The Köln Concert
Jarrett (p). Rec. 1975
Jarrett irrompeu na cena internacional do jazz como parte do inovador Charles Lloyd Quartet dos últimos anos 60, passou a dirigir o seu próprio trio, juntou-se brevemente às sopas de vudu electrónico Miles Davis do início dos anos 70, depois retirou-se para a música acústica e um reexame do que estava a tentar alcançar na sua música. Isto levou a um eclipse temporário no seu perfil na primeira metade dos anos 70, embora a sua criatividade tenha continuado a diversificar-se e a aprofundar-se. Perito em recitais a solo (o seu Facing You for ECM em 1970 foi um forte prenúncio), iniciou uma série de recitais em concerto para a editora Manfred Eicher que atraiu aclamação e o crescente interesse do público, mas ninguém estava preparado para o que aconteceu ao The Köln Concert quando este apareceu. Uma longa série de improvisações intensamente rítmicas que se tornaram hipnóticas e infinitamente repetíveis em turntables de todo o mundo, o álbum tornou-se um bestseller de boca em boca, escapando rapidamente aos limites da comunidade de ouvintes de jazz e espalhando-se pelas salas de estar de pessoas que nunca ouviram, e muito menos possuíram, outro álbum de jazz. Este continua a ser o caso de Jarrett e do disco, que não é apenas um ponto de viragem do jazz por direito próprio, mas um dos discos mais vendidos do género. (KS)
Mahavishnu Orchestra
John McLaughlin (g), Jerry Goodman (vln), Jan Hammer (chave), Rick Laird (b) e Billy Cobham (d). Rec. 1972
Formada em 1971, a Orquestra Mahavishnu original continua sendo o maior feito do guitarrista John McLaughlin. Ela iluminou o céu noturno por quase dois anos, tudo foi tocado a 500mph com as pilhas de Marshall, que subiram para onze. Deixou o público admirado, e de repente desapareceu. McLaughlin redefiniu o papel da guitarra no jazz, Cobham, a bateria e a banda estabeleceram novos padrões na coesão do conjunto. Eles fizeram isso sem soar glib, um truque que sua legião de seguidores nunca imaginou. Eles também venderam álbuns em números pop e tocaram em estádios de rock de arena. Nem mesmo eles se deram conta de como eram grandes até que tudo tivesse acabado. (SN)
Herbie Hancock
Herbie Hancock (ky), Bennie Maupin (saxes, fl, b cl), Paul Jackson (b), Harvey Mason (d) e Bill Summers (perc). Rec. 1973
Pode ter sido jazz-rock depois de Bitches Brew, mas depois de Head Hunters jazz-funk foi o sabor de jour. Inspirado no ‘Obrigado (Falettinme Be Mice Elf Agin)’ do Sly and the Family Stone, há até uma faixa de tributo chamada ‘Sly’. O lançamento representou uma reviravolta de proporções espetaculares da direção mais esotérica mapeada em Crossings e Sextant para um álbum que apontava diretamente para a pista de dança que foi onde pontuou. ‘Chameleon’, o single retirado do álbum (também um grande sucesso para Maynard Ferguson), acelerou o gráfico da Billboard para o número 13 e fez deste um dos álbuns de jazz mais vendidos de todos os tempos. (SN)
Weather Report
Joe Zawinul (ky), Wayne Shorter (ts, ss), Jaco Pastorius (b), Alex Acuña (d) e Manolo Badrena (perc). Rec. 1976
Por vezes, ao ouvir Weather Report no seu melhor e este é um dos seus melhores, vale a pena beliscar-se como um lembrete de que no seu coração, esta banda compreendia uma das configurações jazz mais básicas do jazz. É simplesmente, saxofone, piano, baixo, bateria e percussão. Depois, ouça o ‘Birdland’, mais tarde coberto por Manhattan Transfer e Maynard Ferguson, e maravilhe-se. Ouça o impulso que Pastorius dá à banda, especialmente em suas próprias composições ‘Havona’ e ‘Teen Town’. Chegando ao número 30 na tabela do álbum Billboard, ainda hoje o Heavy Weather permanece tão impressionante em seu efeito geral quanto no dia em que foi feito. (SN)
Bright Size Life
Pat Metheny (g), Jaco Pastorius (b) e Bob Moses (d). Rec. 1975
A primeira floração do grande talento de Metheny como artista de gravação por direito próprio veio com este trio impressionante que ele liderou enquanto ensinava na Berklee School of Music e um membro do grupo do dia de Gary Burton. Nesta fase da carreira (ele tinha 21 anos), Metheny deu ao Pastorius somersaulting para o palco e fazendo back flips fora de sua caixa de som, e esta mistura da exuberância de Pastorius e da intensidade de Metheny, moderada pelo gosto impecável de Bob Moses empresta um frescor a este álbum que faz parecer como se fosse gravado ontem. (SN)
Afric Pepperbird
Jan Garbarek (ts, fl), Terje Rypdal (g), Arild Andersen (b) e Jon Christensen (d). Rec. 1970
Desde a faixa de abertura ‘Scarabee’, o mundo do jazz fora da Escandinávia foi introduzido a uma sensibilidade nórdica no jazz, o Tom Nórdico. Intensidade, significado e espaço são essenciais para compreender o que é provavelmente a abordagem mais mal compreendida da improvisação do jazz. Garbarek combina a intensidade de Albert Ayler e a economia de Dexter Gordon, mas reinscreve-as com alusões folclóricas nórdicas, para produzir, nas palavras do produtor Manfred Eicher “uma alternativa à abordagem americana do jazz”, uma abordagem que ele defende até hoje. (SN)
Return To Forever
Corea (el p), Joe Farrell (f, ss), Stanley Clarke (el b), Airto Moreira (d, perc) e Flora Purim (v). Rec. 1972
Na época em que ele fez esta data, Corea já havia trabalhado em uma fase de avant-garde e saído para as planícies ensolaradas de sua própria imaginação musical de base latina. Sempre esteve presente na sua música, mas agora, casando o élan e o espírito elevado de Flora Purim e Airto com as suas próprias inclinações naturalmente ebuliente e melodicamente edificantes, Corea, de repente, não só deu um passo à frente, ultrapassando a escuridão stentoriana e o machismo dos outros fusioneiros da época, como redefiniu exactamente o que deveria ser o jazz latino. A música intoxicante tocada por mestres faz deste um marco de era-definição. (KS)
The Audience With Betty Carter
Betty Carter (v), John Hicks (p), Curtis Lundy (b) e Kenny Washington (d). Rec. 1979
Escutar este álbum é uma experiência catártica. ‘Sounds’ é uma tour de force de scat através de tempos e medidores que duram 25 minutos, onde em um ponto, Carter, Hicks, Lundy e Washington tocam cada um em um medidor diferente. O destaque do álbum é ‘My Favorite Things’ tomado em um ritmo acelerado com Hicks em seu mais explosivo enquanto seu acompanhamento floresce em uma contra-linha ao canto de Carter e pelo coda que pode dizer se a voz ou o piano predomina? Dizer que este é um dos melhores álbuns vocais de jazz já feitos é limitativo; ele figura entre os grandes álbuns de jazz contemporâneos. (SN)
Tales Of The Algonquin
John Surman (bs, ss), John Warren (bs, f), Mike Osborne (as, cl), Alan Skidmore (ts, fl), Kenny Wheeler, Harry Beckett (t, flhn), John Taylor (p), Barre Phillips, Harry Miller (b), Alan Jackson e Stu Martin (d). Rec. 1971
Como o álbum do canadense John Warren como colega barítono do John Surman, este disco dizia que Surman era uma estrela no ascendente. Tantos álbuns de jazz do Reino Unido poderiam preencher esta vaga, mas isto tem o voto para o seu extasiante e exuberante tocar de Surman e companhia e incrível, desafiando a escrita de Warren. Esta foi uma gloriosa prova da confiança recém-descoberta do jazz britânico. O sucesso de Warren está na forma como se mantém dentro da tradição da grande banda, mas estende-a incorporando elementos de livre actuação, conduzindo poderosos polirritmos e complexas camadas dos seus recursos instrumentais. Uma alegria absoluta e indiscutível. (DH)
The Colours of Chloë
Weber (b, cello, ocarina), Rainer Bruninghaus (p, syn), Ack van Rooyen (flhn), Peter Giger, Ralf Hübner (d, perc), e os violoncelos da Orquestra Südfunk de Stuttgart. Rec. 1973
Eberhard Weber’s debut album was one of the most significant opening volleys of ECM’s arrived in the jazz world as an arbiter of modern taste. Completamente desprovido de qualquer dos americanismos da moda da época, a sua música estava cheia de luz e cor derivada das tradições clássicas e cinematográficas modernistas europeias. Como tal, oferecia uma piscina de delícias completamente fresca para pescar. Usando sua sinuosa técnica do baixo para articular a melodia como ninguém tinha antes, Weber alternou um suporte de cordas sumptuosamente severo com pequenos padrões de teclado e percussão para um enorme efeito atmosférico. Entrançando. (KS)
Music Improvisation Company
Jamie Muir (perc), Hugh Davies (elec), Evan Parker (ss), Derek Bailey (el g) e Christine Jeffrey (v).
Rec. Ago 1970
MIC representa o ponto de separação entre free jazz e free improvement. Da sua perspectiva, toda uma série de trajetórias são visíveis – no caso de Evan Parker o uso da eletrônica ao vivo e a crescente dependência do soprano levando eventualmente ao Ensemble Eletro-Acústico. Ele marca um afastamento da criação de edificações sônicas poderosas e enormes ou de formas e texturas imitadoras da natureza para uma viagem, com apenas um pouco de exagero, ao DNA do próprio som. Menos preocupado com o global ou cósmico, MIC explorou o micro-universo através do conceito de improvisação não-idiomática. Estranho, perturbador mas estranhamente atraente.(DH)
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