Maria Sol Escobar blev født ind i en overdådig venezuelansk familie og tilbragte sin barndom med at følge sine forældre på deres rejser og deltage i deres selskabskvartetter. Hendes kunstneriske uddannelse var uregelmæssig, eklektisk og for det meste autodidakt: hun studerede på Beaux-Arts i Paris i 1949, inden hun flyttede til New York i 1950, hvor hun kortvarigt gik på Arts Student League og derefter i en længere periode (1951-1954) på Hans Hofmann-skolen, der lå i Beat-generationens Greenwich Village. Hendes tidlige år var præget af den abstrakte ekspressionisme – den dominerende stil i Amerika efter krigen. Rødderne i hendes arbejde er dog mest synlige hos hendes lærer Hofmann og hans “push and pull”-farvelære (baseret på tiltrækning eller frastødning mellem kromatiske associationer). Men den unge kvinde foretrak skulptur frem for maleri, og selv om hun valgte at farvelægge sine værker, forblev hendes måde at arbejde med materialer på, især træ og senere gips, objekter og elektricitet, på afstand af enhver formel arv.
I slutningen af 1960’erne var hendes stil og ry etableret. Hendes rolle i Andy Warhols eksperimentalfilm Kiss fra 1963 udødeliggjorde hendes tilhørsforhold til Pop Art. Hendes ry som “festpige” i magasinerne og selve karakteren af hendes navn (Marisol, “hav og sol”) var medvirkende til at gøre hende til et ikon. Men selv om hendes vidtfavnende emner ofte var inspireret af livets “trivielle” aspekter, som bragte Pop Art til lykke, skiller de værker, som hun udstillede fra 1958 på Castelli Gallery i New York, derefter på det berømte Stable Gallery – en suveræn anerkendelse og starten på hendes berømmelse – i 1962 og senere endnu på Biennalen i Venedig, sig endnu mere ud fra bevægelsen, fordi de indeholder et stærkt element af social satire. Hendes store grupper af enkle, stift formede figurer forbinder to- og tredimensionelle elementer på nye måder. Hun arbejdede på for det meste rektangulære træblokke, skar kun nogle få kropsdele ud, såsom ben og hoveder med mange ansigter (Women and Dog, 1964) og malede figurernes forskellige profiler (ansigt, sideblik, ryg). Kun få dele formår at trække sig igennem denne flade frontalitet, der på én gang minder om middelalderlige søjlestatuer, indianske totemfigurer og Hofmanns teorier – hovederne, der er limet, malet på eller skulpteret; og nogle gange hænderne, de eneste tegn på udtryk for disse livløse masker, der står opremset ved siden af hinanden i frivillig ensomhed. Disse elementer (hænder, bryster, hoveder), der således er blevet udtaget af blokken, som om de var blevet dissekeret, fremhæver andre genstande, som er fundet eller fremstillet af kunstneren, som f.eks. et bly, en taske, fotografier og et udstoppet hundehoved i Women and Dog.
Skulptøren er også kendt for at bruge gipsproteser til at afbilde bryster, som er et tilbagevendende element i et værk, der kritiserer det amerikanske samfund i 1960’erne på en syrlig måde: kvindernes og den traditionelle families tilstand (The Family, 1962), forbrugersamfundet, men også verdens ledere og berømtheder, ligesom Andy Warhol, som hun har lavet portrætter af (1962-1963). I 1970’erne vender Marisol tilbage til skulpturen i dens gamle festlige funktion og hylder i 1980’erne sine kunstneriske mestre og de store figurer i den amerikanske historie. Ud over sine skildringer af specifikke personligheder – præsident Charles de Gaulle (1967), Louise Nevelson*, John Wayne, Mark Twain eller dronning Elizabeth – skulpturerede kunstneren adskillige og singulære portrætter af sig selv: teatralsk middag med sig selv (Dinner Date, 1963), gifter sig med sig selv (The Wedding, 1962-1963) og tilbringer aftener med 14 af sine dobbeltpersoner (The Party, 1965-1966). Man kan også finde hendes ansigt malet på kroppe af snoede fisk (Fish-serien, 1970’erne). I 1982 viste hendes spektakulære sidste nadver den siddende kunstner, der stirrer på en Kristus i sten og hans apostle i træ. Hendes skulpturer kan siges at udgøre en fuldstændig og usædvanlig rekonstruktion af et nu forældet samfund.