Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5 en Ariana Grande, allemaal moderne supersterren in de popmuziek die allemaal één ding gemeen hebben, een man genaamd Max Martin. De Zweedse songwriter is de ruggengraat van de hedendaagse moderne popmuziek. Met meer dan 200 songs op zijn naam is hij verantwoordelijk voor een groot deel van de geproduceerde muziek. Als fervent luisteraar van alle soorten muziek naast country, pop en rap, wordt mijn persoonlijke overtuiging dat popmuziek de slechtste soort muziek is niet alleen ondersteund door gezond verstand, maar ook door bewezen statistieken en onderzoek gedaan aan het Instituut voor Kunstmatige Intelligentie Onderzoek van de Spaanse Nationale Onderzoeksraad in Barcelona. Het simpele feit van verkochte albums, recentelijk waargenomen testresultaten, en de complexiteit van instrumentgebruik en lyrisch concept bewijst alleen maar verder dat popmuziek het slechtste genre muziek is.
Honderdzeventig miljoen albums, het aantal verkochte albums van de Engelse rockband The Beatles. Als je de top 10 van verkopende artiesten volgens Business Insider bekijkt, komt er maar één echte popster voor, Michael Jackson met 81 miljoen verkochte albums. Afhankelijk van de lijst en de bron die je voor deze informatie gebruikt, zou je popartiesten als Madonna en Prince in de top 10 kunnen zien; veel websites bepalen de verkochte albums echter op een andere manier, namelijk door albums te downloaden en vinyls te kopen. Niettemin, van welke bron je lijst ook komt, het is duidelijk dat de top 10 gevuld is met artiesten van hetzelfde genre of subgenre, rock. The Beatles leidden de Britse invasie in de vroege jaren 60, Elvis Presley wordt onbetwist de King of Rock and Roll genoemd, en andere rockers zoals de Eagles, Led Zeppelin, en Pink Floyd doen allemaal mee in de top 10 van verkochte albums. Daarnaast staan soloartiesten Elton John en Billy Joel ruimschoots in de top 10. Hoewel een geldig argument hiervoor is dat de moderne artiesten van vandaag geen albums verkopen, maar singles. Dit gezegd zijnde is het relevant om erop te wijzen dat het nog steeds mogelijk is om hun albums te kopen of te downloaden. Dit is een trend in de maatschappij die ook de muziekindustrie beïnvloedt, mensen kopen liever singles en hits dan het hele album. Artiesten als Led Zeppelin en The Beatles maakten albums om mensen in hun geheel te plezieren, vaak vielen de nummers met elkaar samen. Zelfs vandaag de dag kopen en verzamelen mensen nog platen van bands die vinylplaten maakten. Het simpele feit dat moderne artiesten, hoewel geïnspireerd door vroege muzikanten, niet competitief platen verkopen om te concurreren met bands van 40-50 jaar eerder is een uitstekend voorbeeld waarom popmuziek een belediging is voor veel genres.
Door de jaren van 1955-2010 analyseerden onderzoekers en wetenschappers 500.000 liedjes en bevestigden de mening van veel van onze ouders, simpel gezegd muziek wordt steeds slechter. De onderzoeksgroep nam deze liedjes en voerde ze door algoritmen die het volgende maten: harmonische complexiteit, timbrale diversiteit, en luidheid. Om te beginnen bevestigden de tests dat de klankkleur de afgelopen decennia is afgenomen. Timbre wordt gedefinieerd als de rijkdom, textuur, kleur, en kwaliteit van het geluid binnen de klank van de muziek. In principe kan het worden vereenvoudigd als de rijkdom of diepte van het geluid van de instrumenten en de zang. Door onderzoek heeft de wetenschap twee dingen bewezen: in de afgelopen decennia is de klankkleur gestaag afgenomen, en de klankkleur bereikte zijn hoogtepunt in de jaren zestig van de vorige eeuw. Dit betekent dat liedjes minder diversiteit hebben binnen hun instrumenten en opnametechnieken. Alles bij elkaar opgeteld om erop te wijzen dat muziek eenvoudiger is geworden. Aangezien de moderne popmuziek van vandaag gebaseerd is op het repetitieve gebruik van een eenvoudige beat, is ook de harmonische complexiteit in de loop der decennia afgenomen. De Beatles “A Day in the Life”, Led Zeppelins “Kashmir” en Metallica’s gebruik van het San Francisco Symphony in het album S&M uit 1999 maken bijvoorbeeld veel gebruik van de hoofdbezetting van de band en van volledige orkesten onder leiding van een dirigent. Zelfs als we kijken naar het aantal ritmewisselingen, het aantal instrumentale wisselingen in de loop van de nummers en de lyrische interpretatie, dan nog wordt de voorkeur gegeven aan genres als rock (plus variaties en subgenres), klassiek, blues en jazz. Popmuziek maakt meestal gebruik van een enkel instrument, een drumcomputer. Dit instrument kan vele geluiden en variaties produceren, maar is verantwoordelijk voor de beat en het elektronisch geproduceerde ritme dat vaak in popmuziek te horen is. Sommigen zullen beweren dat dit overdreven is, en in zekere zin is dat ook zo, omdat sommige artiesten bands gebruiken voor live-optredens. Het gebruik van de drummachine komt ook voor in de genres dub-step, rap, en progressieve rock. Elk van die genres heeft echter zo’n gevarieerd en complex ritme, vergezeld van complexe teksten, dat het moeilijk is om te zeggen dat het gebruik van de drumcomputer een probleem is in de popmuziek. Toch is het nog steeds een probleem, dub-step artiesten Skrillex is bekend voor het gebruik van een drum machine en andere computer gegenereerde geluiden om de belangrijkste beat van het nummer te begeleiden. Het simpele feit dat geen twee nummers hetzelfde ritme of tempo hebben, zelfs computergegenereerde ruis is het bewijs dat popmuziek een eenvoudig genre is dat niet gericht is op de kwaliteit van de muziek.
Zoals gerapporteerd door Scientific American, heeft onderzoek uitgevoerd aan het Kunstmatige Intelligentie Onderzoeksinstituut van de Spaanse Nationale Onderzoeksraad in Barcelona bevestigd dat muziek in de afgelopen decennia ook stelde dat teksten steeds eenvoudiger te begrijpen zijn. Terwijl eerder werd gesteld dat veel van de hedendaagse muziek repetitief klinkt, werd ook bewezen dat bijna alle popliedjes van vandaag hetzelfde bevatten, de millennial whoop. Muziekblogger Patrick Metzger ontdekte dat veel artiesten dezelfde notenvolgorde gebruiken van een verschuiving van de vijfde noot in de toonladder naar de derde noot en dan terug naar de vijfde noot, herhaaldelijk gedaan. Hij creëerde ook de term millennial whoop. Bijvoorbeeld Katy Perry’s “California Girls”, Pitbull’s “International Love”, en Owl City’s “Good Time”, om er een paar te noemen, gebruiken allemaal de millennial whoop. Meestal wordt dit gebruikt in het refrein van een liedje om gaten tussen de coupletten op te vullen, waardoor het liedje in je hoofd blijft hangen omdat onze hersenen van vertrouwdheid houden. Hoe vaker we hetzelfde geluid horen, hoe meer we ervan genieten, en dit is meer dan een toevallige gebeurtenis.
Als je een popartiest was die net een nieuw nummer uitbracht, zou je dan niet willen dat het iets bevat dat andere popliedjes ook hebben? Als andere liedjes succes hebben door de millennial whoop dan zullen meer en meer artiesten het gebruiken om er zeker van te zijn dat het liedje populair wordt. Het is bewezen dat de songteksten van vandaag gemakkelijk te begrijpen zijn op een niveau van de zevende klas, wat betekent dat niet alleen een 13-jarige de enige betekenis van het liedje kan begrijpen, maar dat hij of zij het liedje waarschijnlijk ook zou kunnen schrijven. De zanger van de rockband Tool uit Los Angeles, Maynard James Keenan, wordt beschouwd als een van de beste tekstschrijvers aller tijden, vanwege de complexiteit en de onderliggende gedachten in zijn werk, gekoppeld aan het ongebruikelijke tempo van Tool’s onconventionele ritmes. In het nummer “Lateralus” volgt de tekst de Fibonacci-reeks van de wiskunde en richt hij zich ook op hoe de geest de grootste zwakte van de mens is door te zeggen: “Over-thinking, over-analyzing separates the body from the mind. Het verdort mijn intuïtie, ik mis kansen en ik moet mijn wil voeden om mijn moment buiten de lijntjes te voelen trekken.” Bob Dylan, een andere gerespecteerde liedjesschrijver, won een Nobelprijs voor literatuur en is opgenomen in de Rock and Roll Hall of Fame voor zijn werk in de folkmuziek. Of het nu gaat om John Lennon, Paul McCartney, Robert Plant, Bob Marley, of Jimi Hendrix, het is gemakkelijk te zeggen dat deze artiesten bekend staan om hun complexe teksten. Waarom zijn complexe teksten goed in muziek? Omdat het de liedjes open laat voor persoonlijke interpretatie. Als elke persoon het liedje anders ziet, spreekt het hem of haar aan op een persoonlijk niveau, en dat is wat bands in de jaren 1950 tot begin 2000 probeerden te bereiken. Wanneer bands hun fans willen aanspreken en hen raken op een persoonlijk niveau in plaats van een liedje te maken om populair te zijn, dan is echt muzikaal vakmanschap bereikt.
De Hook, of het deel van het liedje dat je grijpt en je in het liedje trekt, is ook een belangrijk onderdeel van muziek. Kijk naar “In The Air Tonight” van Phil Collins. Heb je ooit zitten wachten op de drumsolo in het midden van het liedje? Voor de meeste mensen is het antwoord ja en dat komt omdat het de hook van het liedje is. Uit recent onderzoek is gebleken dat de hook van een liedje steeds dichter bij het begin van het liedje komt te liggen, wat betekent dat wij als luisteraars minder lang hoeven te wachten om tevreden te zijn wanneer de hook plaatsvindt. Minder lang wachten op de ‘hook’ betekent een kortere aandachtsspanne, en als het liedje je niet vanaf het begin grijpt of geen ‘hook’ heeft, zullen onze hersenen zich afsluiten en de rest van het liedje niet meer horen of begrijpen, waardoor we het liedje in feite overslaan. Een van de redenen hiervoor is de directe toegang tot miljoenen liedjes, in principe gratis. We krijgen veel muziek voor weinig geld en dat betekent dat de muziek voor de koper geen persoonlijke waarde heeft. Toen platen en vinyls nog populair waren, spaarden mensen om een plaat te kopen met een handvol liedjes en luisterden ze er ontelbare keren naar vanwege de kosten en omdat je het album leerde waarderen en nieuwe dingen oppikte in elk liedje naarmate je er vaker naar luisterde. Met de uitvinding van de Ipod en andere apparaten om muziek te beluisteren hebben luisteraars de waarde van liedjes verloren omdat ze zo gemakkelijk toegankelijk zijn. Ook muziek streaming apps en websites zoals Spotify, Pandora, AOL Radio, en IHeart Radio mensen kunnen hele albums downloaden op albums en nummers overslaan of verwijderen als ze willen. Dit heeft er ook toe geleid dat luisteraars de waarde van muziek als vanzelfsprekend zijn gaan beschouwen. Zoals eerder gezegd hoeven we niet meer naar elk nummer op een plaat te luisteren en het te waarderen, maar als we het nummer niet mooi vinden verwijderen we het gewoon uit de afspeellijst en erkennen we niet het talent en het werk dat erin is gestoken. Meng dat met het feit dat producers en platenmaatschappijen de laatste twintig jaar de dynamische compressie van nummers hebben aangepast om luisteraars vanaf het begin verslaafd te maken, en je hebt popmuziek op zijn best.
Dynamic range compression is het versterken van bepaalde delen van het nummer zodat stille delen overeenkomen met de luidere delen van het nummer. Dit gebeurt allemaal elektronisch in de studio. De reden hiervoor is dat de laatste tijd producers in een strijd verwikkeld zijn tussen andere producers om te zien wie hardere muziek kan maken. De vermindering van de compressie van het dynamisch bereik betekent ook dat de muziek, ondanks het volumeniveau waarop de luisteraar is ingesteld, toch luid zal klinken. In de competitie tussen producers is het logisch dat elke producer zou proberen zijn nummers luider te maken. Bijvoorbeeld, slechts een paar mensen zouden een persoon op de hoek van de straat die schreeuwt en dan woorden fluistert erkennen, maar als die persoon voortdurend zou schreeuwen dan zou iedereen het merken. Wanneer een heel genre gebaseerd is op het evenaren en overtreffen van een ander popliedje, zoeken de artiesten en producers naar elke manier om de concurrentie voor te zijn. Deze techniek zorgt ervoor dat wanneer het nummer opkomt de luisteraars in staat zullen zijn om het te horen en het te associëren met andere popsongs. Er is niets verkeerds aan om dynamische compressie te gebruiken bij het maken van muziek, behalve wanneer het misbruikt wordt om de wetten van de fysica te overtreden. De natuurkunde zegt dat je een geluid niet luider kunt maken dan het volume waarop het is opgenomen. Dit veroorzaakt vervorming en kwaliteitsverlies van de song. Als je het dynamisch bereik van een nummer comprimeert, gaat de klankkleur van het nummer verloren en worden de lagere tonen van basgitaren en drums niet meer gewaardeerd omdat ze de muziek beheersen in plaats van ze te begeleiden. In de huidige muziekindustrie speelt risico een grote rol bij de productie van albums. In de jaren ’50, ’60 en ’70 ontvingen platenmaatschappijen honderden demo’s per week van aspirant-artiesten. Als de maatschappij potentieel zag of de artiest talent had, werd hij door de maatschappij aanvaard en kreeg hij een contract. Het was dan aan het publiek om te oordelen over de muziek van de artiest, als de albums in de smaak vielen bleef de artiest opnemen, als het publiek dat niet deed verloor de artiest het contract. Dit was essentieel omdat het betekende dat alleen artiesten met echt talent een carrière konden maken van het maken van muziek. Er was geen ruimte voor artiesten die geen talent hadden en slordig waren om er een carrière van te maken. Dit had zijn nadelen omdat bedrijven meestal een muzikant contracteerden en dan duizenden dollars in hun produktie en shows pompten, alleen om de artiest een flop te laten worden. Zelden was er een artiest die de rol van ruwe diamant speelde, die geld opbracht en populariteit verwierf met zijn werk, waardoor de bedrijven hun investering terugverdiend zagen. Vandaag de dag zijn de kosten om een artiest te produceren en te promoten hoger dan ooit.
De IFPI ontdekte dat het proces om een artiest te contracteren, hun werk te genereren, hen in te werken, en hen in de mainstream populariteit te brengen ergens tussen de 500.000 en 3.000.000 dollar kost. Het zou alleen maar logisch zijn dat platenmaatschappijen niet het risico willen lopen dat een artiest een mislukking wordt, aangezien ze zoveel in hem hebben geïnvesteerd, dus laten ze hem hetzelfde klinken als andere artiesten die wel succes hebben gehad. Dit heeft ertoe geleid dat de muziekindustrie min of meer een knap gezicht heeft getekend, in plaats van een artiest met talent, en het publiek dwingt hen leuk te vinden omdat ze identiek klinken aan de rest van het genre. Door het wegvallen van het financiële risico in de industrie wordt het publiek in wezen gehersenspoeld om elk geproduceerd liedje goed te vinden, in plaats van zelf de nummers te kiezen die het goed vindt. Hoe komt hersenspoeling in het spel? Kijk naar het liedje “See you Again” door Wiz Khalifa ft. Charlie Puth, dat nummer werd gepromoot op elk radiostation in heel Amerika, gedraaid in winkelcentra en winkels, zelfs het themalied voor Fast 7. Als het liedje door elke luidspreker om je heen wordt gepompt, erger je je er aan of krijg je er een voorliefde voor. Een meerderheid van de hedendaagse bevolking laat de liedjes op zich inwerken en dat komt omdat de muziek zo overheersend is dat veel mensen geen andere keuze hebben dan ernaar te luisteren. Deze overpromotie van liedjes is de manier waarop de platenmaatschappij ervoor zorgt dat de 3 miljoen dollar die ze geïnvesteerd heeft, terugkomt en niet verloren gaat, of je het liedje nu mooi vindt of niet, je zult het niet kunnen negeren en het zal onontkoombaar zijn. Het Mere-Exposure effect is een psychologisch fenomeen waarbij mensen voorkeuren ontwikkelen voor stimuli waaraan ze vaak worden blootgesteld. In veel gevallen heeft de eerste blootstelling van luisteraars aan een liedje een negatief effect, maar na de derde of vierde keer beginnen ze het liedje te aanvaarden of er aan toe te geven omdat het vaak wordt gespeeld en de hersenen leren het te aanvaarden. Als een liedje echt betekenis heeft voor de luisteraar en je vindt het als individu mooi, dan zou je niet gedwongen hoeven te worden om het mooi te vinden door middel van massapromotie, overdadig spelen, en je vrienden die ernaar luisteren door hetzelfde Mere-Exposure Effect.
Iedereen heeft zijn eigen muzikale voorkeuren om zijn eigen redenen. Ik persoonlijk geniet van heavy metal, hard rock, en een meerderheid van de subgenres gemaakt door deze twee. De songs zijn voor mij uniek, onnavolgbaar, gemakkelijk te begrijpen, expressief, en spreken me aan op een persoonlijk niveau. Iemands favoriete band of muziek moet door hem/haar beluisterd kunnen worden zonder zich iets aan te trekken van wat anderen denken of zeggen, omdat die muziek een persoonlijke ervaring met het individu inhoudt. De creativiteit en originaliteit van elk genre is wat muziek belangrijk maakt, omdat dat de manier is van de artiest om zijn emoties en gevoelens weer te geven. In een maatschappij waar groepsdruk en sociale acceptatie een grote rol spelen, is het belangrijk om toch anders te zijn dan de norm of de mainstream ideeën. Muziek is een uitdrukking van de persoonlijkheid van het individu omdat de luisteraar de teksten kan begrijpen en de instrumentale begeleiding van zijn favoriete genre kan waarderen. Het complimenteert hun gevoelens of weerspiegelt een bepaalde tijd in hun leven toen muziek het enige was wat ze konden begrijpen of het enige was waar ze op terug konden vallen. Hoeveel artiesten zeggen niet dat ze geïnspireerd werden om een instrument op te pakken omdat ze The Beatles, Led Zeppelin, Elvis Presley, Bob Dylan of the Eagles hoorden, en kijk eens hoeveel artiesten zeggen dat ze geïnspireerd werden door Lady Gaga, Justin Bieber, of Taylor Swift. Muziek moet inspirerend zijn voor de luisteraar en moet niet worden opgedrongen door grote platenmaatschappijen die proberen luisteraars binnen te lokken met dubbele teksten en repetitieve geluiden. Niets spreekt meer tot een luisteraar dan een liedje dat ze voor de eerste keer horen en zich jaren later nog herinneren van de eerste keer dat ze het hoorden. De ervaring die het individu opdoet met de liedjes is belangrijker dan het geld dat de platenmaatschappij ontvangt als ze het liedje kopen. Het is geen wonder dat veel ouders en ouderen van de jeugd van tegenwoordig altijd zeggen: “Muziek is gewoon niet goed meer,” “Dit is niet eens muziek, het is gewoon een hoop lawaai,” of mijn favoriete “Wat is er gebeurd met goede muziek” als ze de liedjes van vandaag horen en dat is omdat ze waar zijn. Wat is er gebeurd met goede muziek, waarom is het niet goed meer, en waarom’ is het gewoon een hoop lawaai? Het is simpel, popmuziek geeft niet om de luisteraar, of het effect dat het op iemand heeft, het enige waar het om gaat is de platenmaatschappijen geld en roem te bezorgen. Het is duidelijk dat muziek als kunstvorm stervende is. Als luisteraars is het onze taak om niet zelfgenoegzaam te zijn en toe te laten dat systematische muziek ons leven overneemt. We kunnen niet toestaan dat datgene wat er is geweest voor veel van onze gelukkigste en droevigste momenten wordt gedomineerd door een wegwerpvoorwerp dat is ontworpen om te verkopen en miljoenen dollars te verdienen zonder inspiratie van de luisteraar of anders zal de mooie, soulvolle, persoonlijke muziek waar we allemaal van genieten uitsterven door de rotzooi die popmuziek is.
Works Cited
“100 Greatest Songwriters of All Time.” Rolling Stone, www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-songwriters#bob-dylan.
Havers, Richard. “25 Klassieke Orchestral Rock Tracks | UDiscover.” UDiscoverMusic, 25 aug. 2017, www.udiscovermusic.com/playlists/25-classic-orchestral-rock-tracks/.
II, Theodoros. “25 Top Selling Music Artists Of All Time.” List25, List25, 16 nov. 2014, list25.com/25-top-selling-music-artists-of-all-time/.
Lynch, John. “De 50 bestverkopende muziekartiesten aller tijden.” Business Insider, Business Insider, 13 sept. 2017, www.businessinsider.com/best-selling-music-artists-of-all-time-2016-9/#5-eagles-101-million-units-46.
“Max Martin.” Wikipedia, Wikimedia Foundation, 12 feb. 2018, en.wikipedia.org/wiki/Max_Martin.
Thoughty2. “Why Is Modern Pop Music So Terrible?” YouTube, YouTube, 5 aug. 2017, www.youtube.com/watch?v=oVME_l4IwII.