Deditar uma palestra ou palestras sobre a história da fotografia apresenta aos alunos a oportunidade de considerar as dimensões estética, cultural e social da arte através de um meio com o qual eles se envolveram ao longo de suas vidas. A palestra de fotografia é, portanto, um bom lugar para discutir temas maiores como a relação de um original com uma cópia, uma imagem ao seu suporte material e representação da realidade.
Escopo: Desde meados do século XIX, a fotografia era considerada uma representação objectiva da realidade, apesar das suas limitações no que respeita à captação de cor ou movimento e da sua capacidade de manipulação. Esta lição desafia os alunos a reflectir sobre aqueles aspectos contraditórios mas inseparáveis da fotografia para considerar o papel da fotografia na ciência e na arte do século XIX. Esta lição foca como fotógrafos exploraram as possibilidades do novo meio em uma variedade de gêneros, incluindo retratos, documentação científica e fotografia de viagem, e finalmente como um meio de massa e ferramenta de persuasão.
Em uma hora e quinze minutos, estes temas podem ser explorados através de muitas fotografias, incluindo:
Imagens:
- Joseph Nicéphore Niépce, View from the Window at Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, c. 1839
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth and Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Casa de um Rebel Sharpshooter, 1863
- Maxime Du Camp, Estátua de Ramsés o Grande em Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in the Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
- (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Japão, c. 1870
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Fotógrafo desconhecido, Swimming Party, c. 1890
A descoberta da fotografia foi anunciada publicamente em janeiro de 1839 na Academia de Ciências em Paris. O artista e inventor do diorama Louis-Jacques-Mandé Daguerre foi creditado com a invenção do que ficou conhecido como o daguerreótipo (uma imagem fotográfica única capturada numa superfície altamente polida de uma placa de cobre). Os levantamentos fotográficos canónicos celebram frequentemente Daguerre como o inventor da fotografia, apesar de terem havido numerosas experiências anteriores para fixar a imagem da câmara obscura (latim para “sala escura”, um dispositivo óptico na forma de uma sala ou caixa através do qual uma imagem da natureza é projectada numa tela por meio de luz passando por um orifício).
Por exemplo, Daguerre tinha-se associado a Nicéphore Niépce, que tinha experimentado a fotografia desde os anos 1820. A fotografia de Niépce de 1822 retratando a vista da sua janela foi criada por meio de uma exposição de oito horas. Quando Daguerre produziu a sua vista de uma avenida parisiense em 1839, o tempo de exposição tinha sido reduzido o suficiente para capturar uma figura que tinha parado para ter o seu sapato engraxado. Por que a vista de uma janela era um tema tão popular das primeiras fotografias? Satisfez a necessidade prática de luz solar combinada com as tradições da pintura de paisagens para fixar momentos transitórios em imagens como a de Daguerre.
Na Grã-Bretanha, o aristocrata e polimata William Henry Fox Talbot também experimentou com a fotografia, produzindo fotogramas de espécimes botânicos em papel tratado quimicamente na década de 1830. Talbot acreditava que a fotografia poderia fornecer uma valiosa ajuda aos cientistas, gravando dados visualmente para interpretação e experimentação. Ouvindo que o processo de Daguerre tinha sido tornado público em janeiro de 1839, Talbot correu para anunciar os detalhes de seu próprio método. Embora o daguerreótipo tenha sido imediatamente apreendido pela nitidez dos seus detalhes (na verdade é mais claro ao microscópio do que visto a olho nu) e devido à publicidade do processo por parte do governo francês, foi o processo de papel negativo-positivo do Talbot (o calótipo) que formou a base de toda a fotografia subsequente até à era digital. Aos estudantes pode ser perguntado, por que você acha que o processo negativo-positivo se tornou tão importante?
O desenvolvimento da fotografia em um meio de comunicação de massa e uma forma potente de comunicação visual é pressagiada em uma fotografia do Reading Establishment, uma editora fotográfica estabelecida pela Talbot. Vemos uma série de potenciais usos da fotografia em exposição: retratos, reprodução de obras de arte e ilustrações para livros. Porque é que a Talbot inclui estas actividades? Como é que esta fotografia promove o calótipo da Talbot? Os assistentes demonstram a realização de uma fotografia, bem como o processo de impressão por luz solar.
O projecto inicial da empresa foi o Lápis da Natureza Talbot, o primeiro livro publicado comercialmente ilustrado com fotografias, um marco na arte do livro. O título do livro indica que as fotografias são quadros “desenhados” pela própria natureza, sem a intervenção de um artista. No entanto, The Open Door, que é a sexta placa do livro, coloca a fotografia dentro da tradição da pintura de género holandesa. O que você vê nesta fotografia que lhe lembra as pinturas holandesas que discutimos na aula? Talbot enfatiza os detalhes, o contraste claro e escuro, o uso da câmara obscura, a relação entre interior e exterior, assim como o simbolismo dos objectos do dia-a-dia. Aqui, a lâmpada simboliza a câmara obscura e a vassoura representa a iluminação. Esta fotografia é sobre a tradição artística do realismo: a vida quotidiana e o que o olho vê. Embora a fotografia se tenha tornado uma ferramenta importante para os artistas, inicialmente não foi considerada uma forma de arte. O movimento de pintura do Realismo surgiu ao mesmo tempo que a fotografia. O que é que os dois modos têm em comum? Como eles diferem?
O realismo da fotografia foi usado principalmente para capturar semelhanças sob a forma de retratos de entes queridos e figuras notáveis. Os estúdios comerciais de daguerreótipos proliferaram em cidades de toda a Europa, Estados Unidos e eventualmente em todo o mundo. Em 1841, o tempo de exposição era de cerca de 30 segundos a um minuto, dependendo da luz, tornando muito mais fácil produzir imagens em escala comercial – embora os estúdios de retratos ainda usassem dispositivos para manter as cabeças das pessoas sentadas quietas. Os retratos do daguerreótipo eram produzidos em massa e por isso eram acessíveis para qualquer pessoa de classe média. Porque acha que as fotografias de retratos eram tão populares?
Estúdios de retratos, como o estúdio operado por Southworth e Hawes, também fizeram fotografias de celebridades e políticos, e encenaram estas imagens para parecerem pinturas. Porquê? O que você acha que os atributos deste retrato de Rufus Choate sugerem? Como é semelhante ou diferente de outros retratos que você viu em sala de aula? Os alunos podem ser solicitados a considerar como a experiência do espectador mudou à medida que os retratos mudaram no formato de pinturas a óleo de luxo em uma parede para pequenos daguerreótipos feitos à mão e produzidos em massa.
Julia Margaret Cameron também aplicou princípios estéticos de pintura em fotografias de retratos. Ao tirar fotografias aos 49 anos de idade, após receber uma câmera de seus filhos, ela usou colódio molhado em negativos de vidro e gravuras de albúmen para capturar a elite intelectual de seu círculo social de classe alta. A escolha de Cameron de temas entre as luminárias britânicas foi conveniente (ela morava ao lado de Alfred Lord Tennyson) e estratégica: retratos de celebridades eram uma bênção comercial para os fotógrafos. Os retratos de Cameron, incluindo o célebre cientista e fotógrafo John Herschel, desafiaram as convenções usando iluminação dramática e renunciando ao foco aguçado em favor de efeitos conscienciosamente artísticos que apelavam aos espectadores familiarizados com o chiaroscuro de Rembrandt e as tradições do romantismo. A imprensa fotográfica criticou o desrespeito de Cameron pelas “regras” da fotografia, o que significava uma estrita aderência à nitidez dos detalhes e uma impressão sem falhas. Como um retrato como o de Cameron difere da mulher anónima com um daguerreótipo ou mesmo o de Rufus Choate?
O pintor Oscar Rejlander, com quem Cameron tinha estudado brevemente, também criou fotografias com ambições artísticas. Os seus Dois Caminhos de Vida inspiraram-se na composição da Escola de Rafael de Atenas e foram compostos por 30 negativos separados, numa impressão combinada. Representa dois jovens que escolhem entre virtude ou vício. A fotografia de Rejlander demonstra que embora a fotografia fosse vista como um meio verdadeiro, ela também podia ser manipulada. Two Ways of Life é uma representação alegórica da moral vitoriana, e foi comprada pelo marido da Rainha Vitória, o Príncipe Alberto, um exemplo precoce do apoio oficial do governo à fotografia como forma de arte.
Rejlander e Cameron desafiaram o status da fotografia como uma cópia fiel da realidade na busca da arte. Durante a Guerra Civil Americana, longos tempos de exposição não permitiam que batalhas fossem capturadas. No entanto, as fotografias trouxeram para casa a realidade gráfica da guerra de uma forma que a pintura não podia, porque os espectadores entendiam que o que viam na fotografia existia uma vez na frente da câmera. A publicação Photographic Sketchbook of the War de Alexander Gardner combina fotografias com histórias de guerra. Ele imprimiu negativos de uma variedade de fotógrafos, incluindo ele próprio. Em Home of the Rebel Sharpshooter de 6 de julho de 1863, Gardner arrastou o cadáver de um soldado e armou-o com uma arma que não era de um atirador de elite, a fim de criar uma narrativa. Como esta fotografia difere de outras representações de batalha que vimos na aula? Embora composta, esta fotografia retratou a brutalidade da guerra de uma forma pouco romântica. Por exemplo, os alunos podem comparar esta fotografia com A Morte do General Wolfe (1770) de Benjamin West.
As capacidades documentais da fotografia tornaram-na uma poderosa ferramenta de persuasão pública. Vendo este potencial, os governos encarregaram fotógrafos de registrar eventos políticos, patrimônio cultural e outras atividades do estado.
Por exemplo, a fotografia foi usada em uma capacidade oficial para documentar lugares distantes e monumentos importantes, tornando-os mais acessíveis a um público mais amplo e preservando o passado para a posteridade. Maxime Du Camp usou o calótipo para documentar as monumentais ruínas e hieróglifos do Egito para o governo francês em 1850. Ele criou cerca de duzentos negativos em papel, e emitiu gravuras em álbuns de 25 cada um em 1851. Du Camp viajou com o escritor Gustave Flaubert; os dois procuraram cenas pitorescas, trazendo consigo convenções estéticas estabelecidas. A visão europeia do Egipto e do Oriente era de que era exótico e incivilizado. Para os europeus, os egípcios não podiam gerir o seu próprio património cultural, pelo que o projecto da Du Camp era visto como a preservação dos monumentos antigos contra a sua perda para o tempo. Como podemos ver este sentido de passagem do tempo registado na fotografia de Du Camp?
Nos Estados Unidos, fotógrafos como Timothy O’Sullivan viajaram em expedições ocidentais, vigiando a paisagem e os recursos naturais da América para futuro povoamento e exploração económica, cumprindo a missão de destino manifesto. O’Sullivan tinha começado a fotografar a Guerra Civil. Suas fotografias do Oeste, como as do Du Camp, trazem consigo valores culturais predominantes. A paisagem foi assim inscrita com idéias atuais sobre o progresso – a ferrovia transcontinental foi concluída em 1869 – e predestinada para o desenvolvimento e prosperidade. As fotografias de O’Sullivan circularam em álbuns de apresentação entre funcionários do governo, mas para o público em geral principalmente como gravuras e estereografias.
Comparando duas fotografias documentais de Du Camp e O’Sullivan, que tipo de informação eles transmitem? Como eles são parecidos/ diferentes visualmente? Como podem ter sido documentos úteis?
Viajantes de cadeira de rodas na Europa e nos Estados Unidos estavam ansiosos por fotografias que retratassem o que eles percebiam como lugares e pessoas exóticas. O estereógrafo, que capitaliza a visão binocular para criar uma imagem aparentemente tridimensional quando visto através de um estereoscópio, entusiasmou os espectadores ao fazer com que estas figuras ou paisagens parecessem ainda mais realistas. Os estereótipos baratos e coleccionáveis tornaram-se um entretenimento de sala de visitas entre a classe média. O estereoscópio é um excelente exemplo de como a fotografia colapsa o tempo e a distância, tornando o mundo apreensível apenas através do acto de olhar.
Eadweard Muybridge contribuiu para os avanços tecnológicos da fotografia enquanto explorava o seu uso como uma ferramenta na experimentação científica. Ele documentou a marcha de um cavalo quando a galope completo. Montando uma série de câmeras estereoscópicas com obturadores ativados por fios de disparo, Muybridge foi capaz de capturar o galope em stop motion, provando que todas as patas do cavalo deixam o chão ao mesmo tempo. Isto teve implicações para os artistas, que tinham usado a posição de “cavalo de balanço” para representar cavalos galopantes desde os tempos pré-históricos. Muybridge viajou pelos Estados Unidos e Grã-Bretanha dando apresentações de slides com lanternas mágicas de suas fotografias da sua série Animal Locomotion, para a qual produziu séries de fotografias de stop action de animais e humanos envolvidos em vários movimentos. Ele também experimentou os primeiros meios de produzir fotografias em movimento, ajudando a preparar o caminho para o cinema.
No final do século XIX, a fotografia tornou-se ainda mais acessível a uma pessoa comum. George Eastman fundou a empresa Kodak, que vendia câmeras produzidas em massa que vinham pré-carregadas com uma tira de filme capaz de 100 exposições. Por uma taxa, a câmera inteira seria enviada para a Kodak para ser desenvolvida, e as impressões seriam devolvidas, juntamente com a câmera recarregada. Colocar a câmera nas mãos de mães, crianças e amigos significava que os detalhes da vida cotidiana poderiam ser gravados espontaneamente em qualquer lugar. Como podemos ver os efeitos da inovação da Eastman hoje?
The Bigger Picture: De retratos daguerreótipos de fabricação barata a publicações fotográficas e câmaras Kodak, a fotografia do século XIX tornou-se verdadeiramente um meio de comunicação de massas. A fotografia também teve um impacto significativo na arte, uma vez que nela foi entendida como o padrão de ouro do realismo óptico. Aulas sobre Realismo e Impressionismo irão abordar como os pintores começaram a reagir e a usar a fotografia no seu trabalho, e numa futura sessão sobre fotografia, iremos discutir como um grupo de fotógrafos conhecidos como Pictorialistas abraçou a fotografia como um meio artístico por direito próprio.