Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5 a Ariana Grande, to všechno jsou superhvězdy moderní popové hudby, které mají jedno společné – chlápka jménem Max Martin. Tento švédský písničkář je páteří dnešní moderní popové scény. S více než 200 písněmi na kontě má na svědomí většinu produkované hudby. Jelikož jsem vášnivým posluchačem jakékoli hudby kromě country, popu a rapu,mé osobní přesvědčení o tom, že popová hudba je nejhorším typem hudby, je podloženo nejen zdravým rozumem, ale také ověřenými statistikami a výzkumem provedeným na Institutu pro výzkum umělé inteligence španělské Národní rady pro výzkum v Barceloně. Prostý fakt prodaných alb, nedávno zjištěné výsledky testů a složitost použití nástrojů a textového pojetí jen dále potvrzují názor, že popová hudba je nejhorším hudebním druhem.
Jedno sto sedmdesát sedm milionů, tolik alb prodala anglická rocková skupina The Beatles. Pokud byste se podívali na deset nejprodávanějších umělců podle Business Insider, objeví se tam pouze jedna skutečná popová hvězda, Michael Jackson s 81 miliony prodaných alb. V závislosti na seznamu a zdroji, který pro tyto informace používáte, můžete v první desítce vidět popové umělce, jako je Madonna a Prince; mnoho webových stránek však prodaná alba určuje jinak, a to podle počtu stažených alb a zakoupených vinylů. Nicméně bez ohledu na to, z jakého zdroje váš seznam pochází, je zřejmé, že v první desítce jsou umělci stejného žánru nebo subžánru, tedy rocku. Beatles vedli britskou invazi na počátku 60. let, Elvis Presley je nezpochybnitelně nazýván králem rokenrolu a další rockové základny jako Eagles, Led Zeppelin a Pink Floyd soutěží v rámci top 10 prodaných alb. Kromě toho se v první desítce umístili i sóloví umělci Elton John a Billy Joel. I když pádným argumentem pro to je, že dnešní moderní umělci neprodávají alba, ale singly. Je však třeba zdůraznit, že jejich alba je stále možné koupit nebo stáhnout. To je trend ve společnosti, který ovlivňuje i hudební průmysl, lidé si raději koupí singly a hity než celé album. Umělci jako Led Zeppelin a The Beatles vydávali alba, aby se lidem líbila celá, často se písně shodovaly. I dnes lidé stále kupují a sbírají desky kapel, které vydaly vinyly. Prostý fakt, že moderní umělci, ačkoli se inspirovali prvními hudebníky, neprodávají konkurenčně desky, které by konkurovaly kapelám z doby před 40-50 lety, je názorným příkladem toho, proč je popová hudba urážkou mnoha žánrů.
Výzkumníci a vědci v letech 1955-2010 analyzovali 500 000 písní a potvrdili názory mnoha našich rodičů, jednoduše řečeno, hudba je stále horší. Výzkumná skupina vzala tyto písně a prohnala je algoritmy, které měřily následující: harmonickou složitost, témbrovou rozmanitost a hlasitost. Předně testy potvrdily, že za posledních několik desetiletí se snížila témbrová rozmanitost. Barva zvuku je definována jako bohatost, textura, barva a kvalita zvuku uvnitř hudby. V podstatě se dá zjednodušeně označit jako bohatost nebo hloubka zvuku nástrojů a vokálů. Prostřednictvím výzkumu věda prokázala dvě věci: v posledních desetiletích se barva zvuku v průběhu desetiletí neustále snižuje a barva zvuku dosáhla svého vrcholu v 60. letech 20. století. To znamená, že písně mají menší rozmanitost v rámci nástrojů a nahrávacích technik. Vše shrnuto poukazuje na to, že hudba se zjednodušila. Vzhledem k tomu, že dnešní moderní popová hudba je založena na opakovaném používání jednoduchého rytmu, klesla v průběhu desetiletí také harmonická složitost. Například v písních Beatles „A Day in the Life“, Led Zeppelin „Kashmir“ a Metallica na albu S&M z roku 1999, kde použila San Francisco Symphony, je hojně využívána hlavní sestava kapely i celé orchestry pod vedením dirigenta. I při pohledu na rozdílné množství rytmických změn, celkové instrumentální změny v průběhu písní a interpretaci textů převažují žánry jako rock (plus variace a subžánry), klasika, blues a jazz. Popová hudba používá ve většině případů jediný nástroj, a to bicí automat. Tento nástroj je schopen vydávat mnoho zvuků a variací, ale je zodpovědný za rytmus a elektronicky vytvářený rytmus, který je v popové hudbě často slyšet. Někdo může namítnout, že jde o nadsázku, a v jistém smyslu tomu tak je, protože mnozí někteří umělci používají při živých vystoupeních kapely. Také použití bicího automatu se objevuje v žánrech dub-step, rap a progresivní rock. Každý z těchto žánrů se však vyznačuje tak rozmanitým a složitým rytmem doprovázeným komplexními texty, že je těžké říci, že používání bicího automatu je v popu problém. Přesto je to stále problém, dubstepový umělec Skrillex je známý používáním bicího automatu a dalších počítačem generovaných zvuků, které doprovázejí hlavní rytmus skladby. Prostý fakt, že žádné dvě písně nemají stejný rytmus nebo tempo, dokonce ani počítačem generované zvuky, je důkazem toho, že popová hudba je jednoduchý žánr, který se nezaměřuje na kvalitu hudby.
Jak uvádí Scientific American, výzkum provedený v Institutu pro výzkum umělé inteligence španělské Národní rady pro výzkum v Barceloně potvrdil, že hudba v posledních desetiletích také uvedla, že texty jsou stále jednodušší na pochopení. Zatímco dříve se uvádělo, že většina dnešní hudby zní repetitivně, bylo také prokázáno, že téměř všechny současné popové písně obsahují totéž – tisíciletý pokřik. Hudební blogger Patrick Metzger zjistil, že mnoho umělců používá stejnou notovou sekvenci posunu pátého tónu na stupnici na třetí tón a pak zpět na pátý tón prováděnou opakovaně. Vytvořil také termín millennial whoop. Například skladby „California Girls“ od Katy Perry, „International Love“ od Pitbulla a „Good Time“ od Owl City používají millennial whoop. Většinou se používá v refrénu písně, aby vyplnil mezery mezi slokami, což vede k tomu, že vám píseň uvízne v hlavě, protože náš mozek má rád známost. Čím častěji slyšíme stejný zvuk, tím více se nám líbí, a to je víc než jen náhodný jev.
Kdybyste byli popovým umělcem, který právě vydal novou píseň, nechtěli byste, aby obsahovala něco, co mají jiné popové písně? Pokud budou mít jiné písně úspěch díky tisíciletému pokřiku, pak ho bude používat stále více umělců, aby si zajistili popularitu písně. Je dokázáno, že dnešní texty písní jsou snadno srozumitelné na úrovni sedmé třídy, což znamená, že nejenže třináctileté dítě může pochopit jediný význam písně, ale pravděpodobně by ji také mohlo napsat. Zpěvák losangeleské rockové skupiny Tool Maynard James Keenan je považován za jednoho z nejlepších textařů všech dob díky složitosti a skrytým myšlenkám, které se v jeho tvorbě nacházejí, zasazeným do neobvyklého tempa netradičních rytmů skupiny Tool. V písni „Lateralus“ sleduje text Fibonacciho matematickou posloupnost a také se zaměřuje na to, že mysl je největší slabinou člověka: „Přílišné přemýšlení, přílišná analýza odděluje tělo od mysli. Uvadá má intuice, chybí příležitosti a já musím živit svou vůli, abych cítil, že můj okamžik kreslí daleko mimo linie.“ Bob Dylan, další uznávaný písničkář, získal Nobelovu cenu za literaturu a za svou práci v oblasti folkové hudby je uveden do Rock and Rollové síně slávy. Ať už se jedná o Johna Lennona, Paula McCartneyho, Roberta Planta, Boba Marleyho nebo Jimiho Hendrixe, je snadné říci, že tito umělci jsou známí svými složitými texty. Proč jsou složité texty v hudbě dobré? Protože nechávají písně otevřené pro osobní interpretaci. Pokud každý člověk vnímá píseň jinak, pak k němu promlouvá na osobní úrovni, což je to, čeho se snažily dosáhnout kapely v období od padesátých let do začátku tisíciletí. Když kapely chtějí promlouvat ke svým fanouškům a zasáhnout je na osobní úrovni, místo aby dělaly písničku proto, aby byla populární, pak bylo dosaženo skutečného hudebního řemesla.
Háček neboli část písně, která vás chytne a vtáhne do písně, je také důležitou součástí hudby. Podívejte se na skladbu „In The Air Tonight“ od Phila Collinse. Stalo se vám někdy, že jste uprostřed písně čekali na sólo na bicí? Pro většinu lidí je odpověď ano, a to proto, že je to háček písně. V nedávných studiích testy zjistily, že háček písně je stále blíže začátku písně, což znamená, že jako posluchači musíme čekat kratší dobu, abychom byli spokojeni, když se háček objeví. Čekání na háček kratší dobu znamená snížení pozornosti, a pokud vás píseň nezaujme od začátku nebo nemá háček, náš mozek se vypne a zbytek písně nevnímá a nechápe, v podstatě píseň přeskočí. Domníváme se, že důvodem je okamžitý přístup k milionům písní v podstatě zdarma. Dostáváme spoustu hudby za málo peněz, a to znamená, že hudba nemá pro kupujícího osobní hodnotu. Když byly desky a vinyly ještě populární, lidé si našetřili a koupili desku s hrstkou písní a poslouchali ji nesčetněkrát kvůli ceně a kvůli tomu, že se naučili album ocenit a zachytit nové věci v každé písni, čím více jste ji poslouchali. S vynálezem ipodu a dalších zařízení pro poslech hudby ztratili posluchači hodnotu písní, protože jsou tak snadno dostupné. Také aplikace a webové stránky pro streamování hudby, jako jsou Spotify, Pandora, AOL Radio a IHeart Radio, si lidé mohou stahovat celá alba na albech a přeskakovat skladby nebo je odstraňovat podle libosti. To také způsobilo, že posluchači považují hodnotu hudby za samozřejmost. Jak již bylo řečeno, už nemusíme poslouchat každou píseň na desce a oceňovat ji, místo toho, pokud se nám píseň nelíbí, jednoduše ji odstraníme z playlistu a neuznáváme talent a práci do ní vloženou. Smíchejte to se skutečností, že v posledních dvaceti letech producenti a nahrávací společnosti mění dynamickou kompresi písní, aby posluchače hned od začátku zaujali, a máte popovou hudbu v té nejlepší podobě.
Komprese dynamického rozsahu je akt zesílení určitých oblastí písně tak, aby tiché části odpovídaly hlasitějším částem písně. To vše se provádí elektronicky ve studiu. Důvodem je to, že v poslední době se producenti mezi sebou předhánějí v tom, kdo dokáže vytvořit hlasitější hudbu. Snížení dynamického rozsahu komprese také znamená, že navzdory úrovni hlasitosti, kterou má posluchač nastavenou, bude hudba stále hlasitá. V soutěži mezi producenty dává smysl, že se každý z nich bude snažit své skladby udělat hlasitější. Například člověka, který na rohu ulice křičí a pak šeptá slova, by vzalo na vědomí jen pár vybraných lidí, ale pokud by tento člověk křičel nepřetržitě, všimli by si toho všichni. Když je celý žánr založen na tom, že se vyrovná a předčí jinou popovou píseň, umělci a producenti hledají jakýkoli způsob, jak překonat konkurenci. Tato technika zajišťuje, že když píseň zazní, posluchači ji uslyší a spojí si ji s jinými popovými písněmi. Na snaze využívat dynamickou kompresi při tvorbě hudby není nic špatného, až na to, že při jejím zneužití dochází k porušování fyzikálních zákonů. Fyzika říká, že zvuk nemůžete zesílit více, než při jaké hlasitosti byl nahrán. Tím dochází ke zkreslení a ztrátě kvality mezi skladbami. Když zkomprimujete dynamický rozsah skladby, pak se ztratí její témbrová rozmanitost a nižší tóny produkované basovými kytarami a bicími se stanou nedoceněnými, protože hudbu ovládají, místo aby ji doprovázely. V dnešním hudebním průmyslu hraje při výrobě alb velkou roli riziko. V 50., 60. a 70. letech dostávaly nahrávací společnosti od začínajících umělců stovky demo skladeb týdně. Pokud v nich společnost viděla potenciál nebo talent umělce, přijala je a uzavřela s nimi smlouvu. Záleželo pak na uchu veřejnosti, která byla soudcem a porotou pro hudbu umělce, pokud se jí alba líbila, umělec nahrával dál, pokud se veřejnosti nelíbila, umělec o smlouvu přišel. To bylo zásadní, protože to znamenalo, že kariéru mohl udělat jen umělec se skutečným talentem, který tvořil hudbu. Pro netalentované a lajdácké umělce nebyl žádný prostor, aby si udělali kariéru. Mělo to i své nevýhody, protože většinou společnosti podepsaly smlouvu s hudebníkem a pak do jeho produkce a vystoupení napumpovaly tisíce dolarů, jen aby umělec zkrachoval. Málokdy se našel umělec, který hrál roli neotesaného diamantu, který přinesl peníze a získal si popularitu díky své tvorbě, což vedlo k tomu, že se společnostem jejich investice vyplatila. Dnes jsou náklady na produkci a propagaci umělce vyšší než kdykoli předtím.
IFPI zjistila, že proces podepsání smlouvy s umělcem, generování jeho díla, jeho proniknutí a uvedení do hlavního proudu popularity stojí od 500 000 do 3 000 000 dolarů. Dávalo by smysl jen to, že nahrávací společnosti nechtějí riskovat, že umělec propadne, protože do něj tolik investovaly, a tak ho nechávají znít stejně jako ostatní umělce, kteří našli úspěch. To má za následek, že hudební průmysl podepisuje víceméně hezké tvářičky než umělce s talentem a nutí veřejnost, aby si je oblíbila, protože znějí identicky jako zbytek žánru. S odstraněním finančního rizika v tomto odvětví je veřejnosti v podstatě vymýván mozek, aby se jí líbila každá produkovaná píseň, místo aby si vybírala skladby, které se jí líbí. Jakým způsobem dochází k vymývání mozků? Podívejte se na píseň „See you Again“ od Wiz Khalifa ft. Charlie Puth, tato píseň byla propagována ve všech amerických rádiích, hrála se v nákupních centrech a obchodech, a dokonce se stala ústřední písní filmu Fast 7. Když je tato píseň pumpována do všech reproduktorů ve vašem okolí, buď vás otravuje, nebo pro ni získáte slabost. Většina dnešní populace si nechává písničky přirůst k srdci, a to proto, že hudba je tak ovládající, že mnoho lidí nemá jinou možnost než ji poslouchat. Touto nadměrnou propagací písní si nahrávací společnost zajišťuje, že se jí investované tři miliony dolarů vrátí a nepřijdou nazmar, ať už se vám píseň líbí, nebo ne, nebudete ji moci neslyšet a nebude možné se jí vyhnout. Efekt pouhé expozice je psychologický jev, při němž si lidé vytvářejí preference k podnětům, kterým jsou často vystaveni. V mnoha případech má první vystavení posluchačů písni negativní účinek, při třetím nebo čtvrtém vystavení pak začnou píseň přijímat nebo jí podlehnou, protože ji hrají často a mozek se ji naučí akceptovat. Pokud má píseň pro posluchače skutečný význam a líbí se vám jako jednotlivci, pak byste nemuseli být nuceni, aby se vám líbila prostřednictvím masové propagace, nadměrného přehrávání a poslechu vašich přátel kvůli stejnému efektu pouhého vystavení.
Každý má své vlastní hudební preference z vlastních důvodů. Já osobně mám rád heavy metal, hard rock a většinu subžánrů vytvořených oběma těmito žánry. Vytvořené písně jsou pro mě jedinečné, nenapodobitelné, snadno se s nimi ztotožňuji, jsou výrazné a oslovují mě na osobní úrovni. Oblíbenou kapelu nebo hudbu by měl mít člověk možnost poslouchat bez ohledu na to, co si myslí nebo říkají ostatní, vzhledem k tomu, že tato hudba v sobě nese osobní prožitek s daným člověkem. Kreativita a originalita každého žánru je to, co dělá hudbu důležitou, protože je to způsob, jakým umělec zobrazuje své emoce a pocity. Ve společnosti, kde hraje hlavní roli tlak vrstevníků a společenské přijetí, je důležité se stále odlišovat proti normě nebo mainstreamovým představám. Hudba je vyjádřením osobnosti jedince, protože posluchač dokáže porozumět textu a ocenit instrumentální doprovod svého oblíbeného žánru. Doplňuje jejich pocity nebo odráží určité období jejich života, kdy hudba byla to jediné, čemu rozuměli, nebo to jediné, o co se mohli opřít. Kolik umělců říká, že je k tomu, aby vzali do ruky nástroj, inspirovalo to, že slyšeli Beatles, Led Zeppelin, Elvise Presleyho, Boba Dylana nebo Eagles, a podívejte se, kolik umělců říká, že je inspirovala Lady Gaga, Justin Bieber nebo Taylor Swift. Hudba by měla být pro posluchače inspirativní a neměla by jim být vnucována prostřednictvím velkých vydavatelských společností, které se snaží posluchače nalákat na duplicitní texty a opakující se zvuky. Nic neosloví posluchače víc než píseň, kterou slyší poprvé a na kterou si po letech vzpomenou, když ji slyšeli poprvé. Zážitek, který jednotlivec z písně získá, je důležitější než peníze, které vydavatelská společnost získá za to, že si píseň koupí. Není divu, že mnoho rodičů a starších lidí z řad dnešní mládeže při poslechu dnešních písní vždy pronese větu „Hudba už prostě není dobrá“, „Tohle už ani není hudba, je to jen snůška zvuků“ nebo mou oblíbenou „Co se stalo s dobrou hudbou“, a to proto, že je to pravda. Co se stalo s dobrou hudbou, proč už není dobrá a proč‘ je to jen snůška hluků? Je to jednoduché, popová hudba se nestará o posluchače ani o to, jak na někoho působí, jde jí jen o to, aby přinášela vydavatelským společnostem peníze a slávu. Je zcela zřejmé, že hudba jako umělecká forma umírá. Naším úkolem jako posluchačů je nebýt spokojení a nedovolit, aby systematická hudba ovládla naše životy. Nemůžeme dopustit, aby jedinou věc, která byla u mnoha našich nejšťastnějších i nejsmutnějších okamžiků, ovládl předmět na jedno použití určený k prodeji a vydělávání milionů dolarů bez inspirace posluchačů, jinak krásná, oduševnělá a osobní hudba, kterou máme všichni rádi, zanikne v odpadcích, jimiž je pop music.
Citovaná díla
„100 Greatest Songwriters of All Time“. Rolling Stone, www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-songwriters#bob-dylan.
Havers, Richard. „25 klasických orchestrálních rockových skladeb | UDiscover“. UDiscoverMusic, 25. 8. 2017, www.udiscovermusic.com/playlists/25-classic-orchestral-rock-tracks/.
II, Theodoros. „25 nejprodávanějších hudebních umělců všech dob“. List25, List25, 16. 11. 2014, list25.com/25-top-selling-music-artists-of-all-time/.
Lynch, John. „Padesát nejprodávanějších hudebních umělců všech dob“. Business Insider, Business Insider, 13. 9. 2017, www.businessinsider.com/best-selling-music-artists-of-all-time-2016-9/#5-eagles-101-million-units-46.
„Max Martin“. Wikipedie, Wikimedia Foundation, 12. 2. 2018, cs.wikipedia.org/wiki/Max_Martin.
Přemýšlej2. „Proč je moderní popová hudba tak strašná?“ YouTube, YouTube, 5. srpna 2017, www.youtube.com/watch?v=oVME_l4IwII.
.