A fotográfia történetének szentelt előadás vagy előadások lehetőséget nyújtanak a hallgatóknak arra, hogy a művészet esztétikai, kulturális és társadalmi dimenzióit egy olyan médiumon keresztül vizsgálják, amellyel egész életükben foglalkoztak. A fotográfiai előadás ezért jó helyszín olyan nagyobb témák megvitatására, mint az eredeti és a másolat, a kép és anyagi hordozója, valamint az ábrázolás és a valóság viszonya.
Kiterjedés: A tizenkilencedik század közepe óta a fotográfiát a valóság objektív ábrázolásának tekintették, annak ellenére, hogy a színek vagy a mozgás megörökítése és a manipulációra való képessége korlátozott. Ez a lecke arra készteti a tanulókat, hogy elgondolkodjanak a fényképezés ezen ellentmondásos, de egymástól elválaszthatatlan aspektusairól, hogy megvizsgálják a fényképezésnek a tizenkilencedik század tudományában és művészetében betöltött szerepét. A lecke arra összpontosít, hogy a fotográfusok hogyan fedezték fel az új médium lehetőségeit a legkülönbözőbb műfajokban, többek között a portréfotózásban, a tudományos dokumentációban és az utazási fotográfiában, végül pedig tömegmédiumként és a meggyőzés eszközeként.
Egy óra és tizenöt perc alatt ezeket a témákat számos fényképen keresztül vizsgálhatjuk meg, többek között:
Képek:
- Joseph Nicéphore Niépce, Kilátás a Le Gras-i ablakból, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, 1839 körül
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth és Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Home of a Rebel Sharpshooter, 1863
- Maxime Du Camp, Statue of Ramses the Great at Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in the Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
- (Attr.) John Gulick, Két kardos tiszt, Japán, 1870 körül
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Ismeretlen fotós, Swimming Party, 1890 körül
A fényképezés felfedezését 1839 januárjában a párizsi Tudományos Akadémián nyilvánosan bejelentették. Louis-Jacques-Mandé Daguerre művésznek és a dioráma feltalálójának tulajdonították a dagerrotípia néven ismertté vált kép (a rézlemez erősen csiszolt felületén rögzített egyedi fényképészeti kép) feltalálását. A fotográfiáról szóló kanonikus áttekintések gyakran Daguerre-t ünneplik a fotográfia feltalálójaként, holott már korábban is számos kísérlet történt a camera obscura (latinul “sötét szoba”, egy szoba vagy doboz alakú optikai eszköz, amelyen keresztül a természet képe egy tűlyukon áthaladó fény segítségével vetül egy képernyőre.)
Daguerre például társult Nicéphore Niépce-szel, aki már az 1820-as évek óta kísérletezett a fényképezéssel. Niépce 1822-es, az ablakából nyíló kilátást ábrázoló fényképét nyolcórás expozícióval készítette. Mire Daguerre 1839-ben elkészítette egy párizsi körútról készült képét, az expozíciós időt már annyira lecsökkentették, hogy meg tudott örökíteni egy alakot, aki megállt, hogy kipucoltassa a cipőjét. Miért volt az ablakból nyíló kilátás a korai fényképek ilyen népszerű témája?
A napfény iránti gyakorlati igényt a tájképfestészet hagyományaival kombinálva elégítette ki, hogy az egyébként múló pillanatokat Daguerre-hez hasonló képekben rögzítse.
Nagy-Britanniában az arisztokrata és polihisztor William Henry Fox Talbot is kísérletezett a fényképezéssel, és az 1830-as években kémiailag kezelt papírra készített fotogramokat botanikai mintákról. Talbot úgy vélte, hogy a fényképezés értékes segítséget nyújthat a tudósok számára, vizuálisan rögzítve az adatokat az értelmezés és a kísérletezés céljából. Hallva, hogy Daguerre eljárását 1839 januárjában nyilvánosságra hozták, Talbot sietett bejelenteni saját módszerének részleteit. Bár a dagerrotípiát azonnal megragadták a részletek élessége miatt (mikroszkóp alatt valóban tisztább, mint szabad szemmel nézve)és az eljárás francia kormány általi nyilvánosságra hozatala miatt, Talbot negatív-pozitív papíreljárása (a kalotípia) volt az, amely a digitális korszakig minden későbbi fényképezés alapját képezte. A diákok megkérdezhetik, hogy ön szerint miért vált ilyen fontossá a negatív-pozitív eljárás?
A fotográfia tömegmédiummá és a vizuális kommunikáció erőteljes formájává válását a Talbot által alapított Reading Establishment, egy fotókiadó cég fotója vetíti előre. A fotográfia számos lehetséges felhasználási módját láthatjuk a kiállításon: portrékészítés, műalkotások reprodukálása és könyvillusztrációk… Miért veszi fel Talbot ezeket a tevékenységeket? Hogyan népszerűsíti ez a fénykép Talbot kalotípiáját? Asszisztensek mutatják be a fénykép készítését, valamint a napfénnyel történő nyomtatás folyamatát.
A cég első projektje Talbot Pencil of Nature című könyve volt, az első kereskedelmi forgalomban megjelent, fényképekkel illusztrált könyv – mérföldkő a könyvművészetben. A könyv címe arra utal, hogy a fényképek olyan képek, amelyeket maga a természet “rajzolt”, művészi beavatkozás nélkül. A Nyitott ajtó, amely a könyv hatodik táblája, mégis a holland zsánerfestészet hagyományába helyezi a fotográfiát. Mit látsz ezen a fényképen, ami az órán tárgyalt holland festményekre emlékeztet? Talbot hangsúlyozza a részleteket, a világos-sötét kontrasztot, a camera obscura használatát, a belső és a külső közötti kapcsolatot, valamint a mindennapi tárgyak szimbolikáját. Itt a lámpa a camera obscurát szimbolizálja, a seprű pedig a megvilágosodást. Ez a fénykép a realizmus művészi hagyományáról szól: a mindennapi életről és arról, amit a szem lát. Bár a fényképezés fontos eszközzé vált a művészek számára, kezdetben nem tekintették művészetnek. A realizmus festészeti mozgalma a fotográfiával nagyjából egy időben alakult ki. Mi a közös a két műfajban? Miben különböznek?
A fotográfia realizmusát elsősorban a hasonmások megörökítésére használták, szeretteik és nevezetes személyiségek portréi formájában. A kereskedelmi dagerrotípia stúdiók elszaporodtak Európa, az Egyesült Államok és végül az egész világ városaiban. 1841-re az expozíciós idő a fényviszonyoktól függően 30 másodperctől egy percig terjedt, így sokkal könnyebbé vált a képek kereskedelmi méretekben történő előállítása – bár a portréstúdiók még mindig eszközöket használtak a portrékészítők fejének mozdulatlanul tartására. A dagerrotípiás portrékat tömegesen gyártották, ezért bármely középosztálybeli ember számára megfizethetőek voltak. Mit gondol, miért voltak olyan népszerűek a portréfotók?
A portréstúdiók, mint például a Southworth és Hawes által működtetett stúdió, hírességekről és politikusokról is készítettek fényképeket, és ezeket a képeket úgy állították be, hogy festménynek tűnjenek. Miért? Ön szerint mire utalnak Rufus Choate e portréjának attribútumai? Miben hasonlít vagy különbözik más portréktól, amelyeket az osztályban láttatok?A diákokat megkérhetjük, hogy gondolják át, hogyan változott a néző élménye, amikor a portrék formátuma a falra festett luxus olajfestményektől a kis kézzel tartott és tömeggyártott dagerrotípiákig eltolódott.
Julia Margaret Cameron szintén a festészet esztétikai elveit alkalmazta a portréfotókra. 49 éves korában kezdett el fotózni, miután gyermekeitől kapott egy fényképezőgépet, és üvegnegatívokon nedves kollódiumot és albuminnyomatokat használt, hogy megörökítse felsőbb társadalmi körének szellemi elitjét. Cameron egyszerre volt kényelmes (Alfred Lord Tennyson mellett lakott) és stratégiai szempontból is: a hírességekről készült portrék a fotográfusok számára kereskedelmi haszonnal jártak. Cameron portréi, köztük a híres tudósról és korai fotográfusról, John Herschelről, szembeszálltak a konvenciókkal, drámai megvilágítással és az éles fókuszról való lemondással a lelkiismeretesen művészi hatások javára, amelyek a Rembrandt chiaroscuroját és a romantika hagyományait ismerő nézők számára vonzóak voltak. A fotós sajtó bírálta Cameront, amiért figyelmen kívül hagyta a fotózás “szabályait”, ami a részletek élességének és a zökkenőmentes nyomtatásnak a szigorú betartását jelentette. Miben különbözik egy olyan portré, mint Cameroné, a dagerrotípiát tartó névtelen nőtől vagy akár Rufus Choate portréjától?
A festő Oscar Rejlander, akinél Cameron rövid ideig tanult, szintén művészi ambíciókkal készített fényképeket. Az élet két útja című alkotása Raffaello Athéni iskola című művének kompozíciójából merített, és 30 különálló negatívból állt össze egy kombinált nyomatban. Két fiatalembert ábrázol, akik az erény vagy a bűn között választanak. Rejlander fotója azt mutatja, hogy bár a fotográfiát igaz médiumnak tekintették, manipulálni is lehetett. A Two Ways of Life a viktoriánus erkölcsök allegorikus ábrázolása, és Viktória királynő férje, Albert herceg vásárolta meg, ami a fotográfia mint művészeti forma hivatalos kormányzati támogatásának korai példája.
Rejlander és Cameron megkérdőjelezte a fotográfiának a valóság hű másolataként a művészetre törekvő státuszát. Az amerikai polgárháború idején a hosszú expozíciós idők nem tették lehetővé a csaták megörökítését. A fényképek ennek ellenére úgy mutatták be a háború grafikus valóságát, ahogy a festészet nem tudta, mert a nézők megértették, hogy amit a fényképen látnak, az egyszer már létezett a kamera előtt. Alexander Gardner Photographic Sketchbook of the War című kiadványa a fényképeket a háborús történetekkel kombinálja. Különböző fotósok, köztük saját maga negatívjait nyomtatta ki. Az 1863. július 6-án készült Home of the Rebel Sharpshooter című képen Gardner egy katona holttestét vonszolta ki, és egy olyan fegyverrel állította fel, amely nem egy mesterlövészé volt, hogy egy narratívát hozzon létre. Miben különbözik ez a fénykép a csata más ábrázolásaitól, amelyeket az órán láttunk? Bár megkomponált, ez a fénykép nem romantikus módon ábrázolta a háború brutalitását. A tanulók például összehasonlíthatják ezt a fényképet Benjamin West Wolfe tábornok halála (1770) című művével.
A fotográfia dokumentációs képességei a közvélemény meggyőzésének erőteljes eszközévé tették. Ezt a potenciált felismerve a kormányok fényképészeket bíztak meg politikai események, kulturális örökségek és egyéb állami tevékenységek megörökítésével.
A fényképezést például hivatalos minőségben használták távoli helyek és fontos műemlékek dokumentálására, hogy szélesebb közönség számára is elérhetővé tegyék azokat, és megőrizzék a múltat az utókor számára. Maxime Du Camp 1850-ben a francia kormány számára Egyiptom monumentális romjainak és hieroglifáinak dokumentálására használta a kalotípiát. Mintegy kétszáz papírnegatívot készített, és 1851-ben 25 darabos albumokban adta ki a nyomatokat. Du Camp együtt utazott Gustave Flaubert íróval; mindketten festői jeleneteket kerestek, és magukkal hozták a bevett esztétikai konvenciókat: Egyiptomot és a Keletet az európaiak egzotikusnak és civilizálatlannak tartották. Az európaiak számára az egyiptomiak nem tudták kezelni saját kulturális örökségüket, ezért Du Camp projektjét úgy tekintették, mint az ősi műemlékek megőrzését az idővel való elvesztésük ellen. Hogyan láthatjuk az idő múlásának ezt az érzését megörökítve Du Camp fényképén?
Az Egyesült Államokban az olyan fotósok, mint Timothy O’Sullivan, nyugati expedíciókban utaztak, hogy felmérjék Amerika tájait és természeti erőforrásait a jövőbeli letelepedés és gazdasági kiaknázás céljából, teljesítve a manifeszt végzet küldetését. O’Sullivan a polgárháború fényképezésével kezdte pályafutását. A nyugatról készült fotói, Du Campéhoz hasonlóan, uralkodó kulturális értékeket hordoznak magukban. A tájba így beleíródtak a haladásról alkotott aktuális elképzelések – a transzkontinentális vasút 1869-ben készült el -, és a fejlődésre és jólétre volt predesztinálva. O’Sullivan fotói bemutatóalbumokban keringtek a kormánytisztviselők között, de a nagyközönséghez elsősorban nyomatok és sztereográfiák formájában jutottak el.
Hasonlítsuk össze Du Camp és O’Sullivan két dokumentarista fotóját, milyen információkat közvetítenek? Miben hasonlítanak/különböznek vizuálisan? Hogyan lehettek hasznos dokumentumok?
Az európai és amerikai utazók vágytak az egzotikusnak vélt helyeket és embereket ábrázoló fényképekre. A sztereográfia, amely a binokuláris látást kihasználva egy sztereoszkópon keresztül nézve látszólag háromdimenziós képet hoz létre, azzal izgatta a nézőket, hogy ezeket a figurákat vagy tájakat még valósághűbbé tette. Az olcsó és gyűjthető sztereokártyák a középosztály körében a szalonok szórakozásává váltak. A sztereoszkóp kitűnő példája annak, hogy a fényképezés hogyan dönti össze az időt és a távolságot, és teszi a világot felfoghatóvá pusztán a nézés aktusán keresztül.
Eadweard Muybridge hozzájárult a fényképezés technológiai fejlődéséhez, miközben felfedezte a fényképezés tudományos kísérletekben való felhasználását. Dokumentálta egy ló járását teljes galoppban. Muybridge egy sor sztereoszkópikus kamerát állított fel, amelyek zárószerkezetét kioldó drótok aktiválták, és így képes volt megállítva rögzíteni a galoppot, bebizonyítva, hogy a ló minden lába egyszerre hagyja el a talajt. Ez hatással volt a művészekre, akik már a történelem előtti idők óta használták a “hintaló” pozíciót a galoppozó lovak ábrázolására. Muybridge beutazta az Egyesült Államokat és Nagy-Britanniát, és diavetítéseket tartott az Animal Locomotion (Állati mozgás) című sorozatában készült felvételeiből, amelyhez különböző mozgásokat végző állatokról és emberekről készített állóképsorozatokat. Kísérletezett a mozgóképek készítésének korai eszközeivel is, ezzel segítve a mozi útjának előkészítését.
A tizenkilencedik század végére a fényképezés még inkább elérhetővé vált az átlagember számára. George Eastman megalapította a Kodak vállalatot, amely tömeggyártású fényképezőgépeket értékesített, amelyek előre feltöltött, 100 expozícióra alkalmas filmcsíkkal érkeztek. Díj ellenében az egész fényképezőgépet el lehetett küldeni a Kodakhoz előhívásra, és a nyomatokat az újratöltött fényképezőgéppel együtt vissza lehetett küldeni. A fényképezőgép anyák, gyerekek és barátok kezébe adása azt jelentette, hogy a mindennapi élet részleteit bárhol spontán módon meg lehetett örökíteni. Hogyan láthatjuk ma Eastman innovációjának hatásait?
A nagyobb kép: Az olcsón gyártott dagerrotípiás portréktól a fényképészeti kiadványokig és a Kodak fényképezőgépekig a XIX. századi fényképezés valóban tömegmédiummá vált. A fotográfia a művészetre is jelentős hatással volt, mivel benne az optikai realizmus aranyszínvonalát látták. A realizmusról és az impresszionizmusról szóló órák foglalkoznak majd azzal, hogy a festők hogyan kezdtek reagálni a fotográfiára és hogyan használták azt munkájukban, és egy későbbi, a fotográfiáról szóló órán megvitatjuk, hogy a piktorialisták néven ismert fotósok egy csoportja hogyan fogadta el a fotográfiát mint sajátos művészi médiumot.