Citerea capitolului anterior va face acest text mult mai ușor de înțeles, dar dacă chiar trebuie să sari peste el, iată câteva detalii de context: Am decis că cel mai bun mod de a explica ce este arta este să înțelegeți ceva istorie, ceva filozofie și ceva tehnică.
Nu pentru că vă va da un răspuns clar, ci pentru că vă va oferi o gândire critică legitimă. Și apoi, cine știe, s-ar putea chiar să aveți opinii informate.
Atunci, ce este arta?
După multe secole în care perioadele artistice au fost definite de contexte politice, sociale și economice și nu atât de mult de gustul individual, a avut loc o schimbare treptată în modul în care informațiile au fost dobândite și împărtășite.
Metoda științifică a consolidat dobândirea de cunoștințe, iar Revoluția industrială a schimbat peisajul modului în care oamenii trăiau și lucrau. Geneza consecventă a unei clase de mijloc a făcut loc pentru educația unui număr mult mai mare de oameni – punând capăt unei părți din elitismul care a definit educația până acum.
Se trăiește mai mult, se trăiește mai bine, se știe mai mult și se naște creativitatea. Așa s-a întâmplat cu mult mai mulți oameni decât în secolele anterioare, care au fost definite fie de penurie, război și/sau extremism religios.
Acesta a fost modul în care arta a devenit mai democratică și, în consecință, mai disponibilă pentru exprimarea individuală, personală și emoțională.
Zeitgeist
Zeitgeistul este setul dominant de idealuri și credințe care motivează acțiunile membrilor unei societăți într-o anumită perioadă de timp și se traduce literal din germană prin „mintea timpului” sau „spiritul timpului”.
Georg Hegel nu a folosit niciodată acest cuvânt, dar, în lucrările sale, cum ar fi Prelegeri despre filosofia istoriei, el spune următoarele:
„Nici un om nu-și poate depăși propriul său timp, deoarece spiritul timpului său este, de asemenea, propriul său spirit”. – Georg Hegel
Această idee este strâns legată de modul în care Hegel vedea arta. În această paradigmă, tot ceea ce creează artistul va reflecta cultura timpului respectiv. Artistul este un produs inevitabil al acelui timp și, prin urmare, va aduce acea cultură în arta sa.
Teoria Zeitgeistului se poziționează în mod categoric împotriva unei teorii din secolul al XIX-lea a lui Thomas Carlyle numită Teoria Marelui Om, în care indivizii posedă caracteristicile care îi transformă în mari lideri.
Aceste caracteristici, combinate cu inspirația divină, le vor permite să obțină poziții de putere și, în consecință, să modeleze istoria.
„Istoria lumii nu este decât biografia marilor oameni.” – Thomas Carlyle
Tolstoi nu s-a lăsat păcălit și, în cartea sa Război și pace, consideră că semnificația marilor indivizi este imaginară: ei sunt simpli sclavi ai istoriei. Herbert Spencer a mers până într-acolo încât a spus că el considera ideile lui Carlyle ca fiind iremediabil primitive, copilărești și neștiințifice.
Și, la drept vorbind, Teoria Marelui Om se bazează într-adevăr pe presupunerea unor aptitudini inconsecvente și înnăscute, făcând abstracție de marele puzzle care constituie Universul nostru. Ea ignoră modul în care totul este o consecință, a unei consecințe, a unei consecințe, a unei consecințe.
Și să nu intrăm nici măcar în conceptul de „liber arbitru” în această postare – trebuie să fim atenți la această gaură de iepure.
Acest lucru înseamnă, în esență, că, din punct de vedere logic, arta nu poate fi acest lucru ezoteric care se naște din uimirea anumitor indivizi, sau se naște din fericire pură, din „talentul” uimitor sau din îndemânarea înnăscută a unor oameni foarte norocoși.
Se poate spune chiar că „îndemânarea” este un concept foarte relativ în ceea ce privește arta. Implică măiestrie tehnică, dar diferite niveluri de cunoaștere tehnologică au modelat arta încă de la începuturile sale și de aceea „îndemânarea” sau „tehnica” sunt standarde foarte șubrede pentru calitate.
Artă vs Meșteșug
Să luăm un concept foarte elementar cum ar fi perspectiva liniară sau, mai simplu spus: modul în care obiectele par a fi mai mici atunci când sunt mai îndepărtate.
Studiul și explorarea sa geometrică în cadrul reprezentării vizuale a început abia în secolul al XIV-lea, în timpul Renașterii italiene, și încă a durat ceva timp până când a fost perfecționată și înțeleasă în mod corespunzător.
Această înțelegere tehnică a devenit evidentă în toate lucrările artistice de atunci încolo, în timp ce toate lucrările grafice care se produceau înainte de acel moment au păstrat această aură aproape bizară de încercare eșuată de a fi tridimensională.
Dar a eșuat? Sau a fost faptul că, la acel moment, realismul în reprezentare pur și simplu nu era un canon? Ce a fost mai întâi: nevoia de reprezentare grafică realistă, sau tehnicile care au permis producerea ei? Contează dacă cineva creează din capacitate sau din alegere? Este tehnica un standard de calitate în artă?
Să luăm cazul vaselor grecești. Ele sunt negre, cu figuri și ornamente de un portocaliu intens. Este considerată de mulți o piesă de artă frumoasă, cu o combinație de culori grozavă, care are un efect minimalist, dar mistic și imersiv, realizat prin poveștile pe care le spun imaginile lor.
Și mai este și porțelanul chinezesc. Este ** colorată, delicată, desenele sale sunt bogate în detalii, iar figurile lor ne transportă într-o cultură plină de mitologie interesantă.**
Din păcate, nu le-am studiat la fel de profund ca pe cele ale civilizației elenistice, așa că nu pot să vă spun prea multe despre când și de ce ale acestor vase.
Dar pot să vă spun atât: vasele grecești sunt negre și de un roșu intens nu datorită cernelii, ci datorită unui material care, atunci când este aplicat pe suprafața lor, transformă lutul în negru după ce este gătit. Nu este vorba de nici o alegere de culoare.
A dictat tehnica estetica sau a fost invers? A fost o limitare autoimpusă sau limitarea tehnică a generat stilul? Este porțelanul chinezesc superior deoarece caracteristicile sale definitorii sunt rezultatul unei tehnici mai versatile și mai avansate din punct de vedere tehnic? Este una mai multă artă decât cealaltă?
În cele din urmă: Pablo Picasso a pictat o femeie în acest fel pentru că nu știa cum să o facă într-un mod realist, sau prin alegere? Pot să vă spun că știa foarte bine cum să facă o pictură realistă (vezi imaginea de mai jos), dar este prezența sau absența alegerii un fel de validare a expresiei artistice?
Este un principiu periculos de urmat, deoarece poate invalida orice lucrare realizată sub orice constrângeri care ar putea limita libera alegere, cum ar fi cunoștințele tehnice, banii, timpul și altele. Dacă te uiți înapoi la tot ce ai învățat până acum despre istoria artei, vei descoperi că totul are constrângeri și că arta a fost modelată de materiale, tehnici, religie, societate și multe altele. Toate au fost modelate de Zeitgeist.
Utilizarea absenței sau prezenței alegerii ca standard de calitate înseamnă invalidarea multor piese de-a lungul istoriei moderne și antice. Piese de artă despre care habar nu aveai cât de încurcat a fost procesul lor – de la limitări tehnice, limitări materiale, buget, nepotriviri de personalitate, până la chiar probleme de sănătate mintală, dacă vrei să mergi acolo.
Atunci a trecut această Epocă a Luminilor (al cărei sfârșit a început la începutul anilor 1800), am intrat în gândirea relativistă și nu a mai existat nebunia pentru o reprezentare grafică „realistă” a lumii. Și atunci arta devine mai complicată.
Extrem de scurtă istorie a artei moderne și contemporane
Îți amintești de perioada romantică în care se vorbea despre nostalgie, romantism, epicitate și legătura cu natura și istoria?
Au trecut câțiva ani și unii pictori au decis să se concentreze pe realitatea relativă a vieții de zi cu zi în timpul unei mișcări numite impresionism. Banalitatea putea fi frumoasă și demnă de a fi contemplată prin poezia luminii și a mișcării, care erau exprimate prin tușe vizibile și emoționale.
Nu era o reprezentare realistă – care nu mai era interesantă din cauza fotografiei – dar era bogată și aducea o nouă viață obișnuită.
Alți artiști au preluat aceleași principii de exprimare prin culoare și textură și le-au explorat și mai mult, fără să se teamă să denatureze cu adevărat subiectul pentru a transmite cu adevărat experiența lor subiectivă a realității. Ei l-au numit expresionism.
Apoi, mai mulți artiști, și unii dintre aceiași, au decis să meargă și să exploreze, de asemenea, subiectivitatea vieții și a existenței, dar prin distorsionarea continuumului temporal, îmbinând trecutul cu prezentul și viitorul într-un mod vizual. Chestii ciudate, nu-i așa? Asta e cubismul pentru tine.
De asemenea, vă amintiți Revoluția Industrială? Creșterea tehnologică a fost exponențială, la fel și fascinația oamenilor pentru ea. Acest grup de băieți a preluat conceptul cubismului de îndoire a timpului și a apreciat estetica viitorului ca fiind singurul lucru care conta.
Viteza, tehnologia, tinerețea, violența, industrialismul, naționalismul, numiți-le cum vreți, futuriștii erau implicați în ele.
Deja suprarealismul era vorba de a intra în acele teorii freudiene noi și strălucitoare, care au dus la niște explorări destul de interesante ale subconștientului.
Câțiva o făceau prin tehnica lor, în mod similar cu expresioniștii, unii o făceau înregistrându-și primele gânduri după ce se trezeau dintr-un vis, alții pur și simplu mergeau să deseneze primul lucru care le trecea prin minte, într-o încercare de a acționa cât mai inconștient posibil în timp ce erau treji.
În principiu, ideea era de a duce expresia de sine la nivelul următor de a scoate la iveală toate lucrurile potențial jenante și cu adevărat profunde.
Aceste explorări au continuat la nesfârșit până când unii au ajuns la abstractizare absolută. Unii artiști, cum ar fi Kandinsky, care era el însuși muzician, au fost inspirați de posibilitatea ca formele și culorile asociative să răsune în propria persoană.
În mijlocul acestui grup de mișcări artistice, au apărut dadaiștii pentru o necesară verificare a realității, pentru a-i ține pe toți în alertă. Ei au pus cam tot ce era legat de artă sub semnul întrebării, la modul cel mai dur.
Imaginați-vă următoarele: este anul 1917 și în mijlocul unei expoziții se află o sculptură care se numește „Fântâna” și care este practic un pisoar așezat. Vizitatorii nu au luat-o ușor și s-au supărat foarte tare. Probabil, tocmai acesta era scopul.
Dadaiștii i-au forțat pe toți să pună la îndoială estetica și frumusețea, au rupt constrângerile, s-au revoltat împotriva elitismului și au separat cuvintele de sensul lor. În cele din urmă, i-au făcut pe toți să se gândească la definiția artei și cum poate că „frumusețea” și „armonia” nu erau neapărat niște cerințe.
Aceeași chestionare a ideii de armonie și frumusețe clasică s-a extins la toate domeniile artei, de altfel. Am concentrat majoritatea exemplelor și a istoriei în pictură, dar numai pentru că este cel mai ușor de exemplificat și de comparat într-un articol.
Dar multe lucruri interesante s-au întâmplat în muzică, cum ar fi modul în care, dintr-o dată, puteai să rupi scările și să potrivești note care înainte ar fi fost considerate o combinație îngrozitoare. Dansul nu a mai fost atât de concentrat pe eleganță și și-a permis să fie crud și neplăcut atunci când era justificat.
Iată un bun exemplu de rupere a mucegaiului cu interpretarea de dans a Pinei Bausch a Ritualului primăverii de Igor Stravinski.
Ruperea tiparelor esteticii clasice și romantice a ajuns să fie o modalitate excelentă de a avea acces la o gamă mai largă de emoții, idei și modalități de exprimare.
Așa că, odată cu trecerea timpului, a existat o creștere exponențială a producției de artă și, în consecință, a numărului de mișcări artistice și curente de gândire. Atât de multe încât oamenii au început pur și simplu să o numească Artă Contemporană, deoarece termenul se referă la arta care este produsă în perioada actuală.
Existau zeci, dacă nu sute de mișcări artistice care se întâmplau, dar una care a apărut în acea perioadă și care merită menționată a fost „Arta Conceptuală”: ideea sau conceptul este cel mai important aspect al lucrării.
După multe secole axate pe execuție, aici aceasta a devenit neglijentă și superfluă, iar accentul a fost pus pe planificarea și luarea deciziilor făcute în prealabil.
Un bun exemplu de artă conceptuală este instalația artistică „Mașini programate” a lui Maurizio Bolognini din 1988, în care computerele personale au fost programate să genereze fluxuri de imagini aleatorii în continuă expansiune și lăsate să ruleze la infinit (majoritatea dintre acestea funcționează și acum).
Concluzie
Când ești confruntat cu astfel de piese de artă, ar fi momentul în care, de obicei, toată lumea își dă ochii peste cap și urăște arta contemporană.
Sperăm că am reușit să transmit suficiente informații pentru a te face măcar să te gândești de două ori în loc să respingi imediat astfel de lucrări. Și, sincer, sper că am reușit să vă deschid mințile și să vă ajut să înțelegeți că arta nu trebuie să fie frumoasă sau plăcută pentru a fi experimentată.
Arta nu trebuie să fie o experiență profund emoțională sau intelectuală care să vă dea imediat pe spate. În orice caz, experiența pe care o ai cu arta depinde mai mult de modul în care alegi să interacționezi cu ea, decât de propriile ei caracteristici.
Îți aduci cu tine toate cunoștințele și bagajul de viață și, în cele din urmă, a te bucura de artă va fi propria ta experiență subiectivă, iar tu alegi cât de adânc vrei să mergi.
„Arta începe atunci când un om, cu scopul de a comunica altor oameni un sentiment pe care l-a trăit odată, îl cheamă din nou în sine și îl exprimă prin anumite semne exterioare.” – 1897 / Ce este arta de Tolstoi, p.38
„Știm cu toții că arta nu este adevărul. Arta este o minciună care ne face să ne dăm seama de adevăr.”
-1972 / Pablo Picasso citat în Picasso on Art de Dore Ashton
„Numai ideile pot fi opere de artă… Nu este nevoie ca toate ideile să fie materializate… O operă de artă poate fi înțeleasă ca un conductor din mintea artistului către cea a privitorului. Dar s-ar putea să nu ajungă niciodată la privitor sau să nu părăsească niciodată mintea artistului.” – 1994 / Sol LeWitt citat în Art and Its Significance de Stephen David Ross
„Faptul că domnul Mutt a făcut sau nu fântâna cu propriile mâini nu are nicio importanță. El a ales-o. El a luat un obiect obișnuit al vieții, l-a așezat astfel încât semnificația sa utilă să dispară sub un nou titlu și punct de vedere (și) a creat o nouă gândire pentru acest obiect.” – 1917 / The Blind Man, ediția a 2-a, de Marcel Duchamp, Beatrice Wood și Henri-Pierre Roché
Ai găsit acest articol util? S-ar putea să vă placă și acestea!
- Minimalism sau Brutalism: pe care să îl alegem?
- Trebuie să ne calmăm tehnologia
- Prezentarea Service Design și de ce ar trebui să vă intereseze
…