Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5, e Ariana Grande, tutte le superstar della musica pop moderna hanno una cosa in comune, un tizio chiamato Max Martin. Il cantautore svedese è la spina dorsale della moderna scena musicale pop di oggi. Con oltre 200 canzoni a suo nome, è responsabile della maggior parte della musica prodotta. Essendo un avido ascoltatore di qualsiasi musica oltre al country, al pop e al rap, la mia personale convinzione che la musica pop sia il peggior tipo di musica non è solo supportata dal buon senso, ma anche da statistiche provate e da ricerche fatte all’Istituto di Ricerca sull’Intelligenza Artificiale del Consiglio Nazionale delle Ricerche spagnolo a Barcellona. Il semplice fatto degli album venduti, i risultati dei test recentemente osservati, e la complessità dell’uso degli strumenti e del concetto dei testi dimostrano ulteriormente che la musica pop è il peggior genere di musica.
Centosettantasette milioni, la quantità di album venduti dal gruppo rock inglese The Beatles. Se si dovesse guardare ai 10 artisti più venduti secondo Business Insider, solo una vera pop star appare, Michael Jackson con 81 milioni di album venduti. Ora, a seconda della lista e della risorsa che usate per queste informazioni, potreste vedere artisti pop come Madonna e Prince nella top 10; tuttavia, molti siti web determinano gli album venduti in modo diverso per quanto riguarda gli album scaricati e i vinili acquistati. Tuttavia, non importa da quale fonte provenga la vostra lista, è ovvio che la top 10 è piena di artisti dello stesso genere o sottogenere, il rock. I Beatles hanno guidato l’invasione britannica nei primi anni ’60, Elvis Presley è indiscutibilmente soprannominato il Re del Rock and Roll, e altri basati sul rock come gli Eagles, i Led Zeppelin e i Pink Floyd competono tutti nella top 10 degli album venduti. Inoltre gli artisti solisti Elton John e Billy Joel sono ben all’interno della top 10. Anche se un argomento valido per questo è che gli artisti moderni di oggi non vendono album, ma singoli. Detto questo, è importante sottolineare che è ancora possibile comprare i loro album o scaricarli. Questa è una tendenza della società che sta influenzando anche l’industria musicale, la gente preferisce comprare singoli e canzoni di successo piuttosto che l’intero album. Artisti come i Led Zeppelin e i Beatles facevano album per piacere alla gente nella loro interezza, spesso le canzoni coincidevano tra loro. Ancora oggi la gente compra e colleziona i dischi delle band che hanno fatto i vinili. Il semplice fatto che gli artisti moderni, anche se ispirati dai primi musicisti, non vendono dischi in modo competitivo per competere con le band di 40-50 anni prima è un primo esempio del perché la musica pop è un insulto a molti generi.
Negli anni 1955-2010 ricercatori e scienziati hanno analizzato 500.000 canzoni e hanno confermato le opinioni di molti dei nostri genitori, semplicemente la musica sta peggiorando. Il gruppo di ricerca ha preso queste canzoni e le ha sottoposte ad algoritmi che hanno misurato: complessità armonica, diversità timbrica e volume. Prima di tutto, i test hanno confermato che negli ultimi decenni il timbro è diminuito. Il timbro è definito come la ricchezza, la consistenza, il colore e la qualità del suono all’interno del suono della musica. Fondamentalmente può essere semplificato come ricchezza o profondità del suono degli strumenti e delle voci. Attraverso la ricerca, la scienza ha dimostrato due cose: negli ultimi decenni il timbro è diminuito costantemente nel corso dei decenni, e il timbro ha raggiunto il suo picco negli anni ’60. Questo significa che le canzoni hanno meno diversità all’interno degli strumenti e delle tecniche di registrazione. Il tutto riassunto per indicare che la musica è diventata più semplice. Dato che la musica pop moderna di oggi si basa sull’uso ripetitivo di un ritmo semplice, anche la complessità armonica è diminuita nel corso dei decenni. Per esempio, “A Day in the Life” dei Beatles, “Kashmir” dei Led Zeppelin e l’uso da parte dei Metallica della San Francisco Symphony nell’album S&M del 1999 presentano un uso massiccio della formazione principale del gruppo e di orchestre complete sotto la direzione. Anche guardando la diversa quantità di cambi di ritmo, i cambiamenti strumentali complessivi nelle canzoni e l’interpretazione dei testi, si favoriscono generi come il rock (più variazioni e sottogeneri), la classica, il blues e il jazz. La musica pop usa un solo strumento per la maggior parte del tempo, una drum machine. Questo strumento è in grado di produrre molti suoni e variazioni, ma è responsabile del battito e del ritmo prodotto elettronicamente che si sente spesso nella musica pop. Alcuni possono sostenere che questa è un’esagerazione e in qualche modo lo è, perché molti artisti usano band per le esibizioni dal vivo. Anche l’uso della drum machine è presente nei generi di dub-step, rap e rock progressivo. Tuttavia, ognuno di questi generi presenta un ritmo così vario e complesso accompagnato da testi complessi che è difficile dire che l’uso della drum machine sia un problema nel pop. Eppure è ancora un problema, gli artisti dub-step Skrillex sono noti per l’uso di una drum machine e altri rumori generati dal computer per accompagnare il ritmo principale della canzone. Il semplice fatto che non ci sono due canzoni con lo stesso ritmo o tempo, anche il rumore generato dal computer è la prova che la musica pop è un genere semplice che non si concentra sulla qualità della musica.
Come riportato da Scientific American, una ricerca effettuata presso l’Istituto di ricerca di intelligenza artificiale del Consiglio nazionale delle ricerche spagnolo a Barcellona ha confermato che la musica negli ultimi decenni ha anche dichiarato che i testi stanno diventando più semplici da capire. Mentre prima è stato affermato che gran parte della musica di oggi suona ripetitiva, è stato anche dimostrato che quasi tutte le canzoni pop di oggi contengono la stessa cosa, il millennial whoop. Il blogger musicale Patrick Metzger ha scoperto che molti artisti usano la stessa sequenza di note di uno spostamento dalla quinta nota della scala alla terza nota e poi di nuovo alla quinta nota in modo ripetitivo. Ha anche creato il termine millennial whoop. Per esempio, “California Girls” di Katy Perry, “International Love” di Pitbull e “Good Time” degli Owl City, per citarne alcuni, usano tutti il whoop millenario. La maggior parte delle volte questo è usato all’interno del ritornello della canzone per riempire i vuoti tra le strofe che portano la canzone a rimanere in testa perché al nostro cervello piace la familiarità. Più sentiamo lo stesso suono e più ci piace, e questo è più che un semplice caso.
Se tu fossi un artista pop che ha appena pubblicato una nuova canzone, non vorresti che contenesse qualcosa che altre canzoni pop hanno? Se altre canzoni hanno successo grazie al millennial whoop allora sempre più artisti lo useranno per assicurarsi che la canzone diventi popolare. È stato dimostrato che i testi di oggi sono facilmente comprensibili ad un livello da seconda media, il che significa che non solo un tredicenne può capire il singolo significato della canzone, ma probabilmente potrebbe anche scrivere la canzone. Il cantante della rock band di Los Angeles, i Tool, Maynard James Keenan, è considerato uno dei migliori parolieri di tutti i tempi per la complessità e i pensieri che si trovano nel suo lavoro, uniti al ritmo insolito dei ritmi non convenzionali dei Tool. Nella canzone “Lateralus”, il testo segue la sequenza di Fibonacci della matematica e si concentra su come la mente sia la più grande debolezza dell’uomo dicendo “Pensare troppo, analizzare troppo separa il corpo dalla mente. Inaridendo la mia intuizione, perdendo opportunità e devo nutrire la mia volontà di sentire il mio momento disegnando fuori dalle linee”. Bob Dylan, un altro cantautore rispettato, ha vinto un premio Nobel per la letteratura ed è inserito nella Rock and Roll Hall of Fame per il suo lavoro nella musica folk. Che si tratti di John Lennon, Paul McCartney, Robert Plant, Bob Marley o Jimi Hendrix, è facile dire che questi artisti sono noti per i loro testi complessi. Perché i testi complessi sono buoni nella musica? Perché lascia le canzoni aperte all’interpretazione personale. Se ogni persona vede la canzone in modo diverso, allora parla loro a livello personale, che è ciò che le band dagli anni ’50 ai primi anni 2000 cercavano di ottenere. Quando i gruppi vogliono parlare ai loro fan e colpirli ad un livello personale invece di fare una canzone per essere popolare, allora il vero artigianato musicale è stato realizzato.
L’Hook, o la parte della canzone che ti prende e ti tira dentro la canzone è anche una parte importante della musica. Guardate “In The Air Tonight” di Phil Collins. Ti sei mai trovato ad aspettare l’assolo di batteria nel mezzo della canzone? Per la maggior parte delle persone la risposta è sì e questo perché è il gancio della canzone. In studi recenti, i test hanno scoperto che il gancio di una canzone è sempre più vicino all’inizio della canzone, il che significa che noi come ascoltatori dobbiamo aspettare meno tempo per essere soddisfatti quando avviene il gancio. Aspettare meno tempo per il gancio significa abbassare i tempi di attenzione, e se la canzone non ti cattura dall’inizio o non ha un gancio, il nostro cervello si spegne e non sente o comprende il resto della canzone, essenzialmente saltando la canzone. Una ragione creduta per questo è l’accesso istantaneo a milioni di canzoni praticamente gratis. Abbiamo molta musica per pochi soldi e questo significa che la musica non ha un valore personale per l’acquirente. Quando i dischi e i vinili erano ancora popolari, la gente risparmiava e comprava un disco con una manciata di canzoni e lo ascoltava innumerevoli volte a causa del suo costo e per il fatto che si imparava ad apprezzare l’album e a cogliere cose nuove in ogni canzone più lo si ascoltava. Con l’invenzione dell’Ipod e di altri dispositivi per ascoltare la musica gli ascoltatori hanno perso il valore delle canzoni perché sono così facilmente accessibili. Anche le applicazioni di streaming musicale e i siti web come Spotify, Pandora, AOL Radio e IHeart Radio permettono alla gente di scaricare interi album su album e di saltare o rimuovere canzoni a proprio piacimento. Questo ha anche fatto sì che gli ascoltatori diano per scontato il valore della musica. Come detto in precedenza, non dobbiamo più ascoltare ogni canzone di un disco e apprezzarla, invece se non ci piace la canzone la togliamo semplicemente dalla playlist e non riconosciamo il talento e il lavoro che ci hanno messo. Mescolate questo con il fatto che negli ultimi vent’anni i produttori e le case discografiche hanno alterato la compressione dinamica delle canzoni per far sì che gli ascoltatori si appassionino fin dall’inizio, e avrete la musica pop al suo meglio.
La compressione della gamma dinamica è l’atto di aumentare certe aree della canzone in modo che le parti tranquille corrispondano alle parti più forti della canzone. Questo viene fatto elettronicamente in studio. La ragione di questo è che recentemente i produttori sono stati in una battaglia tra altri produttori per vedere chi può creare musica più forte. La diminuzione della compressione della gamma dinamica significa anche che, nonostante il livello di volume a cui è impostato l’ascoltatore, la musica sarà ancora forte. Nella competizione tra produttori ha senso che ogni produttore cerchi di rendere le proprie canzoni più forti. Per esempio, solo poche persone selezionate riconoscerebbero una persona all’angolo della strada che urla e poi sussurra parole, ma se quella persona dovesse urlare continuamente allora tutti lo noterebbero. Quando un intero genere si basa sull’accoppiare e superare un’altra canzone pop, gli artisti e i produttori cercano qualsiasi modo per superare la concorrenza. Questa tecnica assicura che quando la canzone arriva, gli ascoltatori saranno in grado di sentirla e di associarla ad altre canzoni pop. Non c’è niente di male nel cercare di usare la compressione dinamica nella creazione della musica, eccetto quando se ne abusa, si infrangono le leggi della fisica. La fisica afferma che non si può rendere un suono più forte del volume a cui è stato registrato. Così si provoca la distorsione e la perdita di qualità della canzone. Quando si comprime la gamma dinamica di una canzone si perde la varietà timbrica e le tonalità più basse prodotte dai bassi e dalla batteria non vengono apprezzate perché controllano la musica invece di accompagnarla. Nell’industria musicale di oggi il rischio gioca un ruolo importante nella produzione degli album. Negli anni ’50, ’60 e ’70 le case discografiche ricevevano centinaia di tracce demo alla settimana da aspiranti artisti. Se la compagnia vedeva del potenziale o l’artista aveva talento, allora veniva accettato dalla compagnia e riceveva un contratto. Stava poi all’orecchio del pubblico essere il giudice e la giuria per la musica dell’artista, se gli piacevano gli album l’artista continuava a registrare, se il pubblico non lo faceva l’artista perdeva il contratto. Questo era essenziale perché significava che solo gli artisti con vero talento potevano fare carriera creando musica. Non c’era spazio per artisti privi di talento e sciatti per fare carriera. Questo aveva i suoi svantaggi perché la maggior parte delle volte le compagnie firmavano un musicista e poi pompavano migliaia di dollari nella loro produzione e nei loro spettacoli, solo per avere l’artista che diventava un fallimento. Raramente c’era un artista che giocava il ruolo di diamante grezzo che portava soldi e guadagnava popolarità per il suo lavoro con il risultato che le compagnie andavano in pari con il loro investimento. Oggi, il costo per produrre e promuovere un artista è più alto che mai.
L’IFPI ha scoperto che il processo di firmare un artista, generare il suo lavoro, farlo entrare e portarlo alla popolarità mainstream costa ovunque tra 500.000 e 3.000.000 di dollari. È logico che le etichette discografiche non vogliano rischiare che un artista sia un fallimento, visto che hanno investito così tanto su di loro, quindi li fanno suonare come gli altri artisti che hanno avuto successo. Questo ha portato l’industria musicale a firmare più o meno un bel faccino, che un artista con del talento, e a costringere il pubblico ad apprezzarli perché suonano identici al resto del genere. Con la rimozione del rischio finanziario nell’industria, al pubblico viene essenzialmente fatto il lavaggio del cervello per fargli piacere ogni canzone prodotta invece di scegliere i brani che gli piacciono. Come entra in gioco il lavaggio del cervello? Guardate la canzone “See you Again” di Wiz Khalifa ft. Charlie Puth, quella canzone è stata promossa in ogni stazione radio in tutta l’America, suonata nei centri commerciali e nei negozi, persino la sigla di Fast 7. Quando la canzone viene pompata in ogni altoparlante intorno a te, o ti infastidisce o ti appassiona. La maggior parte della popolazione di oggi lascia che le canzoni crescano su di loro e questo perché la musica è così dominante che molte persone non hanno altra scelta che ascoltarla. Questa promozione eccessiva delle canzoni è la casa discografica che si assicura che i 3 milioni di dollari che ha investito siano restituiti e non vadano sprecati, che la canzone vi piaccia o no non potrete non ascoltarla e sarà ineluttabile. L’effetto Mere-Exposure è un fenomeno psicologico per cui le persone sviluppano preferenze a stimoli a cui sono esposte frequentemente. In molti casi la prima esposizione che gli ascoltatori hanno a una canzone ha un effetto negativo, poi la terza o quarta volta iniziano ad accettare o a cedere alla canzone perché la suonano frequentemente e il cervello impara ad accettarla. Se una canzone ha un vero significato per l’ascoltatore e ti piace come individuo, allora non avresti bisogno di essere forzato ad apprezzarla per mezzo della promozione di massa, dell’eccessiva riproduzione e dei tuoi amici che la ascoltano per lo stesso Effetto Mere-Exposure.
Ognuno ha le proprie preferenze musicali per le proprie ragioni. Personalmente mi piace l’heavy metal, l’hard rock e la maggior parte dei sottogeneri creati da entrambi. Le canzoni create, per me, sono uniche, inimitabili, facilmente collegabili, esprimibili e mi parlano a livello personale. La band o la musica preferita di una persona dovrebbe poter essere ascoltata senza preoccuparsi di ciò che pensano o dicono gli altri, perché quella musica ha un’esperienza personale con l’individuo. La creatività e l’originalità di ogni genere è ciò che rende la musica importante perché è il modo dell’artista di rappresentare le proprie emozioni e sentimenti. In una società in cui la pressione dei pari e l’accettazione sociale hanno un ruolo importante, è importante essere ancora diversi contro la norma o le idee mainstream. La musica è un’espressione della personalità dell’individuo perché l’ascoltatore può capire i testi e apprezzare l’accompagnamento strumentale del suo genere preferito. Si complimenta con i loro sentimenti o riflette un certo periodo della loro vita in cui la musica era l’unica cosa che potevano capire o era l’unica cosa su cui potevano ripiegare. Quanti artisti dicono di essere stati ispirati a prendere in mano uno strumento perché hanno sentito i Beatles, i Led Zeppelin, Elvis Presley, Bob Dylan o gli Eagles, e guardate quanti artisti dicono di essere stati ispirati da Lady Gaga, Justin Bieber o Taylor Swift. La musica dovrebbe essere d’ispirazione per l’ascoltatore e non dovrebbe essere forzata da grandi case discografiche che cercano di attirare gli ascoltatori con testi duplicati e suoni ripetitivi. Niente parla di più ad un ascoltatore di una canzone che può sentire per la prima volta e ricordare anni dopo la prima volta che l’ha sentita. L’esperienza che l’individuo trae dalle canzoni è più importante dei soldi che la casa discografica riceve dall’acquisto della canzone. Non c’è da meravigliarsi che molti dei genitori e degli anziani dei giovani d’oggi facciano sempre i riferimenti “La musica non è più buona”, “Questa non è nemmeno musica, è solo un mucchio di rumori” o il mio preferito “Che fine ha fatto la buona musica” quando sentono le canzoni di oggi, e questo perché è vero. Cosa è successo alla buona musica, perché non è più buona e perché è solo un mucchio di rumori? È semplice, la musica pop non si preoccupa dell’ascoltatore, o dell’effetto che ha su qualcuno, tutto ciò che le interessa è portare soldi e fama alle case discografiche. È abbastanza ovvio che la musica come forma d’arte sta morendo. Come ascoltatori è nostro compito non essere compiacenti e permettere alla musica sistematica di prendere il sopravvento sulle nostre vite. Non possiamo lasciare che l’unica cosa che è stata presente per molti dei nostri momenti più felici e tristi sia dominata da un oggetto usa e getta progettato per vendere e fare milioni di dollari senza l’ispirazione dell’ascoltatore, altrimenti la musica bella, profonda e personale che tutti noi godiamo si estinguerà a causa della spazzatura che è la musica pop.
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