Het lezen van het vorige hoofdstuk zal deze tekst veel begrijpelijker maken, maar als u het echt moet overslaan, is hier wat context: Ik heb besloten dat de beste manier om uit te leggen wat kunst is, is om wat geschiedenis, wat filosofie en wat techniek te begrijpen.
Niet omdat het je een duidelijk antwoord zal geven, maar omdat het je zal voorzien van wat legitiem kritisch denken.
En wat is kunst?
Na vele eeuwen waarin artistieke perioden werden bepaald door politieke, sociale en economische contexten en niet zozeer door individuele smaak, vond er een geleidelijke verschuiving plaats in de manier waarop informatie werd verworven en gedeeld.
De wetenschappelijke methode verstevigde de kennisverwerving en de Industriële Revolutie veranderde het landschap van hoe mensen leefden en werkten. Het daaruit voortvloeiende ontstaan van een middenklasse maakte plaats voor het onderwijs van veel meer mensen – waarmee een einde kwam aan een deel van het elitarisme dat het onderwijs tot dan toe bepaalde.
Je leeft langer, je leeft beter, je weet meer en creativiteit wordt geboren. Dat is wat er gebeurde met veel meer mensen dan in voorgaande eeuwen die ofwel werden bepaald door schaarste, oorlog, en / of religieus extremisme.
Zo werd kunst democratischer en, bijgevolg, meer beschikbaar voor individuele, persoonlijke en emotionele expressie.
Zeitgeist
Zeitgeist is de overheersende verzameling idealen en overtuigingen die de daden van de leden van een samenleving in een bepaalde periode motiveren en het vertaalt zich letterlijk uit het Duits als “tijdgeest” of “tijdgeest”.
Georg Hegel heeft dit woord eigenlijk nooit gebruikt, maar in zijn werken, zoals Lectures on the Philosophy of History, zegt hij het volgende:
“Geen mens kan zijn eigen tijd overtreffen, want de geest van zijn tijd is ook zijn eigen geest.” – Georg Hegel
Dit idee hangt nauw samen met de manier waarop Hegel kunst zag. In dit paradigma weerspiegelt alles wat de kunstenaar creëert de cultuur van die bepaalde tijd. De kunstenaar is een onvermijdelijk product van die tijd en zal daarom die cultuur in zijn/haar kunst inbrengen.
De Zeitgeist-theorie zet zich schril af tegen een 19e-eeuwse theorie van Thomas Carlyle, The Great Man Theory, waarin individuen de eigenschappen bezitten die hen tot grote leiders maken.
Deze eigenschappen, gecombineerd met goddelijke inspiratie, stellen hen in staat machtsposities te verwerven en zo de geschiedenis vorm te geven.
“De geschiedenis van de wereld is slechts de biografie van grote mannen.” – Thomas Carlyle
Tolstoj had daar geen boodschap aan en in zijn boek Oorlog en Vrede beschouwt hij de betekenis van grote individuen als denkbeeldig: zij zijn slechts slaven van de geschiedenis. Herbert Spencer ging zelfs zover dat hij Carlyle’s ideeën als hopeloos primitief, kinderachtig en onwetenschappelijk beschouwde.
En waarlijk, de Grote-Mens Theorie berust op de aanname van onbeduidende en aangeboren vaardigheden, zonder acht te slaan op de grote legpuzzel die ons Universum vormt. Het negeert hoe alles een gevolg is, van een gevolg, van een gevolg.
En laten we in deze post niet eens ingaan op het concept van “vrije wil” – we moeten oppassen voor dit konijnenhol.
Dit betekent in feite dat kunst logischerwijs onmogelijk iets esoterisch kan zijn dat voortkomt uit de verbazing van bepaalde individuen, of geboren wordt uit pure gelukzaligheid, verbazingwekkend “talent” of aangeboren vaardigheid van enkele zeer gelukkige mensen.
Je zou zelfs kunnen zeggen dat “vaardigheid” een zeer relatief begrip is als het gaat om kunst. Het impliceert technische beheersing, maar verschillende niveaus van technologische kennis hebben kunst gevormd sinds het allereerste begin, en dat is de reden waarom “vaardigheid” of “techniek” zijn zeer wankele normen voor kwaliteit.
Kunst vs Ambacht
Laten we een zeer elementair concept als lineair perspectief of, simpel gezegd: de manier waarop objecten kleiner lijken te zijn wanneer ze verder weg zijn.
De studie en geometrische verkenning ervan binnen de visuele representatie begon pas in de veertiende eeuw tijdens de Italiaanse Renaissance, en het duurde nog enige tijd voordat het was geperfectioneerd en goed begrepen.
Dit technische begrip werd zichtbaar in al het artistieke werk vanaf dat moment, terwijl alle grafische werken die voor die tijd werden geproduceerd dit bijna bizarre aura van mislukte poging om driedimensionaal te zijn behielden.
Maar was het mislukt? Of was het zo dat op dat moment realisme in de voorstelling gewoon geen canon was? Wat kwam eerst: de behoefte aan realistische grafische weergave, of de technieken die het mogelijk maakten die te produceren? Maakt het uit of men creëert uit bekwaamheid of uit vrije keuze? Is techniek een standaard voor kwaliteit in kunst?
Neem Griekse vazen. Ze zijn zwart met diep oranje figuren en versieringen. Het wordt door velen beschouwd als een prachtig kunstwerk met een geweldige kleurencombinatie die een minimalistisch maar mystiek en meeslepend effect heeft, bereikt door de verhalen die hun afbeeldingen vertellen.
En dan is er Chinees porselein. Het is ** kleurrijk, delicaat, de tekeningen zijn rijk aan detail en hun figuren voeren ons mee naar een cultuur die gevuld is met interessante mythologie.**
Helaas heb ik ze niet zo diep bestudeerd als de Hellenistische Beschaving, dus er is niet veel dat ik u kan vertellen over het wanneer en waarom van deze vazen.
Maar ik kan u wel dit vertellen: de Griekse vazen zijn zwart en dieprood, niet dankzij inkt, maar dankzij een materiaal dat, wanneer het op hun oppervlak wordt aangebracht, de klei zwart maakt na gekookt te zijn. Er komt geen kleurenpluk aan te pas.
Dicteerde de techniek de esthetiek of was het andersom? Was het een zelf opgelegde beperking, of heeft de technische beperking de stijl gegenereerd? Is het Chinese porselein superieur omdat de bepalende kenmerken het resultaat zijn van een veelzijdiger en technisch geavanceerdere techniek? Is het ene meer kunst dan het andere?
Ten slotte: schilderde Pablo Picasso een vrouw op deze manier omdat hij niet wist hoe hij dat realistisch moest doen, of uit vrije wil? Ik kan u vertellen dat hij heel goed wist hoe hij realistisch moest schilderen (zie de afbeelding hieronder), maar is de aan- of afwezigheid van een keuze een soort validatie van artistieke expressie?
Dat is een gevaarlijk principe om te volgen, omdat het elk werk ongeldig kan verklaren dat is gemaakt onder welke beperkingen dan ook die de vrije keuze kunnen beperken, zoals technische kennis, geld, tijd, en meer. Als je terugkijkt op alles wat je tot nu toe geleerd hebt over de kunstgeschiedenis, zul je zien dat alles beperkingen heeft, en dat kunst gevormd is door materialen, technieken, religie, maatschappij, en nog veel meer. Alles is gevormd door de tijdgeest.
Als je de afwezigheid of aanwezigheid van keuze als maatstaf voor kwaliteit gebruikt, ontkracht je veel kunstwerken uit de moderne en oude geschiedenis. Kunstwerken waarvan je geen idee had hoe verknoeid hun proces was – van technische beperkingen, materiële beperkingen, budget, persoonlijkheid misalignments, tot zelfs geestelijke gezondheidsproblemen als je daar wilt gaan.
Dus voorbij dit tijdperk van Verlichting (waarvan het einde begon in het begin van de jaren 1800), kwamen we in het relativistische denken en was er geen rage meer voor een “realistische” grafische weergave van de wereld. En dat is wanneer kunst lastiger wordt.
Extreem Beknopte Geschiedenis van Moderne en Hedendaagse Kunst
Herinner je je de Romantische periode waarin alles draaide om nostalgie, romantiek, epiek en verbondenheid met de natuur en de geschiedenis?
Een paar jaar gingen voorbij en sommige schilders besloten zich te richten op de relateerbare werkelijkheid van het dagelijks leven tijdens een beweging die Impressionisme werd genoemd. Banaliteit kon mooi zijn en het overdenken waard door middel van poëtica van licht en beweging, die werden uitgedrukt door zichtbare en emotionele penseelstreken.
Het was geen realistische weergave – dat was niet meer interessant vanwege de fotografie – maar het was rijk en bracht nieuw leven in het gewone.
Enkele andere kunstenaars namen deze zelfde principes van expressie door middel van kleur en textuur en verkenden ze nog verder, waarbij ze niet bang waren om het onderwerp echt te vervormen om hun subjectieve ervaring van de werkelijkheid echt over te brengen. Ze noemden het expressionisme.
Toen besloten meer kunstenaars, en sommige van dezelfde, om ook de subjectiviteit van het leven en het bestaan te gaan verkennen, maar dan door het tijdcontinuüm te vervormen, waarbij verleden met heden en toekomst op een visuele manier werden samengevoegd. Trippy stuff, toch? Dat is kubisme voor jou.
Ook, herinner je de Industriële Revolutie? Technologische groei was exponentieel, en zo was ook de fascinatie van mensen ervoor. Deze groep jongens pikte het concept van tijdbuigen van het kubisme op en waardeerde de esthetiek van de toekomst als het enige dat telde.
Snelheid, technologie, jeugd, geweld, industrialisme, nationalisme, noem maar op, futuristen waren ermee bezig.
Ook het surrealisme ging helemaal op in die glimmende gloednieuwe Freudiaanse theorieën, wat resulteerde in een aantal behoorlijk interessante verkenningen van het onderbewuste.
Sommigen deden dat door middel van hun techniek, vergelijkbaar met de expressionisten, sommigen deden dat door hun eerste gedachten na het ontwaken uit een droom vast te leggen, anderen tekenden gewoon het eerste wat in hen opkwam, in een poging om zo onbewust mogelijk te handelen terwijl ze wakker waren.
Basically, the idea was to take self-expression to the next level of getting all the potentially embarrassing and truly deep stuff out there.
Deze verkenningen gingen door en door totdat sommigen absolute abstractie bereikten. Sommige kunstenaars, zoals Kandinsky die zelf musicus was, raakten geïnspireerd door de mogelijkheid van vormen en associatieve kleuren die in jezelf weerklonken.
Midden in deze cluster van kunstbewegingen kwamen de dadaïsten voor de noodzakelijke realiteitscheck, om iedereen bij de les te houden. Zij stelden zo’n beetje alles wat met kunst te maken had ter discussie, op de hardcore manier.
Stel je het volgende voor: het is 1917 en er staat een beeldhouwwerk in het midden van een tentoonstelling dat “Fontein” heet en in feite een liggend urinoir is. De bezoekers namen het niet licht op en werden erg boos. Waarschijnlijk was dat precies de bedoeling.
Dadaïsten dwongen iedereen om esthetiek en schoonheid in vraag te stellen, doorbraken beperkingen, kwamen in opstand tegen elitarisme en koppelden woorden los van hun betekenis. Uiteindelijk lieten ze iedereen nadenken over de definitie van kunst, en hoe misschien “schoonheid” en “harmonie” niet noodzakelijkerwijs vereisten waren.
Diezelfde bevraging van het idee van harmonie en klassieke schoonheid breidde zich trouwens uit tot alle gebieden van de kunst. Ik heb de meeste voorbeelden en geschiedenis toegespitst op de schilderkunst, maar alleen omdat die het gemakkelijkst in een artikel te illustreren en te vergelijken is.
Maar ook in de muziek gebeurden veel interessante dingen, zoals hoe je plotseling de toonladders kon breken en noten kon combineren die vroeger als een afschuwelijke combinatie zouden worden beschouwd. Dans was niet meer zo gericht op elegantie, en stond zichzelf toe rauw en onaangenaam te zijn wanneer dat gerechtvaardigd was.
Hier is een goed voorbeeld van vorm-breken met Pina Bausch’s dansinterpretatie van Igor Stravinsky’s Rite of Spring.
Het doorbreken van de vormen van de klassieke en romantische esthetiek werd een geweldige manier om toegang te krijgen tot een breder scala van emoties, ideeën en manieren van expressie.
Dus naarmate de tijd verstreek, was er een exponentiële groei in de kunstproductie en, bijgevolg, in het aantal kunststromingen en stromingen van het denken. Zoveel dat men het gewoon Hedendaagse Kunst ging noemen, omdat de term verwijst naar de kunst die in de huidige tijd wordt geproduceerd.
Er waren tientallen, zo niet honderden kunststromingen gaande, maar één die rond die tijd opkwam en het vermelden waard is, was “Conceptuele Kunst”: het idee of concept is het belangrijkste aspect van het werk.
Na vele eeuwen gericht te zijn geweest op de uitvoering, werd die hier achteloos en overbodig, en kwam de nadruk te liggen op de planning en de besluitvorming die van tevoren was gedaan.
Een goed voorbeeld van conceptuele kunst is de installatiekunst “Programmed Machines” van Maurizio Bolognini uit 1988, waar personal computers werden geprogrammeerd om stromen van zich voortdurend uitbreidende willekeurige beelden te genereren en die tot in het oneindige te laten draaien (de meeste van deze werken nu nog).
Conclusie
Wanneer men met dergelijke kunstwerken wordt geconfronteerd, is dat het moment waarop iedereen met de ogen rolt en een hekel krijgt aan hedendaagse kunst.
Hopelijk ben ik erin geslaagd genoeg informatie te geven om u op zijn minst twee keer te doen nadenken in plaats van dergelijke werken onmiddellijk af te wijzen. En eerlijk gezegd hoop ik dat ik erin geslaagd ben uw geest te openen en u te helpen begrijpen dat kunst niet mooi of aangenaam hoeft te zijn om te ervaren.
Kunst hoeft geen diep emotionele of intellectuele ervaring te zijn die u onmiddellijk van uw voeten veegt. Als er iets is, hangt de ervaring die je met kunst hebt meer af van hoe je ervoor kiest ermee om te gaan, dan van de eigen kenmerken ervan.
Je brengt al je kennis en levensbagage mee en uiteindelijk zal het genieten van kunst je eigen subjectieve ervaring zijn, en je kiest zelf hoe diep je wilt gaan.
“Kunst begint wanneer een man, met het doel andere mensen een gevoel mee te delen dat hij ooit heeft ervaren, het weer in zichzelf oproept en het uitdrukt door bepaalde uiterlijke tekenen.” – 1897 / Wat is kunst van Tolstoj, p.38
“We weten allemaal dat kunst geen waarheid is. Kunst is een leugen die ons de waarheid doet beseffen.”
-1972 / Pablo Picasso geciteerd in Dore Ashton’s Picasso on Art
“Ideeën alleen kunnen kunstwerken zijn… Alle ideeën hoeven niet fysiek te worden gemaakt… Een kunstwerk kan worden opgevat als een geleider van de geest van de kunstenaar naar die van de toeschouwer. Maar het kan nooit de kijker bereiken, of het kan nooit de geest van de kunstenaar verlaten.” – 1994 / Sol LeWitt geciteerd in Art and Its Significance door Stephen David Ross
“Of meneer Mutt met zijn eigen handen de fontein heeft gemaakt of niet, heeft geen belang. Hij koos hem. Hij nam een gewoon levensvoorwerp, plaatste het zo dat de nuttige betekenis ervan verdween onder een nieuwe titel en gezichtspunt (en) schiep een nieuwe gedachte voor het voorwerp.” – 1917 / De Blinde Man, 2e uitgave, door Marcel Duchamp, Beatrice Wood en Henri-Pierre Roché
Vond u dit artikel nuttig? Misschien vindt u deze ook wel leuk!
- Minimalisme of Brutalisme: welke kiezen?
- We moeten onze technologie tot rust brengen
- Presentatie van Service Design en waarom u er belang aan zou moeten hechten