Dedicarea unei sau mai multor prelegeri istoriei fotografiei le oferă studenților posibilitatea de a analiza dimensiunile estetice, culturale și sociale ale artei prin intermediul unui mediu cu care s-au confruntat de-a lungul vieții lor. Prelegerea de fotografie este, prin urmare, un bun loc pentru a discuta teme mai largi, cum ar fi relația dintre un original și o copie, dintre o imagine și suportul său material și dintre reprezentare și realitate.
Scop: Încă de la mijlocul secolului al XIX-lea, fotografia a fost considerată o reprezentare obiectivă a realității, în ciuda limitărilor sale în ceea ce privește captarea culorii sau a mișcării și a capacității sale de manipulare. Această lecție îi provoacă pe elevi să reflecteze asupra acestor aspecte contradictorii, dar inseparabile ale fotografiei, pentru a lua în considerare rolul fotografiei în știința și arta secolului al XIX-lea. Această lecție se concentrează pe modul în care fotografii au explorat posibilitățile noului mediu într-o varietate de genuri, inclusiv portretul, documentația științifică și fotografia de călătorie și, în cele din urmă, ca mijloc de comunicare în masă și instrument de persuasiune.
Într-o oră și cincisprezece minute, aceste teme pot fi explorate prin intermediul mai multor fotografii, printre care:
Imagini:
- Joseph Nicéphore Niépce, View from the Window at Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, c. 1839
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth and Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Home of a Rebel Sharpshooter, 1863
- Maxime Du Camp, Statue of Ramses the Great at Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in the Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
- (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Japonia, c. 1870
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Fotograf necunoscut, Swimming Party, c. 1890
Descoperirea fotografiei a fost anunțată public în ianuarie 1839, la Academia de Științe din Paris. Artistul și inventatorul dioramei Louis-Jacques-Mandé Daguerre a fost creditat cu invenția a ceea ce a devenit cunoscut sub numele de dagherotip (o imagine fotografică unică captată pe o suprafață foarte lustruită a unei plăci de cupru). Studiile canonice ale fotografiei îl celebrează adesea pe Daguerre ca fiind inventatorul fotografiei, chiar dacă existaseră numeroase experimente anterioare de fixare a imaginii cu camera obscură (latină pentru „cameră obscură”, un dispozitiv optic sub forma unei camere sau a unei cutii prin care o imagine a naturii este proiectată pe un ecran prin intermediul luminii care trece printr-un orificiu în formă de ac).
De exemplu, Daguerre a fost partenerul lui Nicéphore Niépce, care experimentase cu fotografia încă din anii 1820. Fotografia lui Niépce din 1822 care înfățișează priveliștea de la fereastra sa a fost creată prin intermediul unei expuneri de opt ore. În momentul în care Daguerre a realizat priveliștea unui bulevard parizian în 1839, timpul de expunere fusese redus suficient pentru a surprinde o figură care se oprise pentru a-și lustrui pantofii. De ce a fost priveliștea de la o fereastră un subiect atât de popular al primelor fotografii?Satisfăcea nevoia practică de lumină solară combinată cu tradițiile picturii de peisaj pentru a fixa momente altfel trecătoare în imagini precum cea a lui Daguerre.
În Marea Britanie, aristocratul și politologul William Henry Fox Talbot a experimentat, de asemenea, cu fotografia, realizând fotograme ale unor specimene botanice pe hârtie tratată chimic în anii 1830. Talbot credea că fotografia ar putea reprezenta un ajutor valoros pentru oamenii de știință, înregistrând vizual datele pentru interpretare și experimentare. Aflând că procesul lui Daguerre fusese făcut public în ianuarie 1839, Talbot s-a grăbit să anunțe detaliile propriei sale metode. Deși dagherotipul a fost imediat apreciat pentru acuratețea detaliilor sale (este de fapt mai clar la microscop decât privit cu ochiul liber) și datorită publicității făcute de guvernul francez acestui procedeu, procedeul negativ-pozitiv pe hârtie (calotipul) al lui Talbot a fost cel care a stat la baza tuturor fotografiilor ulterioare până în era digitală. Elevii ar putea fi întrebați de ce credeți că procesul negativ-pozitiv a devenit atât de important?
Dezvoltarea fotografiei într-un mediu de masă și o formă puternică de comunicare vizuală este prezisă într-o fotografie a Reading Establishment, o editură fotografică înființată de Talbot. Vedem expuse o serie de utilizări potențiale ale fotografiei: portrete, reproducerea operelor de artă și ilustrații pentru cărți.De ce include Talbot aceste activități? Cum promovează această fotografie calotipul lui Talbot? Asistenții demonstrează realizarea unei fotografii, precum și procesul de imprimare prin lumina soarelui.
Proiectul inițial al firmei a fost Talbot’s Pencil of Nature, prima carte publicată în comerț ilustrată cu fotografii – o piatră de hotar în arta cărții. Titlul cărții indică faptul că fotografiile sunt imagini „desenate” de natura însăși, fără intervenția unui artist. Cu toate acestea, The Open Door (Ușa deschisă), care este a șasea planșă din carte, plasează fotografia în tradiția picturii olandeze de gen. Ce vedeți în această fotografie care vă amintește de picturile olandeze despre care am discutat în clasă? Talbot pune accentul pe detalii, pe contrastul dintre lumină și întuneric, pe utilizarea camerei obscure, pe relația dintre interior și exterior, precum și pe simbolismul obiectelor cotidiene. Aici, lampa simbolizează camera obscura, iar mătura reprezintă iluminarea. Această fotografie se referă la tradiția artistică a realismului: viața de zi cu zi și ceea ce vede ochiul. Deși fotografia a devenit un instrument important pentru artiști, ea nu a fost considerată inițial o formă de artă. Mișcarea de pictură a realismului a apărut cam în aceeași perioadă cu fotografia. Ce au în comun cele două moduri? Cum diferă ele?
Realismul fotografiei a fost folosit în primul rând pentru a surprinde asemănări sub formă de portrete ale celor dragi și ale figurilor notabile. Studiourile comerciale de dagherotipuri au proliferat în orașele din Europa, Statele Unite și, în cele din urmă, în întreaga lume. Până în 1841, timpii de expunere erau de aproximativ 30 de secunde până la un minut, în funcție de lumină, ceea ce făcea mult mai ușoară producerea de imagini la scară comercială – deși studiourile de portrete încă foloseau dispozitive pentru a ține capetele celor care stăteau nemișcate. Portretele daguerrotipice au fost produse în masă și, prin urmare, erau accesibile pentru orice persoană din clasa de mijloc. De ce credeți că fotografiile portret au fost atât de populare?
Studiourile de portrete, cum ar fi studioul operat de Southworth și Hawes, au realizat, de asemenea, fotografii ale celebrităților și politicienilor, și au pus în scenă aceste imagini pentru a arăta ca niște picturi. De ce? Ce credeți că sugerează atributele acestui portret al lui Rufus Choate? În ce fel este similar sau diferit de alte portrete pe care le-ați văzut în clasă?Elevii ar putea fi rugați să analizeze modul în care experiența privitorului s-a schimbat pe măsură ce portretele și-au schimbat formatul de la picturile de lux în ulei pe un perete la micile dagherotipuri ținute în mână și produse în masă.
Julia Margaret Cameron a aplicat, de asemenea, principiile estetice ale picturii la fotografiile de portret. Apucându-se de fotografie la vârsta de 49 de ani, după ce a primit un aparat de fotografiat de la copiii ei, ea a folosit colodiu umed pe negative de sticlă și printuri albume pentru a surprinde elita intelectuală din cercul ei social de clasă superioară. Alegerea subiecților pe care Cameron i-a ales dintre luminile Marii Britanii a fost atât convenabilă (a locuit alături de Alfred Lord Tennyson), cât și strategică: portretele celebrităților erau un beneficiu comercial pentru fotografi. Portretele lui Cameron, printre care se numără și cel al celebrului om de știință și fotograf timpuriu John Herschel, au sfidat convențiile prin folosirea unei lumini dramatice și renunțarea la o focalizare clară în favoarea unor efecte artistice conștiincioase care au atras privitorii familiarizați cu clar-obscurul lui Rembrandt și cu tradițiile romantismului. Presa fotografică a criticat nerespectarea de către Cameron a „regulilor” fotografiei, ceea ce însemna o respectare strictă a clarității detaliilor și a imprimării fără cusur. Cu ce se deosebește un portret ca cel al lui Cameron de cel al femeii anonime care ține în mână un dagherotip sau chiar de cel al lui Rufus Choate?
Pictorul Oscar Rejlander, cu care Cameron a studiat pentru scurt timp, a creat, de asemenea, fotografii cu ambiții artistice. Lucrarea sa Two Ways of Life (Două moduri de viață) s-a inspirat din compoziția Școlii din Atena a lui Rafael și a fost compusă din 30 de negative separate într-o imprimare combinată. Ea înfățișează doi tineri care aleg între virtute sau viciu. Fotografia lui Rejlander demonstrează că, deși fotografia era văzută ca un mediu veridic, ea putea fi, de asemenea, manipulată. Two Ways of Life este o reprezentare alegorică a moralei victoriene și a fost achiziționată de soțul Reginei Victoria, Prințul Albert, un prim exemplu de sprijin oficial al guvernului pentru fotografie ca formă de artă.
Rejlander și Cameron au contestat statutul fotografiei ca o copie fidelă a realității în căutarea artei. În timpul Războiului Civil American, timpii lungi de expunere nu permiteau surprinderea bătăliilor. Cu toate acestea, fotografiile au adus acasă realitatea grafică a războiului într-un mod în care pictura nu o putea face, deoarece spectatorii au înțeles că ceea ce vedeau în fotografie a existat cândva în fața camerei. Publicația lui Alexander Gardner, Photographic Sketchbook of the War, combină fotografiile cu povești de război. El a tipărit negative de la o varietate de fotografi, inclusiv de la el însuși. În Home of the Rebel Sharpshooter din 6 iulie 1863, Gardner a târât cadavrul unui soldat și l-a așezat cu o armă care nu era a unui trăgător de elită pentru a crea o narațiune. Prin ce se deosebește această fotografie de alte reprezentări ale bătăliei pe care le-am văzut în clasă? Deși compusă, această fotografie a înfățișat brutalitatea războiului într-un mod ne-romantic. De exemplu, elevii ar putea compara această fotografie cu The Death of General Wolfe (Moartea generalului Wolfe) de Benjamin West (1770).
Capacitățile de documentare ale fotografiei au făcut din ea un instrument puternic de persuasiune publică. Văzând acest potențial, guvernele au însărcinat fotografi să înregistreze evenimentele politice, patrimoniul cultural și alte activități de stat.
De exemplu, fotografia a fost folosită în calitate oficială pentru a documenta locuri îndepărtate și monumente importante, făcându-le mai accesibile unui public mai larg și păstrând trecutul pentru posteritate. Maxime Du Camp a folosit calotipul pentru a documenta ruinele monumentale și hieroglifele din Egipt pentru guvernul francez în 1850. El a creat aproximativ două sute de negative pe hârtie și a publicat printuri în albume de câte 25 de exemplare în 1851. Du Camp a călătorit împreună cu scriitorul Gustave Flaubert; cei doi au căutat scene pitorești, aducând cu ei convenții estetice consacrate. viziunea europeană asupra Egiptului și a Orientului era că acesta era exotic și necivilizat. Pentru europeni, egiptenii nu-și puteau gestiona propriul patrimoniu cultural și, prin urmare, proiectul lui Du Camp a fost văzut ca o prezervare a monumentelor antice împotriva pierderii lor în timp. Cum putem vedea acest simț al trecerii timpului înregistrat în fotografia lui Du Camp?
În Statele Unite, fotografi precum Timothy O’Sullivan au călătorit în expedițiile vestice pentru a cerceta peisajul și resursele naturale ale Americii în vederea unei viitoare colonizări și exploatări economice, îndeplinind misiunea destinului manifest. O’Sullivan își făcuse începuturile fotografiind Războiul Civil. Fotografiile sale din Vest, ca și cele ale lui Du Camp, poartă cu ele valori culturale predominante. Astfel, peisajul era înscris în ideile curente despre progres – calea ferată transcontinentală a fost finalizată în 1869 – și predestinat pentru dezvoltare și prosperitate. Fotografiile lui O’Sullivan au circulat în albume de prezentare printre oficialii guvernamentali, dar pentru publicul larg au circulat în primul rând sub formă de gravuri și stereografii.
Comparând două fotografii documentare realizate de Du Camp și O’Sullivan, ce fel de informații transmit ele? Cum se aseamănă/diferă ele din punct de vedere vizual? Cum ar fi putut fi ele documente utile?
Călătorii în fotoliu rulant din Europa și Statele Unite erau dornici de fotografii care să descrie ceea ce ei percepeau ca fiind locuri și oameni exotici. Stereograful, care valorifica viziunea binoculară pentru a crea o imagine aparent tridimensională atunci când este privită printr-un stereoscop, a încântat privitorii făcând ca aceste figuri sau peisaje să pară și mai realiste. Cărțile stereografice ieftine și de colecție au devenit o distracție de salon în rândul clasei de mijloc. Stereoscopul este un prim exemplu al modului în care fotografia prăbușește timpul și distanța, făcând lumea comprehensibilă doar prin simplul act de a privi.
Eadweard Muybridge a contribuit la progresele tehnologice ale fotografiei, explorând în același timp utilizarea acesteia ca instrument în experimentele științifice. El a documentat mersul unui cal atunci când se afla în plin galop. Instalând o serie de camere stereoscopice cu obturatoare activate de cabluri de declanșare, Muybridge a reușit să capteze galopul în stop motion, demonstrând că toate picioarele calului părăsesc solul în același timp. Acest lucru a avut implicații pentru artiști, care, încă din preistorie, foloseau poziția „calului care se balansează” pentru a înfățișa cai galopând. Muybridge a călătorit în Statele Unite și în Marea Britanie, prezentând prezentări de diapozitive cu lanterne magice ale fotografiilor sale din seria Animal Locomotion, pentru care a realizat serii de fotografii cu animale și oameni angajați în diverse mișcări. El a experimentat, de asemenea, cu primele mijloace de producere a imaginilor în mișcare, ajutând la deschiderea drumului pentru cinematografie.
Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, fotografia a devenit și mai accesibilă pentru omul obișnuit. George Eastman a fondat compania Kodak, care a vândut aparate foto produse în masă care veneau preîncărcate cu o bandă de film capabilă de 100 de expuneri. În schimbul unei taxe, întregul aparat foto era trimis la Kodak pentru a fi developat, iar fotografiile erau returnate, împreună cu aparatul reîncărcat. Punerea aparatului foto în mâinile mamelor, copiilor și prietenilor a însemnat că detaliile vieții de zi cu zi puteau fi înregistrate în mod spontan oriunde. Cum putem vedea astăzi efectele inovației lui Eastman?
The Bigger Picture: De la portretele dagherotipice fabricate ieftin la publicațiile fotografice și la aparatele Kodak, fotografia din secolul al XIX-lea a devenit cu adevărat un mediu de masă. Fotografia a avut, de asemenea, un impact semnificativ asupra artei, deoarece în a fost înțeleasă ca fiind standardul de aur al realismului optic. Cursurile despre realism și impresionism vor aborda modul în care pictorii au început să reacționeze și să folosească fotografia în lucrările lor, iar într-o sesiune viitoare despre fotografie vom discuta despre modul în care un grup de fotografi cunoscuți sub numele de pictorialiști au îmbrățișat fotografia ca un mediu artistic de sine stătător.
.