As Artes e Entretenimento dos anos 60: Tópicos nas Notícias

OS MÓVEIS GET HIP
O ROLL REGISTA O SEU DANGERO EDGE
O SONO MÓVEL
A ARTE MÓVEL
NOVAS VOZES EM TEATRO E LITERATURA
PONTOS DE TELEVISÃO PARA A TESTA E VERDADEIRA

Os MÓVEIS GET HIP

A década de 60 viu mudanças radicais na produção e conteúdo dos filmes. Quando a década começou, o sistema de estúdio (no qual os grandes estúdios controlavam toda a produção de filmes) estava em seu declínio final. Menos filmes estavam sendo feitos nos estúdios de Hollywood; mais estavam sendo filmados no local. Menos

projetos estavam sendo iniciados pelos próprios estúdios; ao invés disso, as estrelas e diretores estavam escolhendo seus próprios projetos. As produções brilhantes e de grande orçamento ainda se revelavam populares. Por exemplo, filmes de ação e aventura como Dr. No (1962), From Russia With Love (1963), e Goldfinger (1964), todos com Sean Connery (1930-) como superespião James Bond, eram favoritos do público. The Sound of Music (1965), um musical de Hollywood tradicionalmente estruturado que oferecia um entretenimento familiar saudável, foi um sucesso de sucesso de bilheteria. Mas no final da década, filmes de grande orçamento se tornariam consistentemente bustos de bilheteria, como evidenciado pelos fracassos de musicais tão prodigiosamente produzidos como Star! (1968) e Darling Lili (1970).

As classificações da MPAA

Durante os anos 60, um declínio no poder do Código de Produção, que anteriormente tinha determinado o conteúdo dos filmes americanos, resultou em grandes mudanças no que podia ser visto nas telas de cinema. Quantidades crescentes de nudez, linguagem gráfica e violência estavam aparecendo nos principais filmes cinematográficos. Para evitar a censura governamental, a Motion Picture Association of America (MPAA) inaugurou um sistema voluntário de classificação para ajudar a orientar os espectadores com relação ao conteúdo dos filmes. As classificações originais da MPAA eram G (público geral); M (público maduro); R (restrito; ninguém menor de dezessete anos admitido sem pais ou responsáveis); e X (admissão restrita a maiores de dezoito anos).

A suposição era de que apenas produtos da indústria de filmes sexuais ganhariam X classificações, mas esse não era o caso. Midnight Cowboy (1969), dirigido por John Schlesinger (1926-), uma crónica escaldante sobre a amizade entre dois fracassados em Nova Iorque, tornou-se o primeiro filme com classificação X a ganhar um prémio da Academia de Melhor Filme. Ganhou sua classificação X não por nudez, mas por seu retrato gráfico de sexo e violência.

Dois filmes em particular captaram a imaginação dos jovens durante a década, e alteraram a face da produção cinematográfica: The Graduate (1967), dirigido por Mike Nichols (1931-), sobre um graduado universitário alienado lutando para encontrar seu lugar no mundo; e Easy Rider (1969), dirigido por Dennis Hopper (1936-), que traça as façanhas de dois motociclistas traficantes de drogas enquanto caminhavam por uma América muitas vezes hostil. Ambos os filmes apresentaram pequenos orçamentos, jovens atores (Hopper, Peter Fonda, Jack Nicholson, Dustin Hoffman e Katharine Ross) e trilhas sonoras carregadas de música contemporânea (músicas de Simon e Garfunkel em The Graduate, música de The Byrds, Steppenwolf, The Band, Jimi Hendrix e outros em Easy Rider). Dois outros filmes que repercutiram entre os jovens foram Bonnie e Clyde (1967), dirigido por Arthur Penn (1922-), que retratou os criminosos da vida real Bonnie Parker (1910-1934) e Clyde Barrow (1909-1934) como heróis populares americanos; e 2001: A Space Odyssey (1968), uma fantasia de ficção científica de referência, dirigida por Stanley Kubrick (1928-1999).

Como resultado desses sucessos, Hollywood tornou-se mais voltada para a juventude, com uma nova geração de jovens cineastas substituindo cineastas da velha guarda no centro do poder de Hollywood. Enquanto isso, líderes não tradicionais como Walter Matthau (1920-2000), George C. Scott (1926-1999), e Gene Hackman (1931-), todos essencialmente atores de personagens, tornaram-se grandes estrelas de Hollywood.

ROCK AND ROLL REGAINS ITS DANGEROUS EDGE

Nos anos 60 como no final dos anos 50, o rock and roll – um novo tipo de música que era alta e emocional, e enraizada no country rockabilly, gospel, rural blues, e no ritmo urbano e blues – era a música mais popular entre os jovens. No início da década, no entanto, o rock and roll havia desbotado em popularidade desde o seu aparecimento inicial no final da década de 1950 e estava em declínio por várias razões. Elvis Presley (1935-1977), o rock and roll mais aclamado dos anos 50, tinha entrado para o Exército dos Estados Unidos e estrelas em ascensão Buddy Holly (1936-1959), Ritchie Valens (1941-1959) e J. P Richardson, mais conhecido como “The Big Bopper” (1930-1959), tinha morrido num acidente de avião.

O Elvis que emergiu das forças armadas em 1960 tinha amadurecido do abanão da anca, ícone sexual que tinha parecido tão desafiador em 1956 e 1957. Nos primeiros anos da década, os gráficos pop foram dominados por giros, mas sexualmente seguros, gargantas de adolescente como Frankie Avalon, Bobby Rydell, Ricky Nelson, Bobby Vee, e Fabian. Os dez maiores sucessos incluíram músicas de amor sentimental e variações de doo-wop e dance music dos anos 50.

Rock and roll pode ter perdido alguma da sua perigosa vantagem, mas esta falta de energia foi temporária. A música foi revivida como uma grande força cultural com o que veio a ser conhecido como a Invasão Britânica. Em meados dos anos 60, grupos de artistas britânicos invadiram as paradas de música pop, após o enorme sucesso dos Beatles em 1964. Entre eles estavam The Rolling Stones, The Yardbirds, Gerry e The Pacemakers, The Dave Clark Five, Peter e Gordon, e The Animals. No auge da invasão britânica, a suposição comum era que os sons musicais que emanavam do outro lado do mar tinham tido origem ali. Isto não era assim. Em vários momentos, os roqueiros britânicos reconheceram livremente a influência de lendas afro-americanas do rock dos anos 50 como Chuck Berry (1926-) e Little Richard (1935-).

Evolution and Revolution in Music

Uma gama de estilos musicais orientados para o rock gozaram de uma breve popularidade durante os anos 60. No início da década, os estilos musicais favoritos eram, na sua maioria, pop-oriented e eram docemente inocentes. Em canções como “Johnny Angel”, “Angel Baby” e “My Guy”, o amor era retratado como doce, puro e simples. Grupos femininos como The Chiffons, The Shirelles, The Marvelettes, The Shangri-Las, The Ronettes e The Crystals faziam perguntas musicais, como “Você ainda vai me amar amanhã?” e faziam declarações musicais, como “Ele está tão bem!” e “Meu namorado está de volta e você vai estar em apuros”. Entretanto, grupos da Costa Oeste como The Beach Boys celebraram o sol, o surf e “California Girls”.

Quando os anos 60 chegaram ao fim, uma revolução cultural tinha engolido a juventude da América. Essa revolução se refletiu na música. Muitos sons musicais eram difíceis de ouvir e flagrantemente relacionados com drogas. As Portas cantavam de não poder subir muito mais, enquanto o Jefferson Airplane fazia referências ao uso de drogas quando observava que certas pílulas te faziam maior, enquanto outras te faziam pequeno – “e as que a Mãe te dá não fazem nada.”

Os dois grupos britânicos com maior durabilidade foram os The Rolling Stones, liderados pelo seu controverso e carismático vocalista, Mick Jagger (1943-), e The Beatles, um quarteto de esfregonas cujos membros eram John Lennon (1940-1980), Paul McCartney (1942-), George Harrison (1943-2001), e Ringo Starr (1940-). Desde o início, The Rolling Stones foram os meninos maus. Enquanto eles sugeriam musicalmente para suas fãs femininas, “Vamos Passar a Noite Juntos”, os Beatles (também conhecidos como os Fab Four) estavam mais inocentemente harmonizando, “Eu Quero Segurar Sua Mão”. No entanto, os Beatles, tanto pessoalmente quanto musicalmente, iriam sofrer mudanças de longo alcance durante a década, transformações que espelhavam diretamente a evolução do rock and roll. Seus sons progrediram do rock and roll inspirados (“She Loves You”, “I Wanna Hold Your Hand”, “Love Me Do”, “Twist and Shout”) para artísticos, introspectivos e assombrosamente belos (“A Day in the Life”, “Yesterday”, “Eleanor Rigby”), inspirados em drogas (“Strawberry Fields”, “Lucy in the Sky with Diamonds”), e espirituais (“Love You To”, “Let It Be Be”). Os Beatles expandiram os limites do rock experimentando com instrumentação, por exemplo George dominou a cítara, que tocou em vários cortes dos Beatles, assim como orquestração e composição.

Música de base em geral seguiu a tendência dos The Beatles. A partir da doce sinceridade do início da década, o rock and roll tornou-se mais duro, mais escuro e mais alto. Refletindo o espírito da época, os músicos de rock cantaram sobre sua raiva no “The Establishment” e sua experimentação com drogas e sexo casual. No final da década, o rock and roll não só tinha recuperado, mas na verdade tinha aumentado sua reputação como música de raiva e rebelião juvenil.

Rock Festivals

Nos anos 60, o festival de rock tornou-se um local privilegiado para os amantes da música se reunirem em um ambiente ao ar livre e saborear os sons de seus artistas preferidos. Um dos primeiros festivais mais lendários foi o Monterey International Pop Festival de 1967, que apresentou um quem é quem das estrelas do rock, incluindo Jimi Hendrix, Otis Redding, Janis Joplin, The Who, The Jefferson Airplane, e The Mamas and the Papas. O evento foi relatado em Monterey Pop (1969), o primeiro documentário importante de concerto de rock.

De longe o festival de rock mais famoso foi a Feira de Música e Arte de Woodstock, realizada em Agosto de 1969. Durante um fim-de-semana de três dias, com chuva, uma multidão animada, entre 400.000 e 500.000 pessoas, convergiu para uma quinta de porcos de 600 acres, perto de Bethel, Nova Iorque. Apesar do mau planejamento e do caos geral, a multidão permaneceu calma. Os animadores incluíram um elenco de talentos de estrelas, desde Country Joe e The Fish, Joe Cocker, Canned Heat e Crosby, Stills, Nash e Young até Janis Joplin, Jimi Hendrix e The Who. O evento foi relatado em Woodstock (1970), um documentário premiado pela Academia.

Unlike Woodstock, no entanto, nem todos os festivais de rock foram cheios de paz e amor. O festival Altamont, realizado na Califórnia quatro meses depois de Woodstock, foi um caso feio e violento durante o qual um festivaleiros foi assassinado.

Como os anos 50 haviam encerrado com as mortes de Holly, Valens e Richardson, os anos 60 também terminaram com a morte de três das lendas do rock da década: Janis Joplin (1943-1970), Jimi Hendrix (1942-1970), e Jim Morrison (1943-1971), vocalista principal de The Doors. No entanto, a diferença nas eras é indicada pela forma como estas três expiraram. Joplin e Hendrix morreram de overdose de drogas. Morrison supostamente foi atingido por um ataque cardíaco, mas seus hábitos conhecidos de abuso de drogas levaram a rumores de que sua morte também estava relacionada a drogas.

O SONHO DE MOTOWN

Quando se pensa nos principais cantores e músicos afro-americanos dos anos 60, uma palavra vem à mente: Motown. Na verdade, Motown – uma abreviação de “motortown”, um nome de gíria para Detroit, a casa da indústria automobilística americana – primeiro era o nome de uma gravadora. Foi fundada em 1959 por Berry Gordy Jr. (1929-), um compositor, produtor de discos e editor de canções que veio de Detroit. Barrett Strong’s “Money”, The Marvelettes “Please Mr. Postman”, The Miracles’ “Shop Around”, Mary Wells’ “You Beat Me to the Punch”, e The Contours’ “Do You Love Me” estavam entre os primeiros sucessos da companhia. Durante a década de 1960, Motown teve um sucesso fenomenal; em meados da década, tornou-se a corporação de propriedade negra mais lucrativa da América. Dos 535 singles emitidos pela Motown durante a década, um espantoso 357 foram êxitos. Em 1988, Gordy vendeu a Motown à MCA por $61 milhões.

O som da Motown era distinto. A equipe de produção de músicas de Eddie Holland (1939-), Lamont Dozier (1941-) e Brian Holland (1941-), popularmente conhecido como Holland/Dozier/Holland, merece muito do crédito pela sua evolução. O melhor da Motown combinou elementos de ritmo e blues com gospel; por uma boa razão, também era conhecida como “música soul”. No entanto, os sons da Motown também eram saltitantes e dançáveis, e apelavam tanto para os adolescentes brancos como para os negros. Gordy até inventou uma frase para ser usada para comercializar sua música: “The Sound of Young America”

Entre a lista de artistas da Motown que se tornaram superestrelas e lendas da música dos anos 60 foram The Miracles, que gravou uma série de sucessos depois de “Shop Around”, com o vocalista Smokey Robinson (1940-) se tornando um praticante modelo do som da Motown. The Temptations foi um dos grupos mais amados da Motown; a sua gravação de “My Girl”, uma das favoritas da época, combinou harmonias memoráveis. Marvin Gaye (1939-1984) foi um solista influenciado pela música gospel, cujo single dos anos 60 foi “I Heard It Through the Grapevine”, também gravado por Gladys Knight (1944-) e The Pips, outro número vintage da Motown. O álbum visionário de Gaye de 1971, What’s Going On, combinou doses maciças de soul, coração e humanismo.

Little Stevie Wonder (1950-) tinha apenas doze anos de idade quando ele desfrutou de um sucesso esmagador com “Fingertips (Parte 2)”. No entanto, Stevie não tinha

uma maravilha. Ele amadureceu artisticamente, largou o “Little” da sua facturação, e gravou êxitos como “For Once in My Life”, “I Was Made to Love Her”, e “My Cherie Amour”. Os Quatro Tops foram encabeçados pelo carismático vocalista Levi Stubbs (1936-); entre suas gravações mais exuberantes estavam “Baby I Need Your Loving”, “I Can’t Help Myself”, e “Reach Out I’ll Be There”. As Supremes foram os primeiros sucessos da Motown, com “Where Did Our Love Go” tornando-se o primeiro dos seus doze êxitos número um. A vocalista do Supremes, Diana Ross (1944-), passou a desfrutar de uma carreira de sucesso como solista. Mas foram Martha e The Vandellas, com a vocalista Martha Reeves (1941-), que gravaram o que sem dúvida foi o único single que captou a essência de Motown: “Dancing in the Street”, uma música de dança dos anos 60.

POP ART

Pop Art foi o movimento artístico reinante dos anos 60. Pop Artists oferecia comentários sobre a trindade da cultura popular, incorporando imagens produzidas em massa e orientadas ao consumidor em suas pinturas, esculturas e gravuras: logotipos de produtos comerciais, por exemplo, ou objetos do cotidiano e semelhanças de celebridades. A questão era que tais imagens estão tão enraizadas na nossa cultura e na nossa consciência que se tornam uma forma de arte. Para fazer valer seu ponto de vista, artistas da década reproduziram essas imagens como obras de arte, para serem penduradas em paredes de museus ou galerias.

Aretha e Otis

Nem todos os principais cantores negros dos anos 60 foram filiados à Motown. Aretha Franklin (1942-), cuja formação era em música gospel, foi talvez a solista feminina mais eletrizante da década. Suas gravações cheias de alma de “Baby I Love You”, “Chain of Fools” e, em particular, “Respect” são as favoritas do final da década de 1960. O apropriadamente intitulado “Lady Soul” de Franklin é um álbum clássico de música soul.

Otis Redding (1941-1967), um dinâmico cantor de soul, foi outra baixa da época. Ele era uma estrela em ascensão quando morreu num acidente de avião em 1967. No ano seguinte, “Dock of the Bay”, outra obra-prima do final da década de 1960, tornou-se o seu maior single. Se ele tivesse vivido, Redding poderia ter se tornado uma super estrela.

Andy Warhol (1930-1987), o guru da Arte Pop, ganhou celebridades internacionais duplicando imagens de latas de sopa Campbell, garrafas de Coca-Cola, caixas de sabonete Brillo, e imagens estilizadas de ícones da cultura pop como Marilyn Monroe (1926-1962). Eventualmente, ele se tornou um cineasta de vanguarda. Os seus primeiros esforços evitam qualquer responsabilidade de contar uma história. Entre os mais famosos estavam Sleep (1963), que retratou um homem dormindo por oito horas, e Empire (1965), uma imagem noturna contínua do Empire State Building de Nova York. Warhol acabou incorporando enredos, mas seus roteiros eram insubstanciais, se não totalmente improvisados, e seus intérpretes não eram tanto atores, mas um sortimento estranho de artistas, groupies, e personalidades coloridas. Um número tornou-se Warhol “superestrelas”, e muitos eram conhecidos por seus pseudônimos propositalmente pegajosos: Viva!; Candy Darling; Holly Woodlawn; Ultra Violet; Ondine; Mario Montez; e Ingrid Superstar. Warhol também foi um auto-promotor especializado, e sua declaração de que, em nossa mídia e cultura obcecada por celebridades, todos serão famosos por quinze minutos transcendeu sua própria celebridade e viveu muito além de sua morte.

Outros artistas pop importantes incluem Jasper Johns (1930-), que pintou alvos e versões da bandeira americana; James Rosenquist (1933-), que reproduziu imagens de outdoors; Jim Dine (1935-), que prendeu objetos como ferramentas, molas de cama e descartou roupas em suas telas; Roy Lichtenstein (1923-1997), que pintou painéis de quadrinhos coloridos e de grandes dimensões; Robert Rauschenberg (1925-), cujas colagens combinaram fotografias de revistas, jornais e tintas; Claes Oldenburg (1929-), que produziu esculturas de produtos de consumo maiores que a vida; e Wayne Thiebaud (1920-), que escolheu objetos de comida como assunto. Alguns dos títulos de Thiebaud: “Saladas, Sanduíches e Sobremesas”; “Maçãs doces”; e “Cupcake”, espelha a essência da Pop Art.

Dois outros movimentos artísticos que surgiram nos anos 60 foram Op Art, em que os artistas empregaram ilusões ópticas de profundidade ou movimento, e Minimalismo, em que os artistas avistaram desenhos geométricos puros, de cor plana e com arestas duras. Durante a última parte da década, o termo Minimalismo também descreveu um novo movimento na música. Enquanto as obras de alguns compositores se tornavam cada vez mais complexas, outros baseavam as suas criações na música africana e asiática, empregando instrumentos mais simples que repetiam frequentemente frases e ritmos. Philip Glass (1937-) é talvez o compositor minimalista mais conhecido.

Cada um destes movimentos causou uma agitação no mundo da arte. Muitas pessoas reclamaram que Pop Art, Op Art, e Minimalismo não exigiam originalidade ou talento. Os argumentos sobre tal arte chamaram quase tanta atenção quanto as próprias obras, ajudando a fazer celebridades de Warhol e outros.

American Theatre Wing Antoinette Perry Awards (Tony Awards)

NOVAS VOZES EM TEATRO E LITERATURA

O início dos anos 60 viu uma série de musicais de sucesso a chegar à Broadway, incluindo The Unsinkable Molly Brown; Bye Bye Bye Birdie; How to Succeed in Business Without Really Trying; A Funny Thing Happened on the Way to the Forum; Olá, Dolly!Funny Girl; e Fiddler on the Roof. No entanto, o evento de palco que definiu a última parte da década foi Hair, um novo tipo de musical. Hair, que chegou à Broadway em 1968, celebrou a cultura jovem da época, retratando personagens fora da corrente principal como hippies sexualmente liberados, hippies usuários de drogas e manifestantes de guerra anti-vietnamitas. Hair também foi experimental na medida em que se concentrava no conteúdo temático e na representação de um estilo de vida, em vez de enredo e desenvolvimento de personagens. Sua partitura foi inspirada no rock, e Hair pode ser rotulado como o musical de rock original. Também se tornou bem conhecida por uma breve mas controversa cena nua no final do Acto I.

Paralleling the British Invasion in music, uma nova geração de dramaturgos do Reino Unido, incluindo Harold Pinter (1930-) e Tom Stoppard (1937-), desfrutou de sucesso no palco americano. Também surgiram novos escritores americanos. Edward Albee (1928-) foi talvez o mais aclamado. O maior sucesso de Albee foi Who’s Afraid of Virginia Woolf? (1962), um drama que destacava a conversa amarga entre dois casais durante uma noite turbulenta. Neil Simon (1927-), talvez o dramaturgo de maior sucesso comercial de todos os tempos, inaugurou uma longa série de comédias de luz durante a década.

Prêmios Pulitzer em Ficção

Meanwhile, the hot new books spotlighted black humor and youthful alienation. Kurt Vonnegut Jr. (1922-) publicou uma série de romances cínicos de ficção científica, incluindo Cat’s Cradle (1963), God Bless You, Mr. Rosewater (1965), e Slaughterhouse Five (1969), que eram os favoritos nos campi universitários. O herói de One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1962), de Ken Kesey (1935-2001), foi Randle J. McMurphy, um paciente mental espirituoso que tenta subverter uma burocracia autoritária. Outro clássico da época foi Catch-22 (1961), de Joseph Heller (1923-1999). O título do romance rapidamente se tornou parte da língua americana. O personagem principal de Heller é Yossarian, um bombardeiro da Segunda Guerra Mundial que deseja parar de lutar e voltar para casa. O único problema é que, para isso, ele precisa voar em missões de combate adicionais. “Catch-22” agora refere-se a qualquer coisa pouco razoável ou ilógica. Por exemplo, você é rejeitado para um trabalho porque lhe falta experiência – ainda assim, como você pode ganhar experiência se ninguém vai contratá-lo? O tom antiguerra/burocracia antimilitar do livro também ressoou com os jovens.

TELEVISÃO DE ESTRELAÇÕES AO TRIED E VERDADEIRO

A maior parte dos anos 60 foi uma década de negócios como de costume para a indústria televisiva. Uma série de drama, comédia, aventura, ficção-científica e variedades entretinha milhões de espectadores, com alguns – incluindo The Dick Van Dyke Show (1961-66), The Andy Griffith Show (1960-68), The Twilight Zone (1959-65), Mission: Impossível (1966-73), e Star Trek (1966-69) – que se tornaram clássicos de boa fé em pequenas telas.

Shows featuring a range of characters, from doctors (Dr. Kildare , Ben Casey ) to rubes (The Beverly Hillbillies , Petticoat Junction , Green Acres ), were popular. No entanto, se uma série de TV refletiu as mudanças na cultura americana durante a década, foi Rowan & Martin’s Laugh-In (1968-73), um programa de variedades marcantes que apresentava comédia inovadora e maluca. Os jovens, em particular, adoravam o programa por seu humor pateta e senso de maldade. Uma série de frases de engate introduzidas no programa vieram em uso comum, incluindo “sock it to me”, “here come da judge”, e “you bet your sweet bippy”

Na área de notícias, a influência dos jornalistas de TV sobre seus colegas de imprensa continuou a crescer em uma tendência que tinha começado durante a década anterior. Dois acontecimentos singulares prefiguraram o futuro no que diz respeito ao poder absoluto da televisão e ao impacto do meio na cobertura jornalística e nas campanhas políticas. O primeiro: os debates televisivos entre os candidatos presidenciais John F. Kennedy (1917-1963) e Richard M. Nixon (1913-1994) durante as eleições de 1960, dos quais surgiu a noção de que os eleitores olharão favoravelmente para um candidato com base na sua aparência, e não no que ele diz. A segunda: a cobertura ao vivo dos acontecimentos após o assassinato do Presidente John F. Kennedy, em 22 de novembro de 1963, que serviu para unir a nação em tempo de luto.