Att ägna en föreläsning eller föreläsningar åt fotografins historia ger studenterna möjlighet att överväga konstens estetiska, kulturella och sociala dimensioner genom ett medium som de har arbetat med under hela sitt liv. Föreläsningen om fotografi är därför en bra plats för att diskutera större teman som förhållandet mellan ett original och en kopia, en bild och dess materiella stöd samt representation och verklighet.
Omfattning: Sedan mitten av 1800-talet har fotografiet betraktats som en objektiv representation av verkligheten, trots dess begränsningar när det gäller att fånga färg eller rörelse och dess förmåga till manipulation. Den här lektionen utmanar eleverna att reflektera över dessa motsägelsefulla men oskiljaktiga aspekter av fotografiet för att överväga fotografiets roll inom vetenskap och konst på 1800-talet. Den här lektionen fokuserar på hur fotografer utforskade det nya mediets möjligheter i en mängd olika genrer, bland annat porträtt, vetenskaplig dokumentation och resefotografering, och slutligen som ett massmedium och ett verktyg för övertalning.
På en timme och femton minuter kan dessa teman utforskas genom många fotografier, bland annat:
Bilder:
- Joseph Nicéphore Niépce, Utsikt från fönstret på Le Gras, 1826
- Louis-Jacques-Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, c. 1839
- (Attr.) William Henry Fox Talbot, The Reading Establishment, 1846
- Southworth and Hawes, Rufus Choate, 1850
- Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel, 1867
- Oscar Rejlander, Two Ways of Life, 1857
- Alexander Gardner, Home of a Rebel Sharpshooter, 1863
- Maxime Du Camp, Staty av Ramses den store i Abu Simbel, 1850
- Timothy O’Sullivan, Ancient Ruins in the Canyon de Chelly, New Mexico, in a Niche 50 Feet, 1873
- (Attr.) John Gulick, Two Sworded Officer, Japan, ca 1870
- Eadweard Muybridge, Horse Galloping, 1878
- Frederick Stuart Church, George Eastman on Board Ship, 1890
- Okänd fotograf, Swimming Party, ca 1890
Fotografins upptäckt tillkännagavs offentligt i januari 1839 vid vetenskapsakademin i Paris. Konstnären och uppfinnaren av dioramat Louis-Jacques-Mandé Daguerre fick cred för uppfinningen av det som blev känt som daguerreotypen (en unik fotografisk bild som fångats på en kopparplåts högpolerade yta). Kanoniska undersökningar av fotografi hyllar ofta Daguerre som fotografins uppfinnare, trots att det hade gjorts många tidigare experiment för att fixera bilden i camera obscura (latin för ”mörkt rum”, en optisk anordning i form av ett rum eller en låda genom vilken en bild av naturen projiceras på en skärm med hjälp av ljus som passerar genom ett nålhål).
Daguerre hade till exempel samarbetat med Nicéphore Niépce, som experimenterat med fotografi sedan 1820-talet. Niépces fotografi från 1822 som skildrar utsikten från hans fönster skapades med hjälp av en åtta timmars exponering. När Daguerre tog fram sin bild av en parisisk boulevard 1839 hade exponeringstiden förkortats tillräckligt för att fånga en person som hade stannat för att få sina skor putsade. Varför var utsikten från ett fönster ett så populärt motiv för tidiga fotografier?Den tillfredsställde det praktiska behovet av solljus i kombination med landskapsmåleriets traditioner för att fixera annars flyktiga ögonblick i bilder som Daguerres.
I Storbritannien experimenterade aristokraten och mångsysslaren William Henry Fox Talbot också med fotografering och producerade fotogram av botaniska exemplar på kemiskt behandlat papper på 1830-talet. Talbot trodde att fotografiet skulle kunna vara ett värdefullt hjälpmedel för vetenskapsmän, genom att registrera data visuellt för tolkning och experimenterande. När Talbot hörde att Daguerres process hade offentliggjorts i januari 1839 skyndade han sig att tillkännage detaljerna i sin egen metod. Även om daguerreotypen omedelbart togs i bruk för sin detaljskärpa (den är faktiskt tydligare i ett mikroskop än vad den är med blotta ögat) och på grund av den franska regeringens publicitet om processen, var det Talbots negativ-positiv-process på papper (kalotypen) som låg till grund för all efterföljande fotografering fram till den digitala tidsåldern. Eleverna kan få frågan: Varför tror du att negativ-positivprocessen blev så viktig?
Fotografins utveckling till ett massmedium och en kraftfull form av visuell kommunikation förebådas i ett fotografi av Reading Establishment, ett fotografiskt förlagsföretag som grundades av Talbot. Vi ser ett antal potentiella användningsområden för fotografi: porträtt, reproduktion av konstverk och illustrationer till böcker.Varför tar Talbot med dessa verksamheter? Hur främjar detta fotografi Talbots kalotypi? Assistenterna visar hur man gör ett fotografi och hur man trycker med hjälp av solljus.
Företagets första projekt var Talbots Pencil of Nature, den första kommersiellt publicerade boken som illustrerades med fotografier – en milstolpe inom bokkonsten. Bokens titel antyder att fotografier är bilder som ”ritas” av naturen själv, utan konstnärens inblandning. Men The Open Door, som är den sjätte tavlan i boken, placerar fotografiet i den holländska genremåleriets tradition. Vad ser du i det här fotografiet som påminner dig om holländska målningar som vi diskuterade i klassen? Talbot betonar detaljer, kontraster mellan ljus och mörker, användningen av camera obscura, förhållandet mellan interiör och exteriör samt symbolik i vardagliga föremål. Här symboliserar lampan camera obscura och kvasten representerar upplysning. Det här fotografiet handlar om den konstnärliga traditionen av realism: vardagslivet och vad ögat ser. Även om fotografiet blev ett viktigt verktyg för konstnärer betraktades det till en början inte som en konstform. Målarrörelsen realismen uppstod ungefär samtidigt som fotografiet. Vad har de två formerna gemensamt? Hur skiljer de sig åt?
Fotografins realism användes först och främst för att fånga likheter i form av porträtt av nära och kära och anmärkningsvärda personer. Kommersiella daguerreotypiateljéer spreds i städer över hela Europa, USA och så småningom över hela världen. År 1841 var exponeringstiderna cirka 30 sekunder till en minut beroende på ljuset, vilket gjorde det mycket lättare att producera bilder i kommersiell skala – även om porträttstudior fortfarande använde anordningar för att hålla huvudet stilla. Daguerreotypiporträtt var massproducerade och därför överkomliga för alla medelklasspersoner. Varför tror du att porträttfotografier var så populära?
Porträttstudior, som den studio som drevs av Southworth och Hawes, fotograferade även kändisar och politiker och iscensatte bilderna så att de såg ut som målningar. Varför? Vad tror du att attributen i det här porträttet av Rufus Choate tyder på? Hur liknar eller skiljer det sig från andra porträtt som ni har sett i klassen?Eleverna kan uppmanas att fundera över hur betraktarens upplevelse förändrades när porträtt skiftade format från lyxiga oljemålningar på en vägg till små handhållna och massproducerade daguerreotypier.
Julia Margaret Cameron tillämpade också estetiska principer från måleriet på porträttfotografier. Hon började fotografera vid 49 års ålder efter att ha fått en kamera av sina barn och använde våtkollodium på glasnegativ och albumenutskrifter för att fånga den intellektuella eliten från sin sociala överklasskrets. Camerons val av motiv bland Storbritanniens koryféer var både bekvämt (hon bodde bredvid Alfred Lord Tennyson) och strategiskt: porträtt av kändisar var en kommersiell välsignelse för fotograferna. Camerons porträtt, bland annat av den berömde vetenskapsmannen och tidiga fotografen John Herschel, trotsade konventionerna genom att använda dramatisk ljussättning och avstå från skarpt fokus till förmån för samvetsgranna konstnärliga effekter som tilltalade tittare som var bekanta med Rembrandts chiaroscuro och romantikens traditioner. Den fotografiska pressen kritiserade Camerons åsidosättande av fotografins ”regler”, som innebar en strikt följsamhet till detaljskärpa och sömlös tryckning. Hur skiljer sig ett porträtt som Camerons från den anonyma kvinna som håller i en daguerreotypi eller till och med Rufus Choates porträtt?
Målaren Oscar Rejlander, som Cameron kortvarigt hade studerat med, skapade också fotografier med konstnärliga ambitioner. Hans Two Ways of Life hämtade inspiration från kompositionen i Rafaels School of Athens och bestod av 30 separata negativ i ett kombinationstryck. Det föreställer två unga män som väljer mellan dygd och last. Rejlanders fotografi visar att även om fotografiet sågs som ett sanningsenligt medium kunde det också manipuleras. Two Ways of Life är en allegorisk representation av viktoriansk moral och köptes av drottning Victorias make prins Albert, ett tidigt exempel på officiellt statligt stöd för fotografi som konstform.
Rejlander och Cameron utmanade fotografins status som en trogen kopia av verkligheten i strävan efter konst. Under det amerikanska inbördeskriget gjorde långa exponeringstider det inte möjligt att fånga strider. Fotografier gav ändå en bild av krigets grafiska verklighet på ett sätt som måleri inte kunde göra, eftersom betraktarna förstod att det de såg på fotografiet en gång hade existerat framför kameran. Alexander Gardners publikation Photographic Sketchbook of the War kombinerar fotografier med krigsberättelser. Han tryckte negativ från en rad olika fotografer, inklusive honom själv. I Home of the Rebel Sharpshooter från den 6 juli 1863 släpade Gardner en soldats lik och ställde upp det med en pistol som inte var en skarpskyttes för att skapa en berättelse. Hur skiljer sig det här fotografiet från andra skildringar av strider som vi har tittat på i klassen? Även om det här fotografiet var komponerat skildrade det här fotografiet krigets brutalitet på ett oromantiskt sätt. Eleverna kan till exempel jämföra detta fotografi med Benjamin Wests The Death of General Wolfe (1770).
Fotografins dokumentära förmåga gjorde den till ett kraftfullt verktyg för att övertyga allmänheten. Eftersom regeringarna såg denna potential gav de fotograferna i uppdrag att registrera politiska händelser, kulturellt arv och annan statlig verksamhet.
Fotograferingen användes till exempel officiellt för att dokumentera avlägset belägna platser och viktiga monument, vilket gjorde dem mer tillgängliga för en bredare publik och bevarade det förflutna för eftervärlden. Maxime Du Camp använde kalotypen för att dokumentera Egyptens monumentala ruiner och hieroglyfer för den franska regeringen 1850. Han skapade omkring tvåhundra pappersnegativ och gav ut tryck i album om 25 stycken 1851. Du Camp reste tillsammans med författaren Gustave Flaubert; de två sökte efter pittoreska scener och hade med sig etablerade estetiska konventioner.Den europeiska synen på Egypten och Östern var att det var exotiskt och ociviliserat. För européerna kunde egyptierna inte förvalta sitt eget kulturarv, och Du Camps projekt sågs därför som ett sätt att bevara de antika monumenten mot att de skulle gå förlorade i tiden. Hur kan vi se denna känsla av tidens gång registrerad i Du Camps fotografi?
I USA reste fotografer som Timothy O’Sullivan med på västliga expeditioner för att kartlägga USA:s landskap och naturresurser för framtida bosättning och ekonomisk exploatering, vilket uppfyllde uppdraget om manifest destiny. O’Sullivan hade fått sin början genom att fotografera inbördeskriget. Hans fotografier av västern, liksom Du Camps, bär med sig dominerande kulturella värderingar. Landskapet var således inskrivet med aktuella idéer om framsteg – den transkontinentala järnvägen var färdig 1869 – och förutbestämt för utveckling och välstånd. O’Sullivans fotografier cirkulerade i presentationsalbum bland regeringstjänstemän, men till allmänheten främst som tryck och stereografier.
Vid jämförelse av två dokumentära fotografier av Du Camp och O’Sullivan, vilken typ av information förmedlar de? På vilket sätt är de likadana/olika visuellt sett? Hur kan de ha varit användbara dokument?
Sittande resenärer i Europa och USA var ivriga att få fotografier som skildrade vad de uppfattade som exotiska platser och människor. Stereografen, som utnyttjar binokulär syn för att skapa en till synes tredimensionell bild när den betraktas genom ett stereoskop, gjorde tittarna entusiastiska genom att få dessa figurer eller landskap att framstå som ännu mer realistiska. Billiga och samlingsbara stereokort blev en underhållning i salongen bland medelklassen. Stereoskopet är ett utmärkt exempel på hur fotografiet kollapsar tid och avstånd och gör världen begriplig enbart genom att titta.
Eadweard Muybridge bidrog till fotografiets tekniska framsteg samtidigt som han utforskade dess användning som ett verktyg för vetenskapliga experiment. Han dokumenterade en hästs gång i full galopp. Genom att sätta upp en serie stereoskopiska kameror med slutare som aktiverades av snubbeltrådar kunde Muybridge fånga galoppen i stillestånd och bevisa att hästens alla ben lämnar marken samtidigt. Detta fick konsekvenser för konstnärer, som sedan förhistorisk tid hade använt sig av den ”gungande hästpositionen” för att avbilda galopperande hästar. Muybridge reste runt i USA och Storbritannien för att visa sina fotografier från sin serie Animal Locomotion, där han tog en rad fotografier av djur och människor i olika rörelser. Han experimenterade också med tidiga sätt att framställa rörliga bilder, vilket bidrog till att bana väg för biografen.
I slutet av 1800-talet blev fotografiet ännu mer lättillgängligt för gemene man. George Eastman grundade företaget Kodak, som sålde massproducerade kameror som kom förinstallerade med en filmremsa med kapacitet för 100 exponeringar. Mot en avgift kunde hela kameran skickas till Kodak för framkallning, och avtrycken returnerades tillsammans med den omladdade kameran. Genom att ge kameran i händerna på mödrar, barn och vänner innebar det att detaljer från vardagslivet kunde registreras spontant var som helst. Hur kan vi se effekterna av Eastmans innovation i dag?
The Bigger Picture: Från billigt tillverkade daguerreotypiporträtt till fotografiska publikationer och Kodakkameror blev 1800-talets fotografi verkligen ett massmedium. Fotografin hade också en betydande inverkan på konsten, eftersom den i den ansågs vara den gyllene standarden för optisk realism. Under lektioner om realism och impressionism kommer vi att ta upp hur målare började reagera på och använda fotografi i sina verk, och i en framtida lektion om fotografi kommer vi att diskutera hur en grupp fotografer, kända som pictorialister, omfamnade fotografiet som ett eget konstnärligt medium.