AMERIKANEN ÄR EN EGEN KONSTFORM
Den gyllene tiden för serietidningar
Amerikansk fiktion reagerar på den verkliga världen
HOLLYWOOD GÅR I KRIG
Musiken tar emot SWING AND SILENCE
AMERIKANSKT TEATER NEDSKRÄNSAR
AMERIKA ÄR EN EGEN KONSTFORM
En liten grupp amerikanska konstnärer hade experimenterat med abstrakt konst i New York på 1930-talet. De finansierades av Federal Arts Project (FAP), ett av många statliga program som ingick i New Deal. Den federala finansieringen tog bort det ekonomiska trycket från konstnärerna och gjorde det möjligt för dem att pröva nya saker. Men ett viktigare inflytande på den amerikanska konsten kom från Europa. När kriget började 1939 flydde många konstnärer till USA från Tyskland, Frankrike och andra länder. Den holländske målaren Piet Mondrian (1872-1944), som anlände 1940, var en av de mest inflytelserika. Andra europeiska utvandrare var den franske målaren Marc Chagall (1887-1985), som ritade väggmålningar för Metropolitan Opera House i New York. Tysken Max Ernst (1891-1976) och spanjoren Salvador Dali (1904-1989) tillbringade också tid i New York. Mondrian, som redan var berömd när han kom till Amerika, gav sin första (och enda) separatutställning i New York i januari 1942. Européerna uppmuntrade amerikanska konstnärer att gå bort från realistiska målningar och i stället skapa bilder baserade på drömmar och känslor.
År 1939 öppnades Museum of Non-Objective Painting i New York City. Vid den tiden fanns det tjugoetthundra konstnärer i New York, som alla fick lön från FAP som drevs av Works Progress Administration (WPA). Ytterligare tusen hoppfulla stod på väntelistan. Bland dem som arbetade inom FAP fanns kända personer som Willem de Kooning (1904-1997), Lee Krasner (1908-1984) och Mark Rothko (1903-1970). Flera år senare sade Jackson Pollock (1912-1956) att han var tacksam mot WPA för att de ”höll mig vid liv under trettiotalet.”
Det avgörande året för utvecklingen av den amerikanska konsten under detta årtionde var 1942. Konstnärer som Mondrian och Rothko höll separatutställningar i början av året. På ett galleri som hette McMillen Inc. i New York ställde amerikanska och europeiska konstnärer ut tillsammans. Och hösten 1942 öppnade Peggy Guggenheim (1898-1979) Art of This Century Gallery, som visade samtida amerikansk konst tillsammans med mästerverk från början av 1900-talet. Galleriet blev centrum för det som kallas New York School. William Baziotes (1912-1963), Pollock och andra ställde ut där. Viktigast av allt var att det introducerade världen för den abstrakta expressionismen, den målarstil som definierade amerikansk konst under 1900-talet.
Uttrycket ”abstrakt expressionism” användes för första gången av konstkritikern Robert Coates (1897-1973) i en artikel i New Yorker i mars 1946. Det har kommit att referera till en enda grupp konstnärer som arbetade i New York på 1940-talet. Men i själva verket kan de abstrakta expressionisterna delas in i tre huvudgrupper: ”action”-målarna, ”color field”-målarna och andra målare som inte är så lätt att definiera, såsom Philip Guston (1913-1980) och Adolph Gottlieb (1903-1974).
De mest kända action-målarna är Jackson Pollock och Willem de Kooning. De arbetade på enorma dukar som vanligtvis lades ut på golvet. De applicerade färg genom att hälla och droppa, eller genom att använda sina egna kroppar eller föremål som cyklar för att sprida ut färgen. Målet var att vara så nära målningen som möjligt. Framför allt registrerar aktionsmålningar handlingen medan den äger rum. Färgfältsmålarna leddes av Mark Rothko (1903-1970), Adolph ”Ad” Reinhardt (1913-1967) och Barnett Newman (1905-1970). Deras målningar bestod av enorma plana områden eller ”fält” av en enda färg. Där dessa färgfält möts blöder de ofta ihop. Rothko ansåg att realistiskt måleri inte kunde uttrycka mänskliga känslor efter andra världskriget. Hans fält av intensiva färger överväldigar betraktaren med sin närvaro och skönhet.
Abstrakt expressionistiskt måleri är i allmänhet inte realistiskt, utan försöker snarare uttrycka tankar, känslor, myter och drömmar. Abstrakta expressionister började dela upp sig i ännu mindre grupper allteftersom decenniet fortskred. Men alla inblandade målare behöll sitt intresse för att uttrycka känslor genom måleri. I den abstrakta expressionismen fick Amerika äntligen en konstform som det kunde kalla sin egen.
En guldålder för serietidningar
Serietidningen uppfanns i USA omkring 1933. År 1940 hade den utvecklats till en sofistikerad och mycket populär form av litteratur. Det året fanns mer än 150 titlar i tryck som täckte alla kategorier från kriminalitet, fantasy, romantik och skräck till westernfilmer och krig. Men två figurer dominerade försäljningen av serietidningar på 1940-talet. Stålmannen, skapad av Jerry Siegel (1914-1996) och Joe Shuster (1914-1992), hade dykt upp 1938. Batman, som skapades av Bob Kane (1915-1998), hade först dykt upp ur Batcave 1939. År 1940 var både Superman- och Batman-serier bästsäljare. I hopp om att kunna dra nytta av deras framgångar introducerade National Periodical Publications många andra hjältar med hattar och kostymer, däribland Flash, Hawkman och Green Lantern. Captain Marvel dök först upp i Whizz Comics 1940 och Captain America 1941. Liksom Captain Marvel gav Plastic Man en humoristisk kant till en annars mestadels allvarlig, patriotisk grupp av karaktärer.
Konst och afroamerikaner
Förrän på 1940-talet hade afroamerikaner mycket litet inflytande på den vita konstvärlden. Jacob Lawrence (1917-2000) var en av de första svarta konstnärerna som fick stor uppmärksamhet. Hans serie The Migration of the Negro (1940-41) innehåller sextio målningar som berättar svarta amerikaners historia. Lawrence undervisade vid Black Mountain College i North Carolina. I slutet av decenniet hyllades han som en av periodens viktigaste amerikanska konstnärer. Svarta konstnärer fick ytterligare ett uppsving genom boken Modern Negro Art (1943). I detta verk katalogiserade James A. Porter (1905-1970) de svarta konstnärernas arbete fram till dess. Porter räddade många försummade afroamerikanska konstnärer från mörkret.
När andra världskriget tog slut började den patriotiska glöden att klinga av. Western- och romantiska berättelser blev då mer populära än superhjälteserier. Även kriminalhistorier blev populära. Serien Crime Does Not Pay började 1942. Men brottsserier lönade sig verkligen. År 1945 hade kriminalserierna blivit en av de mest sålda serierna i Amerika. Bilder på lättklädda kvinnor gjorde att kriminalserier ansågs olämpliga för barn. I takt med att oron för innehållet i kriminalserier växte, tonades de ner. På 1950-talet hade utgivarna av kriminaltidningar blivit mycket försiktiga med vad som förekom i deras tidningar.
På grund av det stora antalet titlar som fanns till försäljning är 1940-talet känt som serietidningarnas guldålder. Ändå är originalexemplar svåra att hitta. De betraktades som engångsartiklar och kasserades ofta efter att de hade lästs. En del förstördes i samband med protester mot deras innehåll. Många andra blev pulpade (återvunna) under krigstidens pappersbrist. Under 1900-talet har det uppstått en blomstrande samlarmarknad för serietidningar från 1940-talet.
Paperback Books
Efter en galopperande framgång på 1930-talet började masstidningar som Black Mask att förlora sin läsekrets på 1940-talet. En av orsakerna till detta var framväxten av pocketböcker. Allen Lane (1902-1970) introducerade Penguin paperbacks i Storbritannien 1936. Penguin inspirerade Robert Fair de Graff (1895-1981) att grunda Pocket Books i USA 1939. Andra förlag tog sig in på marknaden. Paperbacks blev snart den mest populära formen av bokutgivning. År 1947 publicerade kriminalförfattaren Mickey Spillane (1918-) sin första roman, I, The Jury, i inbunden form. Den sålde ganska bra för att vara en inbunden bok. Året därpå gav Signet ut en pocketutgåva. Den hade sålt otroliga två miljoner exemplar i slutet av decenniet.
AMERIKANSKA FIKTIONEN REAGERAR PÅ DEN VERKLIGA VÄRLDEN
Fyrtiotalet var ett årtionde av förändringar i den amerikanska litteraturen. Under 1930-talet beskrev många amerikanska författare det fruktansvärda lidande som den stora depressionen orsakade. Författare som Theodore Dreiser (1871-1945) och Sinclair Lewis (1885-1951) hade byggt upp karriärer genom att skriva skönlitteratur som dokumenterade den amerikanska erfarenheten. Men 1939 markerade slutet på en period av realism i amerikansk skönlitteratur. Den grupp författare som kallas ”den förlorade generationen” höll också på att glida ur ledet. F. Scott Fitzgerald (1896-1940) dog när 1940-talet började. Ernest Hemingway (1899-1961) publicerade For Whom the Bell Tolls 1940 och blev sedan tyst under flera år. Även William Faulkner (1897-1962), som fick Nobelpriset i litteratur 1949 (tilldelat 1950), skrev mestadels manuskript på 1940-talet. En epok i amerikansk skönlitteratur höll på att ta slut och en ny hade precis börjat.
Alternativet till realismen var modernismen. Modernistiska författare såg inget behov av att beskriva arbetande människors liv. De avvek från att kommentera samhället direkt. I händerna på européer på 1920-talet och tidigare hade romanen börjat fokusera på en enskild individs unika synvinkel. Enkla handlingslinjer och berättelser övergavs och man hittade nya uppfinningsrika sätt att beskriva karaktärerna. Men bland de amerikanska författarna var det bara Faulkner och John Dos Passos (1896-1970) som hade experimenterat med modernistiska tekniker före 1940-talet. Amerikanska författare var långsamma att reagera på trenden i den nya skönlitteraturen.
Då, 1944, publicerade Saul Bellow (1915-) Dangling Man, en roman om en individs reaktion på den moderna världen. Andra modernistiska författare, däribland Truman Capote (1924-1984) och Chester Himes (1909-1984), följde efter Bellow. Men det som skulle bli en stor rörelse inom amerikansk skönlitteratur hade bara börjat. På 1940-talet producerade realistiska författare fortfarande viktiga verk. Robert Penn Warren (1905-1989) vann Pulitzerpriset för All the King’s Men 1946. De kvinnliga författarna Carson McCullers (1917-1967) och Eudora Welty (1909-2001) var båda inflytelserika personer inom den regionalistiska skönlitteraturen (skönlitteratur baserad på en viss plats), som beskrev livet i Södern.
Det fanns andra influenser på amerikansk skönlitteratur än modernismen på 1940-talet. Många unga författare upplevde strider under andra världskriget (1939-45), och det var oundvikligt att romaner om kriget skulle börja dyka upp. De två mest inflytelserika stridsromanförfattarna var John Hawkes (1925-1998) och Norman Mailer (1923-). Hawkes roman The Cannibal (1949) undersökte krigskulturen och dess efterdyningar. Mailers The Naked and the Dead (1948) etablerade honom som en av de viktigaste författarna i efterkrigstidens Amerika.
Medans romanen i allmänhet genomgick en period av förändring började också svarta författare att uppmärksammas av den allmänna läsekretsen. Publiceringen av Native Son 1940 var en vändpunkt för svart skönlitteratur. Romanen gjorde författaren Richard Wright (1908-1960) till en framstående litterär person. Många kommentatorer var oense med Wrights vision av svarta i Amerika, men på grund av Native Son fick det vita Amerika plötsligt upp ögonen för svarta författare. Zora Neale Hurston (1891-1960) och Chester Himes (1909-1984) blev också välkända under 1940-talet, medan James Baldwin (1924-1987) precis påbörjade sin karriär när decenniet tog slut.
HOLLYWOOD GÅR I KRIG
Efter ett decennium av överdådiga musikaler, skruvad komedi och glada dramer började Hollywood förändras runt 1940. Det året släppte Charlie Chaplin (1889-1977) The Great Dictator, sin satir över den tyske diktatorn Adolf Hitlers (1889-1945) framväxt. I juli 1941 öppnade Sergeant York. Berättelsen om en motvillig amerikansk krigshjälte, Sergeant York, var en uppenbar uppmaning till USA att gå in i kriget. Den användes senare av militären i en rekryteringskampanj. Isolationister, eller personer som ville att USA skulle hålla sig utanför kriget, attackerade Hollywoods entusiasm för att gå in i konflikten. Men kongressutfrågningar om saken hjälpte inte isolationisterna. Som den republikanske presidentaspiranten Wendell Willkie (1892-1944) påpekade var 95 procent av Hollywoods produktion opolitisk. Denna andra, opolitiska Hollywoodproduktion omfattade Disneys klassiska animerade film Fantasia, som släpptes 1940. Filmstudiorna fortsatte att producera lättviktiga komedier och romanser även efter att USA hade gått in i kriget.
I december 1941, bara tio dagar efter bombningen av Pearl Harbor, vidtog president Roosevelt (1882-1945) åtgärder för att uppmuntra Hollywood att göra filmer för att hjälpa till med krigsinsatsen. Studiorna samarbetade genom att producera proamerikanska filmer som Casablanca (1942). I mitten av 1942 hade ett sjuttiotal krigsrelaterade filmer gjorts. Manusförfattare gav befintliga manus, och till och med delvis färdiga filmer, en krigsanpassning. Gangsters blev nazistspioner, medan Tarzan tog sig an tyska inkräktare. Japanerna visades som grymma och elaka bröder.
Office of War Information (OWI) inrättades för att samordna propagandasatsningen (propaganda är information som används för att övertyga människor om regeringens ståndpunkt). Dess chef, Nelson Poynter (1903-1978), var bekymrad över det förenklade sätt på vilket Hollywood behandlade kriget. Han ville ha fler positiva filmer som visade ”goda” tyskar som gjorde motstånd mot nazisterna. I OWI:s handbok uppmanades filmskapare att fråga sig själva: ”Kommer den här filmen att hjälpa till att vinna kriget?” OWI utövade påtryckningar på Hollywood genom att vägra utlandsdistribution till filmer som inte uppfyllde handbokens riktlinjer. Eftersom Hollywood var beroende av utlandsförsäljning för att gå med vinst, var det affärsmässigt klokt att följa OWI:s handbok.
Men medan Hollywood som helhet deltog i krigsarbetet med sina proamerikanska filmer, gjorde många enskilda filmskapare också vad de kunde för att hjälpa till. Regissören Frank Capra (1897-1991) tog värvning i armén och började arbeta med att göra dokumentärer. Capras första film i en serie, Prelude to War, vann Oscar för bästa dokumentärfilm 1942. Andra regissörer, till exempel John Ford (1895-1973), gjorde liknande arbete. Men John Huston (1906-1987) stötte på arméns regler när han gjorde Let There Be Light (1946), en film om granatchockade veteraner. Många skådespelare tog också värvning i de väpnade styrkorna. James Stewart (1908-1997) och Douglas Fairbanks Jr. (1909-2000) anslöt sig inom några veckor efter Pearl Harbor. Frank Sinatra (1915-1998), som förklarades olämplig för militärtjänstgöring på grund av en punkterad trumhinna, var tvungen att arbeta hårt för att vinna tillbaka sina filmfans efter krigsslutet.
Förutom att ansluta sig till krigsinsatsen började filmskaparna göra en ny typ av film på 1940-talet. En överraskningshit 1941 var The Maltese Falcon, en adaption av en roman av Dashiell Hammett (1894-1961). Inom några år fick dessa mörka, cyniska detektivfilmer ett namn: film noir. Noirfilmer är skuggiga, mörka och dystra, både när det gäller utseende och ämne. Amerika efter kriget verkade vara en välmående och optimistisk plats. Men film noir speglade en oro för att saker och ting inte var så bra som de verkade. Det kalla kriget (ett ideologiskt krig mellan USA och det forna Sovjetunionen) började strax efter andra världskrigets slut och medförde rädsla för kärnvapenkrig. Amerikanerna var rädda för ett kommunistiskt maktövertagande. Men de oroade sig också för att man inte kunde lita på sin egen regering. Filmer som The Big Sleep (1946), The Killers (1946) och Out of the Past (1947) beskriver denna rädsla.
Hollywood på 1940-talet hade goda skäl att känna sig hotad. Trots populariteten hos film noir sjönk besöksantalet på biograferna stadigt. För att göra saken ännu värre för de stora studiorna gjorde det amerikanska justitiedepartementet slut på studiornas totala kontroll över filmdistributionen. I maj 1947 anklagade House Un-American Activities Committee (HUAC) Hollywood för att hysa subversiva personer. Många personer beordrades att infinna sig vid utfrågningar i kongressen för att göra uttalanden om sina politiska åsikter. Dalton Trumbo (1905-1976) och John Howard Lawson (1894-1977) var bland tio författare och regissörer, kallade Hollywood Ten, som vägrade att samarbeta med ”häxjakten”. De, och många andra, svartlistades, vilket innebar att de inte fick arbeta inom filmindustrin. Hollywoods image skadades av kontroversen, men många av de så kallade Hollywood Ten arbetade så småningom där igen. Svartlistade författare, däribland Trumbo, lämnade in manuskript under andra namn, och studiobossarna såg mellan fingrarna.
Musik tar in swing och tystnad
40-talet var dynamiska år för amerikansk musik. Elektriska instrument revolutionerade bluesen, bebop skakade om jazzen och till och med den klassiska musiken experimenterade med nya ljud. Musiker utmanade befintliga stilar eller smälte samman dem för att skapa ny musik. Ankomsten av europeiska kompositörer, som flydde från nazisterna i Tyskland, hade ett enormt inflytande på den klassiska musiken och på filmmusik. Förbättrade inspelningstekniker och ny, prisvärd teknik innebar att musiken började ackompanjera vardagen.
The Maltese Falcon
När The Maltese Falcon kom 1941 var det tredje gången Dashiell Hammetts roman blev film. De två tidigare försöken var katastrofala misslyckanden. Till en början såg det här försöket inte heller ut att bli någon succé. Den gjordes av den förstagångsregissören John Huston (1906-1987) med en lågbudgetrollbesättning. Humphrey Bogart (1899-1957), som snart skulle bli en stor stjärna, var då bara en vanlig gangsterfilm. Sidney Greenstreet (1879-1954) var över sextio år gammal och medverkade i sin första film. Mary Astor (1906-1987) försökte återuppbygga en karriär som hade förstörts av skandaler på 1930-talet. Peter Lorre (1904-1964) hade i åratal arbetat i mindre rollfigurer. Men denna Warner Brothers ”B”-film (ett namn som ges till lågbudgetfilmer) skulle bli en av alla tiders stora filmer. The Maltese Falcon kallas ofta för den första riktiga film noir och är också en av de bästa filmerna i den genren. Förutom att den gjorde Bogart, Greenstreet, Astor och Lorre till stjärnor bidrog den till att förändra det amerikanska filmskapandet på 1940-talet.
Swing var soundtracket till andra världskriget. Swing utvecklades på 1930-talet och fanns 1940 överallt, från 78-rpm-skivor (varv per minut) som spelades i hemmen, till danslokaler, filmer och radio.
Vissa storband leddes av solomusiker som trumpetaren Louis Armstrong (1901-1971) och klarinettisten Benny Goodman (1909-1986). Andra band turnerade runt i landet med sångare som Billie Holiday (1915-1959) och Frank Sinatra (1915-1998) i spetsen. Under andra halvan av decenniet minskade swingens popularitet. Perry Como (1912-2001), Vaughn Monroe (1911-1973) och andra ledde ett tonat swing-sound, tungt med stränginstrument.
Men även när swing höll på att förlora sin attraktionskraft började vissa musiker göra den till en mer seriös typ av musik. Duke Ellington (1899-1974) var förmodligen den mest inflytelserika. Ellington blev en respekterad kompositör, men andra, som Gil Evans (1912-1988) och Count Basie (1904-1984), utforskade också nya ljud och instrument. Klassiska kompositörer vände sig under tiden till jazzen. Igor Stravinskij (1882-1971) skrev Ebony Concerto för Woody Hermans storband. Den amerikanske kompositören Aaron Copland (1900-1990) skrev musik för klarinettisten och bandledaren Benny Goodman (1909-1986).
På nattklubbarna växte en avskalad, höghastighetsjazz fram som kallades bebop. Små combos med fyra eller fem spelare slog ut icke dansbara rytmer och slingrande riff. Lester Young (1909-1959) och Theodore ”Fats” Navarro (1923-1950) var ledande bebopspelare. Men den främsta artisten i den nya stilen var Charlie Parker (1920-1955), ibland känd som ”Bird”. Parkers vilda saxofonimprovisationer gjorde låtar som ”Scrapple from the Apple” och ”Ornithology” till jazzens mästerverk. År 1947 ingick i Parkers kvintett en enastående ung trumpetare vid namn Miles Davis (1926-1991) som kom att skapa ”Cool Jazz”, det definierande jazzljudet på 1950-talet.
Likt jazzen var blues en musikstil som genomgick förändringar på 1940-talet. Svarta bluesmusiker flyttade norrut till städer som Chicago, Illinois. Där förvandlade de den reflekterande, akustiska bluesen från landsbygden i söder till ett slagkraftigt, högt, elektrifierat stadssound. Bluesartister som Muddy Waters (1915-1983) och Sam ”Lightnin'” Hopkins (1912-1982) skulle direkt påverka rock and roll under 1950-talet. Användningen av elektrisk bandinspelning innebar att alla typer av musik kunde höras på alla möjliga platser. Blues smälte samman med jazz, jazz smälte samman med country och western. Från denna eklektiska blandning kom nya musikstilar som rhythm and blues, boogie-woogie och honky-tonk.
Dancing Down Broadway
Jazzdans och steppdans var en viktig del av Broadway-musikaler och musikalfilmer. På 1940-talet besökte omkring elva miljoner människor varje år Broadwayföreställningar som Oklahoma! (1943), Anchors Aweigh (1945) och Annie Get Your Gun (1946). Koreografer som Helen Tamiris (1905-1966) arbetade med kompositören Richard Rodgers (1902-1979), medan Jerome Robbins (1918-1998) koreograferade On the Town (1944), den inflytelserika musikalen av Leonard Bernstein (1918-1990). På film blev dansarna Fred Astaire (1899-1987) och Gene Kelly (1912-1996) stjärnor. Några av århundradets mest spektakulära dansrutiner fångades i filmer som Holiday Inn (1942) och filmversionen av On the Town (1949).
Upplevelsen av landsbygdsfolk som lever i staden var ett inslag i countrymusiken på 1940-talet. Country-swingband, som Bob Wills and the Texas Playboys, var populära i stadscentra i hela landet, bland annat i Chicago, Los Angeles, Kalifornien och Mobile, Alabama. Gradvis upplöstes gränserna mellan country-, folk- och popmusik. Popsångaren Bing Crosby (1904-1977) spelade in ”Sioux City Sue”, en populär countrylåt. Bluegrass gav countrymusiken en nyans liknande den effekt som bebop hade på jazzen, medan country- och folkmusiken blev mer cynisk, melankolisk och ångerfull. Gospel var ett populärt alternativ till country och en stor inkomstkälla för skivbolagen på 1940-talet. Gospelstjärnor som Mahalia Jackson (1911-1972) sålde miljontals skivor.
Som inom jazz, blues och country började amerikanska klassiska kompositörer experimentera med nya ljud på 1940-talet. Under de tre första decennierna av århundradet hade europeiska kompositörer skapat musik som var svår och oroväckande. I slutet av 1930-talet och början av 1940-talet flyttade sedan många av dessa européer till USA. Kompositörer som Arnold Schönberg (1874-1951), Kurt Weill (1900-1950) och Igor Stravinskij (1882-1971) hade alla ett stort inflytande på den amerikanska musiken. Den amerikanske kompositören John Cage (1912-1992) var elev till Schönberg. Han var intresserad av musik av slagverk, vanliga ljud och tystnad. Hans experiment på 1940-talet ledde direkt till hans mest kända stycke, ”4’33” (fyra minuter och trettiotre sekunder av tystnad), som släpptes 1952.
Amerikansk television underhåller
På 1940-talet kostade det cirka tio gånger mer att producera ett program för tv än för radio. Men krigstidens begränsningar av nya sändningsstationer gav tillverkarna chansen att förbättra tv-tekniken. När allt fler amerikaner köpte tv-apparater stod det klart att tv skulle bli en lukrativ framtida marknad. År 1941 fanns det endast omkring femton tusen tv-mottagare i USA. År 1950 fanns det elva miljoner. Radionätverken överförde många av sina populära program till TV. Komedier som Our Miss Brooks och Amos and Andy var tidiga exempel. Sport-tv-sändningar var populära, liksom barnprogram som Superman. Men det mest populära tv-programmet på 1940-talet var Texaco Star Theater, ett varietéprogram med Milton Berle (1908-2001) i huvudrollen. År 1948 kopplade 94,7 procent av tv-tittarna in sig för att titta på ”Uncle Miltie.”
AMERIKANSKA THEATERNADOR
Publiken på Broadwayteatern ökade under 1940-talet. Men överlag vände sig publiken bort från dramatik under decenniet. De politiska kampanjdramatikerna från 1930-talet verkade irrelevanta inför världskriget. Efter 1945 gjordes pjäser i mindre skala. De fokuserade på familjeliv och på individer som kämpar med inre konflikter. Det personliga livet, snarare än politisk kamp, var ämnet för de flesta 1940-talets dramer.
Den kända dramatikern Tennessee Williams (1914-1983) skrev två av de viktigaste pjäserna under decenniet. The Glass Menagerie (1945) var hans första. Karaktärerna i denna pjäs har romantiska förhoppningar och drömmar om framtiden, men deras verklighet är brutal och dyster. På många sätt motsvarade stämningen i Williams pjäser film noir-trenden i filmerna. A Streetcar Named Desire (1947), som anses vara hans mästerverk, skildrar samspelet mellan karaktärer som alla är intensiva, frustrerade och bittra över sina liv. Williams pjäser är alltid fulla av illusioner och besvikelser.
Arthur Miller (1915-) producerade också två klassiker inom den amerikanska litteraturen på 1940-talet. Miller tog Williams syn på personligt misslyckande och desillusionering ett steg längre. Han angrep kapitalismen (USA:s ekonomiska system) och antydde att det amerikanska livet endast kan sluta i personlig förlust och misslyckande. Både All My Sons (1947) och den Pulitzerprisbelönade Death of a Salesman (1949) visar att den amerikanska drömmen är en illusion. På grund av dessa pjäser stämplades Miller som antiamerikan. Han var en av de mest framstående personer som förhördes av House Un-American Activities Committee under 1950-talet.
Bortsett från dessa två stigande stjärnor fortsatte etablerade dramatiker som Lillian Hellman (1906-1984) och Eugene O’Neill (1888-1953) att producera viktiga verk. Särskilt O’Neills The Iceman Cometh (1946) blev mycket hyllad. Men på det hela taget var dramatiken på och kring Broadway intetsägande och ointressant på 1940-talet. Utanför Broadway var historien dock annorlunda. På små teatrar, i gymnasiesalar och andra små utrymmen blomstrade dramaverkstäderna. Den blivande filmstjärnan Marlon Brando (1924-) började till exempel sin karriär med Erwin Piscators Drama Workshop. Även om stora produktioner hade förlorat sin spets, fortsatte småskaligt drama att hålla publiken intresserad.