Læsning af det foregående kapitel vil gøre denne tekst meget mere forståelig, men hvis du virkelig er nødt til at springe det over, er der her lidt sammenhæng: Jeg har besluttet, at den bedste måde at forklare, hvad kunst er, er at forstå noget historie, noget filosofi og noget teknik.
Nik fordi det vil give dig et klart svar, men fordi det vil give dig noget legitim kritisk tænkning. Og så, hvem ved, kan du måske endda få kvalificerede meninger.
Så, hvad er kunst?
Efter mange århundreder, hvor kunstperioder blev defineret af politiske, sociale og økonomiske sammenhænge og ikke så meget af individuel smag, skete der et gradvist skift i den måde, hvorpå information blev erhvervet og delt.
Den videnskabelige metode størkede tilegnelsen af viden, og den industrielle revolution ændrede landskabet for, hvordan mennesker levede og arbejdede. Den deraf følgende tilblivelse af en middelklasse gjorde plads til uddannelse af mange flere mennesker – og gjorde en ende på noget af den elitisme, der hidtil havde defineret uddannelse.
Man lever længere, man lever bedre, man ved mere, og kreativiteten er født. Det skete for langt flere mennesker end i tidligere århundreder, der enten var defineret af knaphed, krig og/eller religiøs ekstremisme.
Derved blev kunsten mere demokratisk og dermed mere tilgængelig for individuelle, personlige og følelsesmæssige udtryk.
Zeitgeist
Zeitgeist er det dominerende sæt af idealer og overbevisninger, der motiverer et samfunds medlemmers handlinger i en bestemt tidsperiode, og det oversættes bogstaveligt fra tysk som “tidssind” eller “tidsånd”.
Georg Hegel brugte faktisk aldrig dette ord, men i sine værker, såsom Forelæsninger om historiefilosofi, siger han følgende:
“Intet menneske kan overgå sin egen tid, for hans tids ånd er også hans egen ånd.” – Georg Hegel
Denne idé er tæt forbundet med den måde, som Hegel så på kunsten. I dette paradigme vil det, som kunstneren skaber, afspejle kulturen i den pågældende tid. Kunstneren er et uundgåeligt produkt af denne tid og vil derfor bringe denne kultur med sig i sin kunst.
The Zeitgeist-teorien placerer sig skarpt i forhold til en teori fra det 19. århundrede af Thomas Carlyle kaldet The Great Man Theory, hvor individer besidder de egenskaber, der gør dem til store ledere.
Disse egenskaber, kombineret med guddommelig inspiration, vil gøre det muligt for dem at opnå magtpositioner og dermed forme historien.
“Verdens historie er kun de store mænds biografi.” – Thomas Carlyle
Tolstoj havde ikke noget imod det, og i sin bog Krig og fred betragter han de store personers betydning som imaginær: de er blot historiens slaver. Herbert Spencer gik så langt som til at sige, at han anså Carlyles ideer for at være håbløst primitive, barnlige og uvidenskabelige.
Og sandelig hviler teorien om det store menneske faktisk på antagelsen om ubetydelige og medfødte færdigheder og ser bort fra det store puslespil, som vores univers udgør. Den ignorerer, hvordan alting er en konsekvens, af en konsekvens, af en konsekvens.
Og lad os slet ikke komme ind på begrebet “fri vilje” i dette indlæg – vi skal passe på dette kaninhul.
Det betyder dybest set, at kunst logisk set umuligt kan være denne esoteriske ting, der springer ud af visse individers forbløffelse, eller som fødes ud af ren lyksalighed, fantastisk “talent” eller medfødt dygtighed hos nogle virkelig heldige mennesker.
Man kunne endda sige, at “dygtighed” er et meget relativt begreb, når det gælder kunst. Det indebærer teknisk beherskelse, men forskellige niveauer af teknologisk viden har formet kunsten siden dens begyndelse, og derfor er “dygtighed” eller “teknik” meget usikre standarder for kvalitet.
Kunst vs. håndværk
Lad os tage et meget grundlæggende begreb som lineært perspektiv eller, forenklet sagt: den måde, hvorpå objekter synes at være mindre, når de ligger længere væk.
Dets undersøgelse og geometriske udforskning inden for visuel repræsentation begyndte først i det 14. århundrede under den italienske renæssance, og det tog stadig noget tid, før det blev perfektioneret og ordentligt forstået.
Denne tekniske forståelse blev tydelig i alt kunstnerisk arbejde fra da af, mens alle de grafiske værker, der blev produceret før den tid, bevarede denne næsten bizarre aura af et mislykket forsøg på at være tredimensionel.
Men var det mislykket? Eller var det, at realisme i repræsentationen på det tidspunkt simpelthen ikke var en kanon? Hvad kom først: behovet for realistisk grafisk repræsentation eller de teknikker, der gjorde det muligt at fremstille den? Har det nogen betydning, om man skaber ud fra en evne eller ud fra et valg? Er teknikken en standard for kvalitet i kunsten?
Så tag græske vaser. De er sorte med dybe orange figurer og udsmykninger. Det betragtes af mange som et smukt kunstværk med en fantastisk farvekombination, der har en minimalistisk, men alligevel mystisk og fordybende effekt, der opnås gennem de historier, som deres billeder fortæller.
Og så er der kinesisk porcelæn. Det er ** farverigt, delikat, dets tegninger er rige på detaljer, og deres figurer transporterer os til en kultur, der er fyldt med interessant mytologi.**
Jeg har desværre ikke studeret dem så dybt som den hellenistiske civilisation, så der er ikke meget, jeg kan fortælle dig om disse vasers hvornår og hvorfor.
Men jeg kan fortælle dig dette: De græske vaser er sorte og dybrøde ikke takket være blæk, men takket være et materiale, der, når det påføres deres overflade, forvandler leret til sort efter kogning. Der er ingen farveplukning involveret.
Dikterede teknikken æstetikken, eller var det omvendt? Var det en selvpålagt begrænsning, eller genererede den tekniske begrænsning stilen? Er det kinesiske porcelæn overlegent, fordi dets definerende karakteristika er resultatet af en mere alsidig og teknisk avanceret teknik? Er det ene mere kunst end det andet?
Endeligt: Malede Pablo Picasso en kvinde på denne måde, fordi han ikke vidste, hvordan han skulle gøre det på en realistisk måde, eller var det et valg? Jeg kan fortælle dig, at han meget vel vidste, hvordan man laver realistisk maleri (se billedet nedenfor), men er tilstedeværelsen eller fraværet af valg en slags validering af kunstnerisk udtryk?
Det er et farligt princip at følge, fordi det kan ugyldiggøre ethvert arbejde, der er udført under de begrænsninger, der måtte begrænse det frie valg, såsom teknisk viden, penge, tid og meget andet. Hvis du ser tilbage på alt det, du har lært om kunsthistorie indtil nu, vil du opdage, at alting har begrænsninger, og at kunsten er blevet formet af materialer, teknikker, religion, samfund og meget andet. Alle er blevet formet af tidsånden.
At bruge fravær eller tilstedeværelse af valgmuligheder som en standard for kvalitet betyder, at man ugyldiggør mange værker gennem moderne og antikke historie. Kunstværker, du havde ingen anelse om, hvor rodet deres proces var – fra tekniske begrænsninger, materielle begrænsninger, budget, personlighedsfejl, til endda psykiske problemer, hvis du vil gå derhen.
Så passerede denne oplysningstid (hvis afslutning begyndte i begyndelsen af 1800-tallet), vi trådte ind i den relativistiske tanke, og der var ikke længere nogen trang til en “realistisk” grafisk repræsentation af verden. Og det er her, at kunsten bliver vanskeligere.
En meget kort historie om moderne og moderne kunst
Huskede du den romantiske periode, hvor det hele handlede om nostalgi, romantik, epicitet og forbindelse til naturen og historien?
Et par år gik, og nogle malere besluttede sig for at fokusere på den relaterbare virkelighed i hverdagen under en bevægelse kaldet impressionismen. Banaliteter kunne være smukke og værd at overveje gennem poetik af lys og bevægelse, der blev udtrykt gennem synlige og følelsesmæssige penselstrøg.
Det var ikke en realistisk gengivelse – det var ikke interessant længere på grund af fotografiet – men det var rigt og bragte nyt liv til det almindelige.
Som andre kunstnere tog disse samme principper for udtryk gennem farve og tekstur og udforskede dem endnu mere og var ikke bange for virkelig at forvrænge motivet for virkelig at formidle deres subjektive oplevelse af virkeligheden. De kaldte det ekspressionisme.
Derpå besluttede flere kunstnere, og nogle af de samme, at gå videre og også udforske subjektiviteten i livet og eksistensen, men ved at forvrænge tidskontinuummet og sammensmelte fortid med nutid og fremtid på en visuel måde. Trippy stuff, ikke sandt? Det er kubismen for dig.
Og kan du også huske den industrielle revolution? Den teknologiske vækst var eksponentiel, og det samme var folks fascination for den. Denne gruppe af fyre tog kubismens koncept om tidsbøjning op og værdsatte fremtidens æstetik som det eneste, der betød noget.
Speed, teknologi, ungdom, vold, industrialisme, nationalisme, hvad som helst, futuristerne var med på det.
Surrealismen handlede allerede om at sætte sig ind i de skinnende helt nye freudianske teorier, hvilket resulterede i nogle ret interessante udforskninger af det ubevidste.
Nogle gjorde det gennem deres teknik, i lighed med ekspressionisterne, andre gjorde det ved at registrere deres første tanker efter at være vågnet op fra en drøm, andre gik bare efter at tegne det første, der faldt dem ind i hovedet, i et forsøg på at handle så ubevidst som muligt, mens de var vågne.
Den grundlæggende idé var at tage selvudtrykket til det næste niveau for at få alle de potentielt pinlige og virkelig dybe ting frem.
Disse udforskninger fortsatte og fortsatte, indtil nogle nåede den absolutte abstraktion. Nogle kunstnere, som Kandinsky, der selv var musiker, blev inspireret af muligheden for, at former og associative farver kunne lyde i en selv.
Midt i denne klynge af kunstbevægelser kom dadaisterne for det nødvendige realitetstjek og for at holde alle på tæerne. De satte stort set spørgsmålstegn ved alt kunstrelateret, på den hardcore måde.
Forestil dig følgende: Det er 1917, og der står en skulptur midt i en udstilling, der hedder “Fountain”, og det er i bund og grund et liggende urinal. De besøgende tog ikke let på det og blev meget vrede. Sandsynligvis var det netop pointen.
Dadaister tvang alle til at sætte spørgsmålstegn ved æstetik og skønhed, brød med begrænsninger, gjorde oprør mod elitismen og adskilte ord fra deres betydning. I sidste ende fik de alle til at tænke over definitionen af kunst, og hvordan “skønhed” og “harmoni” måske ikke nødvendigvis var forudsætninger.
Dette samme spørgsmålstegn ved ideen om harmoni og klassisk skønhed bredte sig i øvrigt til alle kunstområder. Jeg har fokuseret de fleste af eksemplerne og historien på maleriet, men kun fordi det er nemmest at eksemplificere og sammenligne i en artikel.
Men der skete mange interessante ting i musikken, f.eks. hvordan man pludselig kunne bryde skalaerne og matche toner, som før ville blive betragtet som en forfærdelig kombination. Dansen var ikke længere så fokuseret på elegance og tillod sig at være rå og ubehagelig, når det var berettiget.
Her er et godt eksempel på formbrydning med Pina Bauschs dansefortolkning af Igor Stravinskys Forårets ritual.
Det at bryde formene i den klassiske og romantiske æstetik kom til at være en god måde at få adgang til en bredere vifte af følelser, ideer og udtryksformer.
Så som tiden gik, var der en eksponentiel vækst i kunstproduktionen og dermed i antallet af kunstbevægelser og tankestrømme. Så mange, at folk bare begyndte at kalde det for samtidskunst, da udtrykket henviser til den kunst, der produceres på nuværende tidspunkt.
Der skete dusinvis, hvis ikke hundredvis, af kunstneriske bevægelser, men en, der kom omkring den tid og er værd at nævne, var “konceptkunst”: Ideen eller konceptet er det vigtigste aspekt af værket.
Efter mange århundreder med fokus på udførelsen blev det her ligegyldigt og overflødigt, og fokus blev lagt på den planlægning og beslutningstagning, der blev foretaget på forhånd.
Et godt eksempel på konceptuel kunst er Maurizio Bologninis installationskunst “Programmed Machines” fra 1988, hvor personlige computere blev programmeret til at generere strømme af kontinuerligt ekspanderende tilfældige billeder og efterladt til at køre i det uendelige (de fleste af disse fungerer stadig nu).
Konklusion
Når man bliver konfronteret med den slags kunstværker, vil det være det øjeblik, hvor alle typisk ruller med øjnene og hader samtidskunst.
Håber det er lykkedes mig at videregive nok information til i det mindste at få dig til at tænke dig om en ekstra gang i stedet for at afvise sådanne værker med det samme. Og ærligt talt håber jeg, at det er lykkedes mig at åbne jeres sind og hjælpe jer med at forstå, at kunst ikke behøver at være smuk eller behagelig at opleve.
Kunst behøver ikke at være en dybt følelsesmæssig eller intellektuel oplevelse, der straks fejer jer af pinden. Om noget afhænger den oplevelse, du har af kunst, mere af, hvordan du vælger at interagere med den, end af dens egne egenskaber.
Du medbringer al din viden og livbagage, og i sidste ende vil det at nyde kunst være din egen subjektive oplevelse, og du vælger selv, hvor dybt du vil gå.
“Kunst begynder, når et menneske med det formål at formidle en følelse, han engang har oplevet, til andre mennesker, kalder den op igen i sig selv og udtrykker den ved hjælp af visse ydre tegn.” – 1897 / Hvad er kunst af Tolstoj, s.38
“Vi ved alle, at kunst ikke er sandhed. Kunst er en løgn, der får os til at indse sandheden.”
-1972 / Pablo Picasso citeret i Dore Ashtons Picasso on Art
“Ideer alene kan være kunstværker… Alle ideer behøver ikke at blive gjort fysiske… Et kunstværk kan forstås som en dirigent fra kunstnerens sind til beskuerens. Men det kan aldrig nå frem til beskueren, eller det kan aldrig forlade kunstnerens sind.” – 1994 / Sol LeWitt citeret i Art and Its Significance af Stephen David Ross
“Om Mr. Mutt med sine egne hænder har lavet springvandet eller ej, har ingen betydning. Han valgte det. Han tog en almindelig livsgenstand, placerede den således, at dens nyttige betydning forsvandt under en ny titel og et nyt synspunkt (og) skabte en ny tanke for genstanden.” – 1917 / Den blinde mand, 2. udgave, af Marcel Duchamp, Beatrice Wood og Henri-Pierre Roché
Fandt du denne artikel nyttig? Du vil måske også kunne lide disse!
- Minimalisme eller brutalisme: Hvilken en skal du vælge?
- Vi har brug for at få ro på vores teknologi
- Præsentation af servicedesign, og hvorfor du bør interessere dig for det