Anii 1940 Artă și divertisment: Subiecte de actualitate

AMERICA ÎȘI DESCOPERĂ PROPRIA FORMĂ DE ARTĂ
O EPOCĂ DE AUR PENTRU CĂRȚILE DE COMIC
FICȚIUNEA AMERICANĂ REACȚIONEAZĂ LA LUMEA REALĂ
HOLLYWOOD MERGE LA RĂZBOI
MUSICA ÎMPĂRĂȘEȘTE SWING ȘI TĂCEREA
Teatrul american se reduce

AMERICA ÎȘI DESCOPERĂ PROPRIA FORMĂ DE ARTĂ

Un mic grup de artiști americani a experimentat arta abstractă la New York în anii 1930. Aceștia erau finanțați de Proiectul Federal pentru Arte (FAP), unul dintre numeroasele programe guvernamentale care constituiau New Deal. Finanțarea federală a eliminat presiunile financiare asupra artiștilor și le-a permis acestora să încerce lucruri noi. Însă o influență mai importantă asupra artei americane a venit din Europa. Când a început războiul în 1939, mulți artiști au fugit în Statele Unite din Germania, Franța și alte țări. Pictorul olandez Piet Mondrian (1872-1944), care a sosit în 1940, s-a numărat printre cei mai influenți. Printre alți expatriați europeni se numără pictorul francez Marc Chagall (1887-1985), care a proiectat picturi murale pentru Metropolitan Opera House din New York. Germanul Max Ernst (1891-1976) și spaniolul Salvador Dali (1904-1989) au petrecut, de asemenea, timp la New York. Mondrian, care era deja celebru când a ajuns în America, a organizat prima (și singura) expoziție personală la New York în ianuarie 1942. Europenii i-au încurajat pe artiștii americani să se îndepărteze de picturile realiste și să creeze, în schimb, imagini bazate pe vise și sentimente.

În 1939, Muzeul de Pictură Non-Obiectivă s-a deschis la New York. În acel moment, în New York existau douăzeci și una de sute de artiști, toți primind salarii de la FAP condus de Works Progress Administration (WPA). Alte o mie de aspiranți se aflau pe lista de așteptare. Printre cei care lucrau în cadrul FAP se numărau artiști notabili precum Willem de Kooning (1904-1997), Lee Krasner (1908-1984) și Mark Rothko (1903-1970). Ani mai târziu, Jackson Pollock (1912-1956) a declarat că era recunoscător WPA pentru că „m-a ținut în viață în timpul anilor ’30.”

Anul cheie în dezvoltarea artei americane din acest deceniu a fost 1942. Artiști precum Mondrian și Rothko au organizat expoziții personale la începutul anului. La o galerie numită McMillen Inc. din New York, artiști americani și europeni au expus împreună. Iar în toamna anului 1942, Peggy Guggenheim (1898-1979) a deschis Galeria Art of This Century, care prezenta artă americană contemporană alături de capodopere de la începutul secolului XX. Galeria a devenit centrul a ceea ce este cunoscut sub numele de Școala din New York. William Baziotes (1912-1963), Pollock și alții au expus acolo. Cel mai important, a introdus în lume expresionismul abstract, stilul de pictură care a definit arta americană în secolul al XX-lea.

Termenul „expresionism abstract” a fost folosit pentru prima dată de criticul de artă Robert Coates (1897-1973) într-un articol din New Yorker în martie 1946. A ajuns să se refere la un singur grup de artiști care lucrau în New York în anii 1940. Dar, de fapt, expresioniștii abstracți pot fi împărțiți în trei grupuri principale: pictorii „de acțiune”, pictorii „color field” și alți pictori care nu sunt atât de ușor de definit, cum ar fi Philip Guston (1913-1980) și Adolph Gottlieb (1903-1974).

Cei mai cunoscuți pictori de acțiune sunt Jackson Pollock și Willem de Kooning. Aceștia au lucrat pe pânze uriașe care de obicei erau așezate pe podea. Ei aplicau vopseaua turnând și picurând, sau folosindu-și propriul corp sau obiecte, cum ar fi bicicletele, pentru a o împrăștia. Scopul era de a fi cât mai aproape de pictură. Mai presus de toate, picturile de acțiune înregistrează acțiunea în timp ce are loc. Pictorii color field au fost conduși de Mark Rothko (1903-1970), Adolph „Ad” Reinhardt (1913-1967) și Barnett Newman (1905-1970). Picturile lor implicau suprafețe plate uriașe sau „câmpuri” de o singură culoare. Acolo unde aceste câmpuri de culoare se întâlnesc, deseori ele se întrepătrund. Rothko credea că pictura realistă nu mai putea exprima emoțiile umane după cel de-al Doilea Război Mondial. Câmpurile sale de culoare intensă copleșesc privitorul cu prezența și frumusețea lor.

Pictura expresionistă abstractă nu este, în general, realistă; mai degrabă, încearcă să exprime gânduri, sentimente, mituri și vise. Expresioniștii abstracți au început să se împartă în grupuri și mai mici pe măsură ce deceniul trecea. Dar toți pictorii implicați și-au păstrat interesul pentru exprimarea emoțiilor prin pictură. În expresionismul abstract, America a avut în sfârșit o formă de artă pe care o putea numi proprie.

O EPOCA DE AUR PENTRU CĂRȚILE DE COMIC

Cartea de benzi desenate a fost inventată în Statele Unite în jurul anului 1933. Până în 1940, se transformase într-o formă sofisticată și foarte populară de literatură. În acel an, mai mult de 150 de titluri erau tipărite, acoperind categorii de la crime, fantezie, romantism și groază până la westernuri și război. Dar două personaje au dominat vânzările de benzi desenate în anii 1940. Superman, creat de Jerry Siegel (1914-1996) și Joe Shuster (1914-1992), a apărut în 1938. Batman, creat de Bob Kane (1915-1998), a ieșit pentru prima dată din Batcaverna în 1939. Până în 1940, atât benzile desenate cu Superman, cât și cele cu Batman erau bestselleruri. În speranța de a profita de succesul lor, National Periodical Publications a introdus mulți alți eroi cu pelerină și costume, printre care Flash, Hawkman și Green Lantern. Captain Marvel a apărut pentru prima dată în Whizz Comics în 1940, iar Captain America în 1941. La fel ca și Căpitanul Marvel, Plastic Man a adăugat o notă de umor la un grup de personaje de altfel în mare parte serioase și patriotice.

Arta și afro-americanii

Până în anii 1940, afro-americanii au avut un impact foarte mic asupra lumii albe a artei. Jacob Lawrence (1917-2000) a fost unul dintre primii artiști de culoare care a câștigat atenția publicului larg. Seria sa, The Migration of the Negro (1940-41), conține șaizeci de picturi care spun povestea negrilor americani. Lawrence a predat la Black Mountain College din Carolina de Nord. Până la sfârșitul deceniului, a fost aclamat ca fiind unul dintre cei mai importanți artiști americani din acea perioadă. Artiștii de culoare au primit un alt impuls prin cartea Modern Negro Art (1943). În această lucrare, James A. Porter (1905-1970) a catalogat lucrările artiștilor de culoare de până la acel moment. Porter a salvat din obscuritate mulți artiști afro-americani neglijați.

După încheierea celui de-al Doilea Război Mondial, fervoarea patriotică a început să se stingă. Poveștile western și romantice au devenit atunci mai populare decât benzile desenate cu supereroi. Poveștile polițiste au devenit, de asemenea, populare. Seria Crime Does Not Pay a început în 1942. Dar benzile desenate polițiste cu siguranță au plătit. Până în 1945, benzile desenate polițiste au devenit una dintre cele mai bine vândute benzi desenate din America. Imaginile cu femei îmbrăcate sumar au făcut ca benzile desenate polițiste să fie considerate nepotrivite pentru copii. Pe măsură ce îngrijorarea cu privire la conținutul benzilor desenate polițiste a crescut, acestea au fost atenuate. Până în anii 1950, editorii de benzi desenate polițiste au devenit foarte atenți la ceea ce apărea în revistele lor.

Din cauza numărului mare de titluri puse în vânzare, anii 1940 sunt cunoscuți ca fiind epoca de aur a benzilor desenate. Cu toate acestea, exemplele originale sunt greu de găsit. Ele erau considerate articole de aruncat și erau adesea aruncate după ce erau citite. Unele au fost distruse în urma protestelor legate de conținutul lor. Multe altele au fost transformate în pastă (reciclate) în timpul penuriei de hârtie din timpul războiului. În secolul al XX-lea, a apărut o piață înfloritoare a colecționarilor de cărți de benzi desenate din anii 1940.

Cărți cu copertă

După un succes fulminant în anii 1930, revistele de tip pulp, cum ar fi Black Mask, au început să-și piardă cititorii în anii 1940. Un motiv pentru acest lucru a fost ascensiunea cărții paperback. Allen Lane (1902-1970) a introdus cărțile Penguin paperback în Marea Britanie în 1936. Penguin l-a inspirat pe Robert Fair de Graff (1895-1981) să fondeze Pocket Books în Statele Unite în 1939. Alte edituri au intrat pe această piață. Broșurile de hârtie au devenit în curând cea mai populară formă de publicare a cărților. În 1947, scriitorul de romane polițiste Mickey Spillane (1918-) a publicat primul său roman, I, The Jury, în copertă cartonată. Acesta s-a vândut destul de bine pentru o carte cartonată. În anul următor, Signet a lansat o ediție broșată. Până la sfârșitul deceniului se vânduse un număr uimitor de două milioane de exemplare.

FICȚIUNEA AMERICANĂ REACȚIONEAZĂ LA LUMEA REALĂ

Anii 1940 au fost un deceniu de schimbare în literatura americană. În timpul anilor 1930, mulți scriitori americani au descris suferințele teribile provocate de Marea Depresiune. Scriitori precum Theodore Dreiser (1871-1945) și Sinclair Lewis (1885-1951) își construiseră cariere scriind ficțiuni care documentau experiența americană. Dar anul 1939 a marcat sfârșitul unei perioade de realism în ficțiunea americană. Grupul de scriitori cunoscut sub numele de „generația pierdută” era, de asemenea, în declin. F. Scott Fitzgerald (1896-1940) a murit la începutul anilor 1940. Ernest Hemingway (1899-1961) a publicat For Whom the Bell Tolls (Pentru cine bat clopotele) în 1940, apoi a tăcut timp de câțiva ani. Chiar și William Faulkner (1897-1962), care a câștigat Premiul Nobel pentru literatură în 1949 (acordat în 1950), a scris mai ales scenarii în anii 1940. O eră în ficțiunea americană se încheia, iar o nouă eră abia începea.

Alternativa la realism era modernismul. Scriitorii moderniști nu vedeau necesitatea de a descrie viețile oamenilor muncii. Ei s-au îndepărtat de comentarea directă a societății. În mâinile europenilor din anii 1920 și mai devreme, romanul începuse să se concentreze pe punctul de vedere unic al unui singur individ. S-a renunțat la poveștile și narațiunile simple și s-au găsit noi modalități inventive de a descrie personajele. Cu toate acestea, dintre scriitorii americani, doar Faulkner și John Dos Passos (1896-1970) experimentaseră cu tehnici moderniste înainte de anii 1940. Scriitorii americani au reacționat lent la tendința noii ficțiuni.

Atunci, în 1944, Saul Bellow (1915-) a publicat Dangling Man, un roman despre răspunsul unui individ la lumea modernă. Alți scriitori moderniști, printre care Truman Capote (1924-1984) și Chester Himes (1909-1984), l-au urmat pe Bellow. Dar ceea ce avea să devină o mișcare majoră în ficțiunea americană era abia la început. În anii 1940, scriitorii realiști încă produceau lucrări importante. Robert Penn Warren (1905-1989) a câștigat Premiul Pulitzer pentru All the King’s Men în 1946. Scriitoarele Carson McCullers (1917-1967) și Eudora Welty (1909-2001) au fost amândouă figuri influente în ficțiunea regionalistă (ficțiune bazată pe o anumită locație), descriind viața din Sud.

Au existat și alte influențe asupra ficțiunii americane în afară de modernism în anii 1940. Mulți scriitori tineri au experimentat lupta în cel de-al Doilea Război Mondial (1939-45) și era inevitabil ca romanele despre război să înceapă să apară. Cei mai influenți doi romancieri de luptă au fost John Hawkes (1925-1998) și Norman Mailer (1923-). Romanul lui Hawkes, The Cannibal (1949), a examinat cultura războiului și urmările acestuia. Romanul lui Mailer, The Naked and the Dead (1948), l-a consacrat ca unul dintre scriitorii majori ai Americii postbelice.

În timp ce romanul în general trecea printr-o perioadă de schimbare, scriitorii de culoare începeau și ei să fie remarcați de marele public cititor. Publicarea romanului Native Son în 1940 a reprezentat un punct de cotitură pentru ficțiunea de culoare. Romanul a făcut din autorul său, Richard Wright (1908-1960), o figură literară proeminentă. Mulți comentatori nu au fost de acord cu viziunea lui Wright asupra negrilor din America, dar datorită romanului Native Son, America albă a început brusc să îi ia în seamă pe scriitorii de culoare. Zora Neale Hurston (1891-1960) și Chester Himes (1909-1984) au devenit, de asemenea, bine cunoscuți în anii 1940, în timp ce James Baldwin (1924-1987) abia își începea cariera la sfârșitul deceniului.

HOLLYWOOD MERGE LA RĂZBOI

După un deceniu de musicaluri fastuoase, comedii trăsnite și drame vesele, Hollywood-ul a început să se schimbe în jurul anului 1940. În acel an, Charlie Chaplin (1889-1977) a lansat The Great Dictator (Marele dictator), satira sa despre ascensiunea dictatorului german Adolf Hitler (1889-1945). În iulie 1941 a avut loc premiera filmului Sergentul York. Povestea unui erou de război american reticent, Sergentul York a fost un îndemn evident pentru ca Statele Unite să intre în război. Ulterior, a fost folosită de armată într-o campanie de recrutare. Izolaționiștii, sau persoanele care doreau ca Statele Unite să rămână în afara războiului, au atacat entuziasmul Hollywood-ului pentru intrarea în conflict. Dar audierile din Congres pe această temă nu i-au ajutat pe izolaționiști. După cum a subliniat speranța prezidențială republicană Wendell Willkie (1892-1944), 95 la sută din producția de la Hollywood era apolitică. Această altă producție apolitică de la Hollywood includea clasicul film de animație Fantasia al lui Disney, lansat în 1940. Studiourile de film au continuat să producă comedii ușoare și romanțe chiar și după ce America a intrat în război.

În decembrie 1941, la doar zece zile după bombardamentul de la Pearl Harbor, președintele Roosevelt (1882-1945) a luat măsuri pentru a încuraja Hollywood-ul să facă filme pentru a ajuta la efortul de război. Studiourile au cooperat, producând filme pro-americane precum Casablanca (1942). Până la mijlocul anului 1942, fuseseră realizate aproximativ șaptezeci de filme legate de război. Scenariștii au dat scenariilor existente, și chiar filmelor parțial terminate, o transformare pe timp de război. Gangsterii au devenit spioni naziști, în timp ce Tarzan s-a confruntat cu invadatorii germani. Japonezii au fost prezentați ca niște brute crude și vicioase.

Oficiul de Informații de Război (OWI) a fost înființat pentru a coordona efortul de propagandă (propaganda este informația folosită pentru a convinge oamenii de poziția guvernului). Șeful său, Nelson Poynter (1903-1978), era îngrijorat de modul simplist în care Hollywood-ul aborda războiul. El dorea mai multe filme pozitive care să prezinte germani „buni” care se împotrivesc naziștilor. Manualul OWI îi îndemna pe cineaști să se întrebe: „Acest film va ajuta la câștigarea războiului?” OWI a exercitat presiuni asupra Hollywood-ului, refuzând distribuția în străinătate a filmelor care nu respectau liniile directoare ale manualului. Având în vedere că Hollywood-ul depindea de vânzările peste hotare pentru a obține profit, respectarea manualului OWI era un bun simț comercial.

În timp ce Hollywood-ul în ansamblu s-a alăturat efortului de război cu filmele sale pro-americane, mulți cineaști individuali au făcut, de asemenea, ceea ce au putut pentru a ajuta. Regizorul Frank Capra (1897-1991) s-a înrolat în armată și a început să lucreze la realizarea de documentare. Primul film al lui Capra dintr-o serie, Preludiu la război, a câștigat premiul Oscar pentru cel mai bun documentar în 1942. Alți regizori, precum John Ford (1895-1973), au făcut o muncă similară. Dar John Huston (1906-1987) a intrat în conflict cu regulile armatei când a realizat Let There Be Light (1946), un film despre veteranii șocați de obuze. Mulți actori s-au înrolat, de asemenea, în forțele armate. James Stewart (1908-1997) și Douglas Fairbanks Jr. (1909-2000) s-au înrolat la câteva săptămâni după Pearl Harbor. Frank Sinatra (1915-1998), care a fost declarat inapt pentru serviciul militar din cauza unui timpan perforat, a trebuit să muncească din greu pentru a-și recâștiga fanii din filme după terminarea războiului.

În afară de a se alătura efortului de război, cineaștii au început să facă un nou tip de film în anii 1940. Un succes surpriză al anului 1941 a fost Șoimul Maltez, o adaptare a unui roman de Dashiell Hammett (1894-1961). În câțiva ani, aceste filme polițiste întunecate și cinice au primit un nume: film noir. Filmele noir sunt umbroase, întunecate și sumbre, atât în ceea ce privește aspectul vizual, cât și subiectul. America de după război părea a fi un loc prosper și optimist. Cu toate acestea, filmul noir reflecta îngrijorarea că lucrurile nu erau atât de bune pe cât păreau. Războiul rece (un război ideologic între Statele Unite și fosta Uniune Sovietică) a început imediat după încheierea celui de-al Doilea Război Mondial, aducând cu sine temeri de război nuclear. Americanii se temeau de o preluare a puterii de către comuniști. Dar erau, de asemenea, îngrijorați de faptul că propriul lor guvern nu putea fi de încredere. Filme precum The Big Sleep (1946), The Killers (1946) și Out of the Past (1947) descriu aceste temeri.

Hollywood-ul din anii 1940 avea motive întemeiate să se simtă amenințat. În ciuda popularității filmului noir, frecventarea cinematografelor era în continuă scădere. Pentru a înrăutăți situația marilor studiouri, Departamentul de Justiție al SUA a pus capăt controlului total al studiourilor asupra distribuției de filme. Apoi, în mai 1947, House Un-American Activities Committee (HUAC) a acuzat Hollywoodul că adăpostește subversivi. Numeroase persoane au fost obligate să se prezinte la audieri în Congres pentru a face declarații despre opiniile lor politice. Dalton Trumbo (1905-1976) și John Howard Lawson (1894-1977) s-au numărat printre cei zece scriitori și regizori, numiți „Cei zece de la Hollywood”, care au refuzat să coopereze cu „vânătoarea de vrăjitoare”. Aceștia, precum și mulți alții, au fost trecuți pe lista neagră, ceea ce înseamnă că nu li s-a permis să lucreze în industria cinematografică. Imaginea Hollywood-ului a fost afectată de această controversă, dar mulți dintre cei numiți „Hollywood Ten” au lucrat din nou în cele din urmă acolo. Scenariștii de pe lista neagră, inclusiv Trumbo, au prezentat scenarii sub alte nume, iar șefii studiourilor au închis ochii.

MUSICĂ ÎNVĂȚĂMÂNT ȘI TĂCERE

Anii 1940 au fost ani dinamici pentru muzica americană. Instrumentele electrice au revoluționat blues-ul, bebop-ul a zguduit jazzul și chiar și muzica clasică a experimentat noi sunete. Muzicienii au provocat stilurile existente sau le-au fuzionat pentru a crea muzică nouă. Sosirea compozitorilor europeni, care fugeau de naziștii din Germania, a avut o influență uriașă asupra muzicii clasice și asupra coloanelor sonore ale filmelor. Îmbunătățirea tehnicilor de înregistrare și o tehnologie nouă și accesibilă au făcut ca muzica să înceapă să însoțească viața de zi cu zi.

Șoimul Maltez

Când Șoimul Maltez a apărut în 1941, a fost pentru a treia oară când romanul lui Dashiell Hammett a fost transformat într-un film. Cele două încercări anterioare au fost eșecuri dezastruoase. La început, nici această încercare nu părea să fie un succes. A fost realizat de regizorul debutant John Huston (1906-1987) cu o distribuție cu buget redus. Humphrey Bogart (1899-1957), care avea să devină în curând o mare vedetă, era pe atunci doar un alt obișnuit al filmelor cu gangsteri. Sidney Greenstreet (1879-1954) avea peste șaizeci de ani și juca în primul său film. Mary Astor (1906-1987) încerca să își refacă o carieră care fusese distrusă de scandaluri în anii 1930. Peter Lorre (1904-1964) lucrase ani de zile în roluri de personaje minore. Dar acest film „B” (denumire dată filmelor cu buget redus) de la Warner Brothers avea să devină unul dintre cele mai mari filme din toate timpurile. Adesea menționat ca fiind primul film noir adevărat, Șoimul Maltez este, de asemenea, unul dintre cele mai bune filme de acest gen. Pe lângă faptul că i-a făcut vedete pe Bogart, Greenstreet, Astor și Lorre, a contribuit la schimbarea feței cinematografiei americane în anii 1940.

Swing a fost coloana sonoră a celui de-al Doilea Război Mondial. Dezvoltat în anii 1930, în 1940 swing-ul era peste tot, de la discurile de 78 rpm (rotații pe minut) ascultate în case, la sălile de dans, la filme și la radio.

Câteva big band-uri erau conduse de muzicieni soliști, cum ar fi trompetistul Louis Armstrong (1901-1971) și clarinetistul Benny Goodman (1909-1986). Alte formații au făcut turnee în țară conduse de cântăreți precum Billie Holiday (1915-1959) și Frank Sinatra (1915-1998). În a doua jumătate a deceniului, swingul a scăzut în popularitate. Perry Como (1912-2001), Vaughn Monroe (1911-1973) și alții au avut în frunte un sunet de swing atenuat, încărcat cu instrumente cu coarde.

Dar chiar dacă swingul își pierdea din atractivitate, unii muzicieni au început să-l transforme într-un gen de muzică mai serioasă. Duke Ellington (1899-1974) a fost probabil cel mai influent. Ellington a devenit un compozitor respectat, dar și alții, cum ar fi Gil Evans (1912-1988) și Count Basie (1904-1984), au explorat, de asemenea, sunete și instrumente noi. Între timp, compozitorii clasici s-au îndreptat către jazz. Igor Stravinski (1882-1971) a scris Concertul Ebony pentru Big Band-ul lui Woody Herman. Compozitorul american Aaron Copland (1900-1990) a scris muzică pentru clarinetistul și liderul de orchestră Benny Goodman (1909-1986).

În cluburile de noapte, a apărut un tip de jazz dezgolit, de mare viteză, numit bebop. Mici combo-uri de patru sau cinci instrumentiști băteau ritmuri imposibil de dansat și riff-uri meandrice. Lester Young (1909-1959) și Theodore „Fats” Navarro (1923-1950) au fost principalii jucători de bebop. Dar interpretul de top al noului stil a fost Charlie Parker (1920-1955), cunoscut uneori sub numele de „Bird”. Improvizațiile sălbatice la saxofon ale lui Parker au transformat melodii precum „Scrapple from the Apple” și „Ornithology” în capodopere ale jazzului. În 1947, în cvintetul lui Parker a cântat un tânăr trompetist remarcabil pe nume Miles Davis (1926-1991), care a continuat să creeze „Cool Jazz”, sunetul de jazz definitoriu al anilor 1950.

Ca și jazzul, bluesul a fost un stil muzical care a suferit schimbări în anii 1940. Muzicienii de blues de culoare s-au mutat în nord, în orașe precum Chicago, Illinois. Acolo au transformat blues-ul acustic și reflexiv din sudul rural într-un sunet urban electrizat, puternic și plin de forță. Interpreți de blues precum Muddy Waters (1915-1983) și Sam „Lightnin'” Hopkins (1912-1982) aveau să influențeze direct rock and roll-ul în anii 1950. Utilizarea înregistrărilor pe bandă electrică a însemnat că toate tipurile de muzică puteau fi ascultate în tot felul de locuri. Bluesul a fuzionat cu jazz-ul, jazz-ul a fuzionat cu country și western. Din acest amestec eclectic au apărut noi stiluri muzicale, cum ar fi rhythm and blues, boogie-woogie și honky-tonk.

Dancing Down Broadway

Dansul jazz și dansul step au fost o parte importantă a musicalurilor de pe Broadway și a filmelor muzicale. În anii 1940, aproximativ unsprezece milioane de oameni în fiecare an asistau la spectacole de pe Broadway, cum ar fi Oklahoma! (1943), Anchors Aweigh (1945) și Annie Get Your Gun (1946). Coregrafi precum Helen Tamiris (1905-1966) au lucrat cu compozitorul Richard Rodgers (1902-1979), în timp ce Jerome Robbins (1918-1998) a realizat coregrafia pentru On the Town (1944), influentul musical al lui Leonard Bernstein (1918-1990). În cinematografie, dansatorii Fred Astaire (1899-1987) și Gene Kelly (1912-1996) au devenit vedete. Unele dintre cele mai spectaculoase rutine de dans ale secolului au fost surprinse în filme precum Holiday Inn (1942) și versiunea cinematografică a filmului On the Town (1949).

Experiența oamenilor de la țară care trăiesc la oraș a fost o caracteristică a muzicii country din anii 1940. Trupele country-swing, cum ar fi Bob Wills and the Texas Playboys, au fost populare în centrele urbane din întreaga țară, inclusiv în Chicago; Los Angeles, California; și Mobile, Alabama. Treptat, granițele dintre muzica country, folk și pop s-au dizolvat. Cântărețul pop Bing Crosby (1904-1977) a înregistrat „Sioux City Sue”, un cântec country popular. Bluegrass a adus muzicii country un plus similar efectului pe care bebop l-a avut asupra jazzului, în timp ce muzica country și folk au devenit fiecare mai cinică, mai melancolică și mai plină de regrete. Gospel a fost o alternativă populară la country și o mare sursă de bani pentru casele de discuri în anii 1940. Vedete gospel precum Mahalia Jackson (1911-1972) au vândut milioane de discuri.

Ca și în jazz, blues și country, compozitorii americani de muzică clasică au început să experimenteze cu sunete noi în anii 1940. În primele trei decenii ale secolului, compozitorii europeni creaseră o muzică dificilă și tulburătoare. Apoi, la sfârșitul anilor 1930 și începutul anilor 1940, mulți dintre acești europeni s-au mutat în Statele Unite. Compozitori precum Arnold Schoenberg (1874-1951), Kurt Weill (1900-1950) și Igor Stravinsky (1882-1971) au avut cu toții o influență profundă asupra muzicii americane. Compozitorul american John Cage (1912-1992) a fost elevul lui Schoenberg. El a fost interesat de muzica de percuție, de sunetele obișnuite și de tăcere. Experimentele sale din anii 1940 au dus direct la cea mai faimoasă piesă a sa, „4’33” (patru minute și treizeci și trei de secunde de tăcere), lansată în 1952.

Televiziunea americană distrează

În anii 1940, producerea unui program pentru televiziune costa de aproximativ zece ori mai mult decât pentru radio. Dar limitele impuse pe timp de război asupra noilor stații de radiodifuziune au oferit producătorilor șansa de a îmbunătăți tehnologia televiziunii. Pe măsură ce tot mai mulți americani cumpărau televizoare, a devenit clar că televiziunea va fi o viitoare piață profitabilă. În 1941, în Statele Unite existau doar aproximativ cincisprezece mii de receptoare de televiziune. Până în 1950, existau unsprezece milioane. Rețelele de radio au transferat multe dintre programele lor populare la televiziune. Comedii precum Our Miss Brooks și Amos and Andy au fost primele exemple. Emisiunile sportive de televiziune erau populare, la fel ca și emisiunile pentru copii, cum ar fi Superman. Dar cea mai populară emisiune de televiziune din anii 1940 a fost Texaco Star Theater, o emisiune de varietăți cu Milton Berle (1908-2001). În 1948, 94,7 la sută dintre telespectatorii televiziunii s-au uitat la „Unchiul Miltie”.”

THEATRUL AMERICAN scade

Atențiile la teatrul de pe Broadway au crescut în anii 1940. Dar, în general, publicul spectator s-a îndepărtat de teatru în timpul deceniului. Dramele de campanie politică din anii 1930 păreau irelevante în fața războiului mondial. După 1945, piesele de teatru au fost realizate la o scară mai mică. Ele se concentrau pe viața de familie și pe indivizi care se luptau cu conflicte interioare. Viața personală, mai degrabă decât lupta politică, a fost subiectul celor mai multe drame din anii 1940.

Notatul dramaturg Tennessee Williams (1914-1983) a scris două dintre cele mai importante piese ale deceniului. The Glass Menagerie (1945) a fost prima sa piesă. Personajele din această piesă au speranțe și vise romantice pentru viitor, dar realitatea lor este brutală și sumbră. În multe privințe, atmosfera din piesele lui Williams se potrivea cu tendința filmului noir din filme. Un tramvai numit dorință (A Streetcar Named Desire, 1947), considerată capodopera sa, descrie interacțiunea dintre personaje care sunt toate intense, frustrate și amare în legătură cu viețile lor. Piesele lui Williams sunt întotdeauna pline de iluzie și dezamăgire.

Arthur Miller (1915-) a produs, de asemenea, două clasice ale literaturii americane în anii 1940. Miller a dus viziunea lui Williams asupra eșecului personal și a deziluziei cu un pas mai departe. El a atacat capitalismul (sistemul economic al Statelor Unite), sugerând că viața americană nu se poate sfârși decât în pierdere și eșec personal. Atât „Toți fiii mei” (1947), cât și „Moartea unui comis-voiajor” (1949), premiată cu Pulitzer, arată că visul american este o iluzie. Din cauza acestor piese, Miller a fost catalogat drept antiamerican. El a fost una dintre cele mai proeminente figuri care au fost interogate de Comitetul pentru activități antiamericane al Camerei în anii 1950.

În afară de aceste două stele în ascensiune, dramaturgi consacrați precum Lillian Hellman (1906-1984) și Eugene O’Neill (1888-1953) au continuat să producă lucrări importante. În special piesa lui O’Neill, The Iceman Cometh (1946), a fost foarte apreciată. Dar, în general, drama de pe Broadway și din jurul acestuia a fost fadă și neexcitabilă în anii 1940. În afara Broadway-ului, însă, povestea era diferită. În teatrele mici, în sălile de liceu și în alte spații mici, atelierele de teatru prosperau. De exemplu, viitorul star de cinema Marlon Brando (1924-) și-a început cariera în cadrul Atelierului de teatru al lui Erwin Piscator. Deși marile producții își pierduseră avantajul, teatrul la scară mică a continuat să mențină interesul publicului.

.