Leggere il capitolo precedente renderà questo testo molto più comprensibile, ma se proprio dovete saltarlo, ecco qualche contesto: Ho deciso che il modo migliore per spiegare cos’è l’arte è capire un po’ di storia, un po’ di filosofia e un po’ di tecnica.
Non perché vi darà una risposta chiara, ma perché vi fornirà qualche legittimo pensiero critico. E poi, chissà, potresti anche avere delle opinioni informate.
Quindi, cos’è l’arte?
Dopo molti secoli in cui i periodi artistici erano definiti da contesti politici, sociali ed economici e non tanto dal gusto individuale, ci fu un graduale cambiamento nel modo in cui le informazioni venivano acquisite e condivise.
Il metodo scientifico consolidò l’acquisizione della conoscenza e la rivoluzione industriale cambiò il panorama di come gli uomini vivevano e lavoravano. La conseguente genesi di una classe media fece spazio all’istruzione di molte più persone – ponendo fine ad una parte dell’elitarismo che aveva definito l’istruzione fino a quel momento.
Si vive più a lungo, si vive meglio, si sa di più e nasce la creatività. Questo è successo a molte più persone che nei secoli precedenti che erano definiti dalla scarsità, dalla guerra e/o dall’estremismo religioso.
E’ così che l’arte è diventata più democratica e, di conseguenza, più disponibile all’espressione individuale, personale ed emotiva.
Zeitgeist
Zeitgeist è l’insieme dominante di ideali e credenze che motivano le azioni dei membri di una società in un particolare periodo di tempo e si traduce letteralmente dal tedesco come “mente temporale” o “spirito temporale”.
Georg Hegel non ha mai usato questa parola ma, nelle sue opere, come le Lezioni sulla filosofia della storia, dice quanto segue:
“Nessun uomo può superare il proprio tempo, perché lo spirito del suo tempo è anche il suo stesso spirito.” – Georg Hegel
Questa idea è strettamente legata al modo in cui Hegel vedeva l’arte. In questo paradigma, qualsiasi cosa l’artista crei rifletterà la cultura di quel dato tempo. L’artista è un prodotto inevitabile di quel tempo e, quindi, porterà quella cultura nella sua arte.
La teoria dello Zeitgeist si posiziona nettamente contro una teoria del XIX secolo di Thomas Carlyle chiamata Teoria del Grande Uomo, dove gli individui possiedono le caratteristiche che li trasformano in grandi leader.
Queste caratteristiche, combinate con l’ispirazione divina, permetteranno loro di ottenere posizioni di potere e, di conseguenza, di plasmare la storia.
“La storia del mondo non è che la biografia dei grandi uomini”. – Thomas Carlyle
Tolstoj non ne voleva sapere e, nel suo libro Guerra e Pace, considera immaginario il significato dei grandi individui: sono solo schiavi della storia. Herbert Spencer arrivò a dire che considerava le idee di Carlyle irrimediabilmente primitive, infantili e non scientifiche.
E in verità, la Teoria del Grande Uomo poggia sul presupposto di capacità inconsistenti e innate, ignorando il grande puzzle che costituisce il nostro Universo. Ignora come tutto sia una conseguenza, di una conseguenza, di una conseguenza.
E non entriamo nemmeno nel concetto di “libero arbitrio” in questo post – dobbiamo stare attenti a questa tana di coniglio.
Questo significa fondamentalmente che, a rigor di logica, l’arte non può essere questa cosa esoterica che nasce dalla stupefazione di certi individui, o che nasce dalla pura beatitudine, dal “talento” sorprendente o dall’abilità innata di alcune persone davvero fortunate.
Si potrebbe anche dire che “abilità” è un concetto molto relativo in ciò che riguarda l’arte. Implica padronanza tecnica, ma diversi livelli di conoscenza tecnologica hanno plasmato l’arte fin dal suo inizio, ed è per questo che “abilità” o “tecnica” sono standard molto labili per la qualità.
Art vs Craft
Prendiamo un concetto molto basilare come la prospettiva lineare o, in parole povere: il modo in cui gli oggetti sembrano essere più piccoli quando sono più lontani.
Il suo studio e la sua esplorazione geometrica all’interno della rappresentazione visiva iniziarono solo nel XIV secolo durante il Rinascimento italiano, e ci volle ancora del tempo prima che fosse perfezionata e compresa correttamente.
Questa comprensione tecnica divenne evidente in tutto il lavoro artistico da allora in poi, mentre tutte le opere grafiche che venivano prodotte prima di quel tempo conservavano questa aura quasi bizzarra di tentativo fallito di essere tridimensionale.
Ma era fallito? O era che, a quel punto, il realismo nella rappresentazione non era semplicemente un canone? Cosa è venuto prima: la necessità di una rappresentazione grafica realistica, o le tecniche che permettevano di produrla? Ha importanza se si crea per capacità o per scelta? La tecnica è uno standard di qualità nell’arte?
Prendiamo i vasi greci. Sono neri con figure e ornamenti arancioni profondi. È considerato da molti un bellissimo pezzo d’arte con una grande combinazione di colori che ha un effetto minimalista ma mistico e coinvolgente, ottenuto attraverso le storie che le loro immagini raccontano.
E poi c’è la porcellana cinese. È colorata, delicata, i suoi disegni sono ricchi di dettagli e le sue figure ci trasportano in una cultura che è piena di mitologia interessante.**
Purtroppo, non le ho studiate così profondamente come la civiltà ellenistica, quindi non c’è molto che possa dirvi sul quando e sul perché di questi vasi.
Ma posso dirvi questo: i vasi greci sono neri e rosso intenso non grazie all’inchiostro, ma grazie a un materiale che applicato alla loro superficie trasforma l’argilla in nero dopo la cottura. Non c’è nessuna scelta di colore.
È stata la tecnica a dettare l’estetica o è stato il contrario? Era una limitazione autoimposta, o la limitazione tecnica ha generato lo stile? La porcellana cinese è superiore perché le sue caratteristiche distintive sono il risultato di una tecnica più versatile e tecnicamente avanzata? Una è più arte dell’altra?
Infine: Pablo Picasso ha dipinto una donna in questo modo perché non sapeva come farlo in modo realistico, o per scelta? Posso dirti che sapeva benissimo come fare pittura realistica (vedi immagine sotto), ma la presenza o l’assenza di scelta è una sorta di convalida per l’espressione artistica?
Questo è un principio pericoloso da seguire, perché può invalidare qualsiasi lavoro fatto sotto qualsiasi vincolo che potrebbe limitare la libera scelta, come la conoscenza tecnica, il denaro, il tempo e altro. Se guardi indietro a tutto quello che hai imparato finora sulla storia dell’arte, scoprirai che tutto ha dei vincoli, e che l’arte è stata modellata da materiali, tecniche, religione, società e molto altro. Tutti sono stati modellati dallo Zeitgeist.
Utilizzare l’assenza o la presenza di scelta come standard di qualità significa invalidare molti pezzi nel corso della storia moderna e antica. Pezzi d’arte che non avevi idea di quanto fosse incasinato il loro processo – dalle limitazioni tecniche, alle limitazioni materiali, al budget, ai disallineamenti di personalità, fino a problemi di salute mentale, se vuoi andare lì.
Così passata questa Età dei Lumi (la cui fine è iniziata all’inizio del 1800), siamo entrati nel pensiero relativista e non c’era più la mania di una rappresentazione grafica “realistica” del mondo. Ed è allora che l’arte diventa più complicata.
Storia estremamente breve dell’arte moderna e contemporanea
Ricordate il periodo romantico dove si parlava di nostalgia, romanticismo, epicità e connessione con la natura e la storia?
Passarono un paio d’anni e alcuni pittori decisero di concentrarsi sulla realtà relazionabile della vita quotidiana durante un movimento chiamato impressionismo. La banalità poteva essere bella e degna di essere contemplata attraverso la poetica della luce e del movimento, che venivano espressi attraverso pennellate visibili ed emotive.
Non era una rappresentazione realistica – che non era più interessante a causa della fotografia – ma era ricca e portava nuova vita all’ordinario.
Altri artisti presero questi stessi principi di espressione attraverso il colore e la trama e li esplorarono ancora di più, non avendo paura di distorcere veramente il soggetto per trasmettere veramente la loro esperienza soggettiva della realtà. Lo chiamarono Espressionismo.
Poi, altri artisti, e alcuni degli stessi, decisero di andare ad esplorare anche la soggettività della vita e dell’esistenza, ma distorcendo il continuum temporale, fondendo il passato con il presente e il futuro in modo visivo. Roba da brividi, vero? Questo è il cubismo per voi.
Ricordate anche la rivoluzione industriale? La crescita tecnologica era esponenziale, e così il fascino della gente. Questo gruppo di ragazzi raccolse il concetto cubista di piegare il tempo e apprezzò l’estetica del futuro come l’unica cosa che contava.
Velocità, tecnologia, gioventù, violenza, industrialismo, nazionalismo, ditelo voi, i futuristi ne erano appassionati.
Già il Surrealismo era tutto preso da quelle nuove scintillanti teorie freudiane che portarono ad alcune esplorazioni piuttosto interessanti del subconscio.
Alcuni lo facevano attraverso la loro tecnica, in modo simile agli espressionisti, altri lo facevano registrando i loro primi pensieri dopo essersi svegliati da un sogno, altri ancora si limitavano a disegnare la prima cosa che gli passava per la mente, nel tentativo di agire nel modo più inconscio possibile da svegli.
Fondamentalmente, l’idea era di portare l’auto-espressione al livello successivo di tirare fuori tutte le cose potenzialmente imbarazzanti e veramente profonde.
Queste esplorazioni andavano avanti fino a quando alcuni raggiungevano l’astrazione assoluta. Alcuni artisti, come Kandinsky, che era lui stesso un musicista, si ispirarono alla possibilità di forme e colori associativi che risuonavano in se stessi.
In mezzo a questo gruppo di movimenti artistici, arrivarono i dadaisti per il necessario controllo della realtà, per tenere tutti sulle spine. Mettevano praticamente in discussione tutto ciò che riguardava l’arte, alla maniera dei duri.
Immaginate quanto segue: è il 1917 e c’è una scultura al centro di una mostra che si chiama “Fontana” ed è fondamentalmente un orinatoio in posa. I visitatori non l’hanno presa alla leggera e si sono arrabbiati molto. Probabilmente, era proprio questo il punto.
I dadaisti costringevano tutti a mettere in discussione l’estetica e la bellezza, rompevano i vincoli, si ribellavano all’elitarismo e separavano le parole dal loro significato. In definitiva, hanno fatto riflettere tutti sulla definizione di arte, e su come forse la “bellezza” e l'”armonia” non fossero necessariamente dei requisiti.
Questa stessa messa in discussione dell’idea di armonia e bellezza classica si è estesa a tutti i campi dell’arte, comunque. Ho concentrato la maggior parte degli esempi e della storia nella pittura, ma solo perché è la più facile da esemplificare e confrontare in un articolo.
Ma molte cose interessanti sono successe nella musica, come il fatto che improvvisamente si potevano rompere le scale e abbinare note che prima sarebbero state considerate una combinazione terribile. La danza non era più così concentrata sull’eleganza, e si permetteva di essere cruda e sgradevole quando era giustificata.
Ecco un buon esempio di rottura dello stampo con l’interpretazione della danza di Pina Bausch della Sagra della Primavera di Igor Stravinsky.
Rotturare gli schemi dell’estetica classica e romantica divenne un ottimo modo per avere accesso a una gamma più ampia di emozioni, idee e modi di espressione.
Così, col passare del tempo, ci fu una crescita esponenziale nella produzione artistica e, di conseguenza, nel numero di movimenti artistici e correnti di pensiero. Così tanti che la gente iniziò a chiamarla semplicemente Arte Contemporanea, dato che il termine si riferisce all’arte che viene prodotta nel periodo attuale.
Ci furono decine, se non centinaia, di movimenti artistici in atto, ma uno che arrivò in quel periodo e che vale la pena menzionare fu “l’Arte Concettuale”: l’idea o il concetto è l’aspetto più importante dell’opera.
Dopo molti secoli concentrati sull’esecuzione, qui divenne incurante e superflua, e l’attenzione si concentrò sulla pianificazione e sul processo decisionale fatto in anticipo.
Un buon esempio di Arte Concettuale è l’installazione artistica di Maurizio Bolognini del 1988 “Macchine programmate”, dove i personal computer erano programmati per generare flussi di immagini casuali in continua espansione e lasciati girare all’infinito (la maggior parte di questi sono ancora in funzione).
Conclusione
Quando ci si trova di fronte a questo tipo di opere d’arte, sarebbe il momento in cui tipicamente tutti sgranano gli occhi e odiano l’arte contemporanea.
Spero di essere riuscito a passarvi abbastanza informazioni per farvi almeno pensare due volte invece di liquidare immediatamente tali opere. E sinceramente, spero di essere riuscito ad aprirvi la mente e ad aiutarvi a capire che l’arte non deve essere necessariamente bella o piacevole da vivere.
L’arte non ha bisogno di essere un’esperienza profondamente emotiva o intellettuale che vi travolga immediatamente. Semmai, l’esperienza che si ha con l’arte dipende più da come si sceglie di interagire con essa, che dalle sue stesse caratteristiche.
Tu porti con te tutte le tue conoscenze e il tuo bagaglio di vita e, alla fine, godere dell’arte sarà la tua esperienza soggettiva, e sarai tu a scegliere quanto in profondità vuoi andare.
“L’arte comincia quando un uomo, con lo scopo di comunicare ad altre persone un sentimento che ha già provato, lo richiama di nuovo dentro di sé e lo esprime con certi segni esterni.” – 1897 / Cos’è l’arte di Tolstoj, p.38
“Tutti sappiamo che l’arte non è verità. L’arte è una bugia che ci fa capire la verità.”
-1972 / Pablo Picasso citato in Picasso on Art di Dore Ashton
“Solo le idee possono essere opere d’arte… Tutte le idee non devono essere rese fisiche… Un’opera d’arte può essere intesa come un conduttore dalla mente dell’artista a quella dello spettatore. Ma potrebbe non raggiungere mai lo spettatore, o potrebbe non lasciare mai la mente dell’artista”. – 1994 / Sol LeWitt citato in Art and Its Significance di Stephen David Ross
“Che Mr. Mutt abbia fatto la fontana con le sue mani o meno non ha importanza. Lui l’ha scelta. Ha preso un articolo ordinario della vita, lo ha messo in modo che il suo significato utile scomparisse sotto un nuovo titolo e punto di vista (e) ha creato un nuovo pensiero per l’oggetto.” – 1917 / Il cieco, 2a edizione, di Marcel Duchamp, Beatrice Wood e Henri-Pierre Roché
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