Poświęcenie wykładu lub wykładów historii fotografii daje studentom możliwość rozważenia estetycznego, kulturowego i społecznego wymiaru sztuki poprzez medium, z którym obcowali przez całe życie. Wykład o fotografii jest zatem dobrym miejscem do omówienia większych tematów, takich jak związek oryginału z kopią, obrazu z jego materialnym wsparciem i reprezentacji z rzeczywistością.
Zakres: Od połowy dziewiętnastego wieku fotografia była uważana za obiektywną reprezentację rzeczywistości, pomimo jej ograniczeń w odniesieniu do uchwycenia koloru lub ruchu i jej zdolności do manipulacji. Ta lekcja wymaga od uczniów refleksji nad tymi sprzecznymi, ale nierozłącznymi aspektami fotografii, aby rozważyć rolę fotografii w nauce i sztuce XIX wieku. Ta lekcja skupia się na tym, jak fotografowie badali możliwości nowego medium w różnych gatunkach, w tym portrecie, dokumentacji naukowej i fotografii podróżniczej, a ostatecznie jako medium masowe i narzędzie perswazji.
W ciągu godziny i piętnastu minut, te tematy mogą być zbadane przez wiele fotografii, w tym:
Obrazy:
- Joseph Nicéphore Niépce, View from the Window at Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, c. 1839
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth and Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Home of a Rebel Sharpshooter, 1863
- Maxime Du Camp, Statue of Ramses the Great at Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in the Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
- (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Japonia, około 1870
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Nieznany fotograf, Swimming Party, około 1890
Odkrycie fotografii zostało ogłoszone publicznie w styczniu 1839 roku w Akademii Nauk w Paryżu. Artysta i wynalazca dioramy Louis-Jacques-Mandé Daguerre został uznany za wynalazcę tego, co stało się znane jako dagerotypia (unikalny obraz fotograficzny uchwycony na wysoko wypolerowanej powierzchni miedzianej płyty). Kanoniczne badania fotografii często celebrują Daguerre’a jako wynalazcę fotografii, mimo że istniały liczne wcześniejsze eksperymenty utrwalania obrazu camera obscura (łac. „ciemny pokój”, urządzenie optyczne w formie pokoju lub pudełka, przez które obraz natury jest wyświetlany na ekranie za pomocą światła przechodzącego przez otwór).
Na przykład, Daguerre współpracował z Nicéphore Niépce, który eksperymentował z fotografią od lat 20-tych XIX wieku. Zdjęcie Niépce’a z 1822 roku przedstawiające widok z jego okna powstało dzięki ośmiogodzinnej ekspozycji. Gdy w 1839 roku Daguerre wykonał swoje zdjęcie paryskiego bulwaru, czas naświetlania został skrócony na tyle, by uchwycić jedną postać, która zatrzymała się, by wypastować buty. Dlaczego widok z okna był tak popularnym tematem wczesnych fotografii? Zaspokajał praktyczną potrzebę światła słonecznego w połączeniu z tradycjami malarstwa pejzażowego, aby utrwalić ulotne chwile na obrazach takich jak Daguerre’a.
W Wielkiej Brytanii arystokrata i polimata William Henry Fox Talbot również eksperymentował z fotografią, tworząc fotogramy okazów botanicznych na papierze poddanym obróbce chemicznej w latach 30. XIX wieku. Talbot wierzył, że fotografia może stanowić cenną pomoc dla naukowców, rejestrując dane w formie wizualnej w celu ich interpretacji i eksperymentowania. Słysząc, że proces Daguerre’a został upubliczniony w styczniu 1839 roku, Talbot pospieszył się z ogłoszeniem szczegółów swojej własnej metody. Chociaż dagerotypia została natychmiast podchwycona ze względu na ostrość szczegółów (pod mikroskopem jest wyraźniejsza niż gołym okiem) i z powodu nagłośnienia procesu przez rząd francuski, to właśnie negatywowo-pozytywowy proces Talbota na papierze (kalotypia) stał się podstawą całej późniejszej fotografii aż do ery cyfrowej. Uczniowie mogą zostać zapytani, jak sądzisz, dlaczego proces negatywowo-pozytywowy stał się tak ważny?
Rozwój fotografii jako masowego medium i silnej formy komunikacji wizualnej jest przedstawiony na fotografii Reading Establishment, fotograficznej firmy wydawniczej założonej przez Talbota. Widzimy tu szereg potencjalnych zastosowań fotografii: portrety, reprodukcje dzieł sztuki i ilustracje do książek. Dlaczego Talbot uwzględnia te działania? W jaki sposób ta fotografia promuje kalotypię Talbota? Asystenci demonstrują robienie fotografii, a także proces drukowania światłem słonecznym.
Początkowym projektem firmy był Pencil of Nature Talbota, pierwsza komercyjnie wydana książka ilustrowana fotografiami – kamień milowy w sztuce książki. Tytuł książki wskazuje, że fotografie są obrazami „rysowanymi” przez samą naturę, bez ingerencji artysty. Jednak The Open Door, szósta płyta w książce, umieszcza fotografię w tradycji holenderskiego malarstwa rodzajowego. Co widzisz w tej fotografii, co przypomina Ci holenderskie malarstwo, o którym rozmawialiśmy na zajęciach? Talbot kładzie nacisk na detal, kontrast światła i ciemności, użycie camera obscura, relacje między wnętrzem a zewnętrzem, a także symbolikę przedmiotów codziennego użytku. Tutaj lampa symbolizuje camera obscura, a miotła – oświecenie. Fotografia ta odnosi się do artystycznej tradycji realizmu: codzienności i tego, co widzi oko. Chociaż fotografia stała się ważnym narzędziem dla artystów, początkowo nie była uważana za formę sztuki. Ruch malarski realizmu pojawił się mniej więcej w tym samym czasie, co fotografia. Co te dwa sposoby mają ze sobą wspólnego? Czym się różnią?
Realizm fotografii został wykorzystany przede wszystkim do uchwycenia podobieństw w postaci portretów bliskich i godnych uwagi postaci. Komercyjne pracownie dagerotypii mnożyły się w miastach całej Europy, Stanów Zjednoczonych, a w końcu na całym świecie. W 1841 roku czas naświetlania wynosił około 30 sekund do minuty w zależności od oświetlenia, co znacznie ułatwiło produkcję obrazów na skalę komercyjną – choć studia portretowe nadal używały urządzeń do utrzymywania głów portretowanych w bezruchu. Portrety dagerotypowe były produkowane na skalę masową i dlatego mogły sobie na nie pozwolić wszystkie osoby z klasy średniej. Jak sądzisz, dlaczego fotografie portretowe były tak popularne? Studia portretowe, takie jak studio prowadzone przez Southwortha i Hawesa, wykonywały również zdjęcia celebrytów i polityków, a także inscenizowały te obrazy, aby wyglądały jak obrazy. Dlaczego? Jak sądzisz, co sugerują atrybuty tego portretu Rufusa Choate’a? Jak jest podobny lub inny od innych portretów, które widzieliście w klasie? Uczniowie mogą zostać poproszeni o zastanowienie się, jak zmieniło się doświadczenie widza, gdy portrety zmieniły format z luksusowych obrazów olejnych na ścianie na małe ręczne i masowo produkowane dagerotypy.
Julia Margaret Cameron również zastosowała estetyczne zasady malarstwa do fotografii portretowych. Zajmując się fotografią w wieku 49 lat po otrzymaniu aparatu od swoich dzieci, używała mokrego kolodionu na szklanych negatywach i odbitkach albuminowych, aby uchwycić intelektualną elitę ze swojego wyższego kręgu społecznego. Wybór Cameron spośród brytyjskich luminarzy był zarówno wygodny (mieszkała obok Alfreda Lorda Tennysona), jak i strategiczny: portrety celebrytów były komercyjnym dobrodziejstwem dla fotografów. Portrety Cameron, w tym sławnego naukowca i wczesnego fotografa Johna Herschela, przeczyły konwencjom, stosując dramatyczne oświetlenie i rezygnując z ostrej ostrości na rzecz sumiennie artystycznych efektów, które przemawiały do widzów zaznajomionych ze światłocieniem Rembrandta i tradycjami romantyzmu. Prasa fotograficzna krytykowała lekceważenie przez Camerona „zasad” fotografii, które oznaczały ścisłe przestrzeganie ostrości szczegółów i bezproblemowy druk. Czym różni się portret Camerona od anonimowej kobiety trzymającej dagerotyp lub nawet portretu Rufusa Choate’a?
Malarz Oscar Rejlander, u którego Cameron krótko studiował, również tworzył fotografie o ambicjach artystycznych. Jego Dwie drogi życia czerpały z kompozycji Szkoły Ateny Rafaela i składały się z 30 oddzielnych negatywów w odbitce łączonej. Przedstawia dwóch młodych mężczyzn wybierających między cnotą a występkiem. Fotografia Rejlandera pokazuje, że choć fotografia była postrzegana jako medium prawdziwe, to można było nią również manipulować. Two Ways of Life jest alegoryczną reprezentacją wiktoriańskiej moralności i została zakupiona przez męża królowej Wiktorii, księcia Alberta, co stanowi wczesny przykład oficjalnego wsparcia rządu dla fotografii jako formy sztuki.
Rejlander i Cameron zakwestionowali status fotografii jako wiernej kopii rzeczywistości w dążeniu do sztuki. Podczas amerykańskiej wojny secesyjnej, długie czasy naświetlania nie pozwalały na uchwycenie bitew. Mimo to fotografie przybliżyły graficzną rzeczywistość wojny w sposób, w jaki nie mogło tego zrobić malarstwo, ponieważ widzowie rozumieli, że to, co widzą na zdjęciu, kiedyś istniało przed aparatem. Alexander Gardner w swojej publikacji Photographic Sketchbook of the War połączył fotografie z opowieściami wojennymi. Drukował on negatywy od różnych fotografów, w tym od siebie. W Home of the Rebel Sharpshooter z 6 lipca 1863 r. Gardner przeciągnął zwłoki żołnierza i ustawił je z bronią, która nie należała do sharpshootera, aby stworzyć narrację. Czym ta fotografia różni się od innych przedstawień bitwy, które oglądaliśmy na zajęciach? Chociaż skomponowana, ta fotografia przedstawia brutalność wojny w nieromantyczny sposób. Na przykład, uczniowie mogą porównać tę fotografię do The Death of General Wolfe Benjamina Westa (1770).
Dokumentalne możliwości fotografii sprawiły, że stała się ona potężnym narzędziem perswazji publicznej. Widząc ten potencjał, rządy zlecały fotografom rejestrowanie wydarzeń politycznych, dziedzictwa kulturowego i innych działań państwa.
Na przykład, fotografia była używana w oficjalnym charakterze do dokumentowania odległych miejsc i ważnych zabytków, czyniąc je bardziej dostępnymi dla szerszej publiczności i zachowując przeszłość dla potomnych. Maxime Du Camp użył kalotypii, aby udokumentować monumentalne ruiny Egiptu i hieroglify dla rządu francuskiego w 1850 roku. Stworzył około dwustu papierowych negatywów, a w 1851 roku wydał odbitki w albumach po 25 sztuk. Du Camp podróżował z pisarzem Gustave’em Flaubertem; obaj szukali malowniczych scen, przywożąc ze sobą ustalone konwencje estetyczne. Europejski pogląd na Egipt i Wschód był egzotyczny i niecywilizowany. Dla Europejczyków Egipcjanie nie potrafili zarządzać swoim własnym dziedzictwem kulturowym, dlatego projekt Du Campa był postrzegany jako ochrona starożytnych zabytków przed ich utratą na rzecz czasu. Jak możemy zobaczyć to poczucie upływu czasu zarejestrowane w fotografii Du Campa?
W Stanach Zjednoczonych fotografowie tacy jak Timothy O’Sullivan podróżowali na zachodnie ekspedycje badające krajobraz i zasoby naturalne Ameryki pod kątem przyszłego osadnictwa i eksploatacji gospodarczej, wypełniając misję manifestu przeznaczenia. O’Sullivan rozpoczął swoją przygodę z fotografowaniem wojny secesyjnej. Jego fotografie Zachodu, podobnie jak Du Camp, niosą ze sobą dominujące wartości kulturowe. Krajobraz był więc wpisany w aktualne idee postępu – kolej transkontynentalna została ukończona w 1869 roku – i predestynowany do rozwoju i dobrobytu. Fotografie O’Sullivana krążyły w albumach prezentacyjnych wśród urzędników państwowych, ale dla ogółu społeczeństwa głównie jako odbitki i stereografie.
Porównując dwie dokumentalne fotografie Du Campa i O’Sullivana, jakiego rodzaju informacje przekazują? W jaki sposób są podobne/różnią się wizualnie? Jak mogły być użytecznymi dokumentami?
Podróżnicy na wózkach w Europie i Stanach Zjednoczonych byli chętni do fotografii przedstawiających to, co postrzegali jako egzotyczne miejsca i ludzi. Stereograf, który wykorzystuje widzenie obuoczne, aby stworzyć pozornie trójwymiarowy obraz, gdy patrzy się na niego przez stereoskop, zachwycił widzów, sprawiając, że te postacie i krajobrazy wydawały się jeszcze bardziej realistyczne. Tanie i kolekcjonerskie stereokarty stały się rozrywką w salonie dla klasy średniej. Stereoskop jest doskonałym przykładem tego, jak fotografia załamuje czas i odległość, czyniąc świat zrozumiałym jedynie poprzez akt patrzenia.
Eadweard Muybridge przyczynił się do postępu technologicznego fotografii, jednocześnie badając jej zastosowanie jako narzędzia w eksperymentach naukowych. Udokumentował chód konia w pełnym galopie. Ustawiając serię kamer stereoskopowych z migawkami uruchamianymi przez druty wyzwalające, Muybridge był w stanie uchwycić galop w ruchu poklatkowym, udowadniając, że wszystkie nogi konia opuszczają ziemię w tym samym czasie. Miało to znaczenie dla artystów, którzy od czasów prehistorycznych wykorzystywali pozycję „konia na biegunach” do przedstawiania galopujących koni. Muybridge podróżował po Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii, organizując pokazy zdjęć z serii Animal Locomotion, w ramach której wykonywał serie zdjęć zwierząt i ludzi wykonujących różne ruchy. Eksperymentował także z wczesnymi środkami produkcji ruchomych obrazów, pomagając utorować drogę kinu.
Pod koniec XIX wieku fotografia stała się jeszcze bardziej dostępna dla przeciętnego człowieka. George Eastman założył firmę Kodak, która sprzedawała masowo produkowane aparaty fotograficzne, które były fabrycznie załadowane paskiem filmu zdolnym do wykonania 100 ekspozycji. Za opłatą można było wysłać cały aparat do Kodaka w celu wywołania, a odbitki były zwracane wraz z ponownie załadowanym aparatem. Oddanie aparatu w ręce matek, dzieci i przyjaciół oznaczało, że szczegóły codziennego życia mogły być spontanicznie rejestrowane w dowolnym miejscu. Jak możemy dziś zobaczyć efekty innowacji Eastmana?
Większy obraz: Od tanio produkowanych portretów dagerotypowych do publikacji fotograficznych i aparatów Kodaka, dziewiętnastowieczna fotografia naprawdę stała się medium masowym. Fotografia wywarła również znaczący wpływ na sztukę, ponieważ w tym czasie została uznana za złoty standard optycznego realizmu. Zajęcia na temat realizmu i impresjonizmu będą dotyczyły tego, w jaki sposób malarze zaczęli reagować na fotografię i wykorzystywać ją w swoich pracach, a w przyszłej sesji na temat fotografii omówimy, w jaki sposób grupa fotografów znanych jako piktorialiści przyjęła fotografię jako artystyczne medium samo w sobie.