Taylor Swift, Katy Perry, Maroon 5 og Ariana Grande er alle moderne popmusiksuperstjerner, der alle har én ting til fælles, nemlig en fyr ved navn Max Martin. Den svenske sangskriver er rygraden i dagens moderne popmusikscene. Med over 200 sange til sit navn er han ansvarlig for størstedelen af den producerede musik. Da jeg er en ivrig lytter til al musik ud over country, pop og rap, er min personlige overbevisning om, at popmusik er den værste type musik, ikke kun underbygget af sund fornuft, men også af beviste statistikker og forskning udført på Artificial Intelligence Research Institute of the Spanish National Research Council i Barcelona . Det simple faktum af solgte albums, nyligt observerede testresultater og kompleksiteten af instrumentbrug og lyrisk koncept beviser kun yderligere pointen om, at popmusik er den værste musikgenre.
Et hundrede og syvoghalvfjerds syv millioner, det antal albums solgt af det engelske rockband The Beatles. Hvis man ser på de 10 mest solgte kunstnere ifølge Business Insider, er der kun én rigtig popstjerne, nemlig Michael Jackson med 81 millioner solgte albums. Afhængigt af hvilken liste og ressource du bruger til at finde disse oplysninger, kan du se popkunstnere som Madonna og Prince i top 10. Men mange websteder opgør de solgte albums på forskellig vis, dvs. downloadede albums og købte vinylplader. Uanset hvilken kilde din liste kommer fra, er det dog tydeligt, at top 10 er fyldt med kunstnere fra samme genre eller undergenre, nemlig rock. The Beatles stod i spidsen for den britiske invasion i begyndelsen af 60’erne, Elvis Presley er ubestridt kaldt King of Rock and Roll, og andre rockbaserede som Eagles, Led Zeppelin og Pink Floyd konkurrerer alle inden for de 10 mest solgte album. Derudover er solokunstnerne Elton John og Billy Joel også blandt de 10 største. Selv om et gyldigt argument for dette er, at nutidens moderne kunstnere ikke sælger albums, men singler. Når det er sagt, er det relevant at påpege, at det stadig er muligt at købe deres album eller downloade dem. Dette er en tendens i samfundet, som også påvirker musikindustrien, idet folk hellere vil købe singler og hits end et helt album. Kunstnere som Led Zeppelin og The Beatles lavede album for at behage folk i deres helhed, og ofte var sangene sammenfaldende med hinanden. Selv i dag køber og samler folk stadig på plader fra bands, der har lavet vinylplader. Det simple faktum, at moderne kunstnere, selv om de er inspireret af tidlige musikere, ikke konkurrerer med at sælge plader for at konkurrere med bands fra 40-50 år tidligere, er et godt eksempel på, hvorfor popmusik er en fornærmelse mod mange genrer.
Igennem årene 1955-2010 har forskere og videnskabsmænd analyseret 500.000 sange og bekræftet mange af vores forældres meninger, simpelthen sagt, at musikken bliver dårligere. Forskergruppen tog disse sange og kørte dem gennem algoritmer, der målte følgende: harmonisk kompleksitet, klanglig mangfoldighed og lydstyrke. Først og fremmest bekræftede testene, at klangfarven er blevet mindre i løbet af de sidste par årtier. Timbre er defineret som rigdom, tekstur, farve og kvalitet af lyden i musikkens lyd. Grundlæggende kan det forenkles som rigdom eller dybde af lyden fra instrumenter og vokal. Gennem forskning har videnskaben bevist to ting: I løbet af de seneste årtier er klangfarven faldet støt i løbet af årtierne, og klangfarven nåede sit højdepunkt i 1960’erne. Det betyder, at sange har mindre mangfoldighed inden for deres instrumenter og indspilningsteknikker. Alt sammen sammenfattet for at påpege, at musikken er blevet enklere. I betragtning af at nutidens moderne popmusik er baseret på den gentagne brug af et simpelt beat, er den harmoniske kompleksitet også faldet gennem årtierne. For eksempel Beatles “A Day in the Life”, Led Zeppelins “Kashmir” og Metallicas brug af San Francisco Symphony på albummet S&M fra 1999, hvor der er stor brug af bandets hovedbesætning og hele orkestre under ledelse af en dirigent. Selv når man ser på det forskellige antal rytmeændringer, de overordnede instrumentale ændringer i løbet af sangene og den lyriske fortolkning, er genrer som rock (plus variationer og undergenrer), klassisk, blues og jazz fremherskende. Popmusikken anvender et enkelt instrument i størstedelen af tiden, nemlig en trommemaskine. Dette instrument er i stand til at frembringe mange lyde og variationer, men er ansvarlig for det beat og den elektronisk producerede rytme, der ofte høres i popmusik. Nogle vil måske hævde, at dette er en overdrivelse, og det er det på en måde også, for mange af kunstnerne bruger bands til liveoptrædener. Brugen af trommemaskinen er også kendt i genrer som dub-step, rap og progressiv rock. Men hver af disse genrer har en så forskelligartet og kompleks rytme ledsaget af komplekse tekster, at det er svært at sige, at brugen af trommemaskinen er et problem i popmusikken. Alligevel er det stadig et problem, dub-step-kunstneren Skrillex er kendt for brugen af en trommemaskine og andre computergenererede lyde til at ledsage sangens hovedbeat. Den simple kendsgerning, at ikke to sange har samme rytme eller tempo, selv computergenereret støj er et bevis på, at popmusik er en simpel genre, der ikke er fokuseret på musikkens kvalitet.
Som rapporteret af Scientific American bekræftede forskning udført på Artificial Intelligence Research Institute of the Spanish National Research Council i Barcelona, at musikken i løbet af de seneste årtier også erklærede, at tekster er blevet mere enkle at forstå. Mens det tidligere blev fastslået, at meget af nutidens musik lyder gentagende, blev det også bevist, at næsten alle nutidens popsange indeholder det samme, nemlig millennial whoop. Musikbloggeren Patrick Metzger fandt ud af, at mange kunstnere bruger den samme nodefølge med et skift fra den femte tone på skalaen til den tredje tone og derefter tilbage til den femte tone, som gentagne gange gentages. Han skabte også udtrykket millennial whoop. For eksempel bruger Katy Perrys “California Girls”, Pitbulls “International Love” og Owl Citys “Good Time”, for blot at nævne et par stykker, alle millennial whoop. Det bruges oftest i sangens omkvæd for at udfylde hullerne mellem stroferne, hvilket fører til, at sangen sætter sig fast i hovedet, fordi vores hjerne godt kan lide det velkendte. Jo mere vi hører den samme lyd, jo mere nyder vi den, og det er mere end bare en tilfældig hændelse.
Hvis du var en popkunstner, der lige har udgivet en ny sang, ville du så ikke ønske, at den skulle indeholde noget, som andre popsange har? Hvis andre sange har succes på grund af millennial whoop, så vil flere og flere kunstnere bruge det for at sikre, at sangen bliver populær. Det er blevet bevist, at nutidens tekster er let forståelige på et 7. klasses niveau, hvilket betyder, at en 13-årig ikke kun kan forstå den enkelte betydning af sangen, men at de sandsynligvis også kunne skrive sangen. Det Los Angeles-baserede rockband Tool’s forsanger Maynard James Keenan anses for at være en af de bedste tekstforfattere nogensinde på grund af den kompleksitet og de underliggende tanker, der findes i hans værker, sat i det usædvanlige tempo i Tool’s ukonventionelle rytmer. I sangen “Lateralus” følger teksten Fibonacci-sekvensen i matematikken og fokuserer på, hvordan sindet er menneskets største svaghed ved at sige: “Over-thinking, over-analyzing separates the body from the mind. Tørrer min intuition, misser muligheder, og jeg må fodre min vilje til at føle mit øjeblik trække langt uden for linjerne.” Bob Dylan, en anden respekteret sangskriver, har vundet en Nobelpris for litteratur og er optaget i Rock and Roll Hall of Fame for sit arbejde inden for folkemusikken. Uanset om det er John Lennon, Paul McCartney, Robert Plant, Bob Marley eller Jimi Hendrix, er det let at sige, at disse kunstnere er kendt for deres komplekse tekster. Hvorfor er komplekse tekster gode i musik? Fordi det giver sangene mulighed for personlig fortolkning. Hvis hver person ser sangen forskelligt, så taler den til dem på et personligt niveau, hvilket er det, som bands i 1950’erne til begyndelsen af 2000’erne søgte at opnå. Når bands ønsker at tale til deres fans og ramme dem på et personligt plan i stedet for at lave en sang for at blive populær, så er ægte musikalsk håndværk blevet udført.
The Hook, eller den del af sangen, der fanger dig og trækker dig ind i sangen, er også en vigtig del af musikken. Se på “In The Air Tonight” af Phil Collins. Har du nogensinde fundet dig selv i at vente på trommesoloen i midten af sangen? For de fleste mennesker er svaret ja, og det er fordi det er sangens hook. I nyere undersøgelser har tests vist, at hooket i en sang kommer tættere på starten af sangen, hvilket betyder, at vi som lyttere skal vente kortere tid på at blive tilfredse, når hooket sker. At vente mindre tid på hooket betyder, at opmærksomheden bliver kortere, og hvis sangen ikke fanger dig fra starten eller ikke har et hook, vil vores hjerne lukke ned og ikke høre eller forstå resten af sangen, og vi vil i princippet springe sangen over. En formodet årsag til dette er, at der er øjeblikkelig adgang til millioner af sange stort set gratis. Vi får en masse musik for ikke mange penge, og det betyder, at musikken ikke har nogen personlig værdi for køberen. Da plader og vinylplader stadig var populære, sparede folk op og købte en plade med en håndfuld sange og lyttede til den utallige gange på grund af prisen og fordi man lærte at sætte pris på pladen og opdage nye ting i hver sang, jo mere man lyttede til den. Med opfindelsen af Ipod’en og andre musiklytteapparater har lytterne mistet værdien af sangene, fordi de er så let tilgængelige. Også musikstreaming-apps og -websteder som Spotify, Pandora, AOL Radio og IHeart Radio giver folk mulighed for at downloade hele album på album og springe over sange eller fjerne sange, som de vil. Dette har også fået lytterne til at tage værdien af musik for givet. Som tidligere nævnt behøver vi ikke længere at lytte til hver enkelt sang på en plade og værdsætte dem, men hvis vi ikke kan lide sangen, fjerner vi den blot fra afspilningslisten og anerkender ikke det talent og det arbejde, der er lagt i den. Bland det med det faktum, at producenter og pladeselskaber i de sidste tyve år har ændret den dynamiske kompression af sangene for at få lytterne til at blive hooked fra starten, og du har popmusik på sit fineste.
Dynamisk områdekompression er den handling at forstærke visse områder af sangen, så stille dele matcher de højere dele af sangen. Dette sker alt sammen elektronisk i studiet. Grunden til dette er, at producenter på det seneste har været i en kamp blandt andre producenter for at se, hvem der kan skabe højere musik. Den faldende kompression af det dynamiske område betyder også, at musikken stadig vil være høj på trods af det lydniveau, som lytteren er indstillet på. I konkurrencen mellem producenter giver det mening, at hver enkelt producent vil forsøge at gøre deres sange højere. F.eks. ville kun nogle få udvalgte mennesker bemærke en person på gadehjørnet, der råber og derefter hvisker ord, men hvis denne person råbte uafbrudt, ville alle lægge mærke til det. Når en hel genre er baseret på at matche og overgå en anden popsang, søger kunstnere og producenter efter enhver måde at overgå konkurrenterne på. Denne teknik sikrer, at når sangen kommer på, vil lytterne kunne høre den og associere den med andre popsange. Der er ikke noget dårligt ved at forsøge at bruge dynamisk kompression i skabelsen af musik, undtagen når det misbruges, så bryder det fysikkens love. Fysikken siger, at man ikke kan gøre en lyd højere end den lydstyrke, som den blev optaget med. Derved opstår der forvrængning og tab af kvalitet blandt sangen. Når man komprimerer en sangs dynamikområde, så går sangens klanglige variation tabt, og de lavere tonehøjder, der produceres af basguitarer og trommer, bliver ikke værdsat, fordi de styrer musikken i stedet for at akkompagnere den. I nutidens musikindustri spiller risikoen en stor rolle i forbindelse med produktionen af album. I 50’erne, 60’erne og 70’erne modtog pladeselskaberne hundredvis af demotracks om ugen fra spirende kunstnere. Hvis selskabet så et potentiale, eller hvis kunstneren havde talent, blev de accepteret af selskabet og fik en kontrakt. Det var så op til publikum at dømme og bedømme kunstnerens musik, og hvis publikum kunne lide pladerne, blev kunstneren ved med at indspille dem, og hvis publikum ikke kunne lide dem, mistede kunstneren kontrakten. Dette var vigtigt, fordi det betød, at kun kunstnere med ægte talent kunne gøre karriere ved at skabe musik. Der var ikke plads til, at kunstnere, der var talentløse og sjuskede, kunne gøre karriere. Dette havde sine ulemper, fordi selskaberne i de fleste tilfælde skrev kontrakt med en musiker og pumpede derefter tusindvis af dollars i deres produktion og shows, blot for at kunstneren blev en fiasko. Sjældent var der en kunstner, der spillede rollen som den uslebne diamant, der indbragte penge og opnåede popularitet for sit arbejde, hvilket resulterede i, at selskaberne kunne få et nulresultat for deres investering. I dag er omkostningerne ved at producere og promovere en kunstner højere end nogensinde før.
IFPI fandt ud af, at det koster mellem 500.000 og 3.000.000 dollars at skrive kontrakt med en kunstner, skabe deres værker, få dem kendt og gøre dem populære i den almindelige befolkning. Det ville kun give mening, at pladeselskaberne ikke ville risikere at risikere, at en kunstner bliver en fiasko, da de har investeret så meget i dem, så de får dem til at lyde på samme måde som andre kunstnere, der har fået succes. Dette har resulteret i, at musikindustrien mere eller mindre har signet et kønt ansigt end en kunstner med talent, og tvunget offentligheden til at kunne lide dem, fordi de lyder identisk med resten af genren. Med fjernelsen af den finansielle risiko i branchen bliver publikum i det væsentlige hjernevasket til at kunne lide alle de producerede sange i stedet for at vælge de numre, som de kan lide. Hvordan kommer hjernevask ind i billedet? Se på sangen “See you Again” af Wiz Khalifa ft. Charlie Puth, den sang blev promoveret på alle radiostationer i hele USA, spillet i indkøbscentre og butikker, ja, den var endda temasangen i Fast 7. Når sangen pumpes gennem alle højttalere omkring dig, bliver du enten irriteret over den eller får en forkærlighed for den. Et flertal af nutidens befolkning lader sangene vokse på dem, og det skyldes, at musikken er så styrende, at mange mennesker ikke har andet valg end at lytte til den. Denne overdrevne promovering af sange er pladeselskabet, der sikrer sig, at de 3 millioner dollars, de har investeret, kommer tilbage og ikke går til spilde, uanset om man kan lide sangen eller ej, vil man ikke kunne lade være med at høre den, og den vil være uundgåelig. Mere-eksponeringseffekten er et psykologisk fænomen, hvor folk udvikler præferencer for stimuli, som de ofte udsættes for. I mange tilfælde har den første eksponering af lytterne for en sang en negativ effekt, men efter tredje eller fjerde gang begynder de at acceptere eller give efter for sangen, fordi den spiller ofte, og hjernen lærer at acceptere den. Hvis en sang har ægte betydning for lytteren, og du kan lide den som individ, så behøver du ikke at blive tvunget til at kunne lide den ved hjælp af massepromovering, overdreven afspilning og dine venner, der lytter til den på grund af den samme Mere-Exposure Effect.
Alle har deres egne musikalske præferencer af deres egne grunde. Jeg kan personligt godt lide heavy metal, hard rock og størstedelen af de undergenrer, der er skabt af begge disse. De sange, der skabes, er for mig enestående, uforlignelige, lette at relatere til, udtryksfulde og taler til mig på et personligt plan. En persons yndlingsband eller -musik bør kunne lyttes til uden at bekymre sig om, hvad andre tænker eller siger, fordi musikken rummer en personlig oplevelse for den enkelte. Kreativiteten og originaliteten i de enkelte genrer er det, der gør musikken vigtig, fordi det er kunstnerens måde at skildre deres følelser og følelser på. I et samfund, hvor gruppepres og social accept spiller en stor rolle, er det vigtigt stadig at være anderledes i forhold til normen eller mainstream-ideerne. Musik er et udtryk for den enkeltes personlighed, fordi lytteren kan forstå teksten og værdsætte det instrumentale akkompagnement i deres yndlingsgenre. Den komplimenterer deres følelser eller afspejler et bestemt tidspunkt i deres liv, hvor musik var det eneste, de kunne forstå, eller var det eneste, de kunne falde tilbage på. Hvor mange kunstnere siger, at de blev inspireret til at samle et instrument op, fordi de hørte The Beatles, Led Zeppelin, Elvis Presley, Bob Dylan eller Eagles, og se på, hvor mange kunstnere der siger, at de blev inspireret af Lady Gaga, Justin Bieber eller Taylor Swift. Musik skal være inspirerende for lytteren, og den skal ikke påtvinges dem af store pladeselskaber, der forsøger at lokke lytterne til sig gennem gentagne tekster og gentagende lyde. Intet taler mere til en lytter end en sang, som de kan høre for første gang og huske år senere, da de hørte den første gang. Den oplevelse, som den enkelte får af sangene, er vigtigere end de penge, som pladeselskabet får ud af, at de køber sangen. Det er ikke underligt, at mange af forældrene og de ældste blandt nutidens unge altid siger “Musikken er bare ikke god længere”, “Det er ikke engang musik, det er bare en masse støj” eller min favorit “Hvad skete der med den gode musik”, når de hører nutidens sange, og det er fordi, de er sande. Hvad er der sket med den gode musik, hvorfor er den ikke god længere, og hvorfor er det bare en masse støj? Det er simpelt, popmusikken er ligeglad med lytteren eller den virkning, den har på nogen, det eneste, den bekymrer sig om, er at skaffe labelfirmaerne penge og berømmelse. Det er helt tydeligt, at musikken som kunstform er døende. Som lyttere er det vores opgave ikke at være selvtilfredse og tillade systematisk musik at overtage vores liv. Vi kan ikke lade den ene ting, der har været der for mange af vores lykkeligste og mest triste øjeblikke, blive domineret af et engangsobjekt designet til at sælge og tjene millioner af dollars uden lytterens inspiration, ellers vil den smukke, sjælfulde, personlige musik, som vi alle nyder, blive udryddet af det affald, som popmusikken er.”
Works Cited
“100 Greatest Songwriters of All Time.” Rolling Stone, www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-songwriters#bob-dylan.
Havers, Richard. “25 klassiske orkestrale rocknumre | UDiscover.” UDiscoverMusic, 25 aug. 2017, www.udiscovermusic.com/playlists/25-classic-orchestral-rock-tracks/.
II, Theodoros. “25 Top Selling Music Artists Of All Time.” List25, List25, 16. nov. 2014, list25.com/25-top-selling-music-artists-of-all-time/.
Lynch, John. “De 50 bedst sælgende musikartister gennem tiderne.” Business Insider, Business Insider, 13. september 2017, www.businessinsider.com/best-selling-music-artists-of-all-time-2016-9/#5-eagles-101-million-units-46.
“Max Martin.” Wikipedia, Wikimedia Foundation, 12. feb. 2018, en.wikipedia.org/wiki/Max_Martin.
Thoughty2. “Hvorfor er moderne popmusik så forfærdelig?” YouTube, YouTube, 5. aug. 2017, www.youtube.com/watch?v=oVME_l4IwII.