テイラースウィフト、ケイティペリー、マルーン5、アリアナグランデ、現代のポップミュージックのスーパースターたちに共通しているのは、マックスマーチンという男です。 スウェーデン出身のソングライターである彼は、今日のモダン・ポップス・シーンを支えている。 200曲を超える楽曲を持つ彼は、プロデュースされた音楽の大部分を担っている。 カントリー、ポップス、ラップ以外の音楽もよく聴く私としては、ポップスは最悪の音楽だというのが常識だが、バルセロナにあるスペイン国立研究評議会の人工知能研究所で行われた統計や調査でも証明されていることである。 8770>
1億7千万枚は、イギリスのロックバンドThe Beatlesのアルバム販売枚数です。 また、Business Insiderによると、トップ10アーティストを見ると、実際のポップスターはマイケル・ジャクソンの8100万枚のアルバムしかありません。 しかし、多くのウェブサイトでは、ダウンロードされたアルバムと購入されたレコードによって、販売されたアルバムが異なることが分かっています。 しかし、どのような情報源から得たものであれ、トップ10が同じジャンル、またはサブジャンルであるロックのアーティストで埋め尽くされていることは明らかです。 60年代前半にブリティッシュ・インベイジョンを牽引したビートルズ、キング・オブ・ロックンロールと称されるエルビス・プレスリー、そしてイーグルス、レッド・ツェッペリン、ピンク・フロイドといったロック系アーティストがアルバム売上トップ10内で競い合っているのである。 また、ソロアーティストのエルトン・ジョンやビリー・ジョエルもトップ10圏内に入っている。 現代のアーティストはアルバムを売らずにシングルを売っているというのが正論ですが。 とはいえ、彼らのアルバムを買ったり、ダウンロードしたりすることは可能です。 これは社会的な傾向であり、音楽業界にも影響していることで、人々はアルバム全体よりもシングルやヒット曲を買いたいと思っている。 レッド・ツェッペリンやビートルズのようなアーティストは、アルバム全体で人々を喜ばせるためにアルバムを作り、しばしば曲同士が重なり合うこともありました。 今でも、人々はレコード盤を作ったバンドのレコードを買ったり、集めたりしている。 現代のアーティストが、初期のミュージシャンに触発されたとはいえ、40～50年前のバンドと競争してレコードを売らないという単純な事実は、ポップミュージックが多くのジャンルを侮辱する理由の典型例です。
1955年から2010年にかけて研究者と科学者が50万曲を分析し、多くの親の意見を確認しました、簡単に言えば音楽が悪くなっているのです。 研究グループは、これらの楽曲を、調和の複雑さ、音色の多様性、ラウドネスを測定するアルゴリズムにかけました。 まず最初に、過去数十年の間に音色が減少していることが確認されました。 音色とは、音楽の音の中にある音の豊かさ、質感、色、そして質感と定義されます。 基本的には、楽器やボーカルの音の豊かさや深みと単純化することができます。 過去数十年の間、音色は着実に減少しており、1960年代にピークを迎えています。 つまり、楽曲の楽器や録音技術に多様性がなくなってきているのです。 つまり、音楽がシンプルになったということです。 現代のポップミュージックは、単純なビートの繰り返しが基本となっているため、和声の複雑さも数十年の間に低下している。 例えば、ビートルズの「A Day in the Life」、レッド・ツェッペリンの「Kashmir」、メタリカの1999年のアルバム「S&M」におけるサンフランシスコ交響楽団との共演では、バンドの主要メンバーや指揮者のもとでのフルオーケストラが多用されている。 リズムチェンジの多さ、曲全体の楽器の変化、歌詞の解釈の違いを見ても、ロック（＋バリエーション、サブジャンル）、クラシック、ブルース、ジャズといったジャンルに軍配が上がります。 ポップスでは、ドラムマシンという単一の楽器を使うことが多い。 この楽器は多くの音とバリエーションを出すことができるが、ポップミュージックでよく聞かれるビートと電子的に作られたリズムを担っている。 ライブでバンドを使うアーティストも多いので、これは言い過ぎだと言う人もいるかもしれないが、ある意味そうなのだ。 また、ダブステップ、ラップ、プログレッシブ・ロックなどのジャンルでもドラムマシンが使われています。 しかし、どのジャンルも複雑な歌詞と多様なリズムが特徴で、ドラムマシンの使用がポップスの問題点とは言い難い。 ダブステップのアーティスト、スクリレックスは、曲のメインビートに合わせてドラムマシンやコンピューターで生成したノイズを使うことで知られています。 同じリズムやテンポの曲が2つとしてないという単純な事実、コンピュータで生成されたノイズさえも、ポップミュージックが音楽の質を重視しない単純なジャンルである証拠です。
Scientific Americanが伝えたように、スペイン国立研究評議会の人工知能研究所がバルセロナで行った調査では、過去数十年の音楽も歌詞がよりシンプルになっていると述べていることが確認されています。 今日の音楽の多くは繰り返しに聞こえると先に述べましたが、今日のポップソングのほとんど全てに、ミレニアル・フープという同じものが含まれていることも証明されました。 音楽ブロガーのパトリック・メッツガーは、多くのアーティストが、音階の5番目の音から3番目の音に移り、また5番目の音に戻るという同じ音の並びを繰り返し使っていることを発見した。 ミレニアル・ウープ（Millennial Whoop）という言葉も彼が作った。 例えば、ケイティ・ペリーの「カリフォルニア・ガールズ」、ピットブルの「インターナショナル・ラブ」、オウルシティの「グッドタイム」などは、すべてミレニアル・フープを使用しています。 ほとんどの場合、ミレニアル・フープは曲のコーラスで使われ、スタンザ間のギャップを埋め、曲が頭の中に定着するようにします。 同じ音を聞けば聞くほど楽しくなる、これは単なる偶然の産物ではありません。
あなたが新曲をリリースしたばかりのポップアーティストだとしたら、他のポップソングが持っている何かを含んでほしいと思わないでしょうか？ もし、他の曲がミレニアル・フープのおかげで成功したのなら、ますます多くのアーティストが、その曲が人気になることを保証するために、それを使うようになるでしょう。 つまり、13歳の子供でも曲の意味を理解できるだけでなく、曲を作ることができるのです。 ロサンゼルスを拠点とするロックバンドToolのボーカルMaynard James Keenanは、Toolの型破りなリズムに乗せた作品の中に見られる複雑さと根本的な思考から、史上最高の作詞家の一人と考えられている。 Lateralus “という曲では、歌詞が数学のフィボナッチ数列を踏襲し、また、心がいかに人間の最大の弱点であるかに焦点を当て、「考えすぎ、分析しすぎは体から心を切り離すことになる」と言っています。 直感を枯らし、チャンスを逃し、自分の意志を養わなければ、線から外れた瞬間を感じることができない。 ボブ・ディランも尊敬されるソングライターで、ノーベル文学賞を受賞し、フォーク音楽でロックの殿堂入りを果たしている。 ジョン・レノン、ポール・マッカートニー、ロバート・プラント、ボブ・マーリー、ジミ・ヘンドリックスなど、これらのアーティストが複雑な歌詞で知られていることは容易に理解できるだろう。 なぜ、音楽において複雑な歌詞が良いのか？ それは、その曲が個人の解釈の余地を残しているからです。 もし、一人ひとりがその曲を違ったものとして捉えれば、その曲はその人に語りかけることになり、それは1950年代から2000年代初頭のバンドが目指していたものでした。 8770>
フック、つまり心をつかんで曲の中に引き込む部分も、音楽の重要な部分です。 フィル・コリンズの「In The Air Tonight」を見てください。 曲の途中のドラムソロを待っている自分に気がついたことはありませんか？ それは、この曲がフックになっているからです。 最近の研究で、曲のフックが曲の冒頭に近づいていることが判明しました。つまり、リスナーとしては、フックが起こったときに満足するために待つ時間が短くなっているのです。 フックを待つ時間が短いということは、注意力が低下していることを意味し、もし曲の最初から心をつかめなかったり、フックがなかったりすると、脳はシャットダウンして曲の残りを聴いたり理解したりすることができず、実質的に曲をスキップしてしまうことになります。 その理由は、何百万曲もの楽曲に無料でアクセスできるからだと言われています。 私たちは、お金をかけずにたくさんの音楽を手に入れることができますが、それは、その音楽が買い手にとって個人的な価値を持たないことを意味します。 レコードやビニールがまだ人気があった頃、人々はお金を貯めて数曲入りのレコードを買い、数え切れないほど聴いたものです。それはコストがかかるということと、聴けば聴くほどそのアルバムの良さがわかり、それぞれの曲から新しいものをピックアップできるようになるからです。 しかし、ipodをはじめとする音楽再生機器が登場し、簡単にアクセスできるようになったことで、リスナーは楽曲の価値を見いだせなくなった。 また、Spotify、Pandora、AOL Radio、IHeart Radioなどの音楽ストリーミングアプリやウェブサイトでは、アルバム単位でダウンロードでき、好きなように曲を飛ばしたり、曲を削除したりすることができます。 このことも、リスナーが音楽の価値を当然視する原因になっている。 先に述べたように、私たちはもうレコードの各曲を聴いて評価する必要はなく、その代わりに、曲が気に入らなければ単にプレイリストから削除し、そこに込められた才能と仕事を認めないのです。 8770>
ダイナミック レンジ圧縮とは、曲の特定の領域をブーストして、静かな部分が曲の大きな部分と一致するようにする行為です。 これはすべてスタジオで電子的に行われます。 というのも、最近のプロデューサーは、誰がより大きな音楽を作ることができるかを他のプロデューサー間で争っているからです。 ダイナミックレンジの圧縮が減るということは、リスナーが設定する音量レベルとは裏腹に、音楽が大きくなってしまうということでもある。 プロデューサー間の競争では、各プロデューサーが自分の曲をより大きくしようとするのは理にかなっています。 例えば、街角で大声を出している人がいても、一部の人しか気づかないが、その人が大声を出し続ければ、誰もが気づくだろう。 あるジャンルが、他のポップソングとのマッチングやワン・アップを基本としている場合、アーティストやプロデューサーは、競合に勝つためにあらゆる方法を探します。 この手法によって、リスナーはその曲を聴いて、他のポップソングを連想することができるようになる。 音楽制作に動的圧縮を使おうとすることは悪いことではありませんが、乱用されると物理法則が崩れてしまいます。 物理学では、録音時の音量より大きな音は出せないことになっています。 そのため、曲の中で歪みが生じ、品質が損なわれてしまいます。 曲のダイナミックレンジを圧縮すると、曲の音色の多様性が失われ、ベースギターやドラムが生み出す低音は、音楽に寄り添うのとは対照的に音楽を支配してしまい、評価されなくなる。 今日の音楽業界では、アルバム制作においてリスクは大きな役割を担っている。 50年代、60年代、70年代のレコード会社は、意欲的なアーティストから週に何百ものデモトラックを受け取っていた。 50年代、60年代、70年代のレコード会社には、アーティスト志望者から週に何百ものデモ曲が送られてきて、会社が可能性を見出したり、アーティストに才能があれば、会社に受け入れられて契約を結ぶ。 そして、そのアーティストの音楽を評価するのは大衆の耳であり、大衆がそのアルバムを気に入れば、アーティストはレコーディングを続け、大衆が気に入らなければ、アーティストは契約を失うのである。 これは、本当に才能のあるアーティストだけが、音楽を作ることでしかキャリアを積めないことを意味し、必要不可欠なことであった。 才能がなく、だらしないアーティストが活躍する余地はなかった。 これは、企業がミュージシャンと契約し、その制作やショーに何千ドルも注ぎ込むが、そのアーティストが破綻してしまうことが大半だったため、そのデメリットがありました。 まれに、ダイヤモンドの原石のような役割を果たし、お金をもたらし、人気を博したアーティストがいたため、企業はその投資で収支を合わせることができました。
IFPIは、アーティストとの契約、作品の制作、ブレイク、メインストリームでの人気獲得に50万ドルから300万ドルの費用がかかることを発見しました。 そのため、レコード会社は、成功した他のアーティストと同じようなサウンドにするのです。 その結果、音楽業界は、才能のあるアーティストよりも、多かれ少なかれ、きれいな顔のアーティストと契約し、他のジャンルと同じ音なので、大衆に気に入られることを余儀なくされているのです。 音楽産業から金銭的リスクが取り除かれたことで、大衆は本質的に、自分が好きな曲を選ぶのではなく、制作されたすべての曲を好きになるように洗脳されているのです。 洗脳とは、どのようなものなのだろうか。 例えば、Wiz Khalifa ft.の “See you Again “という曲を見てください。 この曲は、全米のラジオ局で宣伝され、ショッピングモールや店舗で流され、「Fast 7」のテーマソングにもなったんだ。 この曲が周りのすべてのスピーカーから流されると、その曲にイライラするか、好意を持つようになるかのどちらかです。 現代人の大多数は、曲を自分に成長させる。これは、音楽があまりにも支配的で、多くの人がそれを聴く以外に選択肢がないためである。 この過剰なプロモーションは、レコード会社が投資した300万ドルを無駄にしないために、その曲が好きであろうとなかろうと、聴かないわけにはいかなくなり、避けて通れなくなるのである。 単なる暴露効果とは、人は頻繁に触れる刺激に対して嗜好性を持つようになるという心理現象である。 多くの場合、リスナーはある曲に初めて触れたとき、マイナスの影響を受けるが、3回目、4回目になると、その曲が頻繁に流れているために、その曲を受け入れる、または、その曲に屈服するようになり、脳がそれを学習する。 もしその曲がリスナーにとって真の意味を持ち、個人として好きであれば、大量宣伝や過剰な演奏、同じ「単なる暴露効果」による友人の聴き取りによって好きになることを強制される必要はないだろう
音楽の好みは人それぞれで、その理由はそれぞれです。 私自身は、ヘビーメタル、ハードロック、そしてこれらによって作られたサブジャンルの大半が好きです。 作られた曲は、私にとって、唯一無二のものであり、独特で、共感しやすく、表現しやすく、個人的なレベルで私に語りかけてくるのです。 好きなバンドや音楽は、他人の目を気にすることなく聴くことができるはずです。 音楽が重要なのは、それぞれのジャンルの創造性やオリジナリティ、つまりアーティストが自分の感情や気持ちを表現することだからです。 同調圧力や社会的受容が大きな役割を果たす社会では、規範や主流の考え方に反して異なる存在であることが重要である。 音楽は、リスナーが自分の好きなジャンルの歌詞を理解し、楽器の伴奏を評価することができるため、個人の個性を表現するものです。 また、音楽が唯一の理解物であった時代、唯一の拠り所であった時代を反映し、その人の気持ちを表現しています。 ビートルズ、レッド・ツェッペリン、エルビス・プレスリー、ボブ・ディラン、イーグルスを聴いて楽器を手にする気になったというアーティストや、レディー・ガガ、ジャスティン・ビーバー、テイラー・スウィフトの影響を受けたというアーティストがどれほどいるか見てみましょう。 音楽はリスナーをインスパイアするものであるべきで、大手のレーベル会社が重複した歌詞や反復的なサウンドでリスナーを釣ろうとすることによって、リスナーに押し付けるものではあってはならないのです。 初めて聴いて、何年も経ってから初めて聴いた時のことを思い出すような曲ほど、リスナーに語りかけるものはない。 個人が曲から得る経験は、彼らが曲を買うことによってレーベル会社が受け取るお金よりも重要である。 今の若者の親や年長者の多くが、今の曲を聴くと必ず「音楽はもうダメだ」「これは音楽ですらない、ただの雑音の集まりだ」「いい音楽はどうした」と言及するのも不思議ではなく、それはその通りだからだ。 いい音楽に何が起こったのか、なぜいい音楽でなくなったのか、そしてなぜノイズの塊なのか。 それは、ポップミュージックがリスナーのことを考えず、誰かに影響を与えず、レーベル会社にお金と名声をもたらすことだけを考えているからです。 芸術としての音楽が死んでいくのは明らかです。 リスナーとしては、システマチックな音楽に踊らされることなく、自分たちの生活を充実させることが大切です。 私たちの最も幸せな瞬間や最も悲しい瞬間の多くに存在していたものを、リスナーのインスピレーションなしに何百万ドルも売り、稼ぐために設計された使い捨てのオブジェクトに支配させてはなりません。さもなければ、私たち全員が楽しむ美しく、ソウルフルで、パーソナルな音楽は、ポップミュージックというゴミによって絶滅するでしょう。 Rolling Stone, www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-songwriters#bob-dylan.
Havers, Richard. “25 Classic Orchestral Rock Tracks | UDiscover”. UDiscoverMusic, 25 Aug. 2017, www.udiscovermusic.com/playlists/25-classic-orchestral-rock-tracks/.
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