Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5 ja Ariana Grande, kaikki nykyaikaisia popmusiikin supertähtiä, joilla kaikilla on yksi yhteinen asia, mies nimeltä Max Martin. Ruotsalainen lauluntekijä on nykypäivän modernin popmusiikin selkäranka. Yli 200 kappaleellaan hän on vastuussa suurimmasta osasta tuotettua musiikkia. Koska kuuntelen innokkaasti kaikkea muuta musiikkia kuin countrya, poppia ja räppiä, henkilökohtainen uskomukseni siitä, että popmusiikki on huonoin musiikkityyppi, ei perustu vain terveeseen järkeen vaan myös todistettuihin tilastoihin ja tutkimuksiin, jotka on tehty Espanjan kansallisen tutkimusneuvoston tekoälyn tutkimuslaitoksessa Barcelonassa. Pelkkä myytyjen albumien määrä, hiljattain havaitut testitulokset sekä instrumenttien käytön ja sanoituskonseptin monimutkaisuus todistavat vain entisestään sen, että popmusiikki on huonoin musiikkilaji.
Seitsemänsataa seitsemänkymmentäseitsemän miljoonaa, englantilaisen rockyhtyeen The Beatlesin myymien albumien määrä. Jos tarkastellaan Business Insiderin mukaan 10 eniten myyvää artistia, vain yksi varsinainen poptähti näkyy, Michael Jackson 81 miljoonalla myydyllä albumilla. Riippuen siitä, mitä luetteloa ja lähdettä käytät tämän tiedon hankkimiseen, voit nähdä pop-artisteja, kuten Madonnan ja Princen, kymmenen parhaan joukossa; monet verkkosivustot määrittelevät myydyt albumit kuitenkin eri tavalla ladattujen albumien ja ostettujen vinyylilevyjen perusteella. Riippumatta siitä, mistä lähteestä lista on peräisin, on kuitenkin selvää, että top 10 on täynnä saman genren tai alalajin, rockin, artisteja. Beatles johti brittiläistä invaasiota 60-luvun alussa, Elvis Presley on kiistatta nimetty rock and rollin kuninkaaksi, ja muut rockiin pohjautuvat yhtyeet, kuten Eagles, Led Zeppelin ja Pink Floyd, kilpailevat kaikki myydyimpien albumien top 10:ssä. Lisäksi sooloartistit Elton John ja Billy Joel ovat hyvin mukana top 10:ssä. Tosin pätevä perustelu tälle on se, että nykypäivän modernit artistit eivät myy albumeita vaan sinkkuja. Tästä huolimatta on tärkeää huomauttaa, että heidän albumeitaan on edelleen mahdollista ostaa tai ladata. Tämä on yhteiskunnallinen suuntaus, joka vaikuttaa myös musiikkiteollisuuteen: ihmiset ostavat mieluummin sinkkuja ja hittikappaleita kuin kokonaisen albumin. Led Zeppelinin ja The Beatlesin kaltaiset artistit tekivät albumeja miellyttääkseen ihmisiä kokonaisuudessaan, ja usein kappaleet osuivat samaan aikaan toistensa kanssa. Vielä tänäkin päivänä ihmiset ostavat ja keräävät vinyylilevyjä tehneiden yhtyeiden levyjä. Se yksinkertainen tosiasia, että vaikka nykyaikaiset artistit ovat saaneet vaikutteita varhaisilta muusikoilta, he eivät myy kilpailukykyisesti levyjä kilpaillakseen 40-50 vuotta aikaisempien bändien kanssa, on malliesimerkki siitä, miksi popmusiikki on loukkaus monille tyylilajeille.
Vuosina 1955-2010 tutkijat ja tiedemiehet analysoivat 500 000 kappaletta ja vahvistivat monien vanhempiemme mielipiteet, yksinkertaisesti sanottuna musiikki huononee. Tutkimusryhmä otti nämä kappaleet ja ajoi ne algoritmien läpi, jotka mittasivat seuraavia asioita: harmoninen monimutkaisuus, soinnillinen monimuotoisuus ja äänekkyys. Ensinnäkin testit vahvistivat, että viimeisten vuosikymmenten aikana timbre on vähentynyt. Timbre määritellään äänen rikkaudeksi, tekstuuriksi, väriksi ja laaduksi musiikin äänen sisällä. Periaatteessa se voidaan yksinkertaistaa instrumenttien ja laulun äänen rikkaudeksi tai syvyydeksi. Tutkimuksen avulla tiede on osoittanut kaksi asiaa: viime vuosikymmeninä timbre on vähentynyt tasaisesti vuosikymmenten aikana, ja timbre saavutti huippunsa 1960-luvulla. Tämä tarkoittaa, että kappaleiden soittimien ja äänitystekniikoiden monimuotoisuus on vähentynyt. Kaikki tämä tiivistyy siihen, että musiikki on muuttunut yksinkertaisemmaksi. Koska nykypäivän moderni popmusiikki perustuu yksinkertaisen tahdin toistuvaan käyttöön, myös harmoninen monimutkaisuus on vähentynyt vuosikymmenten aikana. Esimerkiksi Beatlesin ”A Day in the Life”, Led Zeppelinin ”Kashmir” ja Metallican San Francisco Symphony -yhtyeen käyttö vuoden 1999 albumilla S&M sisältävät runsaasti yhtyeen pääkokoonpanoa sekä kokonaisia orkestereita kapellimestarin johdolla. Jopa rytminvaihdosten, kappaleiden aikana tapahtuvien instrumentaalimuutosten ja sanoitustulkintojen erilaisten määrien tarkastelu suosii sellaisia genrejä kuin rock (sekä variaatioita ja alagenrejä), klassinen musiikki, blues ja jazz. Popmusiikissa käytetään suurimman osan ajasta yhtä instrumenttia, rumpukonetta. Tämä instrumentti pystyy tuottamaan monia ääniä ja variaatioita, mutta se on vastuussa rytmistä ja elektronisesti tuotetusta rytmistä, jota usein kuulee popmusiikissa. Jotkut saattavat väittää, että tämä on liioittelua, ja tavallaan se onkin, sillä monet artistit käyttävät bändejä live-esiintymisiin. Rumpukonetta käytetään myös dub-stepin, rapin ja progressiivisen rockin tyylilajeissa. Kaikissa näissä tyylilajeissa on kuitenkin niin monipuolisia ja monimutkaisia rytmejä ja monimutkaisia sanoituksia, että on vaikea sanoa, että rumpukoneen käyttö olisi ongelma popissa. Silti se on silti ongelma, sillä dub-step-artisti Skrillex on tunnettu siitä, että hän käyttää rumpukonetta ja muita tietokoneella tuotettuja ääniä kappaleen pääbiitin säestämiseksi. Pelkästään se, että missään kahdessa kappaleessa ei ole samanlaista rytmiä tai tempoa, jopa tietokoneella tuotettua melua, on todiste siitä, että popmusiikki on yksinkertainen genre, jossa ei ole keskitytty musiikin laatuun.
Kuten Scientific American uutisoi, Espanjan kansallisen tutkimusneuvoston tekoälytutkimusinstituutissa Barcelonassa tehty tutkimus vahvisti, että musiikki on viimeisten vuosikymmenten aikana myös todennut, että sanoitukset muuttuvat yhä yksinkertaisemmiksi ymmärtää. Vaikka aiemmin todettiin, että suuri osa nykypäivän musiikista kuulostaa toistolta, todistettiin myös, että lähes kaikki nykypäivän pop-kappaleet sisältävät saman asian, vuosituhannen vaihteen huudon. Musiikkibloggaaja Patrick Metzger havaitsi, että monet artistit käyttävät samaa nuottijärjestystä, jossa asteikon viidennestä nuotista siirrytään kolmanteen nuottiin ja sitten takaisin viidenteen nuottiin toistuvasti. Hän loi myös termin millennial whoop. Esimerkiksi Katy Perryn ”California Girls”, Pitbullin ”International Love” ja Owl Cityn ”Good Time”, vain muutamia mainitakseni, käyttävät kaikki millenniaalista whooppia. Useimmiten sitä käytetään kappaleen kertosäkeessä täyttämään säkeistöjen välisiä aukkoja, mikä johtaa siihen, että kappale jää päähän, koska aivomme pitävät tuttuudesta. Mitä useammin kuulemme samaa ääntä, sitä enemmän nautimme siitä, ja tämä on enemmän kuin vain sattumanvarainen tapahtuma.
Jos olisit pop-artisti, joka on juuri julkaissut uuden kappaleen, etkö haluaisi, että se sisältäisi jotain sellaista, mitä muissa pop-kappaleissa on? Jos muut kappaleet menestyvät millenniaalisen huudon takia niin yhä useampi artisti käyttää sitä varmistaakseen kappaleen suosion. On todistettu, että nykypäivän sanoitukset ovat helposti ymmärrettävissä seitsemännen luokan tasolla, mikä tarkoittaa, että 13-vuotias ei ainoastaan ymmärrä kappaleen yksittäistä merkitystä, vaan hän voisi todennäköisesti myös kirjoittaa kappaleen. Los Angelesissa toimivan rockyhtye Toolin laulajaa Maynard James Keenania pidetään yhtenä kaikkien aikojen parhaista sanoittajista, koska hänen teoksistaan löytyvät monitahoiset ja perimmäiset ajatukset on yhdistetty Toolin epätavalliseen rytmitykseen. Kappaleen ”Lateralus” sanoitukset noudattavat matematiikan Fibonacci-sekvenssiä ja keskittyvät siihen, miten mieli on ihmisen suurin heikkous, sanomalla: ”Over-thinking, over-analyzing separates the body from the mind”. Kuihtuu intuitioni, menetän tilaisuuksia ja minun täytyy ruokkia tahtoani tuntea hetkeni piirtäminen kaukana linjojen ulkopuolella.” Bob Dylan, toinen arvostettu lauluntekijä, voitti Nobelin kirjallisuuspalkinnon ja hänet on otettu Rock and Roll Hall of Fameen kansanmusiikkityöstään. Olipa kyse sitten John Lennonista, Paul McCartneysta, Robert Plantista, Bob Marleysta tai Jimi Hendrixistä, on helppo sanoa, että nämä artistit ovat tunnettuja monimutkaisista sanoituksistaan. Miksi monimutkaiset sanoitukset ovat hyviä musiikissa? Koska se jättää kappaleet avoimiksi henkilökohtaiselle tulkinnalle. Jos jokainen ihminen näkee kappaleen eri tavalla, se puhuttelee häntä henkilökohtaisella tasolla, mitä 1950-luvulta 2000-luvun alkuun bändit pyrkivät saavuttamaan. Kun bändit haluavat puhua faneilleen ja iskeä heihin henkilökohtaisella tasolla sen sijaan, että tekisivät kappaleen ollakseen suosittu, silloin on saavutettu todellista musiikillista käsityötaitoa.
Koukku eli kappaleen osa, joka tarttuu sinuun ja vetää sinut mukaan kappaleeseen, on myös tärkeä osa musiikkia. Katso vaikka Phil Collinsin ”In The Air Tonight”. Oletko koskaan huomannut odottavasi rumpusooloa kesken kappaleen? Suurimmalle osalle ihmisistä vastaus on kyllä, ja se johtuu siitä, että se on kappaleen koukku. Viimeaikaisissa tutkimuksissa havaittiin, että kappaleen koukku on yhä lähempänä kappaleen alkua, mikä tarkoittaa, että meidän kuuntelijoina on odotettava vähemmän aikaa ollaksemme tyytyväisiä, kun koukku tapahtuu. Vähemmän aikaa koukun odottamiseen tarkoittaa, että tarkkaavaisuuden kesto lyhenee, ja jos kappale ei nappaa sinua heti alusta alkaen tai jos siinä ei ole koukkua, aivomme sulkeutuvat eivätkä kuuntele tai ymmärrä loput kappaleesta, jolloin kappale käytännössä jää väliin. Uskottu syy tähän on se, että miljoonat kappaleet ovat välittömästi saatavilla käytännössä ilmaiseksi. Saamme paljon musiikkia vähällä rahalla, ja se tarkoittaa, että musiikilla ei ole henkilökohtaista arvoa ostajalle. Kun levyt ja vinyylit olivat vielä suosittuja, ihmiset säästivät ja ostivat levyn, jossa oli kourallinen kappaleita, ja kuuntelivat sen lukemattomia kertoja, koska se oli halpaa ja koska oppi arvostamaan levyä ja löytämään uusia asioita jokaisesta kappaleesta, mitä useammin sitä kuunteli. Ipodin ja muiden musiikin kuuntelulaitteiden keksimisen myötä kuuntelijat ovat menettäneet kappaleiden arvon, koska ne ovat niin helposti saatavilla. Myös musiikin suoratoistosovellukset ja verkkosivustot, kuten Spotify, Pandora, AOL Radio ja IHeart Radio, mahdollistavat kokonaisten albumien lataamisen ja kappaleiden ohittamisen tai poistamisen mielensä mukaan. Tämä on myös saanut kuuntelijat pitämään musiikin arvoa itsestäänselvyytenä. Kuten aiemmin todettiin, meidän ei enää tarvitse kuunnella levyn jokaista kappaletta ja arvostaa niitä, vaan jos emme pidä kappaleesta, poistamme sen yksinkertaisesti soittolistalta emmekä tunnusta sen eteen tehtyä lahjakkuutta ja työtä. Kun tähän yhdistetään se, että viimeisten kahdenkymmenen vuoden aikana tuottajat ja levy-yhtiöt ovat muuttaneet kappaleiden dynaamista kompressiota saadakseen kuuntelijat koukkuun heti alusta alkaen, saadaan popmusiikkia parhaimmillaan.
Dynaamisen alueen kompressio on teko, jossa laulun tiettyjä alueita vahvistetaan niin, että hiljaiset kohdat sopivat yhteen laulun äänekkäämpien osien kanssa. Tämä kaikki tehdään elektronisesti studiossa. Syy tähän on se, että viime aikoina tuottajat ovat käyneet taistelua toisten tuottajien kesken siitä, kuka pystyy luomaan kovempaa musiikkia. Dynaamisen alueen kompression väheneminen tarkoittaa myös sitä, että kuuntelijan asettamasta äänenvoimakkuudesta huolimatta musiikki on edelleen kovaa. Tuottajien välisessä kilpailussa on järkevää, että jokainen tuottaja yrittää tehdä kappaleistaan kovempia. Esimerkiksi vain harvat ihmiset huomaisivat kadunkulmassa huutavan ja sitten kuiskaavan henkilön, mutta jos tämä henkilö huutaisi jatkuvasti, kaikki huomaisivat sen. Kun koko tyylilaji perustuu siihen, että toinen poplaulu vastaa toista ja päihittää toisen, artistit ja tuottajat etsivät mitä tahansa keinoa päästä kilpailijoiden edelle. Tällä tekniikalla varmistetaan, että kun kappale alkaa soida, kuulijat kuulevat sen ja yhdistävät sen muihin pop-kappaleisiin. Dynaamisen pakkauksen käyttämisessä musiikin luomisessa ei ole mitään pahaa, paitsi jos sitä käytetään väärin ja se rikkoo fysiikan lakeja. Fysiikan mukaan ääntä ei voi tehdä kovemmaksi kuin sillä äänenvoimakkuudella, jolla se on äänitetty. Näin aiheutetaan vääristymiä ja laadun menetystä kappaleen joukossa. Kun kappaleen dynamiikka-aluetta pakataan, kappaleen ajallinen monimuotoisuus katoaa ja bassokitaroiden ja rumpujen tuottamat matalammat äänet jäävät arvostamatta, koska ne hallitsevat musiikkia sen sijaan, että ne säestävät sitä. Nykypäivän musiikkiteollisuudessa riskillä on suuri merkitys albumien tuotannossa. 50-, 60- ja 70-luvuilla levy-yhtiöt saivat satoja demoraitoja viikossa aloittelevilta artisteilta. Jos yhtiö näki potentiaalia tai artistilla oli lahjakkuutta, yhtiö hyväksyi hänet ja hän sai sopimuksen. Sen jälkeen oli yleisön tehtävä olla tuomarina ja valamiehistönä artistin musiikissa, ja jos yleisö piti albumeista, artisti jatkoi levyttämistä, jos yleisö ei pitänyt, artisti menetti sopimuksen. Tämä oli tärkeää, koska se tarkoitti, että vain todella lahjakkaat taiteilijat saattoivat tehdä uraa musiikin luomisesta. Lahjattomille ja huolimattomille artisteille ei ollut tilaa tehdä uraa. Tästä oli haittapuolensa, koska useimmiten yritykset tekivät sopimuksen muusikon kanssa ja pumppasivat sitten tuhansia dollareita heidän tuotantoonsa ja esityksiinsä, mutta artistista tuli sitten vain epäonnistuja. Harvoin oli taiteilijaa, joka oli kuin hiomaton timantti, joka toi rahaa ja sai suosiota työstään, jolloin yritykset saivat sijoituksensa takaisin. Nykyään artistin tuottaminen ja mainostaminen on kalliimpaa kuin koskaan.
IFPI:n mukaan artistin palkkaaminen, hänen teostensa tuottaminen, sisäänajaminen ja valtavirran suosioon saattaminen maksaa 500 000-3 000 000 dollaria. Olisi vain järkeenkäypää, että levy-yhtiöt eivät haluaisi ottaa riskiä siitä, että artisti epäonnistuu, koska he ovat sijoittaneet häneen niin paljon, joten he saavat hänet kuulostamaan samalta kuin muut menestyneet artistit. Tämä on johtanut siihen, että musiikkiteollisuus allekirjoittaa enemmän tai vähemmän kauniita kasvoja kuin lahjakkaita artisteja ja pakottaa yleisön pitämään heistä, koska he kuulostavat samanlaisilta kuin muut genren artistit. Taloudellisen riskin poistamisen myötä yleisö on käytännössä aivopesty pitämään jokaisesta tuotetusta kappaleesta sen sijaan, että se valitsisi kappaleet, joista se pitää. Miten aivopesu vaikuttaa asiaan? Katsokaa Wiz Khalifan kappale ”See you Again” ft. Charlie Puth, tuota kappaletta mainostettiin kaikilla radioasemilla ympäri Amerikkaa, sitä soitettiin ostoskeskuksissa ja kaupoissa, ja se oli jopa Fast 7 -elokuvan tunnuskappale. Kun kappaletta pumpataan jokaisesta kaiuttimesta ympärilläsi, se joko ärsyttää sinua tai saat siitä mieltymyksen. Suurin osa nykyväestöstä antaa kappaleiden kasvaa itseensä, ja tämä johtuu siitä, että musiikki on niin hallitsevaa, ettei monilla ole muuta vaihtoehtoa kuin kuunnella sitä. Tämä kappaleiden ylenpalttinen mainostaminen on levy-yhtiön varmistamista siitä, että heidän sijoittamansa 3 miljoonaa dollaria palautuu eikä mene hukkaan, piditpä kappaleesta tai et, et voi olla kuulematta sitä, ja se on väistämätön. Mere-Exposure-ilmiö on psykologinen ilmiö, jossa ihmiset kehittävät mieltymyksiä ärsykkeille, joille he altistuvat usein. Monissa tapauksissa kuulijoiden ensimmäinen altistuminen kappaleelle vaikuttaa kielteisesti, mutta kolmannella tai neljännellä kerralla he alkavat hyväksyä kappaleen tai antautua sille, koska se soi usein, ja aivot oppivat hyväksymään sen. Jos kappaleella on todellinen merkitys kuulijalle ja pidät siitä yksilönä, sinua ei tarvitse pakottaa pitämään siitä massamainonnalla, liiallisella soittamisella ja kavereidesi kuuntelemisella saman Mere-Exposure-efektin vuoksi.
Kaikilla on omat musiikilliset mieltymyksensä omista syistään. Itse pidän heavy metallista, hard rockista ja suurimmasta osasta näiden molempien luomista alalajeista. Minulle luodut kappaleet ovat ainutlaatuisia, jäljittelemättömiä, helposti samaistuttavia, ilmaistavia ja puhuttelevat minua henkilökohtaisella tasolla. Henkilön suosikkibändiä tai -musiikkia pitäisi voida kuunnella välittämättä siitä, mitä muut ajattelevat tai sanovat, koska musiikki sisältää henkilökohtaisen kokemuksen yksilön kanssa. Kunkin tyylilajin luovuus ja omaperäisyys tekevät musiikista tärkeää, koska se on taiteilijan tapa kuvata tunteitaan ja tuntemuksiaan. Yhteiskunnassa, jossa vertaispaineella ja sosiaalisella hyväksynnällä on suuri merkitys, on tärkeää olla silti erilainen vastoin normeja tai valtavirran ajatuksia. Musiikki on yksilön persoonallisuuden ilmaus, koska kuulija voi ymmärtää sanoitukset ja arvostaa suosikkilajinsa instrumentaalista säestystä. Se täydentää heidän tunteitaan tai heijastaa tiettyä aikaa heidän elämässään, jolloin musiikki oli ainoa asia, jota he ymmärsivät tai johon he saattoivat turvautua. Kuinka moni artisti sanoo saaneensa inspiraation tarttua soittimeen, koska kuuli Beatlesin, Led Zeppelinin, Elvis Presleyn, Bob Dylanin tai Eaglesin, ja kuinka moni artisti sanoo saaneensa inspiraation Lady Gagalta, Justin Bieberiltä tai Taylor Swiftiltä. Musiikin pitäisi olla kuulijalle inspiroivaa, eikä sitä pitäisi pakottaa kuulijoille suurten levy-yhtiöiden toimesta, jotka yrittävät houkutella kuulijoita monistetuilla sanoituksilla ja toistuvilla äänillä. Mikään ei puhuttele kuulijaa enemmän kuin kappale, jonka hän kuulee ensimmäistä kertaa ja muistaa vuosia myöhemmin, kun hän kuuli sen ensimmäisen kerran. Kokemus, jonka yksilö saa kappaleesta, on tärkeämpi kuin raha, jonka levy-yhtiö saa kappaleen ostamisesta. Ei ole ihme, että monet nykynuorison vanhemmat ja vanhemmat sanovat aina ”Musiikki ei ole enää hyvää”, ”Tämä ei ole edes musiikkia, vaan pelkkää meteliä” tai suosikkini ”Mitä hyvälle musiikille tapahtui”, kun he kuulevat nykypäivän kappaleita, ja se johtuu siitä, että ne ovat totta. Mitä hyvälle musiikille on tapahtunut, miksi se ei ole enää hyvää ja miksi’ se on vain kasa ääniä? Se on yksinkertaista, popmusiikki ei välitä kuuntelijasta tai siitä, miten se vaikuttaa johonkin, se välittää vain siitä, että se tuo levy-yhtiöille rahaa ja mainetta. On aivan selvää, että musiikki taidemuotona on kuolemassa. Kuuntelijoina meidän tehtävämme on olla tyytymätön ja antaa systemaattisen musiikin vallata elämämme. Emme voi antaa yhden asian, joka on ollut läsnä monissa onnellisimmissa ja surullisimmissa hetkissämme, joutua kertakäyttöesineen hallitsemaksi, jonka tarkoituksena on myydä ja tienata miljoonia dollareita ilman kuuntelijan inspiraatiota, tai muuten kaunis, sielukas ja henkilökohtainen musiikki, josta me kaikki nautimme, kuolee sukupuuttoon roskan, popmusiikin, tieltä.”
Works Cited
”100 Greatest Songwriters of All Time.” Rolling Stone, www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-songwriters#bob-dylan.
Havers, Richard. ”25 klassista orkesterirock-kappaletta | UDiscover.” UDiscoverMusic, 25.8.2017, www.udiscovermusic.com/playlists/25-classic-orchestral-rock-tracks/.
II, Theodoros. ”25 kaikkien aikojen myydyintä musiikkiartistia”. List25, List25, 16.11.2014, list25.com/25-top-selling-music-artists-of-all-time/.
Lynch, John. ”Kaikkien aikojen 50 myydyintä musiikkiartistia”. Business Insider, Business Insider, 13.9.2017, www.businessinsider.com/best-selling-music-artists-of-all-time-2016-9/#5-eagles-101-million-units-46.
”Max Martin.” Wikipedia, Wikimedia Foundation, 12.2.2018, fi.wikipedia.org/wiki/Max_Martin.
Thoughty2. ”Miksi moderni popmusiikki on niin kamalaa?”. YouTube, YouTube, 5.8.2017, www.youtube.com/watch?v=oVME_l4IwII.
.