato di questi successi, Hollywood divenne più orientata verso i giovani, con una nuova generazione di giovani registi che rimpiazzavano la vecchia guardia al centro del potere di Hollywood. Nel frattempo, protagonisti non tradizionali come Walter Matthau (1920-2000), George C. Scott (1926-1999) e Gene Hackman (1931-), tutti essenzialmente attori caratteristi, divennero grandi star di Hollywood.

ROCK AND ROLL RINUNCIA AL SUO PERICOLOSO BORDO

Negli anni ’60, come alla fine degli anni ’50, il rock and roll – un nuovo tipo di musica forte ed emotiva, con radici nel country rockabilly, gospel, blues rurale e rhythm and blues urbano – era la musica più popolare tra i giovani. All’inizio del decennio, tuttavia, il rock and roll aveva perso popolarità dalla sua impennata iniziale alla fine degli anni ’50 ed era in declino per diverse ragioni. Elvis Presley (1935-1977), il rock and roll più acclamato degli anni ’50, era entrato nell’esercito degli Stati Uniti e le stelle nascenti Buddy Holly (1936-1959), Ritchie Valens (1941-1959), e J. P. Richardson, meglio conosciuto come J. P. Richardson, meglio conosciuto come “The Big Bopper” (1930-1959), era morto in un incidente aereo.

L’Elvis che emerse dall’esercito nel 1960 si era addolcito dall’icona sessuale che scuoteva i fianchi e sventolava le narici e che era sembrato così stimolante nel 1956 e 1957. Nei primi anni del decennio, le classifiche pop erano dominate da teenybopper dal cuore tenero ma sessualmente sicuro come Frankie Avalon, Bobby Rydell, Ricky Nelson, Bobby Vee e Fabian. Le top ten includevano canzoni d’amore sentimentali e variazioni di doo-wop degli anni ’50 e musica da ballo.

Il rock and roll potrebbe aver perso un po’ del suo lato pericoloso, ma questa mancanza di energia era temporanea. La musica fu rianimata come una grande forza culturale con quella che fu conosciuta come la British Invasion. A metà degli anni ’60, gruppi di artisti britannici presero d’assalto le classifiche della musica pop, dopo l’enorme successo dei Beatles nel 1964. Tra loro c’erano i Rolling Stones, gli Yardbirds, Gerry and The Pacemakers, i Dave Clark Five, Peter e Gordon e gli Animals. All’apice della British Invasion, il presupposto comune era che i suoni musicali emanati dall’altra parte del mare avessero avuto origine lì. Non era così. In vari momenti, singoli rocker britannici riconobbero liberamente l’influenza di leggende del rock and roll afroamericano degli anni ’50 come Chuck Berry (1926-) e Little Richard (1935-).

Evoluzione e rivoluzione nella musica

Una serie di stili musicali orientati al rock godettero di breve popolarità durante gli anni ’60. All’inizio del decennio, gli stili musicali preferiti erano principalmente orientati al pop ed erano dolcemente innocenti. In canzoni come “Johnny Angel”, “Angel Baby” e “My Guy”, l’amore era ritratto come dolce, puro e semplice. Gruppi femminili come The Chiffons, The Shirelles, The Marvelettes, The Shangri-Las, The Ronettes, e The Crystals ponevano domande musicali come “Mi amerai ancora domani?” e facevano dichiarazioni musicali come “È così bello!” e “Il mio ragazzo è tornato e tu sarai nei guai”. Nel frattempo, gruppi della West Coast come i Beach Boys celebravano il sole, il surf e le “California Girls”.

Quando gli anni ’60 volgevano al termine, una rivoluzione culturale aveva travolto la gioventù americana. Questa rivoluzione si rifletteva nella musica. Molti suoni musicali erano duri e palesemente legati alla droga. I Doors cantavano di essere incapaci di arrivare molto più in alto, mentre i Jefferson Airplane facevano consapevoli riferimenti all’uso di droghe quando osservavano che certe pillole ti fanno diventare più grande, mentre altre ti fanno diventare più piccolo “e quelle che ti dà la mamma non fanno proprio niente.”

I due gruppi britannici più longevi furono i Rolling Stones, guidati dal controverso e carismatico cantante Mick Jagger (1943-), e i Beatles, un quartetto con la testa rasata i cui membri erano John Lennon (1940-1980), Paul McCartney (1942-), George Harrison (1943-2001) e Ringo Starr (1940-). Fin dall’inizio, i Rolling Stones erano i cattivi ragazzi. Mentre loro suggerivano musicalmente alle loro fan femminili “Let’s Spend the Night Together”, i Beatles (altrimenti noti come i Fab Four) armonizzavano più innocentemente “I Wanna Hold Your Hand”. Tuttavia i Beatles, sia personalmente che musicalmente, dovevano subire profondi cambiamenti durante il decennio, trasformazioni che rispecchiavano direttamente l’evoluzione del rock and roll. I loro suoni progredirono da ispirati al rock and roll (“She Loves You”, “I Wanna Hold Your Hand”, “Love Me Do”, “Twist and Shout”) a artistici, introspettivi e di bellezza struggente (“A Day in the Life”, “Yesterday”, “Eleanor Rigby”), ispirati dalla droga (“Strawberry Fields”, “Lucy in the Sky with Diamonds”) e spirituali (“Love You To”, “Let It Be”). I Beatles ampliarono i confini del rock sperimentando con la strumentazione, per esempio George padroneggiò il sitar, che suonò in molti dei pezzi dei Beatles, così come l’orchestrazione e la composizione.

La musica rock in generale seguì la tendenza dei Beatles. Dalla dolce sincerità della prima parte del decennio, il rock and roll divenne più duro, più scuro e più forte. Riflettendo lo spirito dell’epoca, i musicisti rock cantavano la loro rabbia verso “l’establishment” e la loro sperimentazione di droghe e sesso occasionale. Alla fine del decennio, il rock and roll non solo aveva riconquistato, ma addirittura aumentato la sua reputazione di musica della rabbia e della ribellione giovanile.

Festival rock

Negli anni ’60, il festival rock divenne il luogo preferito dagli amanti della musica per riunirsi in un ambiente all’aperto e assaporare i suoni dei loro artisti preferiti. Uno dei primi favolosi festival fu il Monterey International Pop Festival del 1967, che presentava un gruppo di rockstar, tra cui Jimi Hendrix, Otis Redding, Janis Joplin, The Who, The Jefferson Airplane e The Mamas and the Papas. L’evento fu raccontato in Monterey Pop (1969), il primo importante documentario di concerti rock.

Il festival rock più famoso fu il Woodstock Music and Art Fair, tenutosi nell’agosto 1969. Durante un fine settimana di tre giorni di pioggia, una folla vivace, che contava tra i 400.000 e i 500.000 persone, convergeva su una fattoria di maiali di 600 acri vicino a Bethel, New York. Nonostante la scarsa pianificazione e il caos generale, la folla è rimasta tranquilla. Gli intrattenitori includevano una rosa di talenti all-star, da Country Joe and The Fish, Joe Cocker, Canned Heat e Crosby, Stills, Nash and Young a Janis Joplin, Jimi Hendrix e The Who. L’evento è stato raccontato in Woodstock (1970), un documentario vincitore del premio Oscar.

A differenza di Woodstock, però, non tutti i festival rock erano pieni di pace e amore. Il festival di Altamont, tenutosi in California quattro mesi dopo Woodstock, fu un affare brutto e violento durante il quale un partecipante al festival fu assassinato.

Come gli anni ’50 si erano chiusi con la morte di Holly, Valens e Richardson, anche gli anni ’60 terminarono con la morte di tre delle leggende del rock del decennio: Janis Joplin (1943-1970), Jimi Hendrix (1942-1970) e Jim Morrison (1943-1971), cantante dei Doors. Tuttavia, la differenza tra le epoche è indicata dal modo in cui questi tre sono morti. Joplin e Hendrix morirono per overdose di droga. Morrison fu presumibilmente abbattuto da un attacco di cuore, ma le sue ben note abitudini di abuso di droga portarono a voci che anche la sua morte fosse legata alla droga.

IL SUONO DELLA MOTOWN

Quando si pensa ai migliori cantanti e musicisti afroamericani degli anni ’60, viene in mente una parola: Motown. In realtà, Motown – abbreviazione di “motortown”, un nome gergale per Detroit, la sede dell’industria automobilistica americana – era prima il nome di un’etichetta discografica. Fu fondata nel 1959 da Berry Gordy Jr. (1929-), un cantautore, produttore discografico ed editore di canzoni originario di Detroit. “Money” di Barrett Strong, “Please Mr. Postman” di The Marvelettes, “Shop Around” di The Miracles, “You Beat Me to the Punch” di Mary Wells e “Do You Love Me” di The Contours furono tra i primi successi della compagnia. Durante gli anni ’60, la Motown ebbe un successo fenomenale; a metà del decennio, era diventata la singola società di proprietà di neri più redditizia d’America. Dei 535 singoli pubblicati dalla Motown durante il decennio, ben 357 furono dei successi. Nel 1988, Gordy vendette la Motown alla MCA per 61 milioni di dollari.

Il suono Motown era caratteristico. Il team di autori e produttori di canzoni di Eddie Holland (1939-), Lamont Dozier (1941-) e Brian Holland (1941-), conosciuti popolarmente come Holland/Dozier/Holland, meritano molto del credito per la sua evoluzione. Il meglio della Motown combinava elementi di rhythm and blues con il gospel; per una buona ragione, era anche conosciuta come “soul music”. Ma i suoni della Motown erano anche rimbalzanti e ballabili, e piacevano sia agli adolescenti bianchi che a quelli neri. Gordy inventò persino una frase da usare per commercializzare la sua musica: “The Sound of Young America.”

Tra gli artisti della Motown che divennero superstar e leggende della musica degli anni ’60 c’erano i Miracles, che registrarono una serie di successi dopo “Shop Around”, con il cantante Smokey Robinson (1940-) che divenne un modello del suono Motown. I Temptations furono uno dei gruppi Motown più amati; la loro registrazione di “My Girl”, una delle preferite dell’epoca, combinava armonie memorabili. Marvin Gaye (1939-1984) fu un solista influenzato dalla musica gospel, il cui singolo di punta degli anni ’60 fu “I Heard It Through the Grapevine”, registrato anche da Gladys Knight (1944-) e The Pips, un altro gruppo vintage della Motown. Il visionario album di Gaye del 1971, What’s Going On, combinava dosi massicce di anima, cuore e umanesimo.

Il piccolo Stevie Wonder (1950-) aveva solo dodici anni quando ebbe un grande successo con “Fingertips (Part 2)”. Tuttavia, Stevie non era una meraviglia da un colpo solo. Maturò artisticamente, eliminò il “Little” dal suo nome e registrò successi come “For Once in My Life”, “I Was Made to Love Her” e “My Cherie Amour”. I Four Tops erano guidati dal carismatico cantante Levi Stubbs (1936-); tra le loro registrazioni più esuberanti c’erano “Baby I Need Your Loving”, “I Can’t Help Myself” e “Reach Out I’ll Be There”. Le Supremes sono state le prime a scalare le classifiche della Motown, con “Where Did Our Love Go” che divenne il primo dei loro dodici successi al numero uno. La cantante delle Supremes, Diana Ross (1944-), continuò a godere di una carriera di successo come solista. Ma furono Martha and The Vandellas, con la cantante Martha Reeves (1941-), a registrare quello che probabilmente fu il singolo che catturò l’essenza della Motown: “Dancing in the Street”, una grande canzone da ballo degli anni ’60.

POP ART

La Pop Art fu il movimento artistico dominante degli anni ’60. Gli artisti pop commentavano la banalità della cultura popolare incorporando nei loro dipinti, sculture e stampe immagini prodotte in serie e orientate al consumo: loghi di prodotti commerciali, per esempio, o oggetti quotidiani e sembianze di celebrità. Il punto era che tali immagini sono così radicate nella nostra cultura e nella nostra coscienza che diventano una forma d’arte. Per far valere il loro punto di vista, gli artisti del decennio riproducevano queste immagini come opere d’arte, da appendere alle pareti di musei o gallerie.

Aretha e Otis

Non tutti i migliori cantanti neri degli anni ’60 erano affiliati alla Motown. Aretha Franklin (1942-), il cui background era nella musica gospel, fu forse la solista femminile più elettrizzante del decennio. Le sue registrazioni piene di soul di “Baby I Love You”, “Chain of Fools” e, in particolare, “Respect” sono le preferite della fine degli anni sessanta. L’album “Lady Soul” della Franklin, dal titolo appropriato, è un classico della musica soul di tutti i tempi.

Otis Redding (1941-1967), un dinamico cantante soul, fu un’altra vittima dell’epoca. Era una stella nascente quando morì in un incidente aereo nel 1967. L’anno seguente, “Dock of the Bay”, un altro capolavoro della fine degli anni ’60, divenne il suo più grande singolo. Se fosse vissuto, Redding sarebbe potuto diventare una superstar.

Andy Warhol (1930-1987), il guru della Pop Art, si guadagnò la celebrità internazionale duplicando immagini di lattine di zuppa Campbell’s, bottiglie di Coca-Cola, scatole di sapone Brillo, e somiglianze stilizzate di icone della cultura pop come Marilyn Monroe (1926-1962). Alla fine, divenne un regista d’avanguardia. I suoi primi sforzi evitano qualsiasi responsabilità di raccontare una storia. Tra i più famosi ci furono Sleep (1963), che raffigurava un uomo addormentato per otto ore, e Empire (1965), un’immagine notturna continua dell’Empire State Building di New York. Warhol alla fine incorporò delle trame, ma le sue sceneggiature erano inconsistenti, se non del tutto improvvisate, e i suoi interpreti non erano tanto attori quanto uno strano assortimento di artisti, groupie e personalità colorate. Un certo numero divenne “superstar” di Warhol, e molti erano conosciuti con i loro pseudonimi volutamente pacchiani: Viva!; Candy Darling; Holly Woodlawn; Ultra Violet; Ondine; Mario Montez; e Ingrid Superstar. Warhol era anche un esperto promotore di se stesso, e la sua dichiarazione che, nella nostra cultura ossessionata dai media e dalla celebrità, tutti saranno famosi per quindici minuti ha trasceso la sua stessa celebrità e ha vissuto ben oltre la sua morte.

Altri importanti artisti pop sono Jasper Johns (1930-), che ha dipinto bersagli e versioni della bandiera americana; James Rosenquist (1933-), che ha riprodotto immagini dai cartelloni pubblicitari; Jim Dine (1935-), che ha fissato alle sue tele oggetti come attrezzi, molle del letto e abiti scartati; Roy Lichtenstein (1923-1997), che dipingeva pannelli di fumetti colorati e sovradimensionati; Robert Rauschenberg (1925-), i cui collage combinavano fotografie di riviste, giornali e pittura; Claes Oldenburg (1929-), che produceva sculture più grandi della vita di prodotti di consumo; e Wayne Thiebaud (1920-), che sceglieva oggetti di cibo come soggetto. Alcuni dei titoli di Thiebaud: “Insalate, panini e dessert”, “Mele caramellate” e “Cupcake” rispecchiano l’essenza della Pop Art. Altri due movimenti artistici nati negli anni ’60 furono la Op Art, in cui gli artisti impiegavano illusioni ottiche di profondità o movimento, e il Minimalismo, in cui gli artisti mettevano in evidenza il colore puro e piatto e disegni geometrici duri. Durante l’ultima parte del decennio, il termine Minimalismo descrisse anche un nuovo movimento nella musica. Mentre le opere di alcuni compositori diventavano sempre più complesse, altri basavano le loro creazioni sulla musica africana e asiatica, impiegando una strumentazione più semplice che spesso ripeteva frasi e ritmi. Philip Glass (1937-) è forse il più noto compositore minimalista.

Ognuno di questi movimenti causò uno scalpore nel mondo dell’arte. Molte persone si lamentavano che la Pop Art, la Op Art e il Minimalismo non richiedevano originalità o talento. Le discussioni su tale arte attirarono quasi la stessa attenzione delle opere stesse, contribuendo a rendere Warhol e altri delle celebrità.

American Theatre Wing Antoinette Perry Awards (Tony Awards)

VOCI NUOVE NEL TEATRO E NELLA LETTERATURA

L’inizio degli anni ’60 vide un’ondata di musical di successo a Broadway, incluso The Unsinkable Molly Brown; Bye Bye Birdie; How to Succeed in Business Without Really Trying; A Funny Thing Happened on the Way to the Forum; Hello, Dolly!Funny Girl; e Fiddler on the Roof. Tuttavia, l’evento scenico che definì l’ultima parte del decennio fu Hair, un nuovo tipo di musical. Hair, che arrivò a Broadway nel 1968, celebrava la cultura giovanile dell’epoca rappresentando personaggi fuori dal comune come hippies sessualmente liberati e dediti alla droga e manifestanti contro la guerra del Vietnam. Hair era anche sperimentale in quanto si concentrava sul contenuto tematico e sulla rappresentazione di uno stile di vita, invece che sulla trama e sullo sviluppo dei personaggi. La sua colonna sonora era ispirata alla musica rock, e Hair può essere etichettato come il musical rock originale. Divenne anche noto per una breve ma controversa scena di nudo alla fine del primo atto.

Parallelamente all’invasione britannica nella musica, una nuova generazione di drammaturghi del Regno Unito, tra cui Harold Pinter (1930-) e Tom Stoppard (1937-), godette di successo sul palco americano. Emersero anche nuovi scrittori americani. Edward Albee (1928-) fu forse il più annunciato. Il più grande successo di Albee fu Who’s Afraid of Virginia Woolf? (1962), un dramma crudo che mette in luce l’amara conversazione tra due coppie durante una serata turbolenta. Neil Simon (1927-), forse il drammaturgo di maggior successo commerciale di tutti i tempi, inaugurò una lunga serie di commedie leggere durante il decennio.

Premi Pulitzer nella narrativa

Nel frattempo, i nuovi libri caldi hanno evidenziato l’umorismo nero e l’alienazione giovanile. Kurt Vonnegut Jr. (1922-) pubblicò una serie di romanzi di fantascienza acida e cinica, tra cui Cat’s Cradle (1963), God Bless You, Mr. Rosewater (1965) e Slaughterhouse Five (1969), che erano i preferiti nei campus universitari. L’eroe di One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1962), di Ken Kesey (1935-2001), era Randle J. McMurphy, un paziente mentale vivace che cerca di sovvertire una burocrazia autoritaria. Un altro classico dell’epoca fu Comma 22 (1961), di Joseph Heller (1923-1999). Il titolo del romanzo è diventato rapidamente parte del linguaggio americano. Il personaggio principale di Heller è Yossarian, un bombardiere della seconda guerra mondiale che desidera smettere di combattere e tornare a casa. L’unico problema è che, per farlo, deve volare altre missioni di combattimento. “Comma 22” si riferisce ora a qualsiasi cosa irragionevole o illogica. Per esempio, vieni rifiutato per un lavoro perché ti manca l’esperienza – ma come puoi fare esperienza se nessuno ti assume? Il tono del libro contro la guerra e la burocrazia antimilitare risuonò anche tra i giovani.

TELEVISIVI STICKS TO THE TRIED AND TRUE

Gli anni ’60 furono principalmente un decennio di affari come al solito per l’industria televisiva. Una serie di drammi, commedie, avventure, fantascienza e varietà ha intrattenuto milioni di spettatori, con alcuni, tra cui The Dick Van Dyke Show (1961-66), The Andy Griffith Show (1960-68), The Twilight Zone (1959-65), Mission: Impossible (1966-73), e Star Trek (1966-69)-diventati veri e propri classici del piccolo schermo.

Sono stati popolari gli show con una gamma di personaggi, dai medici (Dr. Kildare, Ben Casey) ai bifolchi (The Beverly Hillbillies, Petticoat Junction, Green Acres). Tuttavia, se una serie televisiva rifletteva i cambiamenti nella cultura americana durante il decennio, era Rowan & Martin’s Laugh-In (1968-73), uno spettacolo di varietà di riferimento che presentava una commedia stravagante e innovativa. I giovani in particolare adoravano lo show per il suo umorismo goffo e il suo senso di malizia. Una serie di frasi introdotte nello show entrarono nell’uso comune, tra cui “sock it to me”, “here come da judge” e “you bet your sweet bippy.”

Nel campo delle notizie, l’influenza dei giornalisti televisivi sui loro colleghi della stampa continuò a crescere in una tendenza che era iniziata nel decennio precedente. Due eventi singolari prefiguravano il futuro per quanto riguarda il puro potere della televisione e l’impatto del mezzo sulla copertura delle notizie e sulla campagna politica. Il primo: i dibattiti televisivi tra i candidati presidenziali John F. Kennedy (1917-1963) e Richard M. Nixon (1913-1994) durante le elezioni del 1960, da cui emerse la nozione che gli elettori guarderanno con favore un candidato in base al suo aspetto, piuttosto che a quello che dice. Il secondo: la copertura in diretta degli eventi sulla scia dell’assassinio del 22 novembre 1963 del presidente John F. Kennedy, che servì a unire la nazione in un momento di dolore.