Das vorherige Kapitel zu lesen, wird diesen Text viel verständlicher machen, aber wenn Sie es wirklich überspringen müssen, finden Sie hier etwas Kontext: Ich bin zu dem Schluss gekommen, dass der beste Weg, um zu erklären, was Kunst ist, darin besteht, ein wenig Geschichte, Philosophie und Technik zu verstehen.
Nicht, weil Sie dadurch eine klare Antwort erhalten, sondern weil Sie dadurch zu einem legitimen kritischen Denken angeregt werden. Und dann, wer weiß, haben Sie vielleicht sogar eine fundierte Meinung.
Was ist also Kunst?
Nach vielen Jahrhunderten, in denen künstlerische Epochen durch politische, soziale und wirtschaftliche Zusammenhänge und nicht so sehr durch den individuellen Geschmack bestimmt wurden, gab es eine allmähliche Verschiebung in der Art und Weise, wie Informationen erworben und weitergegeben wurden.
Die wissenschaftliche Methode festigte den Wissenserwerb, und die industrielle Revolution veränderte die Landschaft, wie die Menschen leben und arbeiten. Die daraus resultierende Entstehung einer Mittelschicht machte den Weg frei für die Bildung von viel mehr Menschen – und beendete einen Teil des Elitedenkens, das die Bildung bis dahin bestimmt hatte.
Man lebt länger, man lebt besser, man weiß mehr und Kreativität wird geboren. So erging es viel mehr Menschen als in früheren Jahrhunderten, die entweder von Mangel, Krieg und/oder religiösem Extremismus geprägt waren.
So wurde die Kunst demokratischer und damit zugänglicher für individuellen, persönlichen und emotionalen Ausdruck.
Zeitgeist
Zeitgeist ist die vorherrschende Menge von Idealen und Überzeugungen, die die Handlungen der Mitglieder einer Gesellschaft in einer bestimmten Zeitspanne motivieren und bedeutet wörtlich übersetzt „Zeitgeist“ oder „Zeitgefühl“.
Georg Hegel hat dieses Wort eigentlich nie benutzt, aber in seinen Werken, wie den Vorlesungen über die Philosophie der Geschichte, sagt er folgendes:
„Kein Mensch kann seine eigene Zeit übertreffen, denn der Geist seiner Zeit ist auch sein eigener Geist.“ – Georg Hegel
Dieser Gedanke ist eng verwandt mit der Art und Weise, wie Hegel die Kunst sah. In diesem Paradigma spiegelt das, was der Künstler schafft, die Kultur der jeweiligen Zeit wider. Der Künstler ist ein unvermeidliches Produkt dieser Zeit und bringt daher diese Kultur in seine Kunst ein.
Die Zeitgeist-Theorie steht in krassem Gegensatz zu einer Theorie aus dem 19. Jahrhundert von Thomas Carlyle, der sogenannten „Great Man Theory“, nach der Individuen die Eigenschaften besitzen, die sie zu großen Führern machen.
Diese Eigenschaften, kombiniert mit göttlicher Eingebung, ermöglichen es ihnen, Machtpositionen zu erlangen und folglich die Geschichte zu gestalten.
„Die Geschichte der Welt ist nichts anderes als die Biographie großer Männer.“ – Thomas Carlyle
Tolstoi hielt nichts davon und betrachtete in seinem Buch „Krieg und Frieden“ die Bedeutung großer Persönlichkeiten als imaginär: Sie seien nur Sklaven der Geschichte. Herbert Spencer ging sogar so weit zu sagen, dass er die Ideen von Carlyle für hoffnungslos primitiv, kindisch und unwissenschaftlich hielt.
Und in der Tat beruht die Theorie des großen Mannes auf der Annahme inkonsequenter und angeborener Fähigkeiten, wobei das große Puzzle, das unser Universum ausmacht, außer Acht gelassen wird. Sie ignoriert, dass alles eine Folge, eine Konsequenz, eine Konsequenz ist.
Und lassen Sie uns in diesem Beitrag nicht einmal auf das Konzept des „freien Willens“ eingehen – wir müssen uns vor diesem Kaninchenbau in Acht nehmen.
Das bedeutet im Grunde, dass Kunst logischerweise nicht diese esoterische Sache sein kann, die aus der Erstaunlichkeit bestimmter Individuen hervorgeht, oder aus reiner Glückseligkeit, erstaunlichem „Talent“ oder angeborenem Können einiger wirklich glücklicher Menschen geboren wird.
Man könnte sogar sagen, dass „Können“ ein sehr relativer Begriff ist, was die Kunst betrifft. Er impliziert technische Meisterschaft, aber unterschiedliche Niveaus technischen Wissens haben die Kunst seit ihren Anfängen geprägt, und deshalb sind „Können“ oder „Technik“ sehr schwankende Maßstäbe für Qualität.
Kunst vs. Handwerk
Lassen Sie uns ein sehr grundlegendes Konzept wie die lineare Perspektive nehmen oder, einfach ausgedrückt: die Art, wie Objekte kleiner erscheinen, wenn sie weiter entfernt sind.
Seine Untersuchung und geometrische Erforschung innerhalb der visuellen Darstellung begann erst im vierzehnten Jahrhundert während der italienischen Renaissance, und es dauerte noch einige Zeit, bis es perfektioniert und richtig verstanden wurde.
Dieses technische Verständnis wurde von da an in allen künstlerischen Arbeiten sichtbar, während alle grafischen Arbeiten, die vor dieser Zeit produziert wurden, diese fast bizarre Aura des gescheiterten Versuchs, dreidimensional zu sein, bewahrten.
Aber war es gescheitert? Oder war es so, dass Realismus in der Darstellung zu diesem Zeitpunkt einfach kein Kanon war? Was war zuerst da: das Bedürfnis nach einer realistischen grafischen Darstellung oder die Techniken, mit denen man sie herstellen konnte? Spielt es eine Rolle, ob man aus dem Können oder aus dem Wollen heraus schafft? Ist Technik ein Maßstab für Qualität in der Kunst?
Nehmen wir griechische Vasen. Sie sind schwarz mit tief orangefarbenen Figuren und Verzierungen. Viele betrachten sie als schöne Kunstwerke mit einer großartigen Farbkombination, die eine minimalistische und doch mystische und eindringliche Wirkung haben, die durch die Geschichten, die ihre Bilder erzählen, erreicht wird.
Und dann ist da noch chinesisches Porzellan. Es ist ** farbenfroh, zart, seine Zeichnungen sind reich an Details und seine Figuren versetzen uns in eine Kultur, die mit interessanter Mythologie gefüllt ist.**
Bedauerlicherweise habe ich sie nicht so gründlich studiert wie die hellenistische Zivilisation, daher kann ich Ihnen nicht viel über das Wann und Warum dieser Vasen sagen.
Aber so viel kann ich dir sagen: Die griechischen Vasen sind schwarz und tiefrot, und zwar nicht dank der Tinte, sondern dank eines Materials, das, wenn es auf die Oberfläche aufgetragen wird, den Ton nach dem Kochen schwarz färbt. Es ist keine Farbwahl im Spiel.
Hat die Technik die Ästhetik diktiert oder war es andersherum? War es eine selbst auferlegte Beschränkung, oder hat die technische Beschränkung den Stil hervorgebracht? Ist das chinesische Porzellan überlegen, weil seine charakteristischen Merkmale das Ergebnis einer vielseitigeren und technisch fortgeschritteneren Technik sind? Ist das eine mehr Kunst als das andere?
Schließlich: Hat Pablo Picasso eine Frau so gemalt, weil er nicht wusste, wie man es realistisch macht, oder freiwillig? Ich kann Ihnen sagen, dass er sehr wohl wusste, wie man realistisch malt (siehe Bild unten), aber ist das Vorhandensein oder Nichtvorhandensein einer Wahlmöglichkeit eine Art Bestätigung für den künstlerischen Ausdruck?
Das ist ein gefährlicher Grundsatz, denn er kann jede Arbeit entwerten, die unter irgendwelchen Zwängen entstanden ist, die die freie Wahl einschränken könnten, wie technisches Wissen, Geld, Zeit und mehr. Wenn Sie alles, was Sie bisher über Kunstgeschichte gelernt haben, Revue passieren lassen, werden Sie feststellen, dass es für alles Beschränkungen gibt und dass die Kunst durch Materialien, Techniken, Religion, Gesellschaft und vieles mehr geprägt wurde. Alles wurde durch den Zeitgeist geformt.
Das Fehlen oder Vorhandensein von Auswahlmöglichkeiten als Maßstab für Qualität zu verwenden, bedeutet, viele Werke der modernen und alten Geschichte zu entwerten. Kunstwerke, von denen man keine Ahnung hatte, wie verkorkst ihr Prozess war – von technischen Beschränkungen, materiellen Beschränkungen, Budget, Persönlichkeitsfehlern bis hin zu psychischen Problemen, wenn man so weit gehen will.
So verging das Zeitalter der Aufklärung (dessen Ende Anfang der 1800er Jahre begann), wir traten in das relativistische Denken ein und es gab keinen Wahn mehr nach einer „realistischen“ grafischen Darstellung der Welt. Und dann wird die Kunst komplizierter.
Extrem kurze Geschichte der modernen und zeitgenössischen Kunst
Erinnern Sie sich an die Zeit der Romantik, in der es um Nostalgie, Romantik, Epik und Verbundenheit mit der Natur und der Geschichte ging?
Ein paar Jahre vergingen, und einige Maler beschlossen, sich während einer Bewegung, die Impressionismus genannt wurde, auf die nachvollziehbare Realität des Alltagslebens zu konzentrieren. Banalität konnte durch die Poesie des Lichts und der Bewegung, die durch sichtbare und emotionale Pinselstriche ausgedrückt wurden, schön und nachdenkenswert sein.
Es war keine realistische Darstellung – das war wegen der Fotografie nicht mehr interessant – aber sie war reich und brachte neues Leben in das Gewöhnliche.
Einige andere Künstler nahmen dieselben Prinzipien des Ausdrucks durch Farbe und Textur und erforschten sie noch weiter, wobei sie sich nicht scheuten, das Thema wirklich zu verzerren, um ihre subjektive Erfahrung der Realität wirklich zu vermitteln. Sie nannten es Expressionismus.
Dann beschlossen weitere Künstler und einige von ihnen, ebenfalls die Subjektivität des Lebens und der Existenz zu erforschen, aber durch die Verzerrung des Zeitkontinuums, indem sie Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft auf visuelle Weise verschmolzen. Abgefahrenes Zeug, oder? Das ist der Kubismus.
Erinnern Sie sich noch an die industrielle Revolution? Das technologische Wachstum war exponentiell, und die Faszination der Menschen für diese Technologie war ebenso groß. Diese Gruppe von Leuten griff das kubistische Konzept der Zeitverschiebung auf und betrachtete die Ästhetik der Zukunft als das Einzige, was zählte.
Geschwindigkeit, Technologie, Jugend, Gewalt, Industrialismus, Nationalismus, was auch immer, die Futuristen interessierten sich dafür.
Bereits im Surrealismus ging es darum, sich mit diesen glänzenden, brandneuen Freudschen Theorien auseinanderzusetzen, was zu einigen ziemlich interessanten Erkundungen des Unterbewusstseins führte.
Einige taten dies durch ihre Technik, ähnlich wie die Expressionisten, andere zeichneten ihre ersten Gedanken nach dem Aufwachen aus einem Traum auf, wieder andere zeichneten einfach das Erste, was ihnen in den Sinn kam, um im Wachzustand so unbewusst wie möglich zu handeln.
Im Grunde ging es darum, die Selbstdarstellung auf die nächste Stufe zu heben, indem man all die potenziell peinlichen und wirklich tiefgründigen Dinge nach außen trägt.
Diese Erkundungen gingen weiter und weiter, bis einige die absolute Abstraktion erreichten. Einige Künstler, wie Kandinsky, der selbst Musiker war, ließen sich von der Möglichkeit inspirieren, Formen und assoziative Farben in sich selbst widerhallen zu lassen.
Inmitten dieser Ansammlung von Kunstbewegungen kamen die Dadaisten für den notwendigen Realitätscheck, um alle auf Trab zu halten. Sie stellten so ziemlich alles in Frage, was mit Kunst zu tun hatte, und zwar auf die knallharte Art.
Stellen Sie sich Folgendes vor: Es ist 1917 und in der Mitte einer Ausstellung steht eine Skulptur, die „Fountain“ heißt und im Grunde ein liegendes Urinal ist. Die Besucher nahmen es nicht auf die leichte Schulter und wurden sehr wütend. Wahrscheinlich war das genau der Sinn der Sache.
Dadaisten zwangen jeden, Ästhetik und Schönheit zu hinterfragen, brachen mit Zwängen, lehnten sich gegen Elitismus auf und trennten Worte von ihrer Bedeutung. Letztlich brachten sie jeden dazu, über die Definition von Kunst nachzudenken und darüber, dass „Schönheit“ und „Harmonie“ vielleicht nicht unbedingt Voraussetzungen sind.
Diese Infragestellung der Idee von Harmonie und klassischer Schönheit erstreckte sich übrigens auf alle Bereiche der Kunst. Ich habe mich bei den meisten Beispielen und der Geschichte auf die Malerei konzentriert, aber nur, weil sie in einem Artikel am einfachsten zu veranschaulichen und zu vergleichen ist.
Aber in der Musik geschahen viele interessante Dinge, wie zum Beispiel, dass man plötzlich die Tonleitern brechen und Noten zusammenbringen konnte, die vorher als schreckliche Kombination galten. Der Tanz war nicht mehr so sehr auf Eleganz bedacht und erlaubte sich, roh und unangenehm zu sein, wenn es gerechtfertigt war.
Ein gutes Beispiel für das Aufbrechen von Formen ist Pina Bauschs Tanzinterpretation von Igor Strawinskys Ritus des Frühlings.
Die Überwindung der klassischen und romantischen Ästhetik wurde zu einer großartigen Möglichkeit, Zugang zu einer breiteren Palette von Emotionen, Ideen und Ausdrucksmöglichkeiten zu erhalten.
Im Laufe der Zeit wuchs die Kunstproduktion exponentiell und damit auch die Zahl der Kunstbewegungen und Denkrichtungen. So viele, dass man anfing, sie als zeitgenössische Kunst zu bezeichnen, da sich der Begriff auf die Kunst bezieht, die in der gegenwärtigen Zeit produziert wird.
Es gab Dutzende, wenn nicht Hunderte von künstlerischen Bewegungen, aber eine, die in dieser Zeit aufkam und erwähnenswert ist, war die „Konzeptkunst“: Die Idee oder das Konzept ist der wichtigste Aspekt des Werks.
Nachdem viele Jahrhunderte lang die Ausführung im Mittelpunkt stand, wurde sie hier nachlässig und überflüssig, und der Schwerpunkt lag auf der Planung und der Entscheidungsfindung im Vorfeld.
Ein gutes Beispiel für Konzeptkunst ist die Installationskunst „Programmed Machines“ von Maurizio Bolognini aus dem Jahr 1988, bei der Personalcomputer so programmiert wurden, dass sie Ströme von sich kontinuierlich ausbreitenden Zufallsbildern erzeugten und bis ins Unendliche laufen ließen (die meisten von ihnen funktionieren heute noch).
Fazit
Wenn man mit dieser Art von Kunstwerken konfrontiert wird, ist das der Moment, in dem normalerweise jeder die Augen rollt und die zeitgenössische Kunst hasst.
Hoffentlich ist es mir gelungen, genügend Informationen zu vermitteln, um Sie zumindest zum Nachdenken anzuregen, anstatt solche Werke sofort abzutun. Und ehrlich gesagt, hoffe ich, dass es mir gelungen ist, Ihren Geist zu öffnen und Ihnen zu helfen, zu verstehen, dass Kunst nicht schön oder angenehm sein muss, um erlebt zu werden.
Kunst muss keine tief emotionale oder intellektuelle Erfahrung sein, die Sie sofort mitreißt. Wenn überhaupt, hängt die Erfahrung, die Sie mit Kunst machen, mehr davon ab, wie Sie sich entscheiden, mit ihr zu interagieren, als von ihren eigenen Eigenschaften.
Sie bringen all Ihr Wissen und Ihr Lebensgepäck mit, und am Ende wird der Genuss von Kunst Ihre eigene subjektive Erfahrung sein, und Sie wählen, wie tief Sie gehen wollen.
„Kunst beginnt, wenn ein Mensch, mit dem Zweck, anderen Menschen ein Gefühl mitzuteilen, das er einmal erlebt hat, es in sich selbst wieder aufruft und es durch bestimmte äußere Zeichen ausdrückt.“ – 1897 / Was ist Kunst von Tolstoi, S.38
„Wir alle wissen, dass Kunst nicht Wahrheit ist. Kunst ist eine Lüge, die uns die Wahrheit erkennen lässt.“
-1972 / Pablo Picasso zitiert in Dore Ashton’s Picasso on Art
„Ideen allein können Kunstwerke sein… Alle Ideen müssen nicht physisch gemacht werden… Ein Kunstwerk kann als Leiter vom Geist des Künstlers zum Geist des Betrachters verstanden werden. Aber es kann den Betrachter nie erreichen, oder es kann den Geist des Künstlers nie verlassen.“ – 1994 / Sol LeWitt zitiert in Art and Its Significance von Stephen David Ross
„Ob Mr. Mutt den Brunnen mit seinen eigenen Händen gemacht hat oder nicht, hat keine Bedeutung. Er hat ihn gewählt. Er nahm einen gewöhnlichen Gegenstand des Lebens, stellte ihn so hin, dass seine nützliche Bedeutung unter einem neuen Titel und Gesichtspunkt verschwand (und) schuf einen neuen Gedanken für den Gegenstand.“ – 1917 / Der blinde Mann, 2. Ausgabe, von Marcel Duchamp, Beatrice Wood und Henri-Pierre Roché
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