Ler o capítulo anterior tornará este texto muito mais compreensível, mas se tiver mesmo de o saltar, aqui está algum contexto: Decidi que a melhor maneira de explicar o que é arte é compreender alguma história, alguma filosofia e alguma técnica.
Não porque lhe dará uma resposta clara, mas porque lhe dará algum pensamento crítico legítimo. E então, quem sabe, você pode até ter informado opiniões.
Então, o que é a Arte?
Após muitos séculos de períodos artísticos serem definidos por contextos políticos, sociais e econômicos e não tanto pelo gosto individual, houve uma mudança gradual na forma como a informação era adquirida e compartilhada.
O método científico solidificou a aquisição do conhecimento e a Revolução Industrial mudou a paisagem de como os seres humanos viviam e trabalhavam. A conseqüente gênese de uma classe média deu lugar à educação de muito mais pessoas – acabando com parte do elitismo que definiu a educação até agora.
Um vive mais, outro vive melhor, outro sabe mais e a criatividade nasce. Foi o que aconteceu com muito mais pessoas do que nos séculos anteriores que foram definidas pela escassez, guerra e/ou extremismo religioso.
Foi assim que a arte se tornou mais democrática e, consequentemente, mais disponível à expressão individual, pessoal e emocional.
Zeitgeist
Zeitgeist é o conjunto dominante de ideais e crenças que motivam as ações dos membros de uma sociedade em um determinado período no tempo e se traduz literalmente do alemão como “mente do tempo” ou “espírito do tempo”.
Georg Hegel nunca usou realmente esta palavra mas, em seus trabalhos, tais como Palestras sobre a Filosofia da História, ele diz o seguinte:
“Nenhum homem pode superar o seu próprio tempo, pois o espírito do seu tempo é também o seu próprio espírito”. – Georg Hegel
Esta ideia está intimamente relacionada com a forma como Hegel viu a arte. Neste paradigma, o que quer que o artista crie vai reflectir a cultura daquele tempo dado. O artista é um produto inevitável daquela época e, portanto, trará essa cultura à sua arte.
A teoria Zeitgeist posiciona-se fortemente contra uma teoria do século XIX de Thomas Carlyle chamada The Great Man Theory, onde os indivíduos possuem as características que os transformam em grandes líderes.
Estas características, combinadas com a inspiração divina, permitir-lhes-ão obter posições de poder e, consequentemente, moldar a história.
“A história do mundo é apenas a biografia de grandes homens.” – Thomas Carlyle
Tolstoi não tinha nada disso e, em seu livro Guerra e Paz, ele considera o significado do imaginário dos grandes indivíduos: eles são meros escravos da história. Herbert Spencer chegou ao ponto de dizer que considerava as ideias de Carlyle como sendo irremediavelmente primitivas, infantis e não científicas.
E, na verdade, a Teoria do Grande Homem assenta na assunção de capacidades inconsequentes e inatas, ignorando o grande quebra-cabeças que constitui o nosso Universo. Ela ignora como tudo é uma consequência, de uma consequência, de uma consequência.
E não vamos nem entrar no conceito de “livre arbítrio” neste post – temos que ter cuidado com esta toca de coelho.
Isso basicamente significa que, logicamente falando, a arte não pode ser essa coisa esotérica que nasce do espanto de certos indivíduos, ou nasce do puro êxtase, “talento” incrível ou habilidade inata de algumas pessoas realmente sortudas.
Pode-se até dizer que “habilidade” é um conceito muito relativo no que vem à arte. Implica domínio técnico, mas diferentes níveis de conhecimento tecnológico moldaram a arte desde o seu início, e é por isso que “habilidade” ou “técnica” são padrões de qualidade muito escamosos.
Art vs Craft
Vamos tomar um conceito muito básico como perspectiva linear ou, dito de forma simples: a forma como os objectos parecem ser mais pequenos quando mais distantes.
O estudo e exploração geométrica dentro da representação visual só começou no século XIV durante o Renascimento Italiano, e ainda levou algum tempo até ser aperfeiçoado e devidamente compreendido.
Esta compreensão técnica tornou-se aparente em todos os trabalhos artísticos a partir de então, enquanto todas as obras gráficas que estavam sendo produzidas antes daquela época preservaram esta aura quase bizarra de tentativa falhada de ser tridimensional.
Mas será que falhou? Ou será que, naquele momento, o realismo na representação não era simplesmente um cânone? O que veio primeiro: a necessidade de representação gráfica realista, ou as técnicas que permitiram que ela fosse produzida? Importa se se está criando fora de capacidade ou fora de escolha? A técnica é um padrão de qualidade na Arte?
Então pegue os vasos gregos. Eles são pretos com figuras e adornos laranjas profundas. É considerado por muitos uma bela peça de arte com uma grande combinação de cores que tem um efeito minimalista mas místico e imersivo, conseguido através das histórias que as suas imagens contam.
E depois há a porcelana chinesa. É ** colorida, delicada, seus desenhos são ricos em detalhes e suas figuras nos transportam para uma cultura cheia de interessantes mitologias.**
Felizmente, não os estudei tão profundamente como a Civilização Helenística, então não há muito que eu possa dizer sobre estes vasos’ quando e por quê.
Mas posso dizer-vos o seguinte: os vasos gregos são pretos e vermelhos profundos não graças à tinta, mas graças a um material que quando aplicado na sua superfície transforma o barro em preto depois de cozido. Não há nenhuma escolha de cor envolvida.
A técnica ditou a estética ou foi ao contrário? Foi uma limitação auto-imposta ou foi a limitação técnica que gerou o estilo? A porcelana chinesa é superior porque as suas características definidoras são o resultado de uma técnica mais versátil e tecnicamente avançada? É mais uma arte do que a outra?
Finalmente: Pablo Picasso pintou uma mulher desta maneira porque não sabia como fazê-lo de uma forma realista, ou por opção? Posso dizer que ele sabia muito bem como fazer pintura realista (ver imagem abaixo), mas a presença ou ausência de escolha é algum tipo de validação para a expressão artística?
Esse é um princípio perigoso a seguir, pois pode invalidar qualquer trabalho feito sob quaisquer restrições que possam limitar a livre escolha, como conhecimento técnico, dinheiro, tempo e muito mais. Se você olhar para tudo que aprendeu sobre a história da arte até agora, verá que tudo tem restrições, e que a arte foi moldada por materiais, técnicas, religião, sociedade, e muito mais. Todas foram moldadas pelo Zeitgeist.
Usar a ausência ou presença de escolha como padrão de qualidade significa invalidar muitas peças ao longo da história moderna e antiga. Peças de arte que você não tinha idéia de como seu processo era confuso – desde limitações técnicas, limitações materiais, orçamento, desalinhamentos de personalidade, até mesmo problemas de saúde mental se você quiser ir para lá.
Então passou esta Era das Luzes (cujo fim começou no início dos anos 1800), nós entramos no pensamento relativista e não havia mais loucura por uma representação gráfica “realista” do mundo. E é aí que a arte se torna mais complicada.
História Extremamente Breve da Arte Moderna e Contemporânea
Lembrar o período romântico em que se tratava de nostalgia, romantismo, epicidade e ligação com a natureza e a história?
Um par de anos se passaram e alguns pintores decidiram concentrar-se na realidade relatável do quotidiano durante um movimento chamado Impressionismo. A banalidade podia ser bela e vale a pena contemplar através da poética da luz e do movimento, que se expressavam através de pinceladas visíveis e emotivas.
Não era uma representação realista – que já não era mais interessante por causa da fotografia – mas era rica e trouxe nova vida ao comum.
alguns outros artistas tomaram estes mesmos princípios de expressão através da cor e da textura e exploraram-nos ainda mais, não tendo medo de distorcer realmente o assunto de modo a transmitir verdadeiramente a sua experiência subjectiva da realidade. Chamaram-lhe Expressionismo.
Então, mais artistas, e alguns dos mesmos, decidiram ir e também explorar a subjectividade da vida e da existência, mas distorcendo o continuum temporal, fundindo o passado com o presente e o futuro de uma forma visual. Coisas tripárias, certo? Isso é Cubismo para você.
Também, lembra-se da Revolução Industrial? O crescimento tecnológico foi exponencial, assim como o fascínio das pessoas por ela. Esse grupo de caras pegou o conceito do cubismo de dobrar o tempo e valorizou a estética do futuro como a única coisa que importava.
Velocidade, tecnologia, juventude, violência, industrialismo, nacionalismo, etc. Os futuristas estavam nessa.
Já o surrealismo era tudo para entrar nessas novas teorias freudianas brilhantes que resultaram em algumas explorações bem interessantes do subconsciente.
alguns fá-lo-iam através da sua técnica, à semelhança dos expressionistas, alguns fá-lo-iam gravando os seus primeiros pensamentos depois de acordar de um sonho, outros apenas iriam para desenhar a primeira coisa que lhes passava pela cabeça, numa tentativa de agir o mais inconscientemente possível enquanto estavam acordados.
Basicamente, a idéia era levar a auto-expressão para o próximo nível de obter todas as coisas potencialmente embaraçosas e verdadeiramente profundas por aí.
Estas explorações continuaram e continuaram até que alguns alcançaram abstração absoluta. Alguns artistas, como o próprio Kandinsky que era músico, inspiraram-se na possibilidade de formas e cores associativas ressoarem em si mesmos.
No meio deste aglomerado de movimentos artísticos, vieram os dadaístas para a verificação da realidade necessária, para manter todos atentos. Eles praticamente questionaram tudo relacionado à arte, da forma mais dura.
Imagine o seguinte: estamos em 1917 e há uma escultura no meio de uma exposição que se chama “Fountain” e é basicamente um urinol deitado. Os visitantes não a tomaram de ânimo leve e ficaram muito zangados. Provavelmente, esse foi exatamente o ponto.
Dadaístas forçaram todos a questionar estética e beleza, quebraram restrições, revoltaram-se contra o elitismo e separaram palavras de seu significado. Por fim, fizeram todos pensar na definição de arte, e como talvez “beleza” e “harmonia” não fossem necessariamente requisitos.
Este mesmo questionamento da ideia de harmonia e beleza clássica estendeu-se a todos os campos da arte, a propósito. Eu tenho focado a maioria dos exemplos e da história na pintura, mas apenas porque é o mais fácil de exemplificar e comparar num artigo.
Mas muitas coisas interessantes aconteceram na música, como como como de repente você poderia quebrar as escalas e combinar notas que antes seriam consideradas uma combinação horrível. A dança não estava mais tão focada na elegância, e se deixava ser crua e desagradável quando se justificava.
Aqui está um bom exemplo de quebra de bolor com a interpretação da dança de Pina Bausch do Rito da Primavera de Igor Stravinsky.
Quebrar os moldes da estética clássica e romântica veio a ser uma ótima maneira de ter acesso a uma gama mais ampla de emoções, idéias e formas de expressão.
Então, com o passar do tempo, houve um crescimento exponencial na produção de arte e, consequentemente, no número de movimentos de arte e correntes de pensamento. Tantos que as pessoas começaram a chamar-lhe Arte Contemporânea, já que o termo se refere à arte que é produzida no período atual.
Foram dezenas, se não centenas, de movimentos artísticos acontecendo, mas um que surgiu naquela época e que vale a pena mencionar foi “Arte Conceitual”: a idéia ou conceito é o aspecto mais importante da obra.
Depois de muitos séculos focados na execução, aqui ela se tornou descuidada e supérflua, e o foco foi no planejamento e na tomada de decisões feitas de antemão.
Um bom exemplo de Arte Conceitual é a arte de instalação “Programmed Machines” de Maurizio Bolognini de 1988, onde computadores pessoais foram programados para gerar fluxos de imagens aleatórias em contínua expansão e deixados para rodar ad infinitum (a maioria deles ainda está funcionando agora).
Conclusão
Quando confrontado com tal tipo de obras de arte, seria o momento em que tipicamente todos rolam os olhos e odeiam a Arte Contemporânea.
Eesperadamente, eu consegui passar informação suficiente para pelo menos fazer você pensar duas vezes ao invés de imediatamente dispensar tais obras. E, sinceramente, espero ter conseguido abrir suas mentes e ajudá-lo a entender que a arte não precisa ser bonita ou agradável de se experimentar.
A arte não precisa ser uma experiência profundamente emocional ou intelectual que imediatamente o varra dos seus pés. A experiência que você tem com a arte depende mais de como você escolhe interagir com ela, do que de suas próprias características.
Você traz consigo todo o seu conhecimento e bagagem de vida e, no final, desfrutar da arte será a sua própria experiência subjetiva, e você escolhe quão profundo você quer ir.
“A arte começa quando um homem, com o propósito de comunicar a outras pessoas um sentimento que ele uma vez experimentou, chama novamente dentro de si mesmo e o expressa por certos sinais externos”. – 1897 / What is art by Tolstoy, p.38
“Todos nós sabemos que a arte não é verdade. A arte é uma mentira que nos faz perceber a verdade”
-1972 / Pablo Picasso citado no Picasso de Dore Ashton sobre Arte
“Só as ideias podem ser obras de arte… Todas as ideias não precisam ser feitas fisicamente… Uma obra de arte pode ser entendida como um condutor da mente do artista para a do espectador. Mas pode nunca chegar ao espectador, ou pode nunca deixar a mente do artista”. – 1994 / Sol LeWitt citado em Art and Its Significance por Stephen David Ross
“Se o Sr. Mutt com suas próprias mãos fez ou não a fonte não tem importância. Ele a escolheu. Ele pegou um artigo comum da vida, colocou-o de modo que seu significado útil desaparecesse sob um novo título e ponto de vista (e) criou um novo pensamento para o objeto”. – 1917 / The Blind Man, 2ª edição, de Marcel Duchamp, Beatrice Wood e Henri-Pierre Roché
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