Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5 és Ariana Grande, a modern popzene szupersztárjai, akikben egy dolog közös: egy Max Martin nevű fickó. A svéd dalszerző a mai modern popzene gerincét adja. Több mint 200 dallal a nevéhez fűződik a producerelt zenék nagy része. Mivel lelkes hallgatója vagyok minden más zenének a country, pop és rap mellett, személyes meggyőződésemet, miszerint a popzene a legrosszabb zenetípus, nemcsak a józan ész támasztja alá, hanem a spanyol Nemzeti Kutatási Tanács Mesterséges Intelligencia Kutatóintézetének Barcelonában végzett, bizonyított statisztikái és kutatásai is. Az eladott albumok egyszerű ténye, a közelmúltban megfigyelt teszteredmények, valamint a hangszerhasználat és a lírai koncepció összetettsége csak tovább bizonyítja, hogy a popzene a legrosszabb zenei műfaj.
Egyszázhetvenhét millió, a The Beatles angol rockegyüttes által eladott albumok száma. Ha a Business Insider szerint a 10 legjobban eladott előadót nézzük, csak egy tényleges popsztár tűnik fel, Michael Jackson 81 millió eladott albummal. Attól függően, hogy milyen listát és forrást használunk ehhez az információhoz, olyan popelőadókat láthatunk a top 10-ben, mint Madonna és Prince; azonban sok weboldal másképp határozza meg az eladott albumokat, mint a letöltött albumok és a megvásárolt bakelitlemezek. Mindazonáltal, függetlenül attól, hogy milyen forrásból származik a lista, nyilvánvaló, hogy a top 10 tele van ugyanannak a műfajnak vagy alműfajnak, a rocknak a művészeivel. A Beatles vezette a brit inváziót a 60-as évek elején, Elvis Presley-t vitathatatlanul a rock and roll királyának titulálják, és más rock-alapokon álló együttesek, mint az Eagles, a Led Zeppelin és a Pink Floyd mind versenyeznek a top 10 eladott album között. Emellett Elton John és Billy Joel szólóművészek is jól szerepelnek a top 10-ben. Bár ezzel szemben jogos érv, hogy a mai modern művészek nem albumokat, hanem kislemezeket adnak el. Ennek ellenére fontos rámutatni, hogy még mindig meg lehet vásárolni az albumaikat, vagy le lehet őket tölteni. Ez egy olyan társadalmi trend, amely a zeneipart is érinti, az emberek inkább kislemezeket és slágereket vásárolnak, mint az egész albumot. Az olyan művészek, mint a Led Zeppelin és a Beatles azért készítettek albumokat, hogy teljes egészében az emberek kedvében járjanak, gyakran a dalok egybeestek egymással. Az emberek még ma is vásárolnak és gyűjtik a bakelitlemezeket készítő együttesek lemezeit. Az az egyszerű tény, hogy a modern művészek, bár a korai zenészek inspirálták őket, nem adnak el versenyképes lemezeket, hogy felvegyék a versenyt a 40-50 évvel korábbi zenekarokkal, kiváló példa arra, hogy a popzene miért sért sok műfajt.
Az 1955-2010 közötti években a kutatók és tudósok 500 000 dalt elemeztek, és megerősítették sokunk szüleinek véleményét, egyszerűen szólva a zene egyre rosszabb. A kutatócsoport fogta ezeket a dalokat, és lefuttatta őket algoritmusokon, amelyek a következőket mérték: harmonikus összetettség, hangzásbeli változatosság és hangerő. Először is, a tesztek megerősítették, hogy az elmúlt évtizedekben csökkent a hangszínvilág. A hangszínt úgy definiálják, mint a hangzás gazdagságát, textúráját, színét és minőségét a zene hangzásán belül. Alapvetően leegyszerűsítve a hangszerek és az énekhangok hangjának gazdagsága vagy mélysége. A kutatások révén a tudomány két dolgot bizonyított: az elmúlt évtizedekben a hangszín az évtizedek során folyamatosan csökkent, és a hangszín az 1960-as években érte el a csúcspontját. Ez azt jelenti, hogy a dalok kevésbé változatosak a hangszereken és a felvételi technikákon belül. Mindez összefoglalva arra mutat rá, hogy a zene egyszerűbbé vált. Tekintettel arra, hogy a mai modern popzene egy egyszerű ütem ismétlődő használatára épül, a harmóniai összetettség is csökkent az évtizedek során. Például a Beatles “A Day in the Life”, a Led Zeppelin “Kashmir” és a Metallica 1999-es S&M című albumán a San Francisco Symphony használata során a zenekar fő felállását, valamint teljes zenekarokat használnak a karmester vezetésével. Még a ritmusváltások eltérő mennyiségét, a dalok során bekövetkező általános hangszeres változásokat és a szöveges értelmezést tekintve is az olyan műfajoknak kedveznek, mint a rock (plusz variációk és alműfajok), a klasszikus zene, a blues és a jazz. A popzene az esetek többségében egyetlen hangszert használ, a dobgépet. Ez a hangszer számos hangot és variációt képes előállítani, de a popzenében gyakran hallható ütemért és elektronikusan előállított ritmusért felelős. Egyesek azt állítják, hogy ez túlzás, és bizonyos szempontból az is, mert sok egyes művészek zenekarokat használnak az élő fellépésekhez. A dobgép használata a dub-step, a rap és a progresszív rock műfajokban is megjelenik. Azonban ezek a műfajok mindegyike olyan változatos és összetett ritmusokat tartalmaz, amelyeket összetett szövegek kísérnek, hogy nehéz azt mondani, hogy a dobgép használata probléma a popban. Mégis probléma, a dub-step előadója, Skrillex arról ismert, hogy dobgépet és más, számítógéppel generált zajokat használ a dal fő ütemének kísérésére. Az az egyszerű tény, hogy nincs két azonos ritmusú vagy tempójú dal, még a számítógép által generált zajok is azt bizonyítják, hogy a popzene egy egyszerű műfaj, amely nem a zene minőségére összpontosít.
Amint arról a Scientific American beszámolt, a spanyol Nemzeti Kutatási Tanács mesterséges intelligencia kutatóintézetében Barcelonában végzett kutatás megerősítette, hogy a zene az elmúlt évtizedekben azt is megállapította, hogy a szövegek egyre egyszerűbben érthetők. Míg korábban azt állították, hogy a mai zene nagy része ismétlődően hangzik, azt is bebizonyosodott, hogy szinte minden mai popdal ugyanazt tartalmazza, az ezredfordulós huhogást. Patrick Metzger zenei blogger megállapította, hogy sok előadó ugyanazt a hangsorozatot használja: a skálán az ötödik hangról a harmadik hangra, majd vissza az ötödik hangra való váltás ismétlődően történik. Ő alkotta meg az ezredfordulós whoop kifejezést is. Például Katy Perry “California Girls”, Pitbull “International Love” és Owl City “Good Time” című száma, hogy csak néhányat említsünk, mind az ezredfordulós whoopot használják. Az esetek többségében ezt a dal refrénjén belül használják, hogy kitöltsék a strófák közötti hézagokat, ami ahhoz vezet, hogy a dal megragad a fejünkben, mert az agyunk szereti az ismerősséget. Minél többször halljuk ugyanazt a hangot, annál jobban élvezzük, és ez több mint véletlenszerű történés.
Ha egy popelőadó lenne, aki most adott ki egy új dalt, nem akarná, hogy legyen benne valami, ami más popdalokban is megvan? Ha más dalok sikert aratnak az ezredfordulós whoop miatt, akkor egyre több előadó fogja használni, hogy biztosítsa a dal népszerűségét. Bebizonyosodott, hogy a mai dalszövegek hetedikes szinten is könnyen érthetőek, ami azt jelenti, hogy egy 13 éves nem csak a dal egyetlen jelentését érti meg, de valószínűleg meg is tudná írni a dalt. A Los Angeles-i Tool rockzenekar énekesét, Maynard James Keenant minden idők egyik legjobb szövegírójaként tartják számon a Tool szokatlan tempójú, szokatlan ritmusaihoz illesztett műveiben található összetett és mögöttes gondolatok miatt. A “Lateralus” című dalban a szöveg a matematika Fibonacci-sorozatát követi, valamint arra összpontosít, hogy az elme az ember legnagyobb gyengesége: “A túlzott gondolkodás, a túlzott analizálás elválasztja a testet az elmétől. Elsorvasztja az intuíciómat, elszalasztja a lehetőségeket, és táplálnom kell az akaratomat, hogy érezzem a pillanatomat, amely messze a vonalakon kívülre húzódik.” Bob Dylan, egy másik elismert dalszerző, aki irodalmi Nobel-díjat kapott, és a népzenei munkásságáért bekerült a Rock and Roll Hall of Fame-be. Legyen szó John Lennonról, Paul McCartney-ról, Robert Plantről, Bob Marley-ról vagy Jimi Hendrixről, könnyű azt mondani, hogy ezek a művészek összetett dalszövegeikről ismertek. Miért jók az összetett dalszövegek a zenében? Mert nyitva hagyja a dalokat a személyes értelmezésre. Ha minden ember másképp látja a dalt, akkor az személyre szabottan szól hozzá, amit az 1950-es évektől a 2000-es évek elejéig a zenekarok igyekeztek elérni. Amikor a zenekarok a rajongóikhoz akarnak szólni, és személyes szinten akarják eltalálni őket, ahelyett, hogy azért készítenének egy dalt, hogy népszerű legyen, akkor az igazi zenei kézművesség megvalósult.
A Hook, vagyis a dalnak az a része, amely megragad és magával ragad a dalba, szintén fontos része a zenének. Nézd meg Phil Collins “In The Air Tonight” című számát. Előfordult már veled, hogy a dal közepén a dobszólóra vártál? Az emberek többsége számára a válasz igen, és ez azért van, mert ez a dal kampója. A közelmúltban végzett vizsgálatok azt mutatták ki, hogy a dalok hookja egyre közelebb kerül a dal elejéhez, ami azt jelenti, hogy nekünk, hallgatóknak kevesebbet kell várnunk, hogy elégedettek legyünk, amikor a hook megtörténik. Kevesebb időt várni a horogra azt jelenti, hogy csökken a figyelmi idő, és ha a dal nem ragad meg az elejétől fogva, vagy nincs horog, az agyunk kikapcsol, és nem hallja vagy nem érti meg a dal többi részét, lényegében kihagyja a dalt. Ennek vélt oka, hogy több millió dalhoz azonnal hozzáférhetünk gyakorlatilag ingyen. Sok zenét kapunk nem sok pénzért, és ez azt jelenti, hogy a zene nem képvisel személyes értéket a vásárló számára. Amikor a lemezek és bakelitlemezek még népszerűek voltak, az emberek spóroltak, és megvettek egy lemezt egy maroknyi dallal, és számtalanszor meghallgatták, egyrészt az ára miatt, másrészt pedig azért, mert minél többször hallgattad, annál jobban megtanultad értékelni az albumot, és annál több új dolgot vettél észre az egyes dalokban. Az Ipod és más zenehallgató eszközök feltalálásával a hallgatók elvesztették a dalok értékét, mert olyan könnyen hozzáférhetők. Az olyan zenei streaming alkalmazások és weboldalak, mint a Spotify, a Pandora, az AOL Radio és az IHeart Radio segítségével az emberek egész albumokat tölthetnek le albumokon, és tetszés szerint átugorhatják vagy eltávolíthatják a dalokat. Ez szintén azt eredményezte, hogy a zenehallgatók természetesnek veszik a zene értékét. Ahogy korábban említettük, már nem kell minden egyes dalt meghallgatnunk egy lemezen, és értékelnünk őket, ehelyett ha nem tetszik a dal, egyszerűen eltávolítjuk a lejátszási listáról, és nem ismerjük el a beleölt tehetséget és munkát. Ha ezt összekeverjük azzal a ténnyel, hogy az elmúlt húsz évben a producerek és a lemezkiadók megváltoztatták a dalok dinamikai tömörítését, hogy a hallgatók már az elején rákattanjanak, akkor megkapjuk a popzene legjavát.
A dinamikai tömörítés a dal bizonyos területeinek felerősítése, hogy a csendes részek megegyezzenek a dal hangosabb részeivel. Ez mind elektronikusan történik a stúdióban. Ennek az az oka, hogy az utóbbi időben a producerek csatát vívnak a többi producer között, hogy ki tud hangosabb zenét létrehozni. A dinamikatartomány-tömörítés csökkenése azt is jelenti, hogy a hallgató által beállított hangerő ellenére a zene még mindig hangos lesz. A producerek közötti versenyben logikus, hogy minden producer megpróbálja hangosabbá tenni a dalait. Például csak néhány kiválasztott ember venné tudomásul, ha valaki az utcasarkon kiabál, majd suttogja a szavakat, de ha ez a személy folyamatosan kiabálna, akkor mindenki észrevenné. Amikor egy egész műfaj arra épül, hogy egy másik popdalhoz illeszkedik és felülmúlja azt, akkor az előadók és producerek minden lehetőséget megragadnak, hogy a versenytársakkal szemben előnybe kerüljenek. Ez a technika biztosítja, hogy amikor a dal felcsendül, a hallgatók hallani fogják, és más popdalokhoz társítják. Semmi rossz nincs abban, ha megpróbáljuk használni a dinamikus tömörítést a zene létrehozásában, kivéve, ha ezzel visszaélve megszegjük a fizika törvényeit. A fizika kimondja, hogy egy hangot nem lehet hangosabbá tenni annál a hangerőnél, amivel felvették. Ezáltal torzítást és minőségromlást okoz a dalok között. Ha egy dal dinamikatartományát tömöríted, akkor a dalok hangzásbeli változatossága elvész, és a basszusgitárok és dobok által előállított mélyebb hangmagasságok értékelhetetlenné válnak, mert irányítják a zenét, ahelyett, hogy kísérnék azt. A mai zeneiparban a kockázat nagy szerepet játszik az albumok készítésében. Az 50-es, 60-as és 70-es években a lemezkiadók hetente több száz demószámot kaptak a feltörekvő művészektől. Ha a cég látott benne potenciált, vagy a művész tehetséges volt, akkor a cég elfogadta őket, és szerződést kötött velük. Ezután a közönség fülén múlott, hogy a művészek zenéjét a közönség bírálta-e. Ha tetszett nekik az album, a művész folytatta a felvételeket, ha a közönségnek nem, a művész elvesztette a szerződést. Ez azért volt lényeges, mert ez azt jelentette, hogy csak az igazán tehetséges művészek csinálhattak karriert a zenei alkotásból. A tehetségtelen és hanyag művészeknek nem volt lehetőségük arra, hogy karriert csináljanak belőle. Ennek megvoltak a maga hátrányai is, mert az esetek többségében a cégek leszerződtettek egy zenészt, majd több ezer dollárt pumpáltak a produkcióba és a műsorokba, hogy aztán a művész csődöt mondjon. Ritkán volt olyan művész, aki a csiszolatlan gyémánt szerepét játszotta, aki pénzt hozott és népszerűséget szerzett a munkájával, ami azt eredményezte, hogy a cégek nullszaldósak lettek a befektetésükkel. Ma egy művész előállításának és népszerűsítésének költségei magasabbak, mint valaha.
Az IFPI megállapította, hogy egy művész szerződtetése, munkáinak létrehozása, betörése és a mainstream népszerűségének elérése 500 000 és 3 000 000 dollár közötti összegbe kerül. Logikus lenne, hogy a lemezkiadók nem akarják megkockáztatni, hogy egy művész bukás legyen, hiszen ennyit fektettek beléjük, ezért ugyanolyan hangzásúvá teszik őket, mint más művészeket, akik sikereket értek el. Ez azt eredményezte, hogy a zeneipar többé-kevésbé egy csinos arcot ír alá, mint egy tehetséges művészt, és arra kényszeríti a közönséget, hogy szeresse őket, mert ugyanúgy hangzanak, mint a műfaj többi tagja. Azzal, hogy az iparágban megszűnt a pénzügyi kockázat, a közönséget lényegében agymosással arra késztetik, hogy minden elkészített dalt szeressen, ahelyett, hogy kiválogatná és kiválasztaná azokat a számokat, amelyek tetszenek neki. Hogyan jön a képbe az agymosás? Nézd meg a “See you Again” című dalt Wiz Khalifa ft. Charlie Puth, ezt a dalt Amerika minden rádióállomásán reklámozták, játszották a bevásárlóközpontokban és a boltokban, sőt, még a Fast 7 főcímdala is volt. Amikor a dalt minden hangszórón keresztül pumpálják körülötted, akkor vagy bosszankodsz tőle, vagy megszereted. A mai lakosság többsége hagyja, hogy a dalok a szívéhez nőjenek, és ez azért van, mert a zene annyira irányító, hogy sokaknak nincs más választásuk, mint hallgatni. A daloknak ez a túlzott promóciója a lemezkiadó cégnek az, hogy a befektetett 3 millió dollár megtérüljön, és ne menjen kárba, akár tetszik a dal, akár nem, képtelen leszel nem meghallgatni, és megkerülhetetlen lesz. A Mere-Exposure-effektus egy olyan pszichológiai jelenség, amely szerint az emberek preferenciákat alakítanak ki olyan ingerek iránt, amelyeknek gyakran vannak kitéve. Sok esetben az első expozíció, amit a hallgatók egy dalnak tesznek ki, negatív hatással van rájuk, majd a harmadik vagy negyedik alkalommal elkezdik elfogadni vagy átadni magukat a dalnak a gyakori lejátszás miatt, és az agy megtanulja elfogadni azt. Ha egy dalnak valódi jelentése van a hallgató számára, és egyénként tetszik, akkor nem kellene, hogy tömeges promócióval, túlzott lejátszással és a barátaiddal, akik ugyanezen Mere-Exposure Effect miatt hallgatják, rákényszerítsenek, hogy szeresd.
Mindenkinek megvannak a saját zenei preferenciái a saját okai miatt. Én személy szerint szeretem a heavy metalt, a hard rockot és a kettő által létrehozott alműfajok többségét. A létrehozott dalok számomra egyediek, utánozhatatlanok, könnyen befogadhatóak, kifejezhetőek, és személyes szinten szólnak hozzám. Egy személy kedvenc zenekarát vagy zenéjét képesnek kell lennie hallgatni anélkül, hogy törődne azzal, hogy mások mit gondolnak vagy mondanak, mivel az a zene személyes élményt tartogat az egyén számára. Az egyes műfajok kreativitása és eredetisége teszi fontossá a zenét, mert a művész így mutatja be érzelmeit és érzéseit. Egy olyan társadalomban, ahol a csoportnyomás és a társadalmi elfogadás nagy szerepet játszik, fontos, hogy a normával vagy a mainstream elképzelésekkel szemben még mindig másnak kell lenni. A zene az egyén személyiségének kifejezője, mert a hallgató megérti a szöveget és értékeli kedvenc műfajának hangszeres kíséretét. Megdicséri az érzéseiket, vagy életük egy bizonyos időszakát tükrözi, amikor a zene volt az egyetlen dolog, amit megértettek, vagy az egyetlen dolog, amire támaszkodhattak. Hány művész mondja azt, hogy azért vett hangszert a kezébe, mert hallotta a Beatlest, a Led Zeppelint, Elvis Presleyt, Bob Dylant vagy az Eaglest, és nézd meg, hány művész mondja, hogy Lady Gaga, Justin Bieber vagy Taylor Swift inspirálta. A zenének inspirálónak kell lennie a hallgató számára, és nem szabadna rájuk erőltetni a nagy nevű kiadócégek által, amelyek megkettőzött dalszövegekkel és ismétlődő hangzásokkal próbálják becsalogatni a hallgatókat. Semmi sem szól jobban a hallgatókhoz, mint egy olyan dal, amelyet először hallanak, és évekkel később is emlékeznek rá, amikor először hallották. Az élmény, amit az egyén szerez a dalokból, fontosabb, mint az a pénz, amit a kiadótársaság kap a dal megvásárlásából. Nem csoda, hogy a mai fiatalok szülei és idősebbjei közül sokan mindig a “A zene már nem jó”, a “Ez nem is zene, ez csak egy rakás zaj”, vagy a kedvencem “Mi történt a jó zenével” utalásokat teszik, amikor mai dalokat hallanak, és ez azért van így, mert igazak. Mi történt a jó zenével, miért nem jó már, és miért’ csak egy rakás zaj? Egyszerű, a popzene nem törődik a hallgatóval, vagy azzal, hogy milyen hatással van valakire, csak az érdekli, hogy pénzt és hírnevet hozzon a kiadóknak. Elég nyilvánvaló, hogy a zene mint művészeti forma haldoklik. Nekünk, hallgatóknak az a dolgunk, hogy ne legyünk önelégültek, és ne engedjük, hogy a szisztematikus zene eluralkodjon az életünkön. Nem hagyhatjuk, hogy az egyetlen dolgot, ami a legboldogabb és legszomorúbb pillanataink nagy részében ott volt, egy eldobható tárgy uralja, amelyet arra terveztek, hogy eladja és dollármilliókat keressen a hallgatók inspirációja nélkül, különben a gyönyörű, lélekkel teli, személyes zene, amelyet mindannyian élvezünk, kihal a szemét által, ami a popzene.”
Works Cited
“100 Greatest Songwriters of All Time”. Rolling Stone, www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-songwriters#bob-dylan.
Havers, Richard. “25 klasszikus zenekari rock szám | UDiscover.” UDiscoverMusic, 2017. aug. 25., www.udiscovermusic.com/playlists/25-classic-orchestral-rock-tracks/.
II, Theodoros. “Minden idők 25 legkelendőbb zenei előadója”. List25, List25, 2014. nov. 16., list25.com/25-top-selling-music-artists-of-all-time/.
Lynch, John. “Minden idők 50 legkelendőbb zenei előadója”. Business Insider, Business Insider, 2017. szept. 13., www.businessinsider.com/best-selling-music-artists-of-all-time-2016-9/#5-eagles-101-million-units-46.
“Max Martin.” Wikipedia, Wikimédia Alapítvány, 2018. február 12., en.wikipedia.org/wiki/Max_Martin.
Thoughty2. “Miért olyan szörnyű a modern popzene?” YouTube, YouTube, 2017. aug. 5., www.youtube.com/watch?v=oVME_l4IwII.