Przeczytanie poprzedniego rozdziału sprawi, że ten tekst będzie o wiele bardziej zrozumiały, ale jeśli naprawdę musisz go pominąć, oto trochę kontekstu: Zdecydowałem, że najlepszym sposobem na wyjaśnienie, czym jest sztuka, jest zrozumienie trochę historii, trochę filozofii i trochę techniki.
Nie dlatego, że da ci to jasną odpowiedź, ale dlatego, że zapewni ci to trochę uzasadnionego krytycznego myślenia. A wtedy, kto wie, może nawet będziecie mieli świadome opinie.
Więc, czym jest sztuka?
Po wielu wiekach okresów artystycznych definiowanych przez kontekst polityczny, społeczny i ekonomiczny, a nie przez indywidualny gust, nastąpiła stopniowa zmiana w sposobie zdobywania i dzielenia się informacjami.
Metoda naukowa ugruntowała zdobywanie wiedzy, a rewolucja przemysłowa zmieniła krajobraz tego, jak ludzie żyli i pracowali. Konsekwentna geneza klasy średniej utorowała drogę dla edukacji wielu ludzi – kończąc niektóre z elitaryzmów, które do tej pory definiowały edukację.
Żyjemy dłużej, żyjemy lepiej, wiemy więcej i rodzi się kreatywność. To właśnie przydarzyło się o wiele większej liczbie ludzi niż w poprzednich wiekach, które były albo zdefiniowane przez niedostatek, wojnę, i/lub ekstremizm religijny.
Tak właśnie sztuka stała się bardziej demokratyczna, a w konsekwencji bardziej dostępna dla indywidualnej, osobistej i emocjonalnej ekspresji.
Zeitgeist
Zeitgeist jest dominującym zestawem ideałów i przekonań, które motywują działania członków społeczeństwa w danym okresie czasu i tłumaczy się dosłownie z niemieckiego jako „umysł czasu” lub „duch czasu”.
Georg Hegel nigdy właściwie nie użył tego słowa, ale w swoich pracach, takich jak Wykłady z filozofii historii, mówi co następuje:
„Żaden człowiek nie może przewyższyć swojego czasu, ponieważ duch jego czasu jest również jego własnym duchem.” – Georg Hegel
Ta idea jest ściśle związana ze sposobem, w jaki Hegel postrzegał sztukę. W tym paradygmacie, cokolwiek artysta stworzy, będzie odzwierciedlało kulturę danego czasu. Artysta jest nieuniknionym produktem tego czasu i dlatego wniesie tę kulturę do swojej sztuki.
Teoria Zeitgeist wyraźnie przeciwstawia się XIX-wiecznej teorii Thomasa Carlyle’a zwanej Teorią Wielkiego Człowieka, w której jednostki posiadają cechy, które czynią z nich wielkich przywódców.
Cechy te, w połączeniu z boskim natchnieniem, pozwolą im uzyskać pozycje władzy i w konsekwencji kształtować historię.
„Historia świata jest tylko biografią wielkich ludzi.” – Thomas Carlyle
Tołstoj nic z tego nie miał i w swojej książce Wojna i pokój uważa znaczenie wielkich jednostek za wyimaginowane: są one jedynie niewolnikami historii. Herbert Spencer posunął się nawet do stwierdzenia, że uważa idee Carlyle’a za beznadziejnie prymitywne, dziecinne i nienaukowe.
I prawdę mówiąc, Teoria Wielkiego Człowieka opiera się na założeniu niekonsekwentnych i wrodzonych umiejętności, lekceważąc wielką układankę, jaką jest nasz Wszechświat. Ignoruje to jak wszystko jest konsekwencją, konsekwencją konsekwencji, konsekwencją konsekwencji.
I nie wnikajmy nawet w koncepcję „wolnej woli” w tym poście – musimy uważać na tę króliczą norę.
To w zasadzie oznacza, że logicznie rzecz biorąc, sztuka nie może być tą ezoteryczną rzeczą, która rodzi się z niesamowitości pewnych jednostek, lub jest zrodzona z czystej błogości, niesamowitego „talentu” lub wrodzonych umiejętności niektórych naprawdę szczęśliwych ludzi.
Można nawet powiedzieć, że „umiejętności” są bardzo względnym pojęciem w odniesieniu do sztuki. Implikuje techniczne mistrzostwo, ale różne poziomy wiedzy technologicznej kształtowały sztukę od samego początku, i dlatego „umiejętności” lub „technika” są bardzo chwiejnymi standardami jakości.
Art vs Craft
Weźmy bardzo podstawowe pojęcie, takie jak perspektywa liniowa lub, po prostu: sposób, w jaki obiekty wydają się być mniejsze, gdy są bardziej oddalone.
Jego badanie i eksploracja geometryczna w ramach wizualnej reprezentacji rozpoczęła się dopiero w XIV wieku podczas włoskiego renesansu, a i tak zajęło trochę czasu, zanim zostało ono udoskonalone i właściwie zrozumiane.
To techniczne zrozumienie stało się widoczne we wszystkich pracach artystycznych od tego czasu, podczas gdy wszystkie prace graficzne, które były produkowane przed tym czasem, zachowały tę niemal dziwaczną aurę nieudanej próby bycia trójwymiarowymi.
Ale czy była ona nieudana? A może chodziło o to, że w tym momencie realizm w przedstawianiu nie był po prostu kanonem? Co było pierwsze: potrzeba realistycznej reprezentacji graficznej, czy techniki, które pozwoliły na jej wytworzenie? Czy ma znaczenie, czy tworzymy z możliwości, czy z wyboru? Czy technika jest standardem jakości w sztuce?
Weźmy więc greckie wazy. Są one czarne z głęboko pomarańczowymi postaciami i ozdobami. Jest to uważane przez wielu za piękne dzieło sztuki o wspaniałej kombinacji kolorów, które ma minimalistyczny, ale mistyczny i wciągający efekt, osiągnięty poprzez historie, które opowiadają ich obrazy.
I wtedy jest chińska porcelana. Jest ** kolorowa, delikatna, jej rysunki są bogate w szczegóły, a ich figury przenoszą nas do kultury, która jest wypełniona interesującą mitologią.**
Niestety, nie studiowałem ich tak głęboko jak cywilizacji hellenistycznej, więc nie ma wiele, co mogę powiedzieć o tych wazach, kiedy i dlaczego.
Ale mogę ci powiedzieć tyle: greckie wazy są czarne i głęboko czerwone nie dzięki atramentowi, ale dzięki materiałowi, który po nałożeniu na ich powierzchnię zamienia glinę w czerń po ugotowaniu. Nie ma w tym żadnego wybierania koloru.
Czy technika dyktowała estetykę, czy było odwrotnie? Czy było to ograniczenie narzucone przez samego siebie, czy też ograniczenie techniczne generuje styl? Czy chińska porcelana jest lepsza, ponieważ jej cechy definiujące są wynikiem bardziej wszechstronnej i zaawansowanej technicznie techniki? Czy jedno jest bardziej artystyczne od drugiego?
Na koniec: czy Pablo Picasso namalował kobietę w ten sposób, ponieważ nie wiedział, jak to zrobić w sposób realistyczny, czy z wyboru? Mogę wam powiedzieć, że bardzo dobrze wiedział jak malować realistycznie (patrz obrazek poniżej), ale czy obecność lub brak wyboru jest jakimś rodzajem walidacji artystycznej ekspresji?
To niebezpieczna zasada do naśladowania, ponieważ może unieważnić każdą pracę wykonaną pod jakimikolwiek ograniczeniami, które mogą ograniczyć wolny wybór, jak wiedza techniczna, pieniądze, czas i inne. Jeśli spojrzysz wstecz na wszystko, czego do tej pory nauczyłeś się o historii sztuki, przekonasz się, że wszystko ma ograniczenia, a sztuka była kształtowana przez materiały, techniki, religię, społeczeństwo i wiele innych. Wszystkie zostały ukształtowane przez Zeitgeist.
Używanie braku lub obecności wyboru jako standardu dla jakości oznacza unieważnienie wielu dzieł w całej nowoczesnej i starożytnej historii. Dzieła sztuki, o których nie miałeś pojęcia, jak bardzo spaprany był ich proces – od ograniczeń technicznych, przez ograniczenia materiałowe, budżetowe, rozbieżności osobowościowe, po nawet problemy ze zdrowiem psychicznym, jeśli chcesz się w to zagłębić.
Tak więc minął Wiek Oświecenia (którego koniec rozpoczął się na początku 1800 roku), weszliśmy w myślenie relatywistyczne i nie było już szału na „realistyczną” graficzną reprezentację świata. I właśnie wtedy sztuka staje się bardziej skomplikowana.
Extremely Brief History of Modern and Contemporary Art
Pamiętasz okres romantyzmu, w którym chodziło o nostalgię, romantyzm, epickość oraz związek z naturą i historią?
Minęło kilka lat i niektórzy malarze postanowili skupić się na relatywnej rzeczywistości życia codziennego podczas ruchu zwanego impresjonizmem. Banalność mogła być piękna i warta kontemplacji dzięki poetyce światła i ruchu, które zostały wyrażone przez widoczne i emocjonalne pociągnięcia pędzla.
Nie było to realistyczne przedstawienie – które nie było już interesujące z powodu fotografii – ale było bogate i wniosło nowe życie do tego, co zwyczajne.
Kilku innych artystów wzięło te same zasady ekspresji poprzez kolor i fakturę i zbadało je jeszcze bardziej, nie bojąc się naprawdę zniekształcić tematu, aby naprawdę przekazać swoje subiektywne doświadczenie rzeczywistości. Nazwali to ekspresjonizmem.
Wtedy więcej artystów, a niektórzy z tych samych, zdecydowali się pójść i również zbadać subiektywność życia i istnienia, ale poprzez zniekształcenie kontinuum czasowego, łącząc przeszłość z teraźniejszością i przyszłością w wizualnej modzie. Niesamowita sprawa, prawda? To jest kubizm dla Ciebie.
Pamiętasz również rewolucję przemysłową? Wzrost technologiczny był wykładniczy, podobnie jak fascynacja ludzi. Ta grupa facetów podchwyciła kubistyczną koncepcję zaginania czasu i ceniła estetykę przyszłości jako jedyną rzecz, która miała znaczenie.
Szybkość, technologia, młodość, przemoc, industrializm, nacjonalizm, jakkolwiek to nazwać, futuryści się tym interesowali.
Już surrealizm polegał na wgłębianiu się w te błyszczące, nowe teorie Freuda, co zaowocowało całkiem interesującymi badaniami podświadomości.
Niektórzy robili to poprzez swoją technikę, podobnie jak ekspresjoniści, niektórzy robili to poprzez nagrywanie swoich pierwszych myśli po przebudzeniu się ze snu, niektórzy po prostu rysowali pierwszą rzecz, jaka przyszła im do głowy, próbując działać tak nieświadomie, jak to tylko możliwe podczas czuwania.
Podstawową ideą było przeniesienie autoekspresji na następny poziom, aby wydobyć z siebie wszystkie potencjalnie żenujące i naprawdę głębokie rzeczy.
Te eksploracje szły dalej i dalej, aż niektórzy osiągnęli absolutną abstrakcję. Niektórzy artyści, jak Kandinsky, który sam był muzykiem, zainspirował się możliwością kształtów i skojarzeń kolorów rozbrzmiewających w sobie.
W środku tego skupiska ruchów artystycznych, przyszedł Dadaiści dla niezbędnej kontroli rzeczywistości, aby utrzymać wszystkich na palcach. Dość mocno kwestionowali wszystko, co związane ze sztuką, w najbardziej hardcorowy sposób.
Wyobraź sobie następującą sytuację: jest rok 1917 i w środku wystawy stoi rzeźba, która nazywa się „Fontanna” i jest w zasadzie leżącym pisuarem. Zwiedzający nie potraktowali tego lekko i bardzo się zdenerwowali. Prawdopodobnie właśnie o to chodziło.
Dadaiści zmusili wszystkich do zakwestionowania estetyki i piękna, złamali ograniczenia, zbuntowali się przeciwko elitaryzmowi i oddzielili słowa od ich znaczenia. Ostatecznie, zmusili wszystkich do zastanowienia się nad definicją sztuki i nad tym, że być może „piękno” i „harmonia” niekoniecznie były koniecznymi wymogami.
Ten sam sposób kwestionowania idei harmonii i klasycznego piękna rozciągnął się na wszystkie dziedziny sztuki, tak przy okazji. Skupiłem większość przykładów i historii w malarstwie, ale tylko dlatego, że jest to najłatwiejsze do egzemplifikacji i porównania w artykule.
Ale wiele ciekawych rzeczy wydarzyło się w muzyce, jak to, że nagle można złamać skale i dopasować nuty, które wcześniej byłyby uważane za okropne połączenie. Taniec nie był już tak skupiony na elegancji i pozwalał sobie na bycie surowym i nieprzyjemnym, kiedy było to uzasadnione.
Dobrym przykładem przełamywania formy jest taneczna interpretacja Święta wiosny Igora Strawińskiego w wykonaniu Piny Bausch.
Przełamywanie form klasycznej i romantycznej estetyki okazało się świetnym sposobem na uzyskanie dostępu do szerszego zakresu emocji, idei i sposobów ekspresji.
Więc z upływem czasu nastąpił gwałtowny wzrost produkcji sztuki, a co za tym idzie, liczby ruchów artystycznych i nurtów myślowych. Było ich tak wiele, że ludzie zaczęli nazywać je po prostu Sztuką Współczesną, ponieważ termin ten odnosi się do sztuki, która jest produkowana w obecnym okresie czasu.
Były dziesiątki, jeśli nie setki, ruchów artystycznych, ale jeden, który pojawił się w tym czasie i warto o nim wspomnieć, to „Sztuka Koncepcyjna”: idea lub koncepcja jest najważniejszym aspektem pracy.
Po wielu wiekach skupionych na wykonaniu, tutaj stało się ono niedbałe i zbędne, a nacisk został położony na planowanie i podejmowanie decyzji przed wykonaniem.
Jednym z dobrych przykładów Sztuki Konceptualnej jest instalacja Maurizio Bolognini „Zaprogramowane maszyny” z 1988 roku, gdzie komputery osobiste zostały zaprogramowane do generowania strumieni stale rozszerzających się przypadkowych obrazów i pozostawione do uruchomienia ad infinitum (większość z nich nadal działa).
Podsumowanie
Konfrontacja z tego rodzaju dziełami sztuki, to moment, w którym zazwyczaj wszyscy przewracają oczami i nienawidzą Sztuki Współczesnej.
Mam nadzieję, że udało mi się przekazać wystarczająco dużo informacji, aby przynajmniej skłonić was do zastanowienia się dwa razy zamiast natychmiastowego odrzucania takich dzieł. I prawdę mówiąc, mam nadzieję, że udało mi się otworzyć wasze umysły i pomóc wam zrozumieć, że sztuka nie musi być ładna lub przyjemna w odbiorze.
Sztuka nie musi być głęboko emocjonalnym lub intelektualnym doświadczeniem, które od razu zwali was z nóg. Jeśli cokolwiek, doświadczenie, które masz ze sztuką zależy bardziej od tego, jak zdecydujesz się na interakcję z nią, niż od jej własnych cech.
Przynosisz ze sobą całą swoją wiedzę i bagaż życiowy i w końcu, cieszenie się sztuką będzie twoim własnym subiektywnym doświadczeniem, a ty wybierasz, jak głęboko chcesz się zagłębić.
„Sztuka zaczyna się wtedy, gdy człowiek, w celu przekazania innym ludziom uczucia, którego kiedyś doświadczył, przywołuje je ponownie w sobie i wyraża przez pewne zewnętrzne znaki.” – 1897 / Czym jest sztuka Tołstoj, s.38
„Wszyscy wiemy, że sztuka nie jest prawdą. Sztuka jest kłamstwem, które uświadamia nam prawdę.”
-1972 / Pablo Picasso cytowany w Dore Ashton’s Picasso on Art
„Same idee mogą być dziełami sztuki… Wszystkie idee nie muszą być urzeczywistnione fizycznie… Dzieło sztuki może być rozumiane jako przewodnik od umysłu artysty do umysłu widza. Ale może ono nigdy nie dotrzeć do widza, albo może nigdy nie opuścić umysłu artysty.” – 1994 / Sol LeWitt cytowany w Art and Its Significance przez Stephena Davida Rossa
„To, czy pan Mutt własnymi rękami wykonał fontannę, czy nie, nie ma żadnego znaczenia. On ją wybrał. Wziął zwykły artykuł życia, umieścił go tak, że jego użyteczne znaczenie zniknęło pod nowym tytułem i punktem widzenia (i) stworzył nową myśl dla tego przedmiotu.” – 1917 / The Blind Man, 2 wydanie, autorstwa Marcela Duchampa, Beatrice Wood i Henri-Pierre Roché
Uznałeś ten artykuł za przydatny? Te również mogą Ci się spodobać!
- Minimalizm czy Brutalizm: który wybrać?
- Potrzebujemy uspokoić naszą technologię
- Prezentacja Service Design i dlaczego powinieneś się nią zainteresować
.