Läsning av det föregående kapitlet kommer att göra den här texten mycket mer begriplig, men om du verkligen måste hoppa över det, så finns här lite sammanhang: Jag har beslutat att det bästa sättet att förklara vad som är konst är att förstå lite historia, lite filosofi och lite teknik.
Inte för att det kommer att ge dig ett tydligt svar, utan för att det kommer att ge dig en del legitimt kritiskt tänkande. Och sedan, vem vet, kanske du till och med har informerade åsikter.
Så, vad är konst?
Efter många århundraden då konstnärliga perioder definierades av politiska, sociala och ekonomiska sammanhang och inte så mycket av individuell smak, skedde en gradvis förändring av hur information förvärvades och delades.
Den vetenskapliga metoden befäste kunskapsinhämtningen och den industriella revolutionen förändrade landskapet för hur människor levde och arbetade. Den därav följande uppkomsten av en medelklass gjorde det möjligt för många fler människor att utbilda sig – vilket gjorde slut på en del av den elitism som definierat utbildningen hittills.
Man lever längre, man lever bättre, man vet mer och kreativiteten föds. Detta hände långt fler människor än under tidigare århundraden som antingen definierades av knapphet, krig och/eller religiös extremism.
Det var på detta sätt som konsten blev mer demokratisk och följaktligen mer tillgänglig för individuella, personliga och känslomässiga uttryck.
Zeitgeist
Zeitgeist är den dominerande uppsättning ideal och uppfattningar som motiverar handlingarna hos medlemmarna i ett samhälle under en viss tidsperiod och det översätts bokstavligen från tyskan som ”tidssinne” eller ”tidsanda”.
Georg Hegel använde egentligen aldrig detta ord, men i sina verk, till exempel Lectures on the Philosophy of History, säger han följande:
”Ingen människa kan överträffa sin egen tid, för sin tids anda är också hans egen anda”. – Georg Hegel
Denna idé är nära förknippad med Hegels syn på konst. I detta paradigm kommer det som konstnären skapar att återspegla kulturen i den givna tiden. Konstnären är en oundviklig produkt av den tiden och kommer därför att föra in den kulturen i sin konst.
Tidgeistteorin ställer sig skarpt mot en teori från 1800-talet av Thomas Carlyle som kallas The Great Man Theory, där individer besitter de egenskaper som gör dem till stora ledare.
Dessa egenskaper, i kombination med gudomlig inspiration, kommer att göra det möjligt för dem att erhålla maktpositioner och följaktligen forma historien.
”Världens historia är inget annat än de stora männens biografi”. – Thomas Carlyle
Tolstoj hade inget emot det och i sin bok Krig och fred anser han att de stora individernas betydelse är imaginär: de är bara historiens slavar. Herbert Spencer gick så långt att han sade att han ansåg att Carlyles idéer var hopplöst primitiva, barnsliga och ovetenskapliga.
Och sanningsenligt sett vilar teorin om den stora människan på antagandet om oviktiga och medfödda färdigheter och bortser från det stora pussel som utgör vårt universum. Den ignorerar hur allting är en konsekvens, av en konsekvens, av en konsekvens.
Och låt oss inte ens komma in på begreppet ”fri vilja” i det här inlägget – vi måste akta oss för detta kaninhål.
Detta innebär i princip att konst logiskt sett omöjligen kan vara denna esoteriska sak som springer ur vissa individers förträfflighet, eller föds ur ren lycka, fantastisk ”talang” eller medfödd skicklighet hos några riktigt lyckligt lottade människor.
Man skulle till och med kunna säga att ”skicklighet” är ett mycket relativt begrepp när det gäller konst. Det innebär teknisk behärskning, men olika nivåer av teknisk kunskap har format konsten sedan dess begynnelse, och därför är ”skicklighet” eller ”teknik” mycket osäkra standarder för kvalitet.
Konst kontra hantverk
Låt oss ta ett mycket grundläggande begrepp som linjärt perspektiv eller, enkelt uttryckt: det sätt på vilket objekt verkar vara mindre när de befinner sig på längre avstånd.
Dess studier och geometriska utforskande inom visuell representation började först på 1300-talet under den italienska renässansen, och det tog fortfarande en del tid innan det var fulländat och ordentligt förstått.
Denna tekniska förståelse blev uppenbar i alla konstnärliga arbeten från och med då, medan alla grafiska arbeten som producerades före den tiden bevarade denna nästan bisarra aura av ett misslyckat försök att vara tredimensionell.
Men var det misslyckat? Eller var det så att realism i framställningen vid denna tidpunkt helt enkelt inte var en kanon? Vad kom först: behovet av realistisk grafisk representation eller de tekniker som gjorde det möjligt att producera den? Spelar det någon roll om man skapar av förmåga eller av val? Är tekniken en standard för kvalitet i konsten?
Till exempel grekiska vaser. De är svarta med djupt orangefärgade figurer och utsmyckningar. Det anses av många vara ett vackert konstverk med en fantastisk färgkombination som har en minimalistisk men ändå mystisk och uppslukande effekt, som uppnås genom de historier som deras bilder berättar.
Och så har vi kinesiskt porslin. Det är ** färgglatt, delikat, dess teckningar är detaljrika och deras figurer förflyttar oss till en kultur som är fylld av intressant mytologi.**
Tyvärr har jag inte studerat dem lika djupt som den hellenistiska civilisationen, så det är inte mycket jag kan berätta om dessa vasers när och varför.
Men jag kan säga så här mycket: de grekiska vaserna är svarta och djupt röda inte tack vare bläck, utan tack vare ett material som när det appliceras på deras yta förvandlar leran till svart efter kokning. Det finns ingen färgplockning inblandad.
Dikterade tekniken estetiken eller var det tvärtom? Var det en självpåtagen begränsning eller genererade den tekniska begränsningen stilen? Är det kinesiska porslinet överlägset eftersom dess definierande egenskaper är resultatet av en mer mångsidig och tekniskt avancerad teknik? Är det ena mer konst än det andra?
Finalt: målade Pablo Picasso en kvinna på detta sätt för att han inte visste hur han skulle göra det på ett realistiskt sätt, eller var det ett val? Jag kan säga att han mycket väl visste hur man målar realistiskt (se bilden nedan), men är förekomsten eller frånvaron av valfrihet något slags validering av det konstnärliga uttrycket?
Det är en farlig princip att följa, eftersom den kan ogiltigförklara alla arbeten som utförts under de begränsningar som kan begränsa det fria valet, som teknisk kunskap, pengar, tid med mera. Om du ser tillbaka på allt du hittills har lärt dig om konsthistoria kommer du att upptäcka att allting har begränsningar och att konsten har formats av material, tekniker, religion, samhälle och mycket annat. Alla har formats av tidsandan.
Att använda avsaknad eller närvaro av valmöjligheter som en standard för kvalitet innebär att man ogiltigförklarar många verk genom hela den moderna och antika historien. Konstverk som du inte hade en aning om hur rörig deras process var – från tekniska begränsningar, materialbegränsningar, budget, personlighetsmissförhållanden, till till och med psykiska problem om du vill gå dit.
Så passerade denna upplysningsålder (vars slut inleddes i början av 1800-talet), vi gick in i det relativistiska tänkandet och det fanns inte längre någon vurm för en ”realistisk” grafisk representation av världen. Och det är då som konsten blir knepigare.
Extremt kortfattad historia om modern och samtida konst
Håller du minnet av den romantiska perioden där allt handlade om nostalgi, romantik, episkhet och koppling till naturen och historien?
Ett par år passerade och några målare bestämde sig för att fokusera på den relaterbara verkligheten i vardagen under en rörelse som kallades impressionismen. Banaliteter kunde vara vackra och värda att betrakta genom poetik av ljus och rörelse, som uttrycktes genom synliga och känslomässiga penseldrag.
Det var ingen realistisk representation – det var inte intressant längre på grund av fotografiet – men det var rikt och gav nytt liv åt det vanliga.
En del andra konstnärer tog samma uttrycksprinciper genom färg och textur och utforskade dem ytterligare, och var inte rädda för att verkligen förvränga motivet för att verkligen förmedla sin subjektiva upplevelse av verkligheten. De kallade det expressionism.
Därefter bestämde sig fler konstnärer, och några av samma, för att gå vidare och också utforska livets och existensens subjektivitet, men genom att förvränga tidskontinuumet, och smälta samman det förflutna med nutid och framtid på ett visuellt sätt. Trippiga saker, eller hur? Det är kubism för dig.
Och minns du den industriella revolutionen? Den tekniska tillväxten var exponentiell, och så var också människors fascination för den. Den här gruppen killar plockade upp kubismens koncept om tidsförskjutning och värderade framtidens estetik som det enda som betydde något.
Snabbhet, teknik, ungdom, våld, industrialism, nationalism, vad som helst, futuristerna höll på med det.
Redan nu handlade surrealismen om att sätta sig in i de där glänsande, splitternya freudianska teorierna, vilket resulterade i en del ganska intressanta utforskningar av det undermedvetna.
En del gjorde det genom sin teknik, på samma sätt som expressionisterna, en del gjorde det genom att registrera sina första tankar efter att ha vaknat upp från en dröm, en del ritade bara det första de tänkte på, i ett försök att agera så omedvetet som möjligt när de var vakna.
I grund och botten var tanken att ta självuttrycket till nästa nivå för att få ut alla potentiellt pinsamma och verkligt djupa saker.
Dessa utforskningar fortsatte och fortsatte tills vissa nådde absolut abstraktion. Vissa konstnärer, som Kandinsky som själv var musiker, blev inspirerade av möjligheten att former och associativa färger skulle kunna klinga i en själv.
Mitten i detta kluster av konströrelser kom dadaisterna för den nödvändiga verklighetskontrollen, för att hålla alla på tårna. De ifrågasatte i stort sett allt som hade med konst att göra, på det hardcore sättet.
Föreställ dig följande: Det är 1917 och det finns en skulptur mitt i en utställning som heter ”Fountain” och som i princip är en liggande urinoar. Besökarna tog inte lätt på det och blev väldigt arga. Förmodligen var det just det som var meningen.
Dadaister tvingade alla att ifrågasätta estetik och skönhet, bröt mot begränsningar, revolterade mot elitism och separerade orden från deras innebörd. I slutändan fick de alla att tänka på definitionen av konst, och hur ”skönhet” och ”harmoni” kanske inte nödvändigtvis var krav.
Detta samma ifrågasättande av idén om harmoni och klassisk skönhet sträckte sig förresten till alla konstområden. Jag har fokuserat de flesta exemplen och historien på måleriet, men bara för att det är lättast att exemplifiera och jämföra i en artikel.
Men många intressanta saker hände inom musiken, till exempel hur man helt plötsligt kunde bryta skalor och matcha toner som tidigare skulle ha betraktats som en hemsk kombination. Dansen var inte längre så fokuserad på elegans och tillät sig att vara rå och obehaglig när det var befogat.
Här är ett bra exempel på formbrytning med Pina Bauschs danstolkning av Igor Stravinskijs Rite of Spring.
Att bryta den klassiska och romantiska estetikens formar kom att bli ett utmärkt sätt att få tillgång till ett bredare spektrum av känslor, idéer och uttryckssätt.
Så med tiden skedde en exponentiell ökning av konstproduktionen och följaktligen av antalet konströrelser och tankeströmningar. Så många att folk bara började kalla det för samtidskonst, eftersom termen hänvisar till den konst som produceras vid den aktuella tidsperioden.
Det fanns dussintals, om inte hundratals, konstnärliga rörelser som pågick, men en som kom vid den tiden och som är värd att nämna var ”konceptuell konst”: idén eller konceptet är den viktigaste aspekten av verket.
Efter att ha fokuserat på utförandet i många århundraden blev det här slarvigt och överflödigt, och fokus låg på planeringen och beslutsfattandet som gjordes i förväg.
Ett bra exempel på konceptuell konst är Maurizio Bologninis installationskonst ”Programmed Machines” från 1988, där persondatorer programmerades för att generera flöden av kontinuerligt expanderande slumpmässiga bilder och lämnades att köras i all oändlighet (de flesta av dessa fungerar fortfarande nu).
Slutsats
När man konfronteras med den här typen av konstverk skulle det vara det ögonblick då typiskt sett alla rullar med ögonen och hatar samtidskonsten.
Förhoppningsvis har jag lyckats förmedla tillräckligt med information för att åtminstone få dig att tänka till en extra gång i stället för att omedelbart avfärda sådana verk. Och sanningsenligt hoppas jag att jag lyckats öppna era sinnen och hjälpa er att förstå att konst inte behöver vara vacker eller trevlig att uppleva.
Konst behöver inte vara en djupt känslomässig eller intellektuell upplevelse som genast sveper er över. Om något beror upplevelsen du har av konst mer på hur du väljer att interagera med den än på dess egna egenskaper.
Du tar med dig all din kunskap och ditt livs bagage och i slutändan blir det att njuta av konst din egen subjektiva upplevelse, och du väljer själv hur djupt du vill gå.
”Konsten börjar när en människa, i syfte att kommunicera en känsla som hon en gång upplevt med andra människor, kallar upp den igen inom sig själv och uttrycker den genom vissa yttre tecken”. – 1897 / Vad är konst av Tolstoj, s.38
”Vi vet alla att konst inte är sanning. Konst är en lögn som får oss att inse sanningen.”
-1972 / Pablo Picasso citerad i Dore Ashtons Picasso on Art
”Enbart idéer kan vara konstverk… Alla idéer behöver inte göras fysiska… Ett konstverk kan förstås som en ledare från konstnärens sinne till betraktarens. Men det kanske aldrig når betraktaren, eller så kanske det aldrig lämnar konstnärens sinne.” – 1994 / Sol LeWitt citerad i Art and Its Significance av Stephen David Ross
”Huruvida Mr Mutt med sina egna händer gjorde fontänen eller inte har ingen betydelse. Han valde den. Han tog en vanlig livsartikel, placerade den så att dess användbara betydelse försvann under en ny titel och synvinkel (och) skapade en ny tanke för objektet”. – 1917 / The Blind Man, 2:a utgåvan, av Marcel Duchamp, Beatrice Wood och Henri-Pierre Roché
Fanns den här artikeln användbar? Du kanske gillar de här också!
- Minimalism eller brutalism: vilken ska man välja?
- Vi måste lugna ner vår teknik
- Presenting Service Design and why you should care about it