Een college of colleges wijden aan de geschiedenis van de fotografie biedt studenten de gelegenheid na te denken over de esthetische, culturele en sociale dimensies van kunst via een medium waarmee ze hun hele leven al te maken hebben gehad. Het hoorcollege over fotografie is daarom een goede plaats om grotere thema’s te bespreken, zoals de relatie tussen een origineel en een kopie, tussen een beeld en zijn materiële drager, en tussen representatie en werkelijkheid.
Toepassingsgebied: Sinds het midden van de negentiende eeuw werd fotografie beschouwd als een objectieve weergave van de werkelijkheid, ondanks haar beperkingen met betrekking tot het vastleggen van kleur of beweging en haar vermogen tot manipulatie. Deze les daagt leerlingen uit om na te denken over die tegenstrijdige maar onafscheidelijke aspecten van fotografie om de rol van fotografie in de wetenschap en kunst van de negentiende eeuw te overwegen. Deze les richt zich op hoe fotografen de mogelijkheden van het nieuwe medium verkenden in een verscheidenheid van genres, waaronder portretfotografie, wetenschappelijke documentatie en reisfotografie, en uiteindelijk als massamedium en overtuigingsmiddel.
In een uur en een kwartier kunnen deze thema’s worden verkend aan de hand van vele foto’s, waaronder:
Images:
- Joseph Nicéphore Niépce, View from the Window at Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, ca. 1839
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth and Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Home of a Rebel Sharpshooter, 1863
- Maxime Du Camp, Statue of Ramses the Great at Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in the Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
- (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Japan, ca. 1870
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Onbekende fotograaf, Swimming Party, ca. 1890
De ontdekking van de fotografie werd in januari 1839 publiekelijk bekendgemaakt in de Academie van Wetenschappen in Parijs. De kunstenaar en uitvinder van het diorama Louis-Jacques-Mandé Daguerre werd gecrediteerd met de uitvinding van wat bekend werd als de daguerreotypie (een uniek fotografisch beeld vastgelegd op een sterk gepolijst oppervlak van een koperplaat). Canonieke overzichten van de fotografie prijzen Daguerre vaak aan als de uitvinder van de fotografie, ook al waren er tal van eerdere experimenten geweest om het beeld van de camera obscura (latijn voor “donkere kamer,” een optisch apparaat in de vorm van een kamer of doos waardoor een beeld van de natuur op een scherm wordt geprojecteerd door middel van licht dat door een pinhole valt) vast te leggen.
Daguerre had bijvoorbeeld samengewerkt met Nicéphore Niépce, die al sinds de jaren 1820 met fotografie had geëxperimenteerd. Niépce’s foto uit 1822 met het uitzicht vanuit zijn raam werd gemaakt door middel van een acht uur durende belichting. Toen Daguerre in 1839 zijn foto van een Parijse boulevard maakte, was de belichtingstijd voldoende verkort om één figuur vast te leggen die was gestopt om zijn schoen te laten poetsen. Waarom was het uitzicht vanuit een raam zo’n populair onderwerp voor vroege foto’s? Het voldeed aan de praktische behoefte aan zonlicht in combinatie met de tradities van de landschapsschilderkunst om anderszins vergankelijke momenten vast te leggen in beelden zoals die van Daguerre.
In Groot-Brittannië experimenteerde de aristocraat en polymaat William Henry Fox Talbot ook met fotografie, en produceerde in de jaren 1830 fotogrammen van botanische specimens op chemisch behandeld papier. Talbot geloofde dat fotografie een waardevol hulpmiddel kon zijn voor wetenschappers, door gegevens visueel vast te leggen voor interpretatie en experimenten. Toen Talbot in januari 1839 hoorde dat Daguerre’s procédé openbaar was gemaakt, haastte hij zich om de details van zijn eigen methode bekend te maken. Hoewel de daguerreotypie onmiddellijk werd geapprecieerd omwille van de scherpte van de details (onder een microscoop is ze zelfs duidelijker dan met het blote oog) en omwille van de publiciteit die de Franse regering aan het procédé gaf, was het Talbots negatief-positief papierprocédé (de calotypie) dat de basis vormde van alle latere fotografie tot in het digitale tijdperk. Waarom denk je dat het negatief-positief procédé zo belangrijk werd?
De ontwikkeling van de fotografie tot massamedium en krachtige vorm van visuele communicatie wordt voorafgegaan door een foto van de Reading Establishment, een fotografische uitgeverij die door Talbot werd opgericht. We zien een aantal mogelijke toepassingen van fotografie: portretten, reproductie van kunstwerken en illustraties voor boeken. Waarom vermeldt Talbot deze activiteiten? Hoe bevordert deze foto Talbots calotypie? Assistenten demonstreren het maken van een foto, evenals het proces van afdrukken door middel van zonlicht.
Het eerste project van de firma was Talbots Pencil of Nature, het eerste commercieel gepubliceerde boek geïllustreerd met foto’s – een mijlpaal in de kunst van het boek. De titel van het boek geeft aan dat foto’s afbeeldingen zijn die door de natuur zelf zijn “getekend”, zonder tussenkomst van een kunstenaar. Toch plaatst De open deur, de zesde plaat in het boek, de fotografie in de traditie van de Nederlandse genreschilderkunst. Wat zie je in deze foto dat je doet denken aan de Nederlandse schilderijen die we in de les hebben besproken? Talbot legt de nadruk op details, licht- en donkercontrasten, het gebruik van de camera obscura, de relatie tussen binnen en buiten, en de symboliek van alledaagse voorwerpen. Hier symboliseert de lamp de camera obscura en de bezem de verlichting. Deze foto gaat over de artistieke traditie van het realisme: het alledaagse leven en wat het oog ziet. Hoewel fotografie een belangrijk instrument werd voor kunstenaars, werd het aanvankelijk niet beschouwd als een kunstvorm. De schilderkunstige stroming van het realisme ontstond rond dezelfde tijd als de fotografie. Wat hebben de twee stromingen gemeen? Hoe verschillen ze?
Het realisme van de fotografie werd vooral gebruikt om gelijkenissen vast te leggen in de vorm van portretten van dierbaren en opmerkelijke figuren. Commerciële daguerreotypie-studio’s waren in opmars in steden over heel Europa, de Verenigde Staten en uiteindelijk over de hele wereld. Tegen 1841 bedroeg de belichtingstijd ongeveer 30 seconden tot een minuut, afhankelijk van het licht, waardoor het veel gemakkelijker werd om beelden op commerciële schaal te produceren – hoewel portretstudio’s nog steeds apparaten gebruikten om de hoofden van de geportretteerden stil te houden. Daguerreotypieportretten werden in massa geproduceerd en waren daardoor betaalbaar voor elke burger uit de middenklasse. Waarom denk je dat portretfoto’s zo populair waren?
Portretstudio’s, zoals de studio van Southworth en Hawes, maakten ook foto’s van beroemdheden en politici, en ensceneerden deze beelden zodat ze op schilderijen leken. Waarom? Wat denk je dat de attributen van dit portret van Rufus Choate suggereren? Hoe lijkt het op of verschilt het van andere portretten die je in de klas hebt gezien? Leerlingen kan worden gevraagd na te denken over hoe de ervaring van de kijker veranderde toen het formaat van portretten verschoof van luxe olieverfschilderijen aan de muur naar kleine hand- en massaproductie daguerreotypieën.
Julia Margaret Cameron paste ook de esthetische principes van de schilderkunst toe op portretfoto’s. Ze begon op 49-jarige leeftijd met fotograferen nadat ze van haar kinderen een camera had gekregen. Ze gebruikte natte collodium op glasnegatieven en albuminedrukken om de intellectuele elite uit haar sociale bovenklasse vast te leggen. Camerons keuze van onderwerpen onder de Britse beroemdheden was zowel handig (ze woonde naast Alfred Lord Tennyson) als strategisch: portretten van beroemdheden waren een commerciële zegen voor fotografen. Camerons portretten, waaronder die van de gevierde wetenschapper en vroege fotograaf John Herschel, tartten de conventies door een dramatische belichting te gebruiken en af te zien van een scherpe focus ten gunste van gewetensvolle artistieke effecten die de kijkers die vertrouwd waren met Rembrandts clair-obscur en de tradities van de Romantiek aansprak. De fotografische pers bekritiseerde Camerons minachting voor de “regels” van de fotografie, die inhielden dat men zich strikt moest houden aan scherpte van details en naadloze afdrukken. Waarin verschilt een portret als dat van Cameron van de anonieme vrouw die een daguerreotypie vasthoudt of zelfs dat van Rufus Choate?
De schilder Oscar Rejlander, bij wie Cameron kort had gestudeerd, maakte ook foto’s met artistieke ambities. Zijn Two Ways of Life baseerde zich op de compositie van Rafaëls School van Athene en was samengesteld uit 30 afzonderlijke negatieven in een combinatieprent. Het toont twee jonge mannen die kiezen tussen deugd en ondeugd. Rejlander’s foto toont aan dat fotografie weliswaar als een waarheidsgetrouw medium werd beschouwd, maar dat het ook kon worden gemanipuleerd. Two Ways of Life is een allegorische weergave van de Victoriaanse moraal en werd aangekocht door prins Albert, de echtgenoot van koningin Victoria, een vroeg voorbeeld van officiële overheidssteun voor de fotografie als kunstvorm.
Rejlander en Cameron daagden de status van de fotografie als getrouwe kopie van de werkelijkheid uit in een streven naar kunst. Tijdens de Amerikaanse Burgeroorlog konden door de lange belichtingstijden de veldslagen niet worden vastgelegd. Toch brachten foto’s de grafische realiteit van de oorlog over op een manier die de schilderkunst niet kon, omdat de kijkers begrepen dat wat ze op de foto zagen, ooit voor de camera had bestaan. Alexander Gardner’s publicatie Photographic Sketchbook of the War combineert foto’s met oorlogsverhalen. Hij drukte negatieven af van een verscheidenheid aan fotografen, waaronder hijzelf. In Home of the Rebel Sharpshooter van 6 juli 1863 sleepte Gardner het lijk van een soldaat en stelde het op met een geweer dat niet van een scherpschutter was, om zo een verhaal te creëren. Waarin verschilt deze foto van andere afbeeldingen van de strijd die we in de klas hebben bekeken? Hoewel gecomponeerd, geeft deze foto de wreedheid van de oorlog op een onromantische manier weer. Leerlingen zouden deze foto bijvoorbeeld kunnen vergelijken met Benjamin West’s The Death of General Wolfe (1770).
De documentaire mogelijkheden van de fotografie maakten er een krachtig instrument van om het publiek over te halen. Regeringen zagen dit potentieel en gaven fotografen de opdracht politieke gebeurtenissen, cultureel erfgoed en andere staatsactiviteiten vast te leggen.
Fotografie werd bijvoorbeeld officieel gebruikt om verafgelegen plaatsen en belangrijke monumenten te documenteren, waardoor ze toegankelijker werden voor een breder publiek en het verleden voor het nageslacht bewaard bleef. Maxime Du Camp gebruikte de calotypie om de monumentale ruïnes en hiërogliefen van Egypte te documenteren voor de Franse regering in 1850. Hij maakte ongeveer tweehonderd papieren negatieven en gaf in 1851 afdrukken uit in albums van 25 stuks. Du Camp reisde samen met de schrijver Gustave Flaubert; beiden zochten naar schilderachtige taferelen en brachten daarbij gevestigde esthetische conventies met zich mee. Het Europese beeld van Egypte en het Oosten was dat het exotisch en onbeschaafd was. Voor de Europeanen konden de Egyptenaren hun eigen culturele patrimonium niet beheren, en het project van Du Camp werd daarom gezien als het beschermen van de oude monumenten tegen hun verlies aan de tijd. Hoe kunnen we dit gevoel van tijdsverloop terugvinden in de foto van Du Camp?
In de Verenigde Staten reisden fotografen als Timothy O’Sullivan mee op westerse expedities om het landschap en de natuurlijke rijkdommen van Amerika in kaart te brengen met het oog op toekomstige nederzettingen en economische exploitatie, waarmee hij de missie van het manifeste lot vervulde. O’Sullivan was begonnen met het fotograferen van de Burgeroorlog. Zijn foto’s van het Westen dragen, net als die van Du Camp, overheersende culturele waarden met zich mee. Het landschap was dus doordrenkt van de huidige ideeën over vooruitgang – de transcontinentale spoorlijn was in 1869 voltooid – en voorbestemd voor ontwikkeling en welvaart. O’Sullivans foto’s circuleerden in presentatiealbums onder overheidsfunctionarissen, maar onder het grote publiek vooral als prenten en stereografieën.
Vergelijk je twee documentaire foto’s van Du Camp en O’Sullivan, wat voor informatie geven ze dan weer? Hoe lijken ze visueel op elkaar of zijn ze verschillend? Hoe kunnen ze nuttige documenten zijn geweest?
Luchtfietsreizigers in Europa en de Verenigde Staten wilden graag foto’s van wat zij als exotische plaatsen en mensen beschouwden. De stereograaf, die gebruik maakt van het binoculaire gezichtsvermogen om een schijnbaar 3D-beeld te creëren wanneer men het door een stereoscoop bekijkt, bracht kijkers in vervoering door deze figuren of landschappen nog realistischer te laten lijken. Goedkope en verzamelbare stereokaarten werden een vermaak in de huiskamer van de middenklasse. De stereoscoop is een uitstekend voorbeeld van hoe fotografie tijd en afstand doet instorten, waardoor de wereld begrijpelijk wordt door alleen maar te kijken.
Eadweard Muybridge droeg bij aan de technologische vooruitgang van de fotografie terwijl hij het gebruik ervan als instrument voor wetenschappelijke experimenten onderzocht. Hij documenteerde de gang van een paard in volle galop. Door een reeks stereoscopische camera’s op te stellen met sluiters die werden geactiveerd door struikeldraden, kon Muybridge de galop in stop motion vastleggen en bewijzen dat alle benen van het paard de grond op hetzelfde moment verlaten. Dit had gevolgen voor kunstenaars, die al sinds de prehistorie de “hobbelpaardhouding” gebruikten om galopperende paarden af te beelden. Muybridge reisde rond in de V.S. en Groot Brittannië waar hij toverlantaarnvoorstellingen gaf van zijn foto’s uit zijn Animal Locomotion series, waarvoor hij series stop-action foto’s maakte van dieren en mensen die bezig waren met verschillende bewegingen. Hij experimenteerde ook met vroege middelen om bewegende beelden te produceren en hielp zo de weg vrij te maken voor de cinema.
Tegen het einde van de negentiende eeuw werd fotografie nog toegankelijker voor de doorsnee mens. George Eastman richtte het bedrijf Kodak op, dat massaprodukten verkocht met camera’s die vooraf waren geladen met een strook film waarmee 100 opnamen konden worden gemaakt. Tegen betaling kon de hele camera naar Kodak worden gestuurd om te worden ontwikkeld, waarna de afdrukken werden teruggestuurd, samen met de opnieuw geladen camera. Door de camera in handen te geven van moeders, kinderen en vrienden, konden details van het dagelijks leven overal spontaan worden vastgelegd. Hoe kunnen we vandaag de effecten van Eastmans innovatie zien?
The Bigger Picture: Van goedkoop vervaardigde daguerreotypieportretten tot fotografische publicaties en Kodak-camera’s, de negentiende-eeuwse fotografie werd echt een massamedium. Fotografie had ook een belangrijke invloed op de kunst, omdat het werd gezien als de gouden standaard van optisch realisme. In de lessen over realisme en impressionisme zal aan de orde komen hoe schilders begonnen te reageren op en gebruik maakten van fotografie in hun werk, en in een volgende sessie over fotografie zullen we bespreken hoe een groep fotografen, bekend als picturalisten, fotografie omarmden als een artistiek medium op zich.