写真の歴史に講義を割くことは、学生にとって、生涯を通じて関わってきたメディアを通じて、芸術の美的、文化的、社会的側面を考える機会となります。 したがって、写真に関する講義は、オリジナルとコピーの関係、イメージとその物質的な支え、表現と現実といった、より大きなテーマについて議論する良い場となる。
範囲 19世紀半ば以降、写真は、色や動きをとらえることや操作性には限界があるものの、現実を客観的に表現するものと考えられてきた。 このレッスンでは、19世紀の科学と芸術における写真の役割について考えるために、写真の相反する、しかし切り離せない側面について考えることを課題とします。 このレッスンでは、写真家が肖像画、科学的記録、旅行写真などさまざまなジャンルで、そして最終的にはマスメディアや説得の道具として、この新しいメディアの可能性をどのように探っていったかに焦点を当てます。
1時間15分の間に、以下のような多くの写真を通して、これらのテーマを探求することができます：
- Joseph Nicéphore Niépce, View from the Window at Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, c. 1839
- (Attr.William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth and Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, 1850年頃の作品。 Home of a Rebel Sharpshooter, 1863
- Maxime Du Camp, Statue of Ramses the Great at Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
- (Attr.John Gulick, Two Sworded Officer, Japan, c. 1870
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Unknown photographer, Swimming Party, c. 1890
写真の発見は1839年の1月にパリ科学アカデミーで公に発表されました。 ジオラマを発明した画家ルイ＝ジャック＝マンデ・ダゲールは、後にダゲレオタイプ（銅板の表面を高度に研磨して撮影したユニークな写真像）の発明者として知られるようになった。 写真に関する正統的な調査では、カメラ・オブスキュラ（ラテン語で「暗室」の意、部屋や箱の形をした光学装置で、ピンホールを通る光によって自然のイメージをスクリーンに投影する）のイメージを固定する実験がそれ以前に数多く行われていたにもかかわらず、ダゲールを写真の発明者として称えることが多い
例えば、ダゲールは1820年代から写真の実験をしていたニエプスとパートナーになっていた。 1822年にニエプスが撮影した窓からの眺めの写真は、8時間の露光によって作られたものでした。 1839年にダゲールがパリの大通りを撮影したときには、靴磨きに立ち寄った人物を撮影できるほど露光時間が短縮されていた。 それは、日光に対する実用的なニーズと風景画の伝統が組み合わさり、ダゲールのようなイメージの中に、そうでなければはかない瞬間を定着させることができたからです。
イギリスでは、貴族で多才なウィリアム ヘンリ フォックス タルボットが、1830年代に植物標本を化学的に処理した紙でフォトグラムを作成し、写真の実験を行っています。 タルボットは、写真が科学者にとって貴重な助けになると考え、データを視覚的に記録し、解釈や実験に役立てようとした。 1839年1月、ダゲールの製法が公開されたことを知ったタルボットは、急いで自分の製法を発表した。 ダゲレオタイプは、その細部の鮮明さ（肉眼で見るよりも顕微鏡で見た方が鮮明）とフランス政府による宣伝効果ですぐに受け入れられましたが、デジタル時代まで、その後のすべての写真の基礎となったのは、タルボットのネガポジ紙法（カロタイプ）だったのです。 生徒たちは、「なぜネガポジ・プロセスはそれほど重要になったと思いますか」と質問するかもしれません。
写真がマスメディアや強力な視覚的コミュニケーションへと発展したことは、タルボットが設立した写真出版社、リーディング・エスタブリッシュメントの写真で予見されます。 肖像画、美術品の複製、書籍の挿絵など、写真の潜在的な用途が数多く展示されています。 この写真はタルボットのカロタイプをどのようにアピールしているのでしょうか。
この会社の最初のプロジェクトは、タルボットの『自然の鉛筆』で、商業的に出版された最初の写真入りの本であり、本の芸術における画期的な出来事であった。 この本のタイトルは、写真が芸術家の介入なしに自然そのものによって「描かれた」絵であることを示している。 しかし、6枚目に掲載された「The Open Door」は、写真をオランダ風俗画の伝統の中に位置づけています。 この写真のどこが、授業で取り上げたオランダ絵画を連想させるのでしょうか。 タルボットは、ディテール、明暗のコントラスト、カメラ・オブスキュラの使用、内部と外部の関係、さらに日常的な物の象徴性を強調しています。 ここでは、ランプはカメラ・オブスキュラを、箒は悟りを象徴しています。 この写真は、芸術的なリアリズムの伝統、つまり日常生活と目が見ているものについてです。 写真は芸術家にとって重要なツールとなりましたが、当初は芸術の一形態とは見なされていませんでした。 写真と同じ時期にリアリズムという絵画運動が起こりました。 この2つのモードにはどんな共通点があるのでしょうか？ 35＞写真のリアリズムは、主に愛する人や注目すべき人物の肖像画という形で、似顔絵を撮影するために用いられました。 商業的なダゲレオタイプのスタジオは、ヨーロッパ、アメリカ、そして最終的には世界中の都市に広まりました。 1841年には、露光時間は光の加減で30秒から1分程度になり、商業規模での撮影が容易になりました。 ダゲレオタイプの肖像画は大量に生産され、中流階級の人々でも手に入れられるようになったのです。 35）サウスワースやホーズのような肖像画スタジオは、有名人や政治家の写真も撮影し、絵画のように演出した。 なぜでしょうか。 ルーファス・チョートのこの肖像画の属性は何を示唆していると思いますか？ 肖像画の形式が、壁に飾られる豪華な油絵から、手に持って撮影する小型のダゲレオタイプや大量生産されるものに移行するにつれ、見る人の経験がどのように変化したかを考察するよう生徒に求めてもよいだろう。 49歳のとき、子どもたちからカメラを譲り受け、写真を始めた彼女は、ガラスネガに湿式コロジオンやアルブメン・プリントを用いて、上流社会の知的エリートを撮影した。 キャメロンがイギリスの著名人を被写体に選んだのは、アルフレッド・ロード・テニスンの隣に住んでいたという利便性と、有名人の肖像は写真家にとって商業的な利益となるという戦略性の両方があったからです。 著名な科学者であり、初期の写真家でもあったジョン・ハーシェルを含むキャメロンのポートレートは、ドラマチックな照明を使い、シャープなピントを避け、レンブラントのキアロスクーロやロマン主義の伝統に親しんだ鑑賞者にアピールする良心的な芸術的効果をもたらし、慣習に反したものでした。 写真専門誌は、キャメロンが写真のルール、つまり細部のシャープさやシームレスなプリントに固執することを批判した。 キャメロンのようなポートレートは、ダゲレオタイプを手にした無名の女性やルーファス・チョートのそれともどう違うのでしょうか。
キャメロンが一時的に学んだ画家オスカー・レジュランダーもまた、芸術的野心を持った写真を制作しています。 彼の『二つの生き方』は、ラファエロの『アテネの学校』の構図を参考に、30枚のネガを組み合わせたプリントで構成されている。 この作品には、美徳と悪徳のどちらかを選ぶ二人の若者が描かれています。 レイランダーの写真は、写真が真実のメディアとみなされる一方で、操作することも可能であることを示している。 この作品はヴィクトリア朝の道徳を寓意的に表現しており、ヴィクトリア女王の夫アルバート公が購入し、芸術としての写真を政府が公式に支援した初期の例となりました
レジュランダーとキャメロンは、芸術の追求のために現実を忠実に写すという写真のあり方に挑戦しました。 アメリカの南北戦争では、長い露光時間によって戦闘を撮影することはできなかった。 しかし、写真は、絵画にはない戦争の生々しい現実を伝えるものであった。 アレクサンダー・ガードナーの『戦争写真スケッチブック』は、写真と戦争体験談を組み合わせたものである。 彼は、自分自身を含むさまざまな写真家のネガをプリントした。 1863年7月6日の「Home of the Rebel Sharpshooter」では、ガードナーは兵士の死体を引きずり出し、狙撃兵のものではない銃とセットにして、物語を作り上げました。 この写真は、これまで授業で見てきた他の戦闘描写とどう違うのでしょうか？ 構図はともかく、この写真は戦争の残酷さをロマンティックでない方法で描いている。 例えば、学生はこの写真をベンジャミン・ウェストの『ウルフ将軍の死』（1770年）と比較するかもしれない
写真のドキュメンタリー能力は、大衆を説得するための強力なツールとなった。 この可能性を見て、政府は政治的な出来事や文化遺産、その他の国家活動を記録するために写真家に依頼したのです。
たとえば、写真は遠く離れた場所や重要なモニュメントを記録し、より多くの人々がアクセスできるようにし、後世に過去を残すために公的な立場で使用されたのです。 マキシム・デュカンは、1850年にフランス政府のために、エジプトの記念碑的な遺跡や象形文字を記録するためにカロタイプを使用しました。 彼は約200枚の紙ネガを作成し、1851年に25枚ずつのアルバムでプリントを発行した。 デュカンは作家のギュスターヴ・フローベールと旅をした。二人は絵画的な風景を求め、既成の美学を持ち込んだのだ。 ヨーロッパ人にとって、エジプト人は自国の文化遺産を管理することができず、デュカンのプロジェクトは、時間による損失から古代遺跡を保護することと見なされたのである。 35）アメリカでは、ティモシー・オサリヴァンのような写真家が西部探検隊に参加し、将来の入植と経済的発展のためにアメリカの風景と自然資源を調査し、「明白なる運命」の使命を果たしていた。 オサリバンは、南北戦争を撮影したのが始まりでした。 彼の撮影した西部は、デュ・カンプの写真と同様、文化的価値観が支配的である。 1869年に大陸横断鉄道が開通したように、この風景には現在の進歩の思想が刻まれており、発展と繁栄が約束されていたのです。 オサリバンの写真は、政府関係者の間ではプレゼンテーション・アルバムとして流通したが、一般市民の間では主にプリントやステレオ写真として流通した＜784＞。 視覚的にどのように似ているか／違っているか？
欧米の旅行者たちは、異国情緒あふれる場所や人々を写した写真を熱望していた。 ステレオグラフは、両眼視を利用した立体写真で、人物や風景をよりリアルに写し出し、見る者を興奮させました。 安価で収集しやすいステレオカードは、中産階級の人々の間で応接間の娯楽となった。 35] エドワード・マイブリッジ（Eadweard Muybridge）は、写真の技術的な進歩に貢献する一方、科学的な実験の道具としての利用を模索しました。 彼は、馬が疾走するときの歩様を記録した。 トリップワイヤーでシャッターを切る立体カメラを何台も設置し、疾走する様子をストップモーションで撮影し、馬のすべての脚が同時に地面から離れることを証明したのだ。 これは、有史以前から「揺り木馬」の姿勢で疾走する馬を描いてきた画家たちにも示唆を与えるものであった。 マイブリッジは、動物や人間がさまざまな動きをする様子をストップアクションで撮影した「Animal Locomotion」シリーズの写真をマジックランタンでスライドショーにして、アメリカやイギリスを回った。 35）19世紀末には、写真は一般人にとってより身近なものになった。 ジョージ・イーストマンはコダック社を設立し、100回の露光が可能なフィルムがあらかじめ装填された大量生産のカメラを販売しました。 コダック社は、100回撮影できるフィルムがあらかじめ装填されたカメラを大量に販売し、有料でカメラごとコダック社に送って現像し、プリントを装填したカメラと一緒に返送していました。 カメラを母親や子供、友人の手に渡すことで、日常生活の細部をどこでも自発的に記録することができるようになったのです。 イーストマンの技術革新の効果を、今日どのように見ることができるだろうか。 安価に製造されたダゲレオタイプの肖像画から、写真出版物やコダックのカメラまで、19世紀の写真はまさにマスメディアとなったのです。 また、写真は美術にも大きな影響を与えました。というのも、19世紀には、写真は光学的リアリズムの金字塔と理解されていたからです。 リアリズムと印象派の授業では、画家たちがどのように写真に反応し、作品に使用し始めたかを取り上げます。また、写真に関する今後のセッションでは、ピクトリアリストと呼ばれる写真家たちが、写真を独自の芸術的メディアとしてどのように取り入れたかを取り上げます
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