Dedicar una o varias conferencias a la historia de la fotografía ofrece a los estudiantes la oportunidad de considerar las dimensiones estéticas, culturales y sociales del arte a través de un medio con el que se han relacionado a lo largo de su vida. La conferencia sobre fotografía es, por tanto, un buen lugar para discutir temas más amplios como la relación de un original con una copia, de una imagen con su soporte material y de la representación con la realidad.
Alcance: Desde mediados del siglo XIX, la fotografía se consideraba una representación objetiva de la realidad, a pesar de sus limitaciones en cuanto a la captación del color o el movimiento y su capacidad de manipulación. Esta lección desafía a los estudiantes a reflexionar sobre esos aspectos contradictorios pero inseparables de la fotografía para considerar el papel de la fotografía en la ciencia y el arte del siglo XIX. Esta lección se centra en cómo los fotógrafos exploraron las posibilidades del nuevo medio en una variedad de géneros que incluyen el retrato, la documentación científica y la fotografía de viajes y, en última instancia, como medio de masas y herramienta de persuasión.
En una hora y quince minutos, se pueden explorar estos temas a través de muchas fotografías, entre ellas:
Imágenes:
- Joseph Nicéphore Niépce, View from the Window at Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, c. 1839
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth and Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Home of a Rebel Sharpshooter, 1863
- Maxime Du Camp, Statue of Ramses the Great at Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in the Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
- (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Japan, c. 1870
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Fotógrafo desconocido, Swimming Party, c. 1890
El descubrimiento de la fotografía se anunció públicamente en enero de 1839 en la Academia de Ciencias de París. Al artista e inventor del diorama Louis-Jacques-Mandé Daguerre se le atribuyó la invención de lo que se conoció como el daguerrotipo (una imagen fotográfica única capturada en una superficie altamente pulida de una placa de cobre). Los estudios canónicos sobre la fotografía a menudo celebran a Daguerre como el inventor de la fotografía, a pesar de que había habido numerosos experimentos anteriores para fijar la imagen de la cámara oscura (en latín, «cuarto oscuro», un dispositivo óptico en forma de habitación o caja a través del cual se proyecta una imagen de la naturaleza en una pantalla por medio de la luz que pasa a través de un agujero de alfiler).
Por ejemplo, Daguerre se había asociado con Nicéphore Niépce, que había experimentado con la fotografía desde la década de 1820. La fotografía de Niépce de 1822, que representa la vista desde su ventana, fue creada por medio de una exposición de ocho horas. Cuando Daguerre produjo su vista de un bulevar parisino en 1839, el tiempo de exposición se había reducido lo suficiente como para capturar una figura que se había detenido para que le lustraran el zapato. ¿Por qué la vista desde una ventana era un tema tan popular en las primeras fotografías? Satisfacía la necesidad práctica de la luz del sol combinada con las tradiciones de la pintura de paisajes para fijar momentos que de otro modo serían transitorios en imágenes como las de Daguerre.
En Gran Bretaña, el aristócrata y polímata William Henry Fox Talbot también experimentó con la fotografía, produciendo fotogramas de especímenes botánicos en papel tratado químicamente en la década de 1830. Talbot creía que la fotografía podía proporcionar una valiosa ayuda a los científicos, registrando los datos visualmente para su interpretación y experimentación. Al enterarse de que el proceso de Daguerre se había hecho público en enero de 1839, Talbot se apresuró a anunciar los detalles de su propio método. Aunque el daguerrotipo fue inmediatamente aprovechado por la nitidez de sus detalles (en realidad es más claro bajo un microscopio que visto a simple vista) y debido a la publicidad del proceso por parte del gobierno francés, fue el proceso de papel negativo-positivo de Talbot (el calotipo) el que formó la base de toda la fotografía posterior hasta la era digital. Se podría preguntar a los estudiantes: ¿por qué crees que el proceso negativo-positivo llegó a ser tan importante?
El desarrollo de la fotografía como medio de comunicación de masas y potente forma de comunicación visual está presagiado en una fotografía del Reading Establishment, una empresa de publicación fotográfica establecida por Talbot. Vemos una serie de usos potenciales de la fotografía en la pantalla: el retrato, la reproducción de obras de arte, y las ilustraciones para los libros. ¿Cómo promueve esta fotografía el calotipo de Talbot? Los asistentes demuestran la realización de una fotografía, así como el proceso de impresión con luz solar.
El proyecto inicial de la firma fue el Lápiz de la Naturaleza de Talbot, el primer libro publicado comercialmente e ilustrado con fotografías, un hito en el arte del libro. El título del libro indica que las fotografías son imágenes «dibujadas» por la propia naturaleza, sin la intervención de un artista. Sin embargo, La puerta abierta, que es la sexta lámina del libro, sitúa la fotografía dentro de la tradición de la pintura de género holandesa. ¿Qué ve en esta fotografía que le recuerde a las pinturas holandesas que discutimos en clase? Talbot hace hincapié en el detalle, el contraste de luz y oscuridad, el uso de la cámara oscura, la relación entre el interior y el exterior, así como el simbolismo de los objetos cotidianos. Aquí, la lámpara simboliza la cámara oscura y la escoba representa la iluminación. Esta fotografía trata de la tradición artística del realismo: la vida cotidiana y lo que el ojo ve. Aunque la fotografía se convirtió en una herramienta importante para los artistas, al principio no se consideraba una forma de arte. El movimiento pictórico del Realismo surgió en la misma época que la fotografía. ¿Qué tienen en común ambas modalidades? ¿En qué se diferencian?
El realismo de la fotografía se utilizó sobre todo para captar parecidos en forma de retratos de seres queridos y personajes notables. Los estudios comerciales de daguerrotipos proliferaron en ciudades de toda Europa, Estados Unidos y, finalmente, en todo el mundo. En 1841, los tiempos de exposición eran de entre 30 segundos y un minuto, dependiendo de la luz, lo que facilitaba la producción de imágenes a escala comercial, aunque los estudios de retratos seguían utilizando dispositivos para mantener inmóviles las cabezas de los retratados. Los retratos en daguerrotipo se producían en masa y, por tanto, estaban al alcance de cualquier persona de clase media. ¿Por qué cree que los retratos fotográficos eran tan populares?
Los estudios de retratos, como el de Southworth y Hawes, también hacían fotografías de famosos y políticos, y escenificaban estas imágenes para que parecieran cuadros. ¿Por qué? ¿Qué crees que sugieren los atributos de este retrato de Rufus Choate? Se puede pedir a los estudiantes que consideren cómo cambió la experiencia del espectador cuando los retratos pasaron de ser lujosas pinturas al óleo en la pared a pequeños daguerrotipos manuales y producidos en masa.
Julia Margaret Cameron también aplicó los principios estéticos de la pintura a las fotografías de retratos. Tras recibir una cámara de sus hijos, se dedicó a la fotografía a los 49 años y utilizó el colodión húmedo sobre negativos de vidrio e impresiones a la albúmina para captar a la élite intelectual de su círculo social de clase alta. La elección de Cameron de entre las luminarias británicas era conveniente (vivía al lado de Alfred Lord Tennyson) y estratégica: los retratos de celebridades eran una ventaja comercial para los fotógrafos. Los retratos de Cameron, entre los que se encontraba el célebre científico y primer fotógrafo John Herschel, desafiaban las convenciones utilizando una iluminación dramática y renunciando a un enfoque nítido en favor de efectos concienzudamente artísticos que atraían a los espectadores familiarizados con el claroscuro de Rembrandt y las tradiciones del Romanticismo. La prensa fotográfica criticó el desprecio de Cameron por las «reglas» de la fotografía, lo que significaba una estricta adherencia a la nitidez de los detalles y a la impresión sin fisuras. ¿En qué se diferencia un retrato como el de Cameron de la mujer anónima que sostiene un daguerrotipo o incluso del de Rufus Choate?
El pintor Oscar Rejlander, con quien Cameron había estudiado brevemente, también creó fotografías con ambiciones artísticas. Su obra Two Ways of Life (Dos formas de vida) se basaba en la composición de la Escuela de Atenas de Rafael y estaba compuesta por 30 negativos separados en una impresión combinada. Representa a dos jóvenes que eligen entre la virtud o el vicio. La fotografía de Rejlander demuestra que, aunque la fotografía se consideraba un medio veraz, también podía ser manipulada. Two Ways of Life es una representación alegórica de la moral victoriana y fue adquirida por el príncipe Alberto, esposo de la reina Victoria, un ejemplo temprano del apoyo oficial del gobierno a la fotografía como forma de arte.
Rejlander y Cameron desafiaron el estatus de la fotografía como copia fiel de la realidad en pos del arte. Durante la Guerra Civil estadounidense, los largos tiempos de exposición no permitían capturar las batallas. No obstante, las fotografías transmitieron la realidad gráfica de la guerra de una manera que la pintura no podía, porque los espectadores entendían que lo que veían en la fotografía había existido antes delante de la cámara. La publicación de Alexander Gardner Photographic Sketchbook of the War combina fotografías con historias de guerra. Imprimió negativos de diversos fotógrafos, incluido él mismo. En Home of the Rebel Sharpshooter, del 6 de julio de 1863, Gardner arrastró el cadáver de un soldado y lo colocó con un arma que no era de francotirador para crear una narración. ¿En qué se diferencia esta fotografía de otras representaciones de la batalla que hemos visto en clase? Aunque está compuesta, esta fotografía representa la brutalidad de la guerra de una manera poco romántica. Por ejemplo, los alumnos podrían comparar esta fotografía con La muerte del general Wolfe (1770) de Benjamin West.
La capacidad documental de la fotografía la convirtió en una poderosa herramienta de persuasión pública. Al ver este potencial, los gobiernos encargaron a los fotógrafos que registraran los acontecimientos políticos, el patrimonio cultural y otras actividades estatales.
Por ejemplo, la fotografía se utilizó con carácter oficial para documentar lugares lejanos y monumentos importantes, haciéndolos más accesibles a un público más amplio y preservando el pasado para la posteridad. Maxime Du Camp utilizó el calotipo para documentar las ruinas monumentales y los jeroglíficos de Egipto para el gobierno francés en 1850. Creó unos doscientos negativos de papel y publicó impresiones en álbumes de 25 unidades en 1851. Du Camp viajó con el escritor Gustave Flaubert; ambos buscaban escenas pintorescas, trayendo consigo las convenciones estéticas establecidas.La visión europea de Egipto y de Oriente era que era exótica e incivilizada. Para los europeos, los egipcios no podían gestionar su propio patrimonio cultural, por lo que el proyecto de Du Camp se consideraba una forma de preservar los monumentos antiguos contra su pérdida en el tiempo. ¿Cómo podemos ver este sentido del paso del tiempo registrado en la fotografía de Du Camp?
En los Estados Unidos, fotógrafos como Timothy O’Sullivan viajaron en expediciones al oeste inspeccionando el paisaje y los recursos naturales de América para su futuro asentamiento y explotación económica, cumpliendo la misión del destino manifiesto. O’Sullivan había empezado a fotografiar la Guerra Civil. Sus fotografías del Oeste, al igual que las de Du Camp, llevan consigo los valores culturales predominantes. Así, el paisaje estaba inscrito en las ideas actuales sobre el progreso -el ferrocarril transcontinental se completó en 1869- y predestinado al desarrollo y la prosperidad. Las fotografías de O’Sullivan circularon en álbumes de presentación entre los funcionarios del gobierno, pero al público en general principalmente como impresiones y estereografías.
Comparando dos fotografías documentales de Du Camp y O’Sullivan, ¿qué tipo de información transmiten? ¿En qué se parecen o se diferencian visualmente? ¿Cómo podrían haber sido documentos útiles?
Los viajeros en silla de ruedas de Europa y Estados Unidos estaban ávidos de fotografías que representaran lo que percibían como lugares y personas exóticas. La estereografía, que aprovecha la visión binocular para crear una imagen aparentemente tridimensional cuando se ve a través de un estereoscopio, entusiasmó a los espectadores al hacer que estas figuras o paisajes parecieran aún más realistas. Las tarjetas estereoscópicas, baratas y coleccionables, se convirtieron en un entretenimiento de salón entre la clase media. El estereoscopio es un excelente ejemplo de cómo la fotografía colapsa el tiempo y la distancia, haciendo que el mundo sea comprensible simplemente a través del acto de mirar.
Eadweard Muybridge contribuyó a los avances tecnológicos de la fotografía mientras exploraba su uso como herramienta en la experimentación científica. Documentó la marcha de un caballo a todo galope. Instalando una serie de cámaras estereoscópicas con obturadores activados por cables de disparo, Muybridge fue capaz de capturar el galope en stop motion, demostrando que todas las patas del caballo abandonan el suelo al mismo tiempo. Esto tuvo implicaciones para los artistas, que habían utilizado la posición de «caballo de balancín» para representar caballos al galope desde la prehistoria. Muybridge viajó por Estados Unidos y Gran Bretaña presentando diapositivas de linterna mágica de sus fotografías de la serie Animal Locomotion, para la que produjo series de fotografías de acción detenida de animales y seres humanos en diversos movimientos. También experimentó con los primeros medios de producción de imágenes en movimiento, contribuyendo a allanar el camino del cine.
A finales del siglo XIX, la fotografía se hizo aún más accesible para el ciudadano medio. George Eastman fundó la empresa Kodak, que vendía cámaras de producción masiva que venían precargadas con una tira de película capaz de realizar 100 exposiciones. A cambio de una cuota, se enviaba toda la cámara a Kodak para su revelado y se devolvían las copias, junto con la cámara recargada. Poner la cámara en manos de las madres, los hijos y los amigos significaba que los detalles de la vida cotidiana podían grabarse espontáneamente en cualquier lugar. ¿Cómo podemos ver los efectos de la innovación de Eastman hoy en día?
La imagen más grande: Desde los retratos de daguerrotipo de fabricación barata hasta las publicaciones fotográficas y las cámaras Kodak, la fotografía del siglo XIX se convirtió realmente en un medio de masas. La fotografía también tuvo un impacto significativo en el arte, ya que en ella se entendía el estándar de oro del realismo óptico. En las clases sobre el Realismo y el Impresionismo se abordará cómo los pintores empezaron a reaccionar ante la fotografía y a utilizarla en sus obras, y en una futura sesión sobre la fotografía, analizaremos cómo un grupo de fotógrafos conocidos como pictorialistas abrazó la fotografía como un medio artístico por derecho propio.