Az előző fejezet elolvasása sokkal érthetőbbé teszi ezt a szöveget, de ha tényleg át kell ugranod, itt van néhány összefüggés: Úgy döntöttem, hogy a legjobb módja annak, hogy megmagyarázzuk, mi a művészet, ha megértünk némi történelmet, némi filozófiát és némi technikát.
Nem azért, mert így egyértelmű választ kapunk, hanem azért, mert ez némi legitim kritikai gondolkodásra ad lehetőséget. És akkor, ki tudja, talán még megalapozott véleményed is lesz.
Szóval, mi a művészet?
Miután sok évszázadon át a művészeti korszakokat a politikai, társadalmi és gazdasági kontextus határozta meg, és nem annyira az egyéni ízlés, fokozatosan változott az információszerzés és -megosztás módja.
A tudományos módszer megszilárdította a tudás megszerzését, az ipari forradalom pedig megváltoztatta az emberek élet- és munkamódszerét. A középosztály ebből következő kialakulása utat engedett sokkal több ember oktatásának – véget vetve az oktatást addig meghatározó elitizmus egy részének.
Az ember tovább él, jobban él, többet tud, és megszületik a kreativitás. Ez sokkal több emberrel történt meg, mint a korábbi évszázadokban, amelyeket vagy a szűkösség, a háború és/vagy a vallási szélsőségek határoztak meg.
Így a művészet demokratikusabbá vált, és ennek következtében jobban elérhetővé vált az egyéni, személyes és érzelmi kifejezés számára.
Zeitgeist
A zeitgeist azon uralkodó eszmék és hiedelmek összessége, amelyek egy társadalom tagjainak cselekedeteit motiválják egy adott időszakban, és szó szerint németből “időszellem” vagy “időszellem” néven fordítható.
Georg Hegel valójában soha nem használta ezt a szót, de műveiben, például az Előadások a történelem filozófiájáról címűben a következőket mondja:
“Senki sem haladhatja meg a saját korát, mert korának szelleme egyben a saját szelleme is”. – Georg Hegel
Ez a gondolat szorosan kapcsolódik ahhoz, ahogyan Hegel a művészetet látta. Ebben a paradigmában bármit is alkot a művész, az az adott kor kultúráját tükrözi. A művész elkerülhetetlenül annak a kornak a terméke, és ezért ezt a kultúrát hozza művészetébe.”
A Zeitgeist-elmélet élesen szemben áll Thomas Carlyle 19. századi elméletével, a Nagy Ember-elmélettel, amely szerint az egyének rendelkeznek azokkal a tulajdonságokkal, amelyek nagy vezetővé teszik őket.
Ezek a tulajdonságok isteni sugallattal párosulva lehetővé teszik számukra, hogy hatalmi pozícióba kerüljenek, és ennek következtében alakítsák a történelmet.
“A világ története nem más, mint a nagy emberek életrajza”. – Thomas Carlyle
Tolsztojnak ez nem tetszett, és a Háború és béke című könyvében a nagy egyéniségek jelentőségét képzeletbelinek tartja: ők csupán a történelem rabszolgái. Herbert Spencer odáig ment, hogy Carlyle elképzeléseit reménytelenül primitívnek, gyerekesnek és tudománytalannak tartotta.
És az igazat megvallva, a nagy emberek elmélete valóban következetlen és veleszületett képességek feltételezésén nyugszik, figyelmen kívül hagyva a nagy kirakós játékot, amely a világegyetemünket alkotja. Figyelmen kívül hagyja, hogy minden egy következmény, egy következménynek a következménye, egy következménynek a következménye.
És még a “szabad akarat” fogalmába se menjünk bele ebben a bejegyzésben – ezzel a nyúlüreggel vigyáznunk kell.
Ez alapvetően azt jelenti, hogy logikusan szólva a művészet nem lehet ez az ezoterikus dolog, ami bizonyos egyének bámulatosságából születik, vagy tiszta boldogságból, elképesztő “tehetségből” vagy néhány igazán szerencsés ember veleszületett ügyességéből.
Még azt is mondhatnánk, hogy a “képesség” egy nagyon relatív fogalom, ami a művészetet illeti. Technikai mesteri tudást feltételez, de a technikai tudás különböző szintjei a kezdetektől fogva alakították a művészetet, és ezért a “készség” vagy a “technika” nagyon ingatag minőségi mércék.
Művészet vs. kézművesség
Vegyünk egy olyan nagyon alapvető fogalmat, mint a lineáris perspektíva, vagy egyszerűen fogalmazva: az, ahogyan a tárgyak kisebbnek tűnnek, ha távolabb vannak.
Tanulmányozása és geometriai feltárása a vizuális ábrázoláson belül csak a XIV. században, az olasz reneszánsz idején kezdődött, és még mindig eltartott egy ideig, amíg tökéletesítették és megfelelően megértették.
Ez a technikai megértés ettől kezdve minden művészeti alkotásban nyilvánvalóvá vált, míg az összes grafikai mű, ami azelőtt készült, megőrizte ezt a szinte bizarr aurát, a háromdimenziósságra tett sikertelen kísérletet.
De sikertelen volt? Vagy arról volt szó, hogy akkoriban a realizmus az ábrázolásban egyszerűen nem volt kánon? Mi volt előbb: a realisztikus grafikai ábrázolás iránti igény, vagy a technikák, amelyek lehetővé tették ennek előállítását? Számít-e, hogy valaki képességből vagy választásból alkot? A technika a művészet minőségének mércéje?
Vegyük például a görög vázákat. Fekete színűek, mély narancssárga figurákkal és díszítésekkel. Sokan gyönyörű művészeti alkotásnak tartják, nagyszerű színkombinációval, amelynek minimalista, mégis misztikus és magával ragadó hatása van, amit a képeik által elmesélt történetekkel érnek el.
És aztán ott van a kínai porcelán. Ez **színes, finom, rajzai részletgazdagok, és figuráik egy olyan kultúrába repítenek minket, amely tele van érdekes mitológiával.**
Sajnos nem tanulmányoztam őket olyan mélyen, mint a hellenisztikus civilizációt, így nem sokat tudok mondani ezeknek a vázáknak a mikorjáról és miértjéről.
De annyit elárulhatok: a görög vázák nem a tintának köszönhetik a fekete és mélyvörös színt, hanem egy olyan anyagnak, ami a felületükre felhordva az agyagot főzés után feketévé változtatja. Nincs szó színválasztásról.
A technika diktálta az esztétikát, vagy fordítva volt? Önkényszeres korlátozás volt, vagy a technikai korlátozás generálta a stílust? A kínai porcelán azért jobb, mert a meghatározó jellegzetességei egy sokoldalúbb és technikailag fejlettebb technika eredménye? Az egyik több művészet, mint a másik?
Végezetül: Pablo Picasso azért festett így egy nőt, mert nem tudta, hogyan kell realisztikusan csinálni, vagy önszántából? Azt mondhatom, hogy nagyon is tudta, hogyan kell realista festészetet csinálni (lásd az alábbi képet), de vajon a választás megléte vagy hiánya valamiféle megerősítése a művészi kifejezésnek?
Ez egy veszélyes elv, mert érvényteleníthet bármilyen munkát, amelyet bármilyen korlátok között végeztek, amelyek korlátozhatják a szabad választást, mint például technikai tudás, pénz, idő, és így tovább. Ha visszatekintesz mindarra, amit eddig a művészettörténetről tanultál, azt fogod látni, hogy mindennek vannak korlátai, és hogy a művészetet az anyagok, a technikák, a vallás, a társadalom és még sok minden más alakította. Mindet a Zeitgeist alakította.
A választás hiányát vagy jelenlétét a minőség mércéjeként használni azt jelenti, hogy számos művet érvénytelenítünk a modern és az ókori történelem során. Művészeti alkotások, amelyekről fogalmad sem volt, hogy mennyire elrontották a folyamatukat – a technikai korlátoktól, az anyagi korlátoktól, a költségvetéstől, a személyiségbeli eltévelyedésektől, sőt még a mentális egészségügyi problémákig, ha egészen odáig akarsz elmenni.
Így telt el ez a felvilágosodás kora (amelynek vége az 1800-as évek elején kezdődött), beléptünk a relativista gondolkodásba, és nem volt több őrület a világ “reális” grafikai ábrázolása iránt. És ez az, amikor a művészet bonyolultabbá válik.
A modern és kortárs művészet rendkívül rövid története
Memlékezzünk a romantikus korszakra, ahol minden a nosztalgiáról, a romantikáról, az epikusságról, a természethez és a történelemhez való kapcsolódásról szólt?
Eltelt néhány év, és néhány festő úgy döntött, hogy az impresszionizmusnak nevezett mozgalom során a mindennapi élet relatív valóságára összpontosít. A banalitás is lehetett szép és megfontolásra érdemes a fény és a mozgás poétikáján keresztül, amelyet látható és érzelmes ecsetvonásokkal fejeztek ki.
Ez nem volt realista ábrázolás – az már nem volt érdekes a fényképezés miatt -, de gazdag volt és új életet hozott a hétköznapokba.
Néhány más művész ugyanezeket a szín és textúra általi kifejezési elveket vette alapul és még tovább vizsgálta, nem félve attól, hogy valóban eltorzítsa a témát, hogy valóban közvetítse a valóság szubjektív élményét. Ők ezt expresszionizmusnak nevezték.
Aztán több művész, és néhányan közülük úgy döntöttek, hogy elmennek, és szintén az élet és a létezés szubjektivitását kutatják, de az időkontinuum eltorzításával, a múltat a jelennel és a jövővel vizuálisan összevonva. Elképesztő dolog, nem igaz? Ez a kubizmus neked.
Emlékszel még az ipari forradalomra? A technológiai fejlődés exponenciális volt, és az emberek rajongása is. Ez a srácok csoportja átvette a kubizmus koncepcióját az idő elhajlásáról, és a jövő esztétikáját értékelte, mint az egyetlen dolgot, ami számított.
Gyorsaság, technológia, fiatalság, erőszak, iparosság, nacionalizmus, amit csak akarsz, a futuristák benne voltak.
A szürrealizmus már arról szólt, hogy belemerüljön azokba a csillogó, vadonatúj freudi elméletekbe, ami a tudatalatti néhány igen érdekes felfedezését eredményezte.
Mások az expresszionistákhoz hasonlóan a technikájukkal tették ezt, mások az álomból való felébredés utáni első gondolataik rögzítésével, megint mások csak az első dolgok lerajzolására törekedtek, ami eszükbe jutott, hogy ébrenlétük alatt a lehető legöntudatlanabbul cselekedjenek.
Lényegében az volt az elképzelés, hogy az önkifejezést a következő szintre emeljék, hogy minden potenciálisan kínos és igazán mély dolgot kihozzanak belőle.
Ezek a felfedezések addig folytatódtak, amíg egyesek eljutottak az abszolút absztrakcióig. Néhány művészt, mint például Kandinszkijt, aki maga is zenész volt, az önmagunkban felhangzó formák és asszociatív színek lehetősége ihlette meg.
A művészeti mozgalmak e csoportosulásának közepén jöttek a dadaisták a szükséges valóságellenőrzéshez, hogy mindenkit talpon tartsanak. Ők nagyjából mindent megkérdőjeleztek, ami a művészettel kapcsolatos, a hardcore módon.
Képzeljük el a következőt: 1917-et írunk, és egy kiállítás közepén áll egy szobor, aminek a neve “Szökőkút”, és lényegében egy fekvő piszoár. A látogatók nem vették félvállról és nagyon felhúzták magukat. Valószínűleg éppen ez volt a lényeg.
A dadaisták mindenkit arra kényszerítettek, hogy megkérdőjelezze az esztétikát és a szépséget, megszüntették a korlátokat, fellázadtak az elitizmus ellen, és elválasztották a szavakat a jelentésüktől. Végső soron mindenkit elgondolkodtattak a művészet definícióján, és azon, hogy talán a “szépség” és a “harmónia” nem feltétlenül szükségesek.
A harmónia és a klasszikus szépség eszméjének ugyanez a megkérdőjelezése egyébként a művészet minden területére kiterjedt. A legtöbb példát és történetet a festészetre koncentráltam, de csak azért, mert ezt a legkönnyebb példázni és összehasonlítani egy cikkben.
De sok érdekes dolog történt a zenében is, például az, hogy hirtelen meg lehetett törni a skálákat, és olyan hangokat is össze lehetett párosítani, amelyek korábban szörnyű kombinációnak számítottak. A tánc már nem koncentrált annyira az eleganciára, és megengedte magának, hogy nyers és kellemetlen legyen, amikor az indokolt volt.
Itt egy jó példa a formabontásra: Pina Bausch táncinterpretációja Igor Stravinsky Tavaszi rítusára.
A klasszikus és romantikus esztétika formabontása nagyszerű lehetőséggé vált arra, hogy az érzelmek, eszmék és kifejezésmódok szélesebb skálájához férhessünk hozzá.
Az idő múlásával tehát exponenciálisan nőtt a művészeti termelés, és ennek következtében a művészeti irányzatok és gondolati áramlatok száma is. Annyira sok, hogy az emberek egyszerűen elkezdték kortárs művészetnek nevezni, mivel a kifejezés arra a művészetre utal, amely a jelen korszakban készül.
Tucatnyi, ha nem több száz művészeti irányzat zajlott, de az egyik, amely ebben az időben jött létre, és érdemes megemlíteni, a “konceptuális művészet” volt: az ötlet vagy koncepció a legfontosabb szempont a műben.
Miután sok évszázadon át a kivitelezésre koncentráltak, itt ez gondtalanná és feleslegessé vált, és a hangsúly az előzetesen végzett tervezésen és döntéshozatalon volt.
A konceptuális művészet egyik jó példája az 1988-as Maurizio Bolognini “Programozott gépek” című installációs művészete, ahol személyi számítógépeket úgy programoztak, hogy folyamatosan bővülő véletlenszerű képek áramlatait generálják, és a végtelenségig futni hagyták őket (ezek többsége még ma is működik).
Következtetés
Amikor szembesülünk az ilyen jellegű műalkotásokkal, ez lenne az a pillanat, amikor jellemzően mindenki a szemét forgatja és utálja a kortárs művészetet.
Remélhetőleg sikerült elég információt átadnom ahhoz, hogy legalább kétszer is elgondolkodj az ilyen művek azonnali elutasítása helyett. És őszintén remélem, hogy sikerült megnyitnom az elméteket és segítenem megérteni, hogy a művészetnek nem kell szépnek vagy kellemesnek lennie ahhoz, hogy megtapasztaljátok.
A művészetnek nem kell mély érzelmi vagy intellektuális élménynek lennie, ami azonnal levesz a lábatokról. Ha valami, akkor a művészettel kapcsolatos élményed sokkal inkább attól függ, hogyan döntesz úgy, hogy kapcsolatba lépsz vele, mint a saját jellemzőitől.
Hozod magaddal az összes tudásodat és életed csomagját, és végül a művészet élvezete a saját szubjektív élményed lesz, és te választod meg, milyen mélyre akarsz elmélyülni.
“A művészet akkor kezdődik, amikor az ember azzal a céllal, hogy másokkal közöljön egy egyszer átélt érzést, újra előhívja azt magában, és bizonyos külső jelekkel fejezi ki.”” – 1897 / Mi a művészet, Tolsztoj, 38. o.
“Mindannyian tudjuk, hogy a művészet nem igazság. A művészet hazugság, amely ráébreszt bennünket az igazságra.”
-1972 / Pablo Picasso idézi Dore Ashton: Picasso a művészetről
“Egyedül az eszmék lehetnek műalkotások… Nem kell minden eszmének testet öltenie… A műalkotás úgy is felfogható, mint egy karmester a művész elméjétől a néző elméjéig. De lehet, hogy soha nem jut el a nézőhöz, vagy soha nem hagyja el a művész elméjét.” – 1994 / Sol LeWitt idézi: Art and Its Significance by Stephen David Ross
“Annak, hogy Mutt úr saját kezűleg készítette-e a szökőkutat vagy sem, nincs jelentősége. Ő választotta. Fogott egy hétköznapi használati tárgyat, úgy helyezte el, hogy hasznos jelentősége eltűnt egy új cím és nézőpont alatt (és) új gondolatot teremtett a tárgy számára.” – 1917 / A vak ember, 2. kiadás, írta Marcel Duchamp, Beatrice Wood és Henri-Pierre Roché
A cikket hasznosnak találta? Ezek is tetszhetnek!
- Minimalizmus vagy brutalizmus: melyiket válasszuk?
- Meg kell nyugtatnunk a technológiát
- A Service Design bemutatása és miért kellene foglalkoznod vele