Věnování přednášky nebo přednášek dějinám fotografie dává studentům příležitost zamyslet se nad estetickým, kulturním a sociálním rozměrem umění prostřednictvím média, kterým se zabývají po celý život. Přednáška o fotografii je proto vhodným místem pro diskusi o širších tématech, jako je vztah originálu ke kopii, obrazu k jeho materiálnímu nosiči a reprezentace ke skutečnosti.
Obsah: Od poloviny devatenáctého století byla fotografie považována za objektivní zobrazení skutečnosti, a to i přes svá omezení, pokud jde o zachycení barev nebo pohybu, a možnost manipulace. Tato lekce vyzývá studenty, aby se zamysleli nad těmito protichůdnými, ale neoddělitelnými aspekty fotografie a zvážili roli fotografie ve vědě a umění devatenáctého století. Tato lekce se zaměřuje na to, jak fotografové zkoumali možnosti nového média v různých žánrech, včetně portrétů, vědecké dokumentace a cestovní fotografie, a nakonec jako masového média a nástroje přesvědčování.
V hodině a patnácti minutách lze tato témata prozkoumat prostřednictvím mnoha fotografií, včetně:
Obrázky:
- Joseph Nicéphore Niépce, Pohled z okna v Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, cca 1839
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth a Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Domov rebelského ostrostřelce, 1863
- Maxime Du Camp, Socha Ramsese Velikého v Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Starověké ruiny v kaňonu de Chelly v Novém Mexiku, ve výklenku 50 stop, 1873
- (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Japonsko, cca 1870
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Neznámý fotograf, Swimming Party, cca 1890
Objev fotografie byl veřejně oznámen v lednu 1839 v pařížské Akademii věd. Umělec a vynálezce diorámy Louis-Jacques-Mandé Daguerre se zasloužil o vynález tzv. daguerrotypie (jedinečný fotografický obraz zachycený na vysoce leštěném povrchu měděné desky). V kanonických přehledech fotografie je Daguerre často oslavován jako vynálezce fotografie, přestože již dříve existovala řada pokusů o zafixování obrazu camera obscura (latinsky „temná komora“, optické zařízení v podobě místnosti nebo krabice, přes kterou se obraz přírody promítá na plátno pomocí světla procházejícího dírkou).
Daguerre například spolupracoval s Nicéphore Niépcem, který s fotografií experimentoval již od 20. let 18. století. Niépceova fotografie z roku 1822 zachycující výhled z jeho okna byla vytvořena pomocí osmihodinové expozice. V roce 1839, kdy Daguerre vytvořil svůj pohled na pařížský bulvár, se doba expozice zkrátila natolik, že bylo možné zachytit jednu postavu, která se zastavila, aby si nechala vyčistit boty. Proč byl pohled z okna tak oblíbeným námětem raných fotografií? uspokojoval praktickou potřebu slunečního světla v kombinaci s tradicí krajinomalby fixovat jinak pomíjivé okamžiky na snímcích, jako byl Daguerrův.
Ve Velké Británii experimentoval s fotografií také aristokrat a polyhistor William Henry Fox Talbot, který ve 30. letech 19. století vytvářel fotogramy botanických vzorků na chemicky upraveném papíře. Talbot věřil, že fotografie může vědcům poskytnout cennou pomůcku a vizuálně zaznamenat údaje pro interpretaci a experimentování. Když se Talbot v lednu 1839 dozvěděl, že Daguerrův postup byl zveřejněn, spěchal oznámit podrobnosti své vlastní metody. Ačkoli se daguerrotypie okamžitě ujala pro svou ostrost detailů (pod mikroskopem je skutečně zřetelnější než při pohledu pouhým okem) a díky propagaci procesu francouzskou vládou, byl to právě Talbotův negativně-pozitivní papírový proces (kalotypie), který se stal základem všech následujících fotografií až do digitálního věku. Studenti by se mohli zeptat: „Proč si myslíte, že se negativně-pozitivní proces stal tak důležitým?“
Vývoj fotografie v masové médium a silnou formu vizuální komunikace předznamenává fotografie Reading Establishment, fotografické vydavatelské firmy založené Talbotem. Vidíme na ní řadu možných způsobů využití fotografie: portrétování, reprodukce uměleckých děl a ilustrace pro knihy. proč Talbot tyto činnosti uvádí? Jak tato fotografie propaguje Talbotovu kalotypii? Asistenti předvádějí zhotovení fotografie a také proces tisku slunečním světlem.
Počátečním projektem firmy byla Talbotova kniha Pencil of Nature, první komerčně vydaná kniha ilustrovaná fotografiemi – milník v umění knihy. Název knihy naznačuje, že fotografie jsou obrázky „nakreslené“ samotnou přírodou bez zásahu umělce. Přesto Otevřené dveře, které jsou šestou deskou v knize, zařazují fotografii do tradice holandské žánrové malby. Co vám na této fotografii připomíná holandské malby, o kterých jsme hovořili v hodině? Talbot klade důraz na detail, kontrast světla a tmy, použití camery obscury, vztah interiéru a exteriéru a také na symboliku každodenních předmětů. Lampa zde symbolizuje cameru obscuru a koště představuje osvícení. Tato fotografie se týká umělecké tradice realismu: každodenního života a toho, co vidí oko. Přestože se fotografie stala důležitým nástrojem umělců, nebyla zpočátku považována za uměleckou formu. Malířské hnutí realismu vzniklo přibližně ve stejné době jako fotografie. Co mají tyto dva způsoby společného? V čem se liší?“
Realismus fotografie sloužil především k zachycení podobizen v podobě portrétů blízkých a pozoruhodných osobností. Komerční daguerrotypické ateliéry se rozšířily ve městech po celé Evropě, ve Spojených státech a nakonec po celém světě. V roce 1841 se expoziční časy pohybovaly kolem 30 sekund až minuty v závislosti na světle, což značně usnadnilo výrobu snímků v komerčním měřítku – ačkoli portrétní ateliéry stále používaly zařízení, která držela hlavy sedících osob v klidu. Daguerrotypické portréty se vyráběly masově, a byly proto cenově dostupné pro každou střední třídu. Proč myslíte, že byly portrétní fotografie tak populární?“
Portrétní ateliéry, jako například ateliér provozovaný Southworthem a Hawesem, zhotovovaly také fotografie celebrit a politiků a inscenovaly tyto snímky tak, aby vypadaly jako obrazy. Proč? Co podle vás naznačují atributy tohoto portrétu Rufuse Choata? V čem je podobný nebo odlišný od jiných portrétů, které jste viděli ve třídě?“ Studenty bychom mohli požádat, aby se zamysleli nad tím, jak se změnil zážitek diváka, když se formát portrétů posunul od luxusních olejomaleb na zdi k malým ručním a masově vyráběným daguerrotypiím.
Julia Margaret Cameronová také aplikovala estetické principy malby na portrétní fotografie. Fotografování se začala věnovat ve svých 49 letech poté, co od svých dětí dostala fotoaparát, a k zachycení intelektuální smetánky z vyššího společenského kruhu používala mokrý kolodiový nátisk na skleněné negativy a albuminové tisky. Cameronová si vybírala témata z řad britských prominentů jednak příhodně (bydlela vedle Alfreda Lorda Tennysona), jednak strategicky: portréty celebrit byly pro fotografy komerčním přínosem. Cameronové portréty, včetně slavného vědce a raného fotografa Johna Herschela, se vymykaly konvencím tím, že používaly dramatické osvětlení a upouštěly od ostrého zaostření ve prospěch svědomitých uměleckých efektů, které oslovovaly diváky znalé Rembrandtova chiaroscura a tradic romantismu. Fotografický tisk kritizoval Cameronovo nedodržování „pravidel“ fotografie, což znamenalo přísné dodržování ostrosti detailů a bezešvého tisku. Jak se liší portrét jako Cameronův od anonymní ženy držící daguerrotypii nebo dokonce od portrétu Rufuse Choatea?“
Malíř Oscar Rejlander, u kterého Cameron krátce studoval, také vytvářel fotografie s uměleckými ambicemi. Jeho snímek Dva způsoby života čerpal z kompozice Rafaelovy Athénské školy a byl složen z 30 samostatných negativů v kombinovaném tisku. Zobrazuje dva mladé muže, kteří se rozhodují mezi ctností a neřestí. Rejlanderova fotografie ukazuje, že ačkoli byla fotografie vnímána jako pravdivé médium, bylo možné s ní také manipulovat. Snímek Dva způsoby života je alegorickým zobrazením viktoriánské morálky a byl zakoupen manželem královny Viktorie princem Albertem, což je raný příklad oficiální vládní podpory fotografie jako umělecké formy.
Rejlander a Cameron zpochybnili status fotografie jako věrné kopie reality ve snaze o umění. Během americké občanské války dlouhé expoziční časy neumožňovaly zachycení bitev. Fotografie přesto přiblížily obrazovou realitu války způsobem, jakým to nedokázalo malířství, protože diváci pochopili, že to, co vidí na fotografii, kdysi existovalo před objektivem. Publikace Alexandra Gardnera Photographic Sketchbook of the War kombinuje fotografie s válečnými příběhy. Otiskoval negativy od různých fotografů, včetně sebe sama. Na snímku Home of the Rebel Sharpshooter z 6. července 1863 Gardner přitáhl mrtvolu vojáka a postavil ji ke zbrani, která nebyla ostrostřelecká, aby vytvořil příběh. Jak se tato fotografie liší od ostatních vyobrazení bitvy, která jsme si prohlíželi ve třídě? Přestože je tato fotografie komponovaná, zobrazuje brutalitu války neromantickým způsobem. Studenti by mohli tuto fotografii přirovnat například ke snímku Benjamina Westa Smrt generála Wolfa (1770).
Dokumentární schopnosti fotografie z ní učinily mocný nástroj veřejného přesvědčování. Vlády viděly tento potenciál a pověřovaly fotografy, aby zaznamenávali politické události, kulturní dědictví a další státní aktivity.
Fotografie byla například oficiálně využívána k dokumentaci vzdálených míst a významných památek, což je zpřístupňovalo širšímu publiku a uchovávalo minulost pro potomky. Maxime Du Camp použil v roce 1850 kalotyp k dokumentaci monumentálních egyptských ruin a hieroglyfů pro francouzskou vládu. Vytvořil přibližně dvě stovky papírových negativů a v roce 1851 vydal tisky v albech po 25 kusech. Du Camp cestoval se spisovatelem Gustavem Flaubertem; oba vyhledávali malebné výjevy a přinášeli s sebou zavedené estetické konvence.Evropský pohled na Egypt a Východ byl exotický a necivilizovaný. Pro Evropany Egypťané nedokázali spravovat své vlastní kulturní dědictví, a Du Campův projekt byl proto vnímán jako ochrana starověkých památek před jejich ztrátou v čase. Jak můžeme vidět tento pocit plynutí času zaznamenaný na Du Campově fotografii?“
Ve Spojených státech cestovali fotografové jako Timothy O’Sullivan na západní expedice, které zkoumaly americkou krajinu a přírodní zdroje pro budoucí osídlení a hospodářské využití, a naplňovaly tak poslání manifestu osudu. O’Sullivan začínal fotografováním občanské války. Jeho fotografie Západu, stejně jako Du Campovy, s sebou nesou převládající kulturní hodnoty. Krajina tak byla vepsána do aktuálních představ o pokroku – transkontinentální železnice byla dokončena v roce 1869 – a předurčena k rozvoji a prosperitě. O’Sullivanovy fotografie kolovaly v prezentačních albech mezi vládními úředníky, ale k široké veřejnosti se dostávaly především jako tisky a stereografie.
Srovnáme-li dvě dokumentární fotografie Du Campovy a O’Sullivanovy, jaký druh informací zprostředkovávají? V čem jsou si vizuálně podobné/odlišné? V čem mohly být užitečnými dokumenty?
Cestovatelé na křeslech v Evropě a ve Spojených státech toužili po fotografiích zachycujících místa a lidi, které vnímali jako exotické. Stereograf, který využívá binokulárního vidění k vytvoření zdánlivě trojrozměrného obrazu při pohledu stereoskopem, nadchl diváky tím, že tyto postavy nebo krajiny vypadaly ještě realističtěji. Levné a sběratelské stereokarty se staly zábavou v salonech střední třídy. Stereoskop je ukázkovým příkladem toho, jak fotografie hroutí čas a vzdálenost a činí svět uchopitelným pouhým pohledem.
Eadweard Muybridge přispěl k technologickému pokroku fotografie a zároveň zkoumal její využití jako nástroje při vědeckých experimentech. Zdokumentoval chůzi koně v plném cvalu. Muybridge nastavil sérii stereoskopických kamer se závěrkami aktivovanými spouštěcími dráty a dokázal tak zachytit cval v zastaveném pohybu, čímž dokázal, že všechny nohy koně opouštějí zem ve stejnou chvíli. To mělo význam pro umělce, kteří již od pravěku používali k zobrazování cválajících koní polohu „houpacího koně“. Muybridge cestoval po USA a Velké Británii a předváděl své fotografie z cyklu Animal Locomotion, pro který vytvořil sérii zastavených fotografií zvířat a lidí při různých pohybech. Experimentoval také s prvními způsoby výroby pohyblivých obrázků, čímž pomohl připravit půdu pro kinematografii.
Koncem devatenáctého století se fotografie stala ještě přístupnější běžnému člověku. George Eastman založil společnost Kodak, která prodávala masově vyráběné fotoaparáty, do nichž byl předem vložen filmový pás s kapacitou 100 expozic. Za poplatek se celý fotoaparát zaslal společnosti Kodak k vyvolání a výtisky se vracely spolu s načteným fotoaparátem. Vložení fotoaparátu do rukou matek, dětí a přátel znamenalo, že detaily každodenního života mohly být spontánně zaznamenány kdekoli. Jak můžeme účinky Eastmanovy inovace vidět dnes?“
Větší obraz: Od levně vyráběných daguerrotypií až po fotografické publikace a fotoaparáty Kodak se fotografie devatenáctého století skutečně stala masovým médiem. Fotografie měla také významný vliv na umění, protože v ní byla chápána jako zlatý standard optického realismu. V hodinách o realismu a impresionismu se budeme zabývat tím, jak malíři začali reagovat na fotografii a využívat ji ve své tvorbě, a v jedné z příštích hodin o fotografii probereme, jak skupina fotografů známá jako piktorialisté přijala fotografii jako svébytné umělecké médium.